1.

Мир искусства (1898—1924) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов, издавали журнал.

Основатели: петербургский художникА. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев.

Громко о себе заявило, организовав выставку в 1898 году в Музее  А. Л. Штиглица.

Классический период в жизни объединения пришёлся на 1900—1904 гг. — в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства».

После 1904 года объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 гг. большинство членов «Мира искусства» входило в состав Союза русских художников. После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование в 1924 году.

Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.

С. Дягилев в одном из номеров журнала писал:

«Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца».

Алекса́ндр Никола́евич Бенуа́ (21 апреля (3 мая) 1870 — 9 февраля1960) — русский художник, историк искусства, художественный критик, основатель и главный идеолог объединения «Мир искусства».

Александр Бенуа (Alexandre Benois) родился 21 апреля (3 мая) 1870 года в Санкт-Петербурге, в семье российского архитектора Николая Леонтьевича Бенуа и Камиллы Альбертовны Бенуа (дочь архитектора А. К. Кавоса). Окончил престижную 2-ю Санкт-Петербургскую гимназию[1]. Некоторое время учился в Академии художеств, также занимался изобразительным искусством самостоятельно и под руководством старшего брата Альберта.

Им были созданы иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Медный всадник». В 1918 г. Бенуа возглавил Картинную галерею Эрмитажа, издал её новый каталог. Продолжал работу как книжный и театральный художник, в частности работал над оформлением спектаклей БДТ. В 1925 году принял участие в Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже[2].

Александр Бенуа сыграл значительную роль в постановках балетной антрепризы С.Дягилева «Ballets Russes», как художник и автор — постановщик спектаклей. Бенуа скончался 9 февраля 1960 года в Париже.

Константи́н Андре́евич Со́мов (30 ноября 1869, Санкт-Петербург — 6 мая 1939, Париж) — русский живописец и график, мастер портрета и пейзажа, иллюстратор, один из основателей общества «Мир искусства».

Константин Сомов родился в семье известного музейного деятеля, хранителя Эрмитажа, Андрея Ивановича Сомова. Учился в гимназии К. Мая. С сентября 1888 года по март 1897 года учился в петербургской Академии художеств: основной курс — до 1892 года, затем, с октября 1894 года, занятия в мастерской И. Репина. В 1894 году впервые участвовал в выставке Общества русских акварелистов. В 1897 и 1898 годах занимался в Академии Коларосси в Париже. С 1899 года жил в Петербурге.

Ещё в гимназии Сомов познакомился с А. Бенуа, В. Нувелем, Д. Философовым, с которыми позже участвовал в создании общества «Мир искусства». Сомов принимал самое деятельное участие в оформлении журнала «Мир искусства», а также периодического издания «Художественные сокровища России» (1901—1907), издававшегося под редакцией А. Бенуа, создал иллюстрации к «Графу Нулину» А. Пушкина (1899), повестям Н. Гоголя «Нос» и «Невский проспект» (1901), нарисовал обложки поэтических сборников К. Бальмонта «Жар-птица. Свирель славянина», В. Иванова «Cor Ardens», титульный лист книги А. Блока «Театр» и др.

Наряду с пейзажной и портретной живописью и графикой Сомов работал в области мелкой пластики, создавая изысканные фарфоровые композиции «Граф Нулин» (1899), «Влюблённые» (1905) и др.

В январе 1914 года получил статус действительного члена Академии художеств.

В 1918 году в издательстве Голике и Вильборга (Санкт-Петербург) вышло наиболее известное и полное издание с эротическими рисунками-иллюстрациями Сомова: «Книга маркизы» («Le livre de la Marquise»), где художник создал не только все элементы оформления книги, но и подобрал тексты на французском языке. Существует редкий вариант этого издания так называемая «Большая „Книга маркизы“» дополненный ещё более фривольными иллюстрациями.

Евге́ний Евге́ньевич Лансере́ (1875—1946) — русский и советский художник. Народный художник РСФСР (1945). Лауреат Сталинской премии второй степени (1943).

Сын известного скульптора Е. А. Лансере, брат художницы З. Е. Серебряковой, племянник основателя и идеолога объединения «Мир Искусства» А. Н. Бенуа.

Выпускник Первой Санкт-Петербургской гимназии.

С 1899 года — член объединения «Мир искусства». В 1905 году уехал на Дальний Восток.

В 1907—1908 годах стал одним из создателей «Старинного театра» — кратковременного, но интересного и заметного явления в культурной жизни России начала века. Лансере продолжил работу с театром в 1913—1914 годах.

Лансере работал в области оформления театральных постановок в Москве, Петербурге, Одессе, Кутаиси:

«Юлий Цезарь» У. Шекспира, 1924,

«Горе от ума» А. С. Грибоедова, 1938, — в Малом театре в Москве.

"Барышня-крестьянка, 1946 — Большой театр

1914—1915 — военный художник-корреспондент на Кавказском фронте во время Первой мировой войны. С 1920 года — рисовальщик в Музее этнографии, выезжал в этнографические экспедиции с Кавказским археологическим институтом. С 1922 года — профессор Академии художеств Грузии, МАРХИ.

В 1934 году переехал на постоянное жительство из Тифлиса в Москву. С 1934 по 1938 годы преподавал во Всероссийской Академии Художеств в Ленинграде.

Е.Е. Лансере умер 13 сентября 1946 года. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 4).

2.

Союз русских художников (1903—1923) — творческое объединение художников России начала XX века. Было основано в Москве в 1903 году по инициативе Константина Юона, Абрама Архипова, Игоря Грабаря, Аркадия Рылова.. Большую роль в появлении Союза сыграл «Мир искусства», хотя московские мастера во многом стремились противопоставить себя петербуржцам. Они были далеки от символизма и связанных с ним идей. Их стиль соединял реалистические традиции передвижников и опыт импрессионизма в передаче воздуха и света. Находясь под некоторым влиянием творчества Константина Коровина, который нередко участвовал в выставках Союза, эти художники тяготели к пейзажу и жанровой живописи.

Наиболее интересным среди пейзажистов был Константин Фёдорович Юон (1875—1958). Лучше всего ему удавались лирические зимние пейзажи («Мартовское солнце», 1915 г.; «Зимнее солнце», 1916 г.), в которых он тонко передавал игру света на подтаявшем снеге, нежную голубизну неба. А в видах Троице-Сергиевой лавры (лучший из них написан в 1910 г.) контраст белого снега и ярких по цвету зданий, куполов, человеческих фигур приобретает чисто декоративную красоту, сближающую эти работы с искусством модерна.

Творчество мастеров Союза русских художников при всём обаянии и высоком техническом уровне отличалось довольно сильным консерватизмом. Крепкие реалистические корни никогда не позволяли живописцам уйти в область поиска новых форм и выразительных средств. Возможно, поэтому многие члены Союза русских художников превосходно вписались в картину развития официального искусства советского периода, составив, однако, самую достойную его часть.

3. «Голубая роза» — так называлась выставка, открывшаяся в марте 1907 года в Москве, в доме М.Кузнецова на Мясницкой улице. Экспозиция была организована шестнадцатью молодыми художниками выпускниками и студентами Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Среди них П. Кузнецов и М. Сарьян, Н. Сапунов и С. Судейкин, П. Уткин и Н. Крымов, А. Фонвизин и Н. Феофилактов, А. Арапов, братья Милиоти, скульптор А.Матвеев. Это было новое объединение, появившееся на сцене русской художественной жизни начала XX века.

Судьба свела их в стенах Московского художественного училища в один из наиболее значительных периодов его существования. В то время, в нем преподавали В. Серов, К. Коровин, П. Трубецкой, оказавшие большое влияние на молодых художников. Совместная подготовка и участие в ученических выставках, оформление студенческих вечеров, выполнение самостоятельных работ и заказов, помогли сблизить их интересы в поиске новых путей развития искусства. Первым выступлением молодых художников можно считать выставку «Алая роза», организованную весной 1904 года в Саратове, на которой в качестве гостей-экспонатов были представлены работы В. Борисова-Мусатова и М.Врубеля, продолжателями традиций которых в живописи и пластике и выступало новое поколение. С выходом в свет литературно-художественного и критического журнала Весы (1904 — 1909), развивавшего идеи символизма, многие художники начинают сотрудничать в нем и принимать участие в его художественном оформлении, которое отличалось изысканным вкусом. Характерным примером творчества В. Борисова-Мусатова является эскиз обложки журнала, исполненный в 1904 году. Журнал Золотое руно (1904 — 1909) также пропагандировал на своих страницах творчество молодых москвичей, утверждая их значимость в русской художественной культуре. Трагические события начала XX века, способствовали разочарованию в окружающей действительности, стимулируя поиск новых образов и иной художественной культуры. Интересы художников обратились к истории, миру театра, фантазий и грез. В наибольшей степени им соответствовал стиль символизма, тенденции развития которого были взяты ими за основу и продолжены. Что же касается самой выставки, на ней экспонировались и станковая живопись, и эскизы фресок, плафонов, театральных декораций и костюмов, скульптурные произведения, дающие представление о деятельности художников. Свою цель они видели в создании целостного живописно-пластического образа мира, наполненного духовностью и гармонией, преображенного на основе символов и сложных ассоциаций. Появилось новое отношение к языку искусства: ограничение изобразительных средств, тяготение к повторяемости мотивов,

главным средством выразительности становятся цветовые сочетания, настраивающие на определенную тональность Общими свойствами живописи художников «Голубой розы» были: повышенная чувствительность к цвету и его оттенкам, а также их музыкальные ассоциации.

4. Фили́пп Андре́евич Маля́вин (1869—1940) — русский живописец, создавший знаменитую серию «цветущих русских баб» с элементами стиля «модерн».

Филипп Малявин родился 10 (22) октября 1869 г. В 1885 г. отправился в афонский православный монастырь Святого Пантелеймона на Айон-Оросе и до 1891 г. был там послушником — учился и работал в монастырской иконописной мастерской. Затем его работы увидел скульптор В. А. Беклемишев, посещавший Афонский монастырский комплекс. Беклемишев пригласил Малявина в Петербург и поселил у себя.

В 1892 г. Малявин поступил вольнослушателем на живописное отделение Петербургской Академии художеств. В 1894 г., когда в Академии открылась мастерская И. Е. Репина, Малявин стал учиться там вместе с такими художниками, как И. Э. Грабарь, К. А. Сомов, А. П. Остроумова. В 1900 г. Малявин совершает поездку во Францию — его картина «Смех» выставлена на всемирной выставке в Париже и удостоена золотой медали (затем картина была выставлена в Венеции и куплена итальянским правительством для Венецианской Академии).

В 1900-х Малявин участвует в выставках Товарищества передвижников, в 1906 г. показывает на выставке объединения «Мир искусства» свою картину «Вихрь». Впоследствии он также был членом «Союза русских художников».

После октябрьской революции живописец в 1920 г. переезжает в Москву. В 1922 г.. Он поселяется в Париже и в Россию больше не возвращается. В 1924 г. в парижской галерее Шарпантье с успехом проходит выставка Малявина. Многие его произведения, написанные за границей, по-прежнему создаются на русские темы. В 1930-х Малявин неоднократно организовывал собственные выставки в разных европейских странах. Из Парижа он переселился в Ниццу.

Во время Второй мировой войны Малявин оказывается в Брюсселе в тот момент, когда Бельгию захватывают гитлеровцы. Оккупационные власти задерживают художника и обвиняют в шпионаже, однако впоследствии выпускают. Малявин пешком добирается до Ниццы. Это подорвало его силы. Художник скончался 23 декабря 1940 года в Ницце.

5. Михаи́л Алекса́ндрович Вру́бель (польск. Wróbel; 5 [17] марта 1856, город Омск, Область Сибирских Киргизов, Российская Империя — 1 [14] апреля 1910, Санкт-Петербург[1]) — русский художник рубежа XIX—XX веков, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре и театральном искусстве. Он был известен как автор живописных полотен, декоративных панно, фресок и книжных иллюстраций.

Был женат на известной певице Н. И. Забеле, портреты которой неоднократно писал.

Выросший в семье военного юриста, Врубель получил прекрасное образование. Важнейшим событием академических лет стала встреча с П. П. Чистяковым: занятия у него (с 1882 г.) сформировали изобразительный язык Врубеля, обеспечив необычайно быстрый рост мастерства. Аналитический метод учителя счастливым образом совпал с тончайшей пластической восприимчивостью ученика. Не случайно Врубель свидетельствовал, что основные положения Чистякова оказались для него не чем иным, как "формулой" его "живого отношения к природе". Согласно чистяковскому принципу, форма как бы "высекается" из пространства, определяясь сначала по общим касательным плоскостям, или "планам", а затем по все более мелким, вплоть до исчезновения плоскости в точке. Соответственно, контуру, как таковому, здесь нет места. Отсюда происходит "странная" техника Врубеля, означающая бесконечность стремления к аналитическому исчерпанию видимой формы. В ранний, академический период творчества Врубель поглощен штудиями натуры, добиваясь особенно многого в акварелях ("Автопортрет", 1882; "Натурщица в обстановке Ренессанса", 1883; "Старушка Кнорре за вязанием", 1883, и др.). Одновременно он пробует силы в станковой картине ("Гамлет и Офелия", 1883-84), а чуть позднее - и в монументальной живописи (росписи и иконостас Кирилловской церкви в Киеве, 1884-85). Уже в эти ранние годы Врубель решительно противопоставляет "культ глубокой натуры" передвижнической журналистике. Несколько месяцев, проведенных в Венеции, сильные впечатления, связанные с искусством средневековья и раннего Ренессанса (Чима да Конельяно, Дж. Беллини) разбудили мощный дар Врубеля-колориста. О силе, которую обрела его палитра, свидетельствуют "Восточная сказка" и "Девочка на фоне персидского ковра" (обе 1886). В замечательных графических этюдах цветов, относящихся к киевскому периоду, оформляется единственный в своем роде "кристаллообразный" стиль Врубеля. Отсюда протягивается линия к поздним поискам мастера, когда его увлеченность возможностями фактуры заходила столь далеко, что он даже готов был отказаться от красок. Подлинные шедевры композиционного мастерства - эскизы' неосуществленных росписей "Надгробный плач" и "Воскресение" (1887) для Владимирского собора в Киеве, сопоставимые с библейскими эскизами А. А. Иванова; В те же годы Врубель начал работать над образом Демона. Киевский период обозначил сложение основных стилистических черт и мотивов врубелевского творчества. Тяготение художника к причудливому и фантастическому, дающее знать о себе в сю-жетике его произведений, нередко заслоняло в глазах современников истинные ценности искусства Врубеля. Между тем наиболее поразительны в его творчестве откровения природы, фантастична глубина его проникновения в реальность, перед которой отступает самое прихотливое воображение. Однако оценить это смогли немногие. 1890-е гг. отмечены исключительно напряженной творческой активностью Врубеля. Этому способствовало сближение с С. И. Мамонтовым, участие в его художественных начинаниях. В московский период Врубель создает известные картины "Демон сидящий" (1890), "Испания" (1894), "Гадалка" (1895), "Пан" (1899), ряд портретов, пишет декоративные панно (среди них "Венеция", 1893; "Микула Селянинович" и "Принцесса Греза", оба 1896; панно на темы "Фауста", 1896; "Богатырь", 1898), иллюстрирует произведения М. Ю. Лермонтова, занимается скульптурой и декоративной керамикой, работает для театра. Стилистика названных вещей дает основания трактовать искусство Врубеля как оригинальную версию модерна, а с другой стороны - видеть в нем целостное воплощение идей русского символизма. Последнее подтверждается огромным влиянием Врубеля в среде русских писателей-символистов. Участие в выставочной деятельности "Мира искусства", ряд успешных выступлений на международных выставках принесли Врубелю европейскую известность. Среди поздних его шедевров - картины "К ночи", "Царевна-Лебедь", "Сирень" (все 1900), "Демон поверженный" (1902), "Шестикры лый серафим" (1904). Об огромном творческом потенциале Врубеля еще более красноречиво говорят его поздние графические листы. Такова знаменитая "Жемчужина" (1904), вместе с циклом подготовительных рисунков углем открывающая не виданные еще перспективы пластической выразительности; таковы вариаций "Пророка", этюды цикла "Бессонница", портретные и бытовые зарисовки. Как бы ни были причудливы образы Врубеля, их подлинным источником является природа. Художник признавался, что и не думал изображать морских царевен в "Жемчужине" - их образы возникли из игры перламутра как бы сами собой. Из таких же метаморфоз видимого рождается женская фигура в "Сирени", одной из завораживающе прекрасных картин Врубеля. Сам Врубель наиболее точно определил истоки своего искусства, когда говорил, что техника - это способность видеть, а творчество - способность глубоко чувствовать. Еще в 1902 г. колоссальное творческое напряжение сказалось на состоянии здоровья Врубеля: он пережил сильный приступ психического расстройства. С тех пор художник находился под наблюдением врачей. Временами здоровье позволяло ему возвращаться к работе, однако болезнь прогрессировала. За четыре года до смерти Врубель ослеп. В эволюции русского искусства Врубель представляет собой фигуру ключевого значения. Если символизм нашел в нем своего глубочайшего выразителя (что особенно хорошо чувствовал А. А. Блок), то в его же творчестве берет начало новое художественное движение. Именно это имел в виду К. С. Петров-Водкин, говоря: "Врубель был нашей эпохой".

6. М Вместилищем идей неоклассицизма стала работа В.И. Шухаева, написанная в 1916 г. «Полк на позициях». Картина не завершена. Выполнена по заказу. Это была попытка противостоять экспериментам Малевича. Картина выражает гармонию своего времени, которая покидает мир. Художник побывал в Риме, где изучал античное искусство. В этой работе художник изображает портрет всего общества. Он делает попытку передать хоровую композицию. Над созданием картины была проведена кропотливая работа, сделаны предварительные наброски. Зритель может увидеть в ней влияние северного Возрождения (тесно расставленные фигуры справа). Отдельные портреты чем-то напоминают фрески Герландая. Видны также и уродливые профили, заимствованные по технике исполнения у Леонардо да Винчи или Босха. Отсылка к «Явлению Христа народу». Много классицистических приёмов было применено в данной работе. И все они послужили поиску общей гармонии как в картине, так и в общем мироощущении.

«Портрет жены» Шухаева – был написан во время путешествия по Риму, где автор изучал старые техники. Картина написана в период разрыва с женой, о чём говорит некая отрешённость. Он пытался возродить старую манеру письма по дереву. По силуэту фигуры проложен золотой фон, как это видно из техник старых мастеров. Использовал техники лессировок.

Яковлев и Шухаев работали вместе. Они– мастера формы, контура и рисунка. Восстанавливали популярность карандаша. Они - апологеты механики рисунка и новаторы рисунка. Двигались по направлению к модернизированному классицизму. Возвращали живопись к порядку. Плодом их общего дела явился парный автопортрет, отдающий дань мастерам ренессанса.

Отдельное произведение Яковлева - «Скрипач» - портрет больного музыканта. Работа основана на истинно классическом противопоставлении прекрасного и уродливого. Персонаж вписан в античное окружение. Уже в ранних работах обозначилось тяготение А.Е. Яковлева к «неоклассицизму». 1913–1915 провел вместе со своим другом В. И. Шухаевым в Италии, где изучал старую живопись. Наряду с огромным количеством натурных этюдов, выполнил в Италии свой портрет в образе Арлекина, который стал частью двойного автопортрета Шухаева и Яковлева. Элементы стилизации, подражания мастерам итальянского Возрождения заметны и в других произведениях художника, например в картине «Скрипач» (1915).

Шухаев и Яковлев вошли в объединение „Мир искусства“ как представители неоклассицизма. В картине „Арлекин и Пьеро“ они возрождают форму классического портрета, из старого искусства заимствованы также академически четкий рисунок, светотеневая моделировка форм, локальность цвета, бесфактурная кладка мазка.

В начале 1910-х годов Шухаев и Яковлев выступали в „Доме интермедий“ в Петербурге в пантомиме А. Шницлера „Шарф Коломбины“: Яковлев — в роли Арлекина, Шухаев — в роли Пьеро. Их двойной автопортрет — это своеобразное воспоминание об увлечении театром. Картина долгие годы не выставлялась, так как не была закончена. В 1962 Шухаев дописал некоторые детали. В том же году она экспонировалась на его персональной выставке в Академии Художеств в Ленинграде.