8-3 Дисней

Дисней, Уолт

Disney

Уо́лтер Эла́йас «Уолт» Ди́сней (англ. Walter Elias «Walt» Disney, МФА: [ˈwɔlt ˈdɪzni][1], 5 декабря 1901 — 15 декабря 1966) — американский художник-мультипликатор, кинорежиссёр, актёр, сценарист и продюсер, основатель компании «Walt Disney Productions», которая к настоящему времени превратилась в медиаимперию «The Walt Disney Company».

Является создателем первых в истории кинематографа звукового, музыкального и полнометражного мультфильмов. За свою необыкновенно напряжённую жизнь Уолт Дисней как режиссёр снял 111 фильмов и был продюсером ещё 576 киноработ. Выдающиеся заслуги Диснея в области киноискусства отмечены 25 статуэтками «Оскара» и премией имени Ирвинга Тальберга, обладающей статусом «Оскара», а также многими другими наградами и премиями.Содержание [убрать]

Когда Диснею было 14 лет и он подрабатывал продажей газет, в Канзас-Сити он увидел короткий немой мультфильм о Белоснежке, который ему запомнился на всю жизнь. Осенью 1934 года Дисней сделал первый набросок сценария по мотивам сказки братьев Гримм. Над последней версией этого сценария вместе с Диснеем трудилось несколько человек, включая Отто Ингландера, Эрла Харда и Тэда Сирса. 21 декабря 1937 года на экранах Америки впервые был показан полнометражный анимационный фильм Диснея «Белоснежка и семь гномов» по сказке братьев Гримм. «Белоснежка» принесла Диснею огромный успех: популярность, 8 млн долларов дохода и восторженные отклики в профессиональной прессе.

Вскоре появились новые полнометражные фильмы. «Пиноккио» (1940) по сказке итальянского писателя ΧΙΧ века Карло Коллоди зрителями был воспринят с восторгом, который разделяли и критики. Успех был результатом титанического труда: чтобы лучше нарисовать сцену, когда Пиноккио пытается убежать от кита, художники долго изучали повадки и движения настоящих китов. Музыка к этому фильму, авторами которой были Ли Харлайн, Поль Смит и Нед Вашингтон, награждена «Оскаром». Была также отмечена песенка «When you wish upon a star» (музыка Ли Харлайна на слова Неда Вашингтона).

Режиссёрский стиль

Начиная с «Пароходика Вилли» в лентах Диснея важную роль начинает играть музыка. Звук в его фильмах служит не только фоном для диалогов, а становится их важной составной частью, музыкальным фоном, создавая гармонию всего рисованного произведения.

Художники Диснея, перед тем как рисовать животных, всегда тщательно изучали повадки их живых прототипов. Поэтому все движения на экране крайне правдоподобны.

В «Фантазии» Уолта Диснея впервые на широком экране появляется стереозвук. Все отмечали высокое качество музыкального сопровождения этого фильма, которое было записано в исполнении Филадельфийского симфонического оркестра под руководством Леопольда Стоковского.

Дисней одним из первых режиссёров начал использовать камеры с трехцветной пленкой «Technicolor».

На студии Уолт Дисней ввёл систему премирования аниматоров, позже принятую на других студиях, в том числе и на Союзмультфильме. Художник-аниматор, предложив трюк режиссёру, получал небольшое вознаграждение.

Принципы про-диснеевской рисованной анимации

На сайте о про-диснеевской анимации было бы большим упущением не коснуться темы ее определения. Сказать, что это просто-напросто та техника, в которой диснеевская студия, а позже ее последователи создавали свои самые знаменитые мультфильмы, значит сказать непозволительно мало. Однако по-другому емко и однозначно определить это направление анимационного искусства невозможно. Зато можно разложить по полочкам главные особенности про-диснеевской манеры создания мультфильмов, а также правила их создания.

Основные черты стиля, которому суждено было стать если не каноническим, то, по крайней мере, классическим, чётко обрисовали первые же полнометражные диснеевские мультфильмы. В то время анимационная индустрия Америки двигалась вперед семимильными шагами, и Уолт Дисней был впереди. Достаточно сказать, что только в 30-х годах восемь короткометражных мультфильмов студии Диснея были удостоены премий "Оскар", ещё семь получили номинации. А в 1938 году номинировались сразу 4 мультфильма! Всем этим короткометражкам сопутствовал и невероятный зрительский успех. И поэтому неудивительно, что из всего разнообразия стилей анимации, которые были изобретены, в коммерческой американской анимации именно стиль Диснея стал доминирующим.

Разумеется, в правила создания классических мультфильмов всегда входили тщательно продуманный сюжет, искренняя манера повествования, оригинальный юмор, лёгкая классическая музыка, сказочная атмосфера. Но гордостью студии Диснея оставалось все-таки само изображение, создаваемое согласно нескольким универсальным правилам. Дело в том, что Уолт понимал значение слова "анимация" (оживление) совершенно буквально, а потому ставил перед аниматорами задачу не просто заставить персонаж двигаться, но вдохнуть в него жизнь! И те методом исканий, проб и ошибок разработали ряд правил, известных как "12 принципов классической анимации", которые я и собираюсь озвучить. Только не по пунктам (это слишком скучно), а в форме шпаргалочки. Ну поехали!

Для начала аниматорам необходимо стремиться перенести на экран реальную физику живого движения. Это означает, что при любом движении персонаж должен растягиваться и сжиматься, однако не терять свой постоянный объем. То есть, в то время как по одной оси персонаж растягивается, например, в прыжке, по другой оси он должен сжаться. При этом многие сложные действия должны упреждаться так называемыми отказными движениями. Перед тем же прыжком, нужно немного присесть, а перед ударом размахнуться. Такое упреждение, а также скорость перемещения и инертность позволят придать персонажу вес.

Ни в коем случае нельзя применять метод прямолинейного движения. Траектории движения должны быть дугообразными, ведь только так движутся все живые существа. Интересно, что приближение траектории к прямой линии будет определять резкость движения.

Любое действие необходимо сопровождать захлестом, движением отдельных частей тела, в то время как само тело уже не движется. Например, свободная одежда должна постоянно находиться в движении.

Все движения, позы и выражения лиц должны быть выразительными и максимально открытыми зрителю. Выразительность легко передать с помощью преувеличения и гротеска. Отсюда "большие" глаза персонажей, невероятная эмоциональность и нередко карикатурность.

Для увеличения производительности необходимо предусмотреть предварительную компоновку движений. Наметить основные позы и рисовать от одной к другой. Эти ключевые позы необходимо выполнять с максимальным вложением мастерства художника. Через промежуточные кадры персонаж должен проскальзывать, медленно выходя из исходной позы, резко ускоряясь и опять замедляясь у новой позы. Таким образом, зритель будет видеть в основном самые выразительные кадры.

Наконец, персонаж должен быть максимально привлекательным и обладать обаянием. В отличие от предыдущих принципов, малозаметных зрителю и даже скрываемых от него, привлекательность диснеевских персонажей была всегда выдвинута на первый план, именно поэтому они просто влюбляли в себя аудиторию.

Эти и другие принципы формировались, ужесточались и канонизировались на протяжении долгих лет, но в итоге они стали основополагающими не только на студии Уолта Диснея, но у многих его конкурентов. И хотя следовать им было крайне сложно, именно они позволили создавать воистину произведения искусства! За годы своего существования диснеевская анимация прошла длинный путь. И мультфильмы снимались разные, и выглядели они по-разному. Но в самых удачных образцах продукции Disney принципы оживления оставались незыблемыми!

Даже сейчас, когда традиционные мультфильмы снимаются все реже, принципы классической анимации не потеряли своей актуальности, ведь и в трехмерной анимации следовать им отнюдь не грех.