4957

91

сформулировавший его принципы, разработавший программу пленэра (работу на природе, а не в мастерской) и новую живописную технику.

Расцвет творчества Моне пришелся на 70-е годы, когда он жил в Аржентее. Здесь им были написаны такие шедевры импрессионистического пейзажа, как «Регата в Аржентее», «Маки», «Парусные лодки». Палитра Моне полностью избавилась от темных тонов, приобретя радость, свежесть и ослепительное богатство света. Озаренные солнцем, овеянные свежим ветром изображения Сены – настоящие поэмы воды и света.

Известная картина «Осенний свет а Аржентее» (1873 г.) не содержит ни рассказа, ни нравоучения, а только отражение в красках зрительных впечатлений и ощущений художника. Расположив вплотную друг к другу контрастирующие цвета, например, теплые красные и оранжевые рядом с холодными синими, Моне передал чувство тепла и свежести, столь свойственные погожему осеннему дню. Моне стремился писать так, чтобы зритель, глядя на картину, чувствовал то же, что чувствует художник в момент ее создания. Пушистость облаков передана мягкими округлыми мазками, а тронутая рябью поверхность реки – короткими поперечными штрихами кисти. Голубая водная гладь «уносит» взгляд по течению. Пышная листва, обрамляющая реку, направляет взгляд зрителя, а голубой цвет, постепенно высветляясь, усиливает впечатление дали. Издали полотно словно светится, оно все пронизано ясным солнечным светом и переливается золотистыми красками осени. В левой части картины розовые и желтые мазки оттенены зелеными. Это одна из первых работ, где Моне использовал всю палитру основных цветов солнечного спектра, что и стало отличительным признаком импрессионизма.

Эта картина предвосхищает знаменитую серию «Кувшинок», написанных в саду художника в Живерни, неподалеку от Аржантея, где он устроил знаменитый пруд с кувшинками, чтобы можно было в любое время наблюдать водную гладь, отражающую небо, и все изменения света в течение дня.

Стихия света, в котором формы и краски обретали новую жизнь, вторглась и в городские пейзажи художника, как, например, в изумительном «Бульваре Капуцинов» (1873 г.), где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу. Густая синеватая тень, отброшенная домом, из окна которого писал пейзаж Моне, заставляет солнечную сторону улицы сиять и излучать тепло.

В80-90-х годах Моне, в погоне за мгновением, писал серии видов одного и того же места – «Стога», «Тополя», фасады Руанского собора, лондонский туман. Формы предметов на этих полотнах растворяются в тончайших переливах света.

Многие достижения импрессионистов связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1864–1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов.

Втечение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его истинным призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников. Его картины, большей частью написанные на пленэре, отличает особая светозарность и звучность цвета, отчего полотна Ренуара остались памятником самого оптимистического отношения к миру.

Картина «Мулен де ла Галлет» (1876 г.), на которой изображен народный бал в саду монмартрского танцзала, не только шедевр, но во многом программное

произведение импрессионизма. Общий взгляд улавливает прежде всего живой ритм

92

танца, мелькание юных лиц: ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен на поверхности холста. Интересна композиция картины – первый план дан как бы сверху, поэтому сидящие на террасе персонажи не заслоняют танцующих. Подвижность света и цвета в этой картине выражает радость бытия.

«Портрет Жанны Самари», актрисы театра «Комеди Франсез», стал своеобразным манифестом импрессионистического портрета. Мазки, как бы произвольно положенные на холст, создают формы, тени отливают синевой, глаза актрисы таинственно блестят, завораживая своей глубиной.

80-е годы в творчестве Ренуара знаменуют начало нового этапа: в работах этого периода меняется колорит – от голубовато-синих тонов, которые доминировали в его импрессионистических полотнах, Ренуар переходит к красным, золотистым, зеленоватым. В такой манере написаны наиболее известные из его картин – «Танец в Буживале», «У моря», «Зонтики» и «Завтрак гребцов», которую многие исследователи считают итоговым импрессионистическим произведением, т.к. после нее Ренуар обратился к приемам старых мастеров.

С середины 90-х годов искусство Ренуара вступило в новую, заключительную фазу, отмеченную редким стилистическим единством, но узостью тематики по сравнению с импрессионистическим периодом. Художник особенно охотно пишет обнаженную или полуобнаженную натуру на фоне природы, и эти работы являются самыми совершенными и классическими его созданиями. «Большие купальщицы», «Спящая», «Девушка в соломенной шляпе», «Габриэль с розой» и другие картины предвосхитили дальнейшие творческие искания художников конца ХIХ – начала ХХ веков.

Импрессионизм – чисто французское явление в живописи, которое стремилось фиксировать отдельный миг природы, но, декларируя эстетическую ценность мимолетного случайного впечатления, они оказались в плену натуралистического мышления, заменив живопись внешним, поверхностным наблюдением за предметом, абстрагируя его от всех пространственно-временных смысловых связей.

11.2. Постимпрессионизм

Как художественное течение импрессионизм быстро исчерпал свои возможности,

ина смену ему пришел постимпрессионизмм, представленный крупнейшими живописцами – П. Сезанном, В. Ван Гогом, П. Гогеном, Ж. Сера, А. Тулуз-Лотреком и некоторыми другими. Главное отличие этих художников от ранних импрессионистов заключалось в отсутствии единой эстетической концепции, в их разобщенности, хотя их искусство тоже базировалось на визуальном восприятии мира, кроме того, они в своих картинах стремились запечатлеть не мгновение, в вечность. Они расширили маленький мирок импрессионистов до масштабов Вселенной: если мир импрессионистов растворен в меняющейся световоздушной атмосфере, в солнечных бликах, то в картинах постимпрессионизма подчеркнута весомость предмета, четкая линия горизонта, объемность: деревья – не иллюзия листвы, а обобщенная масса; структура зданий не размыта, а подчеркнута. У постимпрессионистов появились четкие

ижесткие контуры рисунка, объем взаимодействует с пространством, в отличие от

плоскостности, как это было в картинах Мане. От импрессионистов у их последователей осталась воздушная среда и синие (не черные) контуры, нарушение линейной перспективы, когда дальний план как бы выдвигается вперед и мягкий, праздничный колорит.

Величайшим художником постимпрессионизма, родоначальником экспрессионистской живописи ХХ века является голландский художник Винсент Ван Гог (1853–1890).Это был художник, создававший максимально яркие образы путем

93

синтеза рисунка и цвета, упорядоченный мазок казался ему недостаточным для передачи своего выражения (экспрессии). Техника Ван Гога – это точки, запятые, вертикальные черточки, сплошные пятна. Он менял свою технику иногда даже в пределах одной картины, поскольку каждый предмет впечатлял его по-разному. Сам экспрессивный, Ван Гог видел мир как неустанный круговорот, как вечное движение. Его дороги, грядки и борозды действительно убегают вдаль, а кусты горят на земле, как костер. Он изображал не один миг, а непрерывность мигов. Все случайное Ван Гог умел претворить в космическое, в этом и была главная особенность его творчества.

Еще большей выразительностью, чем техника письма, обладает колорит красок Ван Гога. Его душа требовала неистовых красок, он любил ярко-желтый цвет. Желтая, мажорная гамма - от нежно-лимонной до ярко-оранжевой – была для него символом солнца, ржаного колоса, «благовестом христианской любви». Эти краски бушуют в его знаменитых «Подсолнухах», «Сеятеле», «Красных виноградниках» (все 1888–1889). Синяя гамма – от голубой до иссиня-черной – казалась ему цветом холодной, бесстрастной вечности, ночного неба, смерти: «Хлеба и кипарисы», «Дорога в Провансе», «Терраса кафе ночью», «Звездная ночь» (все 1889–1891).

На полотнах Ван Гога обыденные предметы, люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние; природа предстает в одухотворенном виде.

Винсент Ван Гог писал много портретов, одним из лучших считается «Портрет доктора Гаше» (1890 г.). Композиция портрета, на котором сидит, подперев голову рукой, врач Ван Гога Поль Гаше, построена по диагонали, букет цветов, край стола, наклон фигуры подчеркивают это. Прихотливо положенные мазки, создающие фон и силуэт персонажа, вызывают ощущение внутреннего беспокойства, напряженности, раздумья, что придает портрету философский смысл. Ван Гог написал несколько автопортретов, в которых чувствуется стремление к самоанализу, изображение в них доведено до такого напряжения, что эти произведения превращаются в отчаянную попытку диалога с самим собой и со зрителем. Это и «Автопортрет с трубкой» (1886 г), созданный в манере голландского реализма и «Автопортрет за мольбертом» (1888 г.), выполненный в мазочной технике и импрессионистском стиле, в светлых тонах и порывистом прикосновении кисти. Самый известный – «Автопортрет с перевязанным ухом», написанный в 1889 году, после размолвки с Гогеном, на которую он отреагировал неожиданным образом: отрезал себе мочку уха. Это первое буйное проявление душевного расстройства, которое в июле 1890 года приведет его к самоубийству.

Другой художник, творчество которого относится к постимпрессионизму, Поль Гоген (1848–1903) совмещал в своих работах действительность и миф, создавая непосредственную и чистую реальность. Испытав в начале творчества влияние Писсарро, он начал искать свой собственный путь и вскоре создал свой синтетический метод, в котором придавал большое значение выразительности языка, цвета, символике линий и поверхностей. Его художественные поиски предвосхитили абстракционизм. В своих ранних картинах Гоген стремился добиться компактности и простоты форм, для чего использовал упрощенные контуры и строгую композицию. Испытывая влияние японской гравюры, он отказался от моделировки форм, сделав более выразительными рисунок и колорит. В своих картинах Гоген стал подчеркивать плоскостный характер живописной поверхности, лишь намекая на пространственные отношения и решительно отказываясь от воздушной перспективы, строя свои композиции как последовательность плоских планов. Его современник, художник Эмиль Бернар выработал новый стиль, произведший на Гогена сильное впечатление, – клуазонизм (от слова «перегородка»), основанный на системе ярких цветовых пятен,

94

разделенных резкими контурами. Гоген применил это открытие в «Видении после проповеди, или Иаков, борющийся с ангелом» (1888 г.), где перспектива и пространство полностью исчезли из картины, уступив место цветовой разработке поверхности.

На Таити, где Гоген окончательно поселился в 1895 году, он обрел свой стиль и манеру письма, заимствуя многие мотивы своих картин из древних культур – египетской, греческой и яванской. На его полотнах в бесконечном пространстве, наполненном лиловыми, голубыми и изумрудными пятнами, сохраняются четкие контуры, гармоничные строения и форма предметов. Особенность «таитянского» Гогена состоит в ярко выраженной декоративности, стремлении закрашивать одним цветом большие плоскости холста, в использовании линейного контура, в любви к орнаментике, которая присутствовала и на тканях одежд, и на коврах, и в пейзажном фоне. Изображения приобретают монументальность, делая туземцев идеалом человеческой красоты. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся главными героями картин. Его «Таитянки» (1892 г.), «Женщина, держащая плод» (1893 г.), созданные после первого посещения Таити в 1891 году, отражают идеал естественного человека, не тронутого цивилизацией, слившегося с древними корнями человечества. В 1897 году он создает полотно, которое можно считать своего рода душевной исповедью художника «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?», в нем прославлено царство первозданного единства природы, человека и божества.

Поздние работы Гогена, необычайно интенсивные по колориту, проникнуты лиризмом, безмятежностью, гармонией и красотой, и в них никак не обнаруживаются страдания, которыми были отмечены последние годы жизни художника.

Открытия, сделанные постимпрессионистами в живописи, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве ХХ века – фовизма, кубизма, экспрессионизма, абстракционизма, сюрреализма и других.

11.3. Литература рубежа веков

В литературе на рубеже Х1Х-ХХ веков происходят не менее интересные процессы, чем в изобразительном искусстве. Если в эпоху Просвещения появился жанр философского романа, в романтизме - жанр исторического романа, а в реализме – социально-психологического, то в литературе рубежа веков появляется интеллектуальный роман.

Для интеллектуального романа характерны следующие черты: присутствие философского начала, которое зачастую реализуется в форме притчи, являющейся одним из средств выражения морально-философских суждений автора. В таком романе чаще всего присутствует аллегория, для него характерны также емкость обобщений, литературные реминисценции, стилизация и даже мистификация. Концептуальное начало в образном мышлении проявилось в творчестве таких писателей, как А.Франс, Б.Шоу, Г.Ибсен, Т. Манн, Г.Уэллс, К. Чапек, и многих других мастеров слова.

Одним из первых писателей интеллектуального жанра является Анатоль Франс (1844-1924), настоящее имя Анатоль Тибо, родившийся во Франции. Его знаменитый роман «Остров пингвинов» (1908г.) поднимает проблемы смысла жизни человека в ХХ веке. Роман сложен по жанру: это фантастико-философская историческая повесть. Роман пронизан иронией, напоминает вольтеровские произведения. Выдержан в традициях литературы Просвещения. В романе много условности: вместо людей действуют пингвины, в процессе своей эволюции превращающиеся в людей (пародия на теорию Дарвина). Они не знали горя, пока были птицами, но стоило Святому Маэлю их окрестить и приобщить к роду человеческому, как их безмятежному существованию пришел конец. Став людьми, пингвины овладели благами цивилизации, что привнесло

95

в их душу зависть, ревность, ненависть друг к другу, т.е. им стали присущи все худшие человеческие качества. Потом начинается дележ земли, сопровождаемый алчностью и убийствами ближних. Позже на острове было организовано государство, законодательно лишив бывших пингвинов свободы, обременив их непосильными налогами. Когда собственные земли были разорены, пингвины стали вторгаться в соседние государства, начались религиозные, захватнические войны. Историю острова Франс проследил до своей современности – 1908 года. В Новом времени царят коррупция, политические интриги, социальные конфликты, заканчивающиеся победой правящих кругов. Исследовав историю рода человеческого, автор приходит к выводу о том, что в процессе своей эволюции человек деградировал, превратился в своеобразного «пингвина», стал растленным, тупым, агрессивным. Повинны в этом такие общественные институты, как суд, армия. Церковь. Они сформировали человека безвольного, компромиссного, подлого. Войны, прошедшие через историю человечества только деморализовывали личность, приводили человека к биологическому оскудению. В чем же смысл бытия в ХХ веке? Франс ответил – в уничтожении того мира, который гнетет человека, не дает ему возможности совершенствоваться. Однако на руинах старого мира автор строит точно такое же несовершенное общество. Франс не увидел позитивного будущего и призвал читателя задуматься над поисками выхода из социального и нравственного тупика.

Подобные проблемы поднимала и драматургия этого периода. Появляются интеллектуальные пьесы, зовущие поразмышлять над всем увиденным на театральных подмостках. Это пьесы Б. Шоу, такие, как «Профессия миссис Уоррен», «Дом, где разбиваются сердца», пьесы Б.Брехта, осваивавшего литературный опыт Г.Ибсена, Б.Шоу. Брехт пошел дальше своих предшественников: он реформировал театр, приспособив его эстетику к своему времени – эпохе войн и революций. Основное его творчество развивалось в ХХ веке.

ГЛАВА 12. ИСКУССТВО И ЛИТЕРАТУРА ХХ ВЕКА

12.1. Стиль модерн в архитектуре

Характерной чертой искусства ХХ века является разнообразие направлений, объединившихся под общим названием модернизма (от фр. moderne – «новейший», «современный»). В первые десятилетия ХХ века многие мастера модерна восставали против традиционных форм, они стремились творчески воплотить черты нового материального и духовного мира. Направление модерна вобрало в себя принципы предыдущих стилей и интерпретировало их, исходя из вкусов и технических возможностей своего времени, став в свою очередь стилем синтетическим, эклектичным – своеобразной попыткой соединения традиций Востока и Запада, Античности и Средневековья, классицизма и романтизма.

В основных национальных школах модерн начинался в графике и прикладном искусстве и постепенно втягивал в свою орбиту архитектуру. В последующие годы именно в архитектуре стиль модерн проявился с наибольшей полнотой.

На раннем этапе становления модерна ведущую роль сыграла Англия, так как именно английский художник-дизайнер Уильям Моррис (1834–1896) почувствовал, что индустриализация пагубно влияет на художественные вкусы. В своем творчестве он вернулся к ручному, штучному труду. Его ковры, гобелены, обои, изразцы, выполненные вручную, положили начало новому движению в искусстве Англии, которое стало называться «modern stile». Во Франции новые поиски в искусстве получили название «ар нуво», что значит «новое искусство», и одним из первых его представителей стал художник Эмиль Галле (1846–1904), создавший изделия из стекла

96

вформе изысканных растительных стилизаций. Его поиски в области дизайна продолжили соотечественники, художники по стеклу и знаменитые ювелиры Р. Лалик и Л. Тиффани.

Вархитектуре модерна выделились несколько направлений: национальноромантическое, «пластическое», классицистическое и рациональное. Формирование национально-романтического стиля в архитектуре связано, прежде всего, с работой английских архитекторов, опиравшихся на романтическую традицию, сочетавшую средневековую и народную архитектуру. Известным примером здания, построенного в «готическом народном» духе, был знаменитый «Красный дом», построенный Уильямом Моррисом в Беркли Хилл, достижения которых были в дальнейшем подхвачены многими архитекторами.

Признанным лидером испанского модерна в его национально-романтической интерпретации стал Антонио Гауди (1892–1926). Во всех зданиях Гауди, в первую очередь в его главном, известном творении – соборе Саграда Фамилиа («Святое Семейство»), построенном в Барселоне, нет ни одного прямого угла. Конструкция незаметно переходит в скульптурное изображение, а затем в живопись или мозаику. Собор часто называют «энциклопедией Гауди»: вся архитектурная фантасмагория, состоящая из причудливых существ, фигур людей и животных, дополняется цветом ярко окрашенных черепков и кусков стекла, переливающихся на солнце.

Постройка собора была задумана Гауди как своеобразная евангельская энциклопедия – собрание сюжетов и образов из Нового завета, которые дают представление о земной жизни Иисуса Христа. Главный фасад посвящен Рождеству Богоматери, его врата – основным христианским добродетелям. Шпили символизируют апостолов, на внутренних дверях изображены десять заповедей; на капителях колонн – добрые дела, а на их основаниях (базах) – грехи. По мысли архитектора, все фасады собора должны быть покрыты облицовкой из разноцветной керамики и цветного стекла, чтобы сияли под лучами солнца. Гауди не успел достроить собор, он трагически погиб, попав под трамвай в возрасте семидесяти четырех лет.

Стремление архитектуры ХХ века к необычному нашло яркое воплощение в «пластическом» искусстве модерна, яркими представителями которого были бельгиец Виктор Орта (1861–1947) и француз Гектор Жермен Гимар (1867–1942). В качестве нового стилистического языка, не имеющего аналогов в прошлом, ими была выбрана причудливо изогнутая, пластическая линия вьющихся, волнистых цветов и растений: лилий, ирисов, камышей и т.д. Наиболее известны особняки и отели, построенные Орта

вБрюсселе – дом Тасселя (1892–1893), дом Сольве (1895–1900) и Отель ван Этвелде (1899 г.). Гимар прославился строительством станций французского метрополитена, которым он стремился придать художественный облик, его успехи в этом были столь значительны, что даже появился термин «стиль метро».

Одним из направлений модерна, стремящегося противостоять разностилью, стало

обращение к традициям классицизма. Зарождение		неоклассицизма	как
общеевропейского направления	в рамках модерна было связано с именем немецкого
архитектора Франца Штука	(1863–1928). Архитектуру	неоклассицизма	отличали

монументальность, помпезность Совершенно новым в архитектуре модерна, получившим интенсивное развитие в

ХХ веке, стало рациональное направление, возникшее как результат влияния технического прогресса на архитектуру: стали применяться металлические конструкции и каркасы, позволявшие создавать большие остекленные поверхности фасадов. Стекло и металл стали основой предельно простых архитектурных форм. Выпущенные серийным методом металлические конструкции привносили в здания единообразие, что стало восприниматься как «рациональность».

97

Врационалистических рамках модерна зародилась промышленная архитектура, проникнутая индустриальным духом. Фабричные здания, рабочие корпуса, дома для рабочих отражали эстетику простоты и аскетизма.

Влияние промышленной архитектуры на гражданскую обусловило появление конструктивизма, зачинателем которого был швейцарец Ле Карбюзье (1887–1965). В своих конструкциях он широко использовал бетон, структуру ячеек, передвижные перегородки в интерьере. В 1929 году он создал в Москве проект Здания Центросоюза, которое было построено в 1939 году.

После Второй мировой войны каждая постройка Ле Карбюзье становилась художественным открытием. Такими были капелла в Роншане на юге Франции (1950–1955), монастырь Ля-Туретт близ Лиона (1959 г.), здание Национального музея западного искусства в Токио (1956–1959), Центр искусства в Кембридже, США (1961–

1964).

Вразличных модернистских течениях исчезло художественно-образное содержание искусства, исчезло гуманное начало, прервалась «связь времен». Нарушились грани, отделяющие одно искусство от другого.

12.2. Основные течения в живописи модерна

Живопись модерна также отличает большое разнообразие течений. Первым из них

принято считать фовизм (от фр.fauve – дикие). Стремление группы художников,	в
которую входили Анри Матисс, Андре Дерен, Жорж Руо, Альбер Марке и другие,	к

новому живописному языку, яркому, эмоциональному объединило их. У них было много общих корней – увлечение живописью Гогена и Ван Гога, теорией чистого цвета, восточным и примитивным искусством. Фовисты не считались ни с какими установленными в европейской живописи законами перспективы, светотени, постепенного сгущения или смягчения цвета, первенства рисунка в структуре картины. Дерен призвал фовистов «изобразить мир таким, каким нам хочется», а Анри Матисс (1869–1954) писал, что «исходный пункт фовизма – решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым желтым – первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин». Именно так был им написан в 1905 году портрет его жены «Зеленая полоса» («Мадам Матисс»), который поразил современников невиданным ранее сочетанием цветов – синего, красного и зеленого, и смелым построением форм. Более известны его картины-панно, выполненные по заказу русского коллекционера С.И. Щукина – «Танец» и «Музыка» (оба 1910 г.). Оба панно задуманы как единый ансамбль. Их композиции построены на контрасте: замкнутый круг из пяти обнаженных фигур, словно пронизанных единым движением, в «Танце», и внешне разобщенные, но связанные одним настроем персонажи в «Музыке». Пространство в обеих картинах предельно упрощено, в палитре господствуют всего три цвета: синий, красный и зеленый, фигуры обрисованы гибкими, упругими линиями, создающими музыкальный ритм полотен.

В живописи модерна наиболее крайней школой принято считать абстракционизм, искусство, которое полностью разрывает какие бы то ни было связи с реальной действительностью и оперирует только красками, цветом, формой, линией. У абстракционистов линия и структура форм заменяет собой предмет. По определению французского историка искусства Мишеля Сейфора, «всякое искусство, которое следует рассматривать с точки зрения дисгармонии, антикомпозиции, умышленного беспорядка есть искусство абстрактное». (Энциклопедия живописи. М.: Изд-во «Трилистник». 1999. С.6). Всю абстрактную живопись, продолжающую развиваться и сегодня, разделяют на две группы: с одной стороны, геометрическая абстракция, начало которой было положено К. Малевичем (Россия), и П. Мондриана (Голландия); с

98

другой – абстрактный экспрессионизм, где произвольные сочетания форм и цветов

призваны выразить	чувства и бессознательные эмоции художника. К художникам
этого ряда относят	В. Кандинского и М. Эрнста, процесс творчества которых

подчеркивает такие черты абстракционизма, как «случайность», «отвлеченность». Наряду с другими модернистскими течениями абстрактная живопись приводила к полному распаду художественного образа, беспредметности.

Наиболее радикальным художественным течением, достигшим своего апогея в 1907–1914 годах, стал кубизм. Сам термин произошел от выражения одного из критиков того времени, назвавшего новые произведения Брака и Пикассо, основоположников кубизма, «кубическими странностями». На становление кубизма повлияла популярная в то время африканская скульптура, свободно обращавшаяся с формой: голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно.

Признанный глава художественного авангарда Пабло Пикассо (полное имя Пабло Руис – и Пикассо, 1881–1973), родился в Испании, городе Малаге, в семье преподавателя рисования. Художественная одаренность обнаружилась очень рано, что было отмечено и поддержано родителями. Пикассо вначале учился в Барселоне, в школе изящных искусств, а в 16 лет был принят в Академию Художеств в Мадриде. В 1900 году он приехал в Париж, где открыл для себя великих импрессионистов. В 1901 году Пикассо впервые выставляет свои картины в галерее известного коллекционера и продавца картин Амбруаза Воллара. Начинается «голубой период» в творчестве художника. Он отказывается от ярких красок, сосредоточив внимание на различных оттенках голубого цвета. Картины этого периода пронизаны чувством тоски и одиночества, отмечены даже некоторой болезненностью, характерной для рубежа веков, они отличаются манерным и холодным стилем, что подчеркивает их трагичность. Таковы «Портрет поэта Сабартеса» (1901 г.), «Любительница абсента»

(1902 г.), «Жизнь» (1903 г.) и другие.

Около 1905 года Пикассо вступил в свой «розовый» период, колорит стал более теплым, формы обрели мягкость очертаний, деталям стало уделяться больше внимания. П. Пикассо словно дает волю своему испанскому темпераменту: его излюбленными героями стали акробаты, актеры, гимнасты. Они написаны как будто спонтанно, без холодной расчетливости первого периода. Это «Семейство акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре» (обе 1905 г.), «Туалет» (1906 г.). В эти же годы он знакомится с Матиссом и усиленно изучает творчество Сезанна.

В1907 году Пабло Пикассо показал друзьям полотно «Авиньонские девицы», в котором он отверг иллюзорную трехмерность, перспективу, светотень. Поверхность картины – и фон и тела пяти обнаженных женщин – была рассечена на геометрические сегменты. Выглядели «девицы» как грубо вытесанные древние идолы. Даже самые тонкие ценители и знатоки современного искусства не сразу приняли находки, сделанные Пикассо, который и в последующих картинах продолжал дробить предметы

ифигуры на составные части, упрощая их до строгих геометрических форм кубов, конусов, полусфер, цилиндров, отчего большие цельные объемы распадались на множество мелких, как в «Портрете А. Воллара» (1910 г.).

В1912 году Пикассо занялся коллажем, который способствовал переходу от аналитического кубизма к синтетическому. В коллаже клочки газет, обоев, нот уводили от чистой абстракции, восстанавливая посредством букв связь с конкретными вещами. Такие приемы Пикассо позже станет использовать в картинах, даже будет прибегать к более ярким краскам, чтобы через синтетическую форму восстановить связи между

элементами и	сделать их	более узнаваемыми. Коллажи привели Пикассо к
декоративности	и наметили	отход от кубизма, как в «Женщине, сидящей перед

99

камином» (1914 г.). Художник вырабатывает новый стиль, вернувшись к классическому способу изображения. Женщины, которых он писал в это время, кажутся колоссальными по пропорциям, а складки их туник напоминают каннелюры античных колонн – «Три женщины у источника» (1921 г.). Пикассо уделяет больше внимания моделировке объемов, хотя часто обращался и к плоскостным композициям, лишенным каких-либо пластических эффектов.

В 1922 году Пикассо сблизился с сюрреалистами, и их методы тоже долгое время влияли на его живопись, что проявилось в таких картинах, как «Танец» (1925 г.). Путешествуя по Испании, в 1934 году Пикассо увлекся искусством гравюры и создал целую серию «Минотавромахия», исполненную в 1935 году, отражавшую события, предшествующие Гражданской войне в Испании. Пикассо с самого начала этой войны был на стороне антифашистов-республиканцев, знаменитое полотно «Герника» (1937 г.) выражает его отношение к режиму генерала Франко.

Поводом для написания «Герники» послужило разрушение Герники, испанского города в стране басков, в базарный день 26 апреля 1937 года. Средь бела дня фашистская авиация обрушила на беззащитный город сотни бомб. Из 7000 горожан 1654 были убиты и 889 ранены. Картина построена как триптих – центральное изображение обрамлено двумя створками. Это светская, а не церковная живопись, но содержащаяся в них сила эмоционального воздействия позволяет критикам сравнивать ее с алтарной живописью.

Сдержанный колорит отвечает сюжету картины, в которой множество воздетых к небу рук, словно пытающихся остановить летящие с неба бомбы. Среди сложных кубических фигур «Герники» – образ матери, с рук которой безжизненно свешивается мертвое тело ребенка, ближе всего к традиционной живописи. Вопль матери показан в виде языка, напоминающего кинжал или осколок стекла, похожие осколки рассеяны по всей картине. Бык в картине является олицетворением тупой жестокости, а конь, по признанию автора, представляет народ. Язык коня, как и у матери с младенцем, запечатленный крик отчаяния, а лампочка над головой коня напоминает изображения всевидящего ока Божьего, но даже ее свет кажется воплем ужаса. Две женщины смотрят на раненного коня со страхом и скорбью. Пикассо искал свой, современный способ поведать о человеческом страдании, не прибегая к явной христианской символике. На переднем плане слева изображена отсеченная голова, в центре – оторванная рука, символы дикости и бессмысленности войны. Внизу картины – изображение цветка, который, вероятно, можно истолковать как символ надежды на то, что жизнь все равно восторжествует, как бы война ни пыталась ее уничтожить. Ужас, пронизывающий хаотическую картину бомбежки, особенно силен рядом с трогательной нежностью цветка. В этой композиции, как и в других, созданных в 30–40-е годы, у художника чередовались сюрреалистические видения с абстрактными изображениями. По мнению исследователей творчества Пикассо, эта способность работать одновременно в разных и во многом противоположных по характеру стилях являлась проявлением его гениальности.

В последние годы Пикассо стремился к большему единству стиля, его искусство обрело более устойчивые формы, например, в серии «Художник и модель» (1940-е –1950-е гг.). Он открыл для себя керамику, занимался скульптурой, рисунком и гравюрой. Его палитра, под воздействием окружающей «средиземноморской» природы, где он жил в замке Гримальди, ставшем при жизни Пикассо его музеем, стала более яркой и темпераментной. Примером позднего творчества может служить картина 1965 года – «Гитарист». До конца жизни великий мастер сумел остаться нонконформистом, настоящим первопроходцем, вобравшим в себя целую эпоху современного искусства.

100

В модернизм входили еще такие течения, как футуризм, неопластицизм, дадаизм, метафизическая живопись и другие, среди которых наиболее известным считается течение сюрреализма.

Слово cюрреализм (франц. surrealisme – «сверхреальность») уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Как художественное течение сюрреализм провозгласил источником искусства сферу подсознательного (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. «Сюрреализм как выражение нетрадиционных субъективных взглядов существовал в изобразительном искусстве всегда. Голландский живописец фантастического мира Иероним Босх, английский художник и поэт Уильям Блейк, немецкий живописец Каспар Давид Фридрих с его странными, таинственными пейзажами – все они были неустанными исследователями ирреальных миров» (Швинглхурст Э. Сюрреалисты. М. 1998. С.24).

Как школа изобразительного искусства сюрреализм возник в Париже в 1924 году. Его основатели – поэт Андре Бретон, художники Макс Эрнст и Андре Массон считали, что традиционной западной культуре больше нечего предложить миру, поэтому необходим полный разрыв с этой культурой. Их умозаключения были подтверждены философией Анри Бергсона, считавшего, что суть явлений можно постичь лишь интуитивно, и теорией Зигмунда Фрейда о бессознательном как важнейшей сфере человеческой психики. Отличительной особенностью многих полотен сюрреалистов стали реальные, подчас доходящие до натурализма изображения персонажей и их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях. Такова скандальная работа М. Эрнста «Дева наказывает Иисуса в присутствии А.Б., П.Е. и художника» (1926 г.), таковы многие картины Ива Танги, Рене Магритта, Хоана Миро и других, примкнувших к этому. Символом течения сюрреализма стало творчество испанского художника Сальвадора Дали (1904–1989).

Сальвадор Дали – универсальный мастер: живописец, скульптор, писатель, поэт и сценарист – родился в городе Фигерас, на северо-востоке Испании, в семье нотариуса. Он рано начал рисовать, и первые работы выставил в родном городе в 1918 году. Поступив в 1922 году в Мадридскую Королевскую академию изящных искусств, Дали сблизился с поэтом Федерико Гарсиа Лоркой и будущим знаменитым режиссером Луисом Бунюэлем. Из академии Дали был исключен, но в 1926 г. состоялась его персональная выставка в Барселоне. К этому времени он съездил в Париж, познакомился с Пикассо, и его работы привлекли внимание в художественных кругах.

В 1928 году в Париже Дали познакомился с поэтом Полем Элюаром и Андре Бретоном в то время, когда сюрреализм уже переживал кризис, тем не менее художник присоединился к этой группе, и его имя стало синонимом сюрреализма. В 1929 году Сальвадор Дали соединил свою судьбу с Еленой Дьяконовой (бывшей женой Поля Элюара), прозванной Гала (по-французски – «праздник»), Гала стала музой Сальвадора Дали.

Этим же годом помечены первые сюрреалистические полотна художника. Обычно в них на фоне пустынного ландшафта возникали фантастические видения, растекающиеся или разрушающиеся формы которых выписаны не как туманные миражи, а абсолютно четко. Его картины наделены необузданной фантазией, изобретательным воображением.

Каждая из написанных картин становилась интеллектуальным ребусом. На одном из самых известных полотен Дали – «Постоянство памяти» (1931 г.) – мягкие, словно расплавленные циферблаты часов свисают с голой ветки оливы, с непонятного происхождения кубической плиты, с некоего существа, похожего и на лицо, и на