МХК / мхк шпоры

в его романтической живописи, посвященной жизни цыган, монахов, солдат, бандитов, можно проследить несомненное влияние Сальватора Розы. Маньяско узнаешь сразу — по смелому письму, быстрым динамичным мазкам, по какому-то мерцающему колориту с преобладанием оливково-коричневых тонов, в которые почти всегда вкраплено яркое, чаще всего красное пятно, по экспрессивному рисунку и композиции, в которой маленькие фигурки обычно размещены среди грандиозных, почти пугающих руин, наконец, по трагическому мироощущению, характерному для этого мастера при всей его театральности («Привал бандитов», Эрмитаж).

Картина художественной жизни Венеции XVIII в. была бы неполной, если не упомянуть мастера жанровой живописи Пьетро Лонги (1702—1785), воспевшего быт Венеции: маскарады, концерты, уроки танцев, сцены в игорном доме, народные развлечения. Дамы за туалетом; дамы, пьющие шоколад; разглядывающие материю, которую только что принес портной; в ожидании учителя пения, чтобы разучивать арии Чимарозы или Паизиелло; или балы, написанные так, что от них «пахнет пудрой, духами и воском свечей» (П. Муратов). И почти везде мужчины и женщины, одетые в «баутта»

— венецианское черное домино с белой остроносой маской, треуголкой, отделанной серебряным шитьем, и непременными белыми чулками. Лонгиживописец, конечно, не так изыскан, как Гварди, но он и не простой бытописатель, а истинный поэт Венеции XVIII века на последнем этапе ее праздничной жизни («Урок танца»).

Французское искусство XVIII века.

Многое меняется в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор — единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы.

В первой половине XVIII в., когда так активно происходил процесс вытеснения религиозной культуры светской, ведущим направлением во Франции стало рококо. Многие исследователи и по сей день отказывают рококо в самостоятельности как стилю, считая его лишь ответвлением позднего барокко, потерявшим монументальность великого стиля. Тем не менее очевидно, что рококо во Франции в первой половине «галантного века» складывается в определенную стилевую систему, отчасти продолжающую черты, унаследованные от барокко, но еще более их видоизменяющую. Рококо — порождение исключительно светской культуры, еще уже —двора, французской аристократии, тем не менее оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на его дальнейшее развитие. Городские дворцы знати, богатой буржуазии,—«отели», сооружаемые в этот период, как правило, строго

классицистичны по экстерьеру. Внутри же стены разбиты филенками, нишами, обильно украшены живописью, лепниной, позолотой, мелкой пластикой, декоративными тканями, бронзой, фарфором, зеркалами, часто установленными друг против друга, чтобы в них множилось, дробилось, делалось фантастичным отражение («Век зеркал и мемуаров», по меткому определению одного исследователя,— за постоянный взгляд на себя со стороны). Входят в моду стилизация под Восток: Китай («шинуазери»), Японию («жапонез»), Турцию («туркери»). Светлые по колориту панно, лепной орнамент, шелк обоев, золото украшений, хрустальные люстры, изящная, удобная, хотя и вычурная мебель с инкрустацией

—все вместе составляет праздничное, действительно феерическое зрелище. Формы дробные, ажурные, орнамент сложный, построенный на изогнутых линиях, краски живописных панно или станковых картин прозрачные, светлые (серо-голубоватые, сиреневые, розовые, зеленоватые). Все искусство рококо построено на асимметрии, обостряющей ощущение изменчивости, мимолетности

—игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Не случайно термин «рококо» возводят к слову «раковина», «рокайль». Сюжеты только любовные, эротические, любимые героини—нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, совершающие свои нескончаемые «триумфы» и «туалеты». Новые веяния проникли в Академию. Аллегории, темы исторические, мифологические, жанровые

—все это темы любви. Но за всем театрально-праздничным, легкомысленнобездумным в искусстве этого направления таилось немало сложностей. В нем впервые проявился стойкий интерес к изображению тонких интимных переживаний, это был шаг к сентиментализму с его вниманием к «извивам» человеческой души. Портрет и пейзаж —не случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле существования. Всем этим аристократический стиль во многом способствовал демократической эпохе Просвещения. Рококо имеет право на существование как стиль уже и потому, что оно дало новые грани, новое развитие выразительным средствам искусства (в живописи —главным образом в колорите, недаром так любили в эту эпоху венецианцев и Рубенса).

Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением значительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто (1684— 1721), создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто начал с подражания фламандцам: маленькие по формату, остро схваченные сцены военных бивуаков, народные типы вроде написанного уже в годы расцвета «Савояра» — мальчика с Савойских гор, идущего на заработки. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества —

аристократическое общество в парке, музицирующее, танцующее, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, — сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше

(1703—1770),

Уже будучи знаменитым художником, Буше становится объектом жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, видевшего в нем яркое порождение всего, с чем боролись просветители, но не отказывавшего ему в высоком профессионализме.

Искусство Ватто и Буше во второй половине века, когда идеалам рококо, как и самому заказчику этого искусства, уже был вынесен беспощадный приговор, продолжил блестящий мастер, живописец-импровизатор, художник редкостного таланта, восприимчивости, фантазии, темперамента Жан Оноре Фрагонар (1732—1806). Главными достоинствами его живописи были свет и воздух Портрет в первой половине и середине

XVIII в. также занимает художников. Знаменательно, что портреты этого времени в основном женские.

Образцом для подражания становится теперь не Рим, который был идеалом для художников Ренессанса и классицистов XVII в., а Эллада, ибо в греческом искусстве больше тепла, задушевности, поэтичности. Стилизация греческого искусства окрашена в какой-то степени романтическим чувством. В орнаментике используются греческие мотивы — меандр, пальметты.

Английское искусство XVIII века.

Английская изобразительная школа сложилась позже остальных видов искусств, и процесс этот был трудным. Феодальные войны и Реформация тормозили формирование собственной художественной традиции. Пуританское движение XVII в. с его иконоборческими идеями, естественно, никак не способствовало развитию национальной живописной школы. В протестантской Англии почти не было религиозной живописи. В XVII в. медленно начинает развиваться портретный жанр, в основном миниатюра. Но зато в следующем столетии, как бы стараясь нагнать упущенное, английские художники работают так интенсивно и своеобразно, что уже в конце века оказывают влияние на континент.

Архитектура быстрее других видов искусства впитывает новые веяния. В XVII в. английское зодчество осваивает принципы ренессансной архитектуры, беря за образец в основном Палладио и Виньолу (например, творчество Иниго Джонса; 1573—1652). Поколением позже

Кристофер Рен	(1632—1723), строитель
знаменитого	собора	св.	Павла,
величайшего	протестантского		храма

(1675—1710), и множества приходских церквей Лондона (более 50), один из строителей дворца Хемптон-Корт (новые части, 1689—1694), создатель проекта перепланировки лондонского центра после «Великого пожара» 1666 г., остается верен в основном

классицистическим принципам разумности и рационализма. Но это не исключает и некоторых других элементов

ванглийской архитектуре, например барочных и готических. Весь XVIII век в Англии связан с правлением королей Георгов, поэтому в науке существует относительно архитектуры этого времени термин «георгианский стиль». В духе Палладио в XVIII в. строятся городские особняки, обычно трехэтажные, с рустованным первым этажом, символы английской респектабельности и независимости. На смену регулярным французским паркам приходят парки английские, ландшафтные.

Следует помнить, однако, что в отличие от континентальной Европы, где классицизм второй половины XVIII в. стал новым этапом культуры, неоклассика

вконтексте английского искусства не выделяется, ибо античностью здесь

увлекались давно. Английское Просвещение было зрелым уже к 40-м годам XVIII столетия, и на всей культуре Англии сказывались его гуманистические идеи. Но революция в Англии уже произошла, и английское Расцвет национальной школы живописи в

Англии начинается с Уильяма Хогарта (1697— 1764), в лице которого английское искусство сблизилось с передовой английской литературой и театром первой половины XVIII в. Хогарт сначала учился у ювелира, затем стал заниматься гравюрой и как гравер сложился быстрее живописца. В гравюрах он обращается к самым широким кругам Англии, изображая современную жизнь и

делая	предметом		сатиры	все
отрицательные		ее	стороны:

распущенность нравов, продажность суда, разложение армии и т. д. Хогарт создает целые серии живописных полотен: «История шлюхи» (или «Карьера проститутки», серия из 6 картин, 1732), «История распутника» («Карьера мота», 1735), «Модный брак» (1743—1745).

Лучшие достижения английской живописи XVIII в. вне круга Хогарта лежат в области портретного жанра. Знаменательно, что этот жанр занимает одно из главных мест и в стенах Королевской Академии искусства — национальной художественной школы, открытой в 1768 г. и более независимой (как детище буржуазной культуры) от официальных кругов, чем европейские академии на континенте.

Первым президентом Академии был Джошуа Рейнолдс (1723— 1792), живописец и теоретик, в своих

знаменитых	«Речах»	выступавший
сторонником	классицистической

эстетики, но в работах совсем не ограничивавший себя рамками классицизма и чутко улавливавший веяния новой эпохи. С появлением Рейнолдса английская живопись получила

всеобщее	признание.	Этому
способствовали	и	общественная
просветительская		деятельность

художника, его занятия вопросами эстетики, теории искусства. а Рейнолдс создал длинную галерею

портретов, он обладал большой творческой активностью и иногда писал

до 150 портретов в год. В форме парадного, торжественного изображения Рейнолдс сумел в полной мере выразить просветительскую веру в человека, в его разум, в возможности совершенствования человеческой натуры. Это портреты полководцев («Адмирал лорд Дж. Хитфилд», 1787—1788), писателей («Лоренс Стерн», 1760), актеров («Дэвид Гаррик», 1768; «Сара Сиддонс в образе музы трагедии», 1784), лондонских красавиц («Нелли 0'Брайен», 1760—1762), пользовавшиеся огромным успехом детские портреты.

Томас Гейнсборо (1727—1788) —второй великий портретист XVIII столетия. В английской живописи эпохи Просвещения Рейнолдс и Гейнсборо выражают как бы две стороны просветительской эстетики: рационалистическую и эмоциональную.

Тонкое чувство природы, музыкальность, внимание к душевному миру характеризуют Гейнсборо (портрет Сары Сиддонс, 1783—1785).

Творчество Рейнолдса и Гейнсборо способствовало созданию в Англии XVIII в. мощный школы портретистов. Наиболее близок к Рейнолдсу Джордж Ромни (1734—1802), писавший в широкой живописной манере в основном портреты молодых англичанок. Светские женские портреты, естественно, трактованы художником в более интимном, камерном ключе («Дочь пастора», «Миссис Грир»).

Некоторое развитие в английской живописи получил бытовой жанр (Дж. Морленд). Господство живописи над всеми другими видами искусства— характерная особенность Англии XVIII в. Скульптура почти не имеет самостоятельного значения, только в связи с архитектурой и особенно с прикладным искусством.

Расцвету английской живописи XVIII века сопутствовал расцвет гравюры. Это в основном репродукционная гравюра, воспроизводящая живопись преимущественно в технике меццо-тинто, прекрасно выявляющая цветовые пятна и светотеневые контрасты, как бы сам почерк живописи, и пунктирная гравюра.

На рубеже XVIII—XIX вв. особенно активно развивается карикатура: острогротескная бытовая (Т. Роулендсон) и политическая (Дж. Гилрей), которая, как бы продолжая традиции Хогарта, оказывала огромное влияние на новую графику континентальной Европы.

20. ЗАПАДНОЕ ИСКУССТВО 1-й ПОЛОВИНЫ XIX ВЕКА

Официальное искусство стояло далеко от жизни, от идей, волнующих общество. Наоборот, специфическая черта прогрессивного искусства - его реалистическая основа, глубокая связь с передовыми идеями своего времени. Эта тенденция легко различима в наиболее значительных художественных течениях первой половины XIX века - в революционном классицизме и в прогрессивном романтизме.

Революционный классицизм

(неоклассицизм) обращается к античному миру, его образам, но идеалы античности для него тесно связаны с современной историей. Прославление патриотизма, гражданской доблести - все это было

чрезвычайно актуально в период Французской революции. Революционный классицизм, утверждающий гармонию отношений человека с действительным миром, когда личные интересы сливаются с общественными, полное и достойное свое проявление нашел именно в это время (лучшим его представителем был французский художник Луи Давид). Позднее, з период Империи и затем Реставрации Бурбонов, классицизм утрачивает свою революционную сущность, превращается в далекое от жизни искусство, приобретает консервативный характер, против которого ведут борьбу все передовые и прогрессивные художники.

Жан Антуан Гро (Наполеон на Архольском мосту), Жан Огюст Доминик Энгр (Эдип и сфинкс; Апофеоз Гомера; Источник); Церковь св. Марии Магдалины в Париже.

Романтизм

Разочарование в рационализме и идеалы просвещения.

Приоритет чувств – эмоциональное отношение к действительности.

Разрыв с реальностью – уход в другие миры.

Романтизм достиг наибольшего расцвета во Франции в 20 - 30-х годах и оставался в европейском искусстве очень долго, вплоть до 70 - 80-х годов XIX века. К романтизму обращаются исторические живописцы многих народов, отстаивающих свою национальную независимость (венгерский художник Мадарас, чехословацкий - Брожик, польский - Матейка и др.) Теодор Жерико(Плот «Медузы»); Эжен Делакруа (Свобода, ведущая народ); Революционный классицизм и прогрессивный романтизм стремились к связи искусства с общественной жизнью. Однако широкий охват жизненных явлений не был характерной чертой ни классицизма, ни романтизма. Акцент на эмоциональном восприятии действительности, выбор только выдающихся, из ряда вон выходящих явлений ограничивали возможности романтизма. В реалистическом направлении середины XIX века будут и в дальнейшем развиваться идейность классицизма и романтизма и эмоциональное отношение к миру, но вместе с тем оно поставит своей задачей всестороннее отображение действительности и утверждение реального мира в его конкретных формах. Расцвет реализма падает на 40 - 50-е годы, на период наиболее обостренных классовых противоречий. Характерной особенностью реализма середины XIX века было то, что вместе с утверждением действительного мира появляется и его критическая оценка, о чем говорит творчество Домье, Курбе и других художников.

Реалистическое искусство было всегда тесно связано с передовыми идеями своего времени, и народ, простой человек, становится в центре внимания художников. Можно утверждать, что прогрессивное западноевропейское искусство на протяжении всего периода от французской буржуазной революции

до Парижской коммуны было идейным и

истории и не сомневался, что вправе

Иван Никитич Никитин (1680 — около

некоторую

иконописную

плоскостность

демократичным

вне зависимости

от

распоряжаться наследием иных веков и

1742) был одним из первых русских

изображения: в его портретах зритель не

направлений:

революционный

культур.

Парламентские

здания

портретистов. Уже в его ранних портретах

ощущает

пространства,

окружающего

классицизм,

прогрессивный

романтизм

воспроизводили

формы

архитектуры

— старшей сестры Петра I Натальи

модели. Так, на «Портрете статс-дамы А.

или критический реализм. Художники не

Древней Греции, церкви и суды

Алексеевны (1715—1716 гг.) и его дочери

М. Измайловой» (1759 г.), женщины

оставались

безучастными

к

социальным

напоминали о Средневековье, театры — о

Анны Петровны (до 1716 г.) — с редким

пожилой

и

грубоватой,

потрясениям, их искусство рождалось в

барокко и рококо.

для того времени мастерством переданы

противопоставляются

яркие

цвета

бурях революций, и часто они сами были

Хотя эклектизм, по

сути,

явление

объём и естественная поза модели.

переднего

плана и

абсолютно тёмный,

активными их участниками.

«массовой культуры», среди его мастеров

Однако в этих работах очевидна

«глухой» фон. В портрете Петра III (17б2

были

яркие

творческие

некоторая

упрощённость:

фигуры

г.), изображённого художником в виде

21. ЗАПАДНОЕ ИСКУССТВО 2-й

индивидуальности,

такие,

как

выхвачены из темноты неопределённого

полководца с маршальским жезлом в

ПОЛОВИНА XIX ВЕКА

французский архитектор Жан Луи Шарль

пространства лучом яркого света и

руке, поражает контраст между кукольно-

Люди искусства стремились уловить и

Гарнье (1825—1898). Построенное им

существуют вне связи со средой;

грациозной

фигуркой

монарха

и

передать в своём творчестве образы

здание парижского театра «Гранд-Опера»

художник

ещё

неумело

изображает

помпезной

обстановкой

с

атрибутами

нового

времени.

Рушились

(1861 — 1875 гг.), несмотря на помпезное

строение фигуры и фактуру материалов

императорской власти — мантией,

художественные

принципы,

рождённые

убранство,

оставляет

впечатление

— бархата, меха, драгоценностей.

державой и короной — на фоне битвы.

прошедшими веками, отметались старые

величавой целостности. Площадь перед

Луи Каравакк (1684—1754), французский

Во второй половине XVIII столетия в

сюжеты.

зданием, вестибюль, парадная лестница,

мастер, приглашённый в Россию, вскоре

живописи

русских

мастеров

появились

Уже

второй

век

подряд

фойе, огромный зрительный зал на две

достиг большой славы и положения

новые жанры — пейзажный, бытовой и

законодательницей мод и стиля жизни

тысячи мест и почти такая же по величине

придворного живописца. Он работал в

исторический,

который

Академия

оставалась Франция. Она сохраняла

сцена органично дополняют друг друга,

России много лет и писал портреты всех

художеств считала главным. Однако

первенство и в искусстве. В Париже

образуя единый ансамбль. Постройка

русских монархов от Петра до Елизаветы.

самые значительные произведения по-

проходили

Салоны,

на

которых

Гарнье

послужила

образцом

для

Его

кисти

принадлежит знаменитый

прежнему создавались в жанре портрета.

выставлялись отобранные жюри картины

театральных

зданий

того

времени

парадный портрет Анны Иоанновны в

современных

живописцев.

Публика

(театров в Вене, Одессе, Нью-Йорке).

коронационном платье (1730 г.), который

23. РУССКОЕ ИСКУССТВО 2-й

оживлённо

обсуждала

работы

Выдающимся

немецким

зодчим

был

послужил

образцом

для

остальных

ПОЛОВИНЫ XVIII в.

художников, газеты и журналы печатали

Готфрид Земпер (1803—1879), известный

произведений этого жанра. В портрете

Вторая половина XVIII столетия – период

рецензии критиков.

также как теоретик архитектуры.

передан не только внешний облик

расцвета абсолютной монархии в России,

Раз в несколько лет в европейских

Постройкам Земпера присущ эклектизм, и

императрицы

—

женщины

могучего

могущества русского дворянства. Но в

столицах

устраивались

всемирные

всё же он отдавал предпочтение ясному и

телосложения,

изображённой

в

расцвете

абсолютистской

системы

были

промышленные выставки, где наряду с

выразительному

языку

архитектуры

торжественной и величественной позе, но

заложены и причины ее надвигающегося

техническими

достижениями

итальянского

Возрождения.

Характерная

и её натура, суеверная и подозрительная.

кризиса.

Централизующей

силе

демонстрировались

и

произведения

его работа — Дворцовый театр в Дрездене

Из мастерской Каравакка вышли многие

абсолютной монархии противостояли, с

искусства. В течение второй половины

(1838—1841 гг., перестроен автором в

русские живописцы середины XVIII в.

одной стороны, крестьянские

движения

XIX столетия художественное творчество,

1871 — 1878 гг.).

К концу 20-х — 30-м гг. XVIII в.

(восстание Пугачева), с другой –

изменившись само, преобразило и

На

протяжении

полувека

европейские

относится недолгое, но яркое творчество

вольнодумство

(«вольтерьянство»)

материальную среду человека — город,

архитекторы пытались преодолеть разлад

живописца Андрея Матвеевича Матвеева

просвещенных дворян, их увлечение

дом, комнату, платье, посуду...

между конструкцией здания и его

(1701 — 1739). Проведя более десяти лет

масонскими

(Новиков)

и

Развитие

промышленности

во

второй

пластическим образом. Эжен Виолле-ле-

в Голландии и Фландрии, он стал первым

тираноборческими (Радищев) идеями.

половине XIX в. вызвало приток

Дюк (1814—1879), французский зодчий и

русским мастером, умевшим «писать

Основание

Академии

художеств (1757),

населения в города. Старые города

реставратор готических памятников, в 60-

истории и персоны», т. е. не только

первого

и

отныне

крупнейшего

Европы росли и перестраивались. Тогда

х

гг.

утверждал,

что

основой

портреты,

но

и

картины

на

художественного

центра,

определило

появилась новая форма жилого здания —

архитектурного

образа

должна

быть

мифологические и исторические сюжеты.

пути русского искусства на протяжении

доходный дом, где квартиры сдавались

конструкция,

отвечающая определённому

Однако больше всего Матвеев знаменит

всей второй половины столетия. В

внаём жильцам разного достатка.

назначению. К сходным взглядам почти в

как портретист. Самым известным его

течение многих десятилетий XVIII в.

В европейском зодчестве середины XIX

то же время пришёл и Земпер, добавляя

произведением

считается

«Портрет

Академия, основанная инициативой И.И.

столетия восторжествовал эклектизм (от

при этом, что зодчий должен «оживить»

супругов» (около 1729 г.). Споры

Шувалова,

куратора

Московского

греч. «эклектикос» — «выбирающий») —

материал и конструктивную схему,

искусствоведов о том, кто на нём

университета, и при помощи М.В.

архитектурная практика, основанная на

вложить в них

изображён, не утихают до сих пор.

Ломоносова, была единственным в

воспроизведении

конструктивных

и

Вероятнее всего, это автопортрет

России

высшим

художественным

декоративных форм различных стилей.

22. РУССКОЕ ИСКУССТВО 1-й

художника с женой, т. е. первый

заведением.

Основой

художественного

Появление эклектизма было подготовлено

ПОЛОВИНЫ XVIII в

автопортрет в истории русской живописи.

образования

было

изучение

великих

неоклассицизмом и

неоготикой

первой

До начала XVIII столетия в русской

С 1727 г. и до самой смерти Матвеев

мастеров прошлого, прежде всего

половины столетия. Потом возникло ещё

живописи развивались преимущественно

возглавлял

«живописную

команду»

античности. В соответствии с этими

несколько «исторических» стилей —

иконописные традиции

Канцелярии от строений. В ней до

канонами окружающая действительность,

романско-византийский

стиль,

По воспоминаниям современников, в

открытия Академии художеств учились и

природа

должны

быть

«исправлены»,

неоренессанс, необарокко, ложное рококо,

России в то время любые изображения

служили практически все художники.

«улучшены» под кистью художника.

второй ампир.

принимали за иконы: нередко, приходя в

К 40—50-м гг. XVIII в. относится

Вместе с тем в русской Академии работа

Характернейший

пример

эклектизма

в

дом чужеземца, русские по обычаю

творчество Ивана Яковлевича Вишнякова

над натурой (прежде всего рисование и

архитектуре — застройка венского Ринга

кланялись первой попавшейся им на глаза

(1699—1761). Самый изысканный портрет

лепка

с

натурщиков)

занимала

(60—80-е гг.). Здесь соседствуют

картине. Однако в XVIII в. живопись

Вишнякова

изображает

Сарру Элеонору

значительное место в системе обучения. В

Вотивная церковь в формах французской

постепенно

стала

приобретать

Фермор, дочь начальника Канцелярии от

1764 г. Академия принимает новый устав.

готики

(архитектор

Генрих

фон

европейские черты: художники осваивали

строений (1749 г.). Юная девушка в

Закладывается новое здание. При

Ферстель); Городской театр, сочетающий

линейную

перспективу,

позволяющую

роскошном серебристо-сером атласном

Академии

открывается

Воспитательное

черты зодчества Возрождения и барокко

передать

глубину

пространства,

платье, вышитом цветами, готовится

училище, куда принимают учиться с

(архитекторы Готфрид Земпер и Карл

стремились правильно изображать объём

сделать реверанс. В руке она грациозно

малолетнего возраста.

Эрхард

фон

Хазенауер);

здание

предметов с помощью светотени, изучали

держит веер. Кисти рук на полотнах

Ведущим

направлением

Академии

Парламента,

стилизованное

под

анатомию, чтобы точно воспроизводить

Вишнякова почти всегда написаны с

становится классицизм, как это было

древнегреческое

(архитектор

Теофилиус

человеческое

тело.

Распространялась

особым изяществом: пальцы лишь слегка

характерно и для европейских академий.

Эдвард фон Хансен), и Дворец юстиции,

техника живописи маслом, возникали

касаются предметов, будто скользят по их

Русские художники в этот период

оформленный

в

подражание

немецкой

новые жанры.

поверхности. В «Портрете Сарры

постигают опыт мировой художественной

архитектуре

XVI

в.

(архитектор

Особое место в русской живописи XVIII

Фермор» обращают на себя внимание и

культуры. Пенсионерство, возрожденное

Александр Виллеман).

в. занял портрет. Наиболее ранние

тонкая живопись кружев, и декоративный

Академией художеств, не было уже

Архитектура

эклектизма

отражает

произведения этого жанра близки к

пейзажный фон, мотивы которого

простым

ученичеством,

как

это

психологию европейца тех времён,

парсуне XVII в. Персонажи торжественны

перекликаются с вышивкой на платье.

понималось в первой трети XVIII в., оно

который

считал

свою

цивилизацию

и статичны.

Алексею Петровичу Антропову (1716—

выглядело

художественным

образцовой, а свою

эпоху —

вершиной

1795)

так

и

не

удалось

преодолеть

сотрудничеством,

принесшим

русским

мастерам быстрое европейское признание. В ином положении находятся теперь и иностранцы: это уже не мэтры-учителя, а мастера, чье место в художественной среде российского государства зависит прежде всего от их собственных дарований, от степени таланта.

Русский классицизм основан, конечно, на тех же принципах, что и классицизм европейский. Он привержен большим обобщениям, «общечеловеческому», стремится к гармонии, логике, упорядоченности. Идея Отечества, так же, как и руссоистская идея «естественного человека»,–основные в его программе. Высокогражданственное чувство сказалось и в архитектуре эпохи классицизма, и в монументальной скульптуре, в исторической живописи, и даже в таком как будто отдаленном от прямого выражения духа государственности жанре, каким был портрет. Но в русском классицизме отсутствует идея жесткого подчинения личности абсолютному государственному началу. В этом смысле русский классицизм ближе к самим истокам, к искусству античному. Античная и ренессансная система композиционных приемов и пластических форм пересматривалась русскими художниками применительно к национальным традициям, к русскому образу жизни.

Рожденный на английской почве, сентиментализм в России имел самые тесные связи с предшествующим рококо, он углубил интерес к внутреннему миру человека, к «извивам» его души. Но вместе с тем он развивался в России в тесной связи с классицизмом, хотя и обладал собственной мировоззренческой природой.

Наиболее полно классицизм выразил себя в архитектуре и монументальнодекоративной пластике второй половины XVIII в. Крупнейшие мастера раннего классицизма А.Ф. Кокоринов (1726– 1772) и француз Ж.-Б. Валлен-Деламот (1729–1800) – авторы проекта здания Академии художеств в Петербурге (1764– 1788), в котором учтено важное в градостроительном отношении местоположение здания на берегу Невы.

Важнейшей государственной задачей 60– 80-х годов было оформление набережных основной водной артерии Петербурга – Невы. В связи с этим со стороны Невы была возведена ставшая потом столь знаменитой ограда Летнего сада (1771– 1786), автором которой считаются Ю.М. Фельтен (1730–1801) и его помощник П. Егоров.

Несколько позже Ринальди строит в Петербурге Мраморный дворец (1768– 1785), В этот период архитектуре вообще свойственно использование естественного материала, тонкое понимание красоты разных пород камня.

По праву величайшим мастером русского классицизма, чьи работы способствовали признанию русского зодчества в Европе был Василий Иванович Баженов (1737/38–1799), и это при том, что большинство его проектов даже не было осуществлено.

Баженовский ансамбль в Царицыне составлял единое целое с окружающим

корпуса парком. С его творчеством как архитектора связывается становление и утверждение классицизма.

Вместе с Баженовым участвовал в процессе становления русского классицизма Матвей Федорович Казаков (1738–1812). Большой школой для него была совместная работа с пригласившим его Баженовым над проектом Кремлевского Дворца. Ренессансные идеи гармонии и покоя, воспринятые русскими классицистами, Казаков воплощает в типе ротонды. Примером такого ясного, конструктивного решения является церковь Филиппа Митрополита (1777–

1788).

Третий крупнейший зодчий второй половины XVIII в.– Иван Егорович Старов (1744–1808). Но самое значительное сооружение Старова – Таврический дворец (1782–1789).

Во второй половине XVIII в. начинается настоящий расцвет русской скульптуры. Она развивалась медленно, но русская просветительская мысль и русский классицизм явились величайшими стимулами для развития искусства. Шубин, Гордеев, Козловский, Щедрин, Прокофьев, Мартос – каждый сам по себе был ярчайшей индивидуальностью, оставил свой след в искусстве. Их образование строилось прежде всего на изучении античной мифологии, слепков и копий с произведений античности и Ренессанса, в годы пенсионерства – подлинных произведений этих эпох. Они стремятся воплотить в мужском образе черты героической личности, а в женском – идеально-прекрасное, гармоничное, совершенное начало. Но русские скульпторы толкуют эти образы не в отвлеченно-абстрактном плане, а вполне жизненно. Поиск обобщенно-прекрасного не исключает всей глубины постижения человеческого характера, стремления передать его многогранность. Это стремление ощутимо в монументальнодекоративной пластике и станковой скульптуре второй половины века, но особенно – в жанре портрета.

Его наивысшие достижения связаны прежде всего с творчеством Федота Ивановича Шубина (1740–1805). Шубин редко обращался к бронзе, он работал в основном в мраморе и всегда использовал форму бюста. И именно в этом материале мастер показал все многообразие и композиционных решений, и приемов художественной обработки. Шубин работал не только как портретист, но и как декоратор.

Вместе с отечественными мастерами в России работал французский скульптор Этьенн-Морис Фальконе (1716–1791; в России – с 1766 по 1778), который в памятнике Петру I на Сенатской площади в Петербурге выразил свое понимание личности Петра, ее исторической роли в судьбах России.

В живописи наиболее последовательно принципы классицизма, естественно, воплотил исторический жанр. Античные и библейские сюжеты (которые преимущественно и считались историческим жанром) и национальная

передвижных

выставок

история трактовались в ней соответственно гражданственным и патриотическим идеалам просветительства.

Во второй половине 70-х – в 80-е годы в жанре исторической живописи работает и такой тонкий мастер, как П.И. Соколов (1753–1791). Соколов в основном писал на сюжеты из античной мифологии («Меркурий и Аргус», 1776, ГРМ; «Дедал привязывает крылья Икару», 1777, ГТГ).

Затем начинается новый этап в развитии исторической живописи. Он связан с именем Г.И. Угрюмова (1764–1823), основной темой произведений которого является борьба русского народа: с кочевниками («Испытание силы Яна Усмаря», 1796–1797, ГРМ), с немецкими рыцарями («Торжественный въезд в Псков Александра Невского после одержанной им над немецкими рыцарями победы», 1793, ГРМ), за безопасность своих границ («Взятие Казани», 1797– 1799, ГРМ) и пр. Угрюмов занимался и портретным жанром.

Исторический жанр более чем какой-либо другой демонстрирует развитие принципов классицизма, трактованных, однако, очень широко. В этом искусстве много живописности и динамики, унаследованных от уходящего барокко; одухотворенности, привнесенной сентиментализмом и еще ранее рокайлем; на него в начале XIX в. оказал определенное влияние романтизм.

Наибольших успехов живопись второй половины XVIII в. достигает в жанре портрета. Поколение художников, выступившее на рубеже 60–70-х годов, в кратчайший срок выдвинуло русский портрет в ряд лучших произведений мирового искусства. Одним из таких мастеров был Федор Степанович Рокотов

(1735/36–1808).

В эти годы складывается определенный тип камерного портрета (Рокотов редко писал парадные, и то в основном в начале творчества) и определенная манера письма, определенный строй художественных средств. Это обычно погрудное изображение. Фигура повернута по отношению к зрителю в 3/4, объемы создаются сложнейшей светотеневой лепкой, тонко сгармонизированными тонами. Модель почти не комментируется сложными атрибутами, антураж не играет никакой роли, иногда вовсе отсутствует. Характеристика никогда не однозначна. Одним из величайших художников XVIII столетия, сумевшим наиболее полно выявить основные особенности и принципы, сам дух живописи своего века, был Дмитрий Григорьевич Левицкий

(1735–1822).

Рубеж XVIII–XIX вв. – время наивысшей славы Боровиковского и одновременно появления новых тенденций в искусстве. Классицизм достигает своих высот, и в портретах Боровиковского этого времени наблюдается стремление к большей определенности характеристик, строгой пластичности, почти скульптурности форм; к усилению объемности, к постепенному исчезновению мягкой и изнеженной живописности, на смену

которой приходит звучность плотных цветов.

Бытовой жанр не получил развития в стенах Академии.

В последней четверти XVIII в. приобрел черты самостоятельности пейзажный жанр. В 1776 г. Семен Федорович Щедрин (1745– 1804) стал первым профессоромруководителем пейзажного класса. Характер пейзажей самого Щедрина глубоко лирический и поэтический.

Мастером акварельного пейзажа, запечатлевшим виды Кавказа, Крыма, Бессарабии, Украины, был Михаил Матвеевич Иванов (1748–1823).

\Русский пейзажный жанр конца XVIII в. развивался очень быстро. Были заложены основы национальной школы пейзажной живописи, созданы условия для успешного развития этого жанра в следующем столетии.

Во второй половине века работают замечательные мастера-граверы. Рисунок в эти годы еще не стал самостоятельным видом графики, но ему уделялось много внимания, ибо в системе обучения Академии художеств рисунок был основой для постижения всех видов изобразительного искусства. Сохранилось великое множество замечательных рисунков живописцев, скульпторов и собственно граверов.

Понемногу начинает развиваться книжная графика. По-прежнему живет лубок на темы сказок, былин, басен или сатирического толка – ясная, доходчивая, народная картинка, имевшая самое широкое хождение. Центр лубочных изданий, в основном, Москва.

24. ИСКУССТВО РОССИИ 1-й ПОЛОВИНЫ XIX ВЕКА.

Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

Кипренский Орест Адамович. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как замечательный портретист. В картине «Дмитрий Донской на Куликовом поле» (1805, Русский музей) продемонстрировал уверенное знание канонов академической исторической картины. Но рано областью, где его талант раскрывается наиболее естественно и непринужденно, становится портрет. (Автопортрет с кистями; Портрет Пушкина)

Реалистическую манеру отражали произведения В.А. Тропинина. Ранние портреты Тропинина, написанные в сдержанной красочной гамме (семейные портреты графов Морковых) еще всецело принадлежат к традиции века Просвещения: модель является в них безусловным и стабильным центром

образа. Позднее колорит живописи Тропинина становится интенсивней, объемы обычно лепятся более четко и скульптурно, но самое главное — вкрадчиво нарастает чисто романтическое ощущение подвижной стихии жизни, лишь частью, фрагментом которой кажется герой портрета. (Кружевница)

Художественные и идейные искания русской общественной мысли, ожидание перемен отразились в картинах К.П. Брюллова "Последний день Помпеи" и А.А. Иванова "Явление Христа народу".

Великим творением искусства является картина «Последний день Помпеи» Карла Павловича Брюллова (1799—1852).

Впервой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806—1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта.

Впервой половине XIX в. в русскую живопись входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился Алексей Гаврилович Венецианов (1780— 1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни крестьян. Эту жизнь он показывает в идеализированном, приукрашенном виде, отдавая дань модному тогда сентиментализму. Картины Венецианова «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», "Захарка", "Утро помещицы".

Его традиции продолжил Павла Андреевича Федотов (1815—1852). Его полотна реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую мораль, быт и нравы верхушки общества ("Сватовство майора", "Свежий кавалер" и др.). Обличение язв крепостнической России

— основная тема творчества Павла Андреевича Федотова

25. ИСКУССТВО РОССИИ 2-й ПОЛОВИНЫ XIX ВЕКА.

Во второй половине XIX века произошёл расцвет реалистической живописи. Было основано творческое объединение российских художников «Товарищество передвижных художественных выставок (Передвижники)», в которое входили такие великие художники, как Васнецов, Крамской, Шишкин, Куинджи, Суриков, Репин, Саврасов.

Центральной темой искусства стал народ, не только угнетенный и страдающий, но и народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни.

Утверждение реализма в искусстве проходило в упорной борьбе с официальным направлением, представителем которого было руководство Академии художеств. Деятели академии внушали своим ученикам идеи о том, что искусство выше жизни, выдвигали лишь библейскую и мифологическую тематику для творчества художников.

Товарищество

художественных

(Передвижники) — творческое объединение российских художников, существовавшее в последней трети XIX века. В эстетическом плане участники Товарищества, или передвижники, целенаправленно противопоставляли себя представителям официального академизма. Основателями общества были И. Н. Крамской, Г. Г. Мясоедов, Н. Н. Ге и В. Г. Перов. В своей деятельности передвижники вдохновлялись идеями народничества. Передвижники вели активную просветительскую деятельность, в частности, организуя передвижные выставки; жизнь Товарищества строилась на кооперативных началах.

Художественные принципы:Для картин передвижников были характерны обострённый психологизм, социальная и классовая направленность, высокое мастерство типизации, реализм, граничащий с натурализмом, трагический

вцелом взгляд на действительность. Ведущими стилями в искусстве передвижников были импрессионизм и реализм.

Пожалуй, самую большую дань идейности отдал Василий Григорьевич Перов (1834—1882). В своих произведениях Перов страстно обличает существующий строй, с большим мастерством и убедительностью показывает тяжелую долю народа.

«Передвижники» совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830—1897) сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа.

Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832—1898). Архипа Ивановича Куинджи (1841 —1910) привлекала живописная игра света и воздуха.

В творчестве Васнецова ярко представлены разные жанры, ставшие этапами очень интересной эволюции: от бытописательства к сказке, от станковой живописи к монументальной, от приземленности передвижников к прообразу стиля модерн. На раннем этапе

вработах Васнецова преобладали бытовые сюжеты, например в картинах «С квартиры на квартиру» (1876), «Военная телеграмма» (1878), «Книжная лавочка» (1876), «Балаганы в Париже»

(1877).

Позже главным направлением становится былинно-историческое — «Витязь на распутье» (1882), «После побоища Игоря Святославича с половцами» (1880), «Алёнушка» (1881), «Иван-Царевич на Сером Волке» (1889), «Богатыри» (1881— 1898), «Царь Иван Васильевич Грозный»

(1897).

26. ИСКУССТВО РОССИИ РУБЕЖА ВЕКОВ (XIX-XX, «МИР ИСКУССТВА».

На рубеже XIX—XX веков действовало объединение «Мир искусства». Его членами или близкими к движению художниками были Михаил Александрович Врубель, Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, Николай

Константинович Рёрих, Исаак Ильич Левитан.

Мир искусства — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 г. членами группы.

Основателями «Мира искусств» стали художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Ядро объединения составили выпускники гимназии К. И. Мая в Петербурге.

Громко о себе заявило, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища техники рисования барона А. Л. Штиглица.

Классический период в жизни объединения пришелся на 1900—1904 гг.

— в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства».

“Мир искусства” во главе с А.Н. Бенуа и С.П. Дягилевым, оказало большое влияние на художественную жизнь страны. Деятельность этой группы была очень разносторонней. Художники вели активную творческую работу, издавали художественный журнал “Мир искусства”, устраивали интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров. Мирискусники, как называли художников “Мира искусства”, стремились приобщить своих зрителей и читателей к достижениям национального и мирового искусства. Их деятельность способствовали широкому распространению в русском обществе художественной культуры. Но вместе с тем она имела и свои минусы. Мирискусники искали в жизни лишь красоту и осуществление идеалов художника видели лишь в вечной прелести искусства. Их творчество было лишено боевого духа и социального анализа, свойственных передвижникам, под знаменем которых шли самые прогрессивные и самые революционные художники.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) по праву считается идеологом “Мира искусства”. Он был широко образованным человеком и обладал большими познаниями в области искусства. Он занимался главным образом графикой и много работал для театра.

Художественная ориентация «Мира искусства» была связана с модерном и символизмом. В противовес идеям передвижников художники «Мира искусства» провозгласили приоритет эстетического начала в искусстве. Члены «Мира искусства» утверждали, что искусство — прежде всего выражение личности художника. Полагая, что современная цивилизация антагонистична культуре, «мирискусники» искали идеал в искусстве прошлого. Художники и писатели в своих картинах и на журнальных страницах открыли российскому обществу тогда мало оцененную красоту средневековой архитектуры и русской древней иконописи, изящество классического

Петербурга и окружающих его дворцов, заставляли задуматься о современном звучании древних цивилизаций и заново оценить собственное художественное и литературное наследие.

После 1904 г. объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 гг. большинство членов «Мира искусства» входило в состав Союза русских художников. После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование в 1924 г.

Рядом с “мирискусниками” виднейшим направлением рубежа века был символизм - многогранное явление, не вмещающееся в рамки “чистой” доктрины.

Вхудожественной жизни России начала 20 века значительную роль сыграла также художественная группировка “Союз русских художников”. В нее входили художники К.А. Коровин, А.Е. Архипов, С.А. Виноградов, С.Ю. Жуковский, Л.В, Туржанский, К.Ф. Юон и другие. Главным жанром в творчестве этих художников был пейзаж. Они являлись преемниками пейзажной живописи второй половины 19 века.

Вконце прошлого века в русской живописи начинает пробуждаться интерес к натюрморту. Расцвет натюрморта наступил в 1910-х годах. Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт - сюжетно и живописно - с окружающей средой. "Мертвую натуру" выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты.

27.ИСКУССТВО РУССКОГО АВАНГАРДА РУБЕЖА XIX-XX ВЕКОВ.

Авангард был нацелен на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию, которая разрушила бы духовную косность существующего общества, при этом его художественноутопические стратегия и тактика были гораздо более решительными, анархически-бунтарскими.

Спектр направлений велик. Преобразования охватили все виды творчества, но изоискусство постоянно выступало инициатором новых движений. Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие тенденции авангарда; его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Футуризм укрепил интернациональные контакты авангарда, ввел новые принципы взаимодействия искусств. В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим в широком географическом диапазоне от России до Нового Света Экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм с их чуткостью к бессознательному в человеческой психике обозначили иррациональную линию авангарда, в конструктивизме же, напротив, проявилась его рациональная, строительная воля.

В

условиях

же

политического

В

раннем

творчестве

Кандинского

Г.А. Стенберги). Главным лозунгом

либерализма авангард с 1920-х годов

натурные

впечатления служили основой

конструктивистов

стало революционное

утрачивает

прежний

пафос

для создании ярких красочных пейзажей,

преобразование жизни, поиск новых

противостояния, вступает в союз с

иногда с романтически-символической

принципов

конструирования

жизненной

модерном, устанавливает контакт с

нагруженностью

сюжетов

(“Синий

среды. Они утверждали эстетические

массовой культурой. Кризис авангарда, к

всадник”, 1903). Середина и вторая

идеалы

простоты,

утилитарной

середине 20 века в значительной мере

половина 1900-х гг. прошли под знаком

целесообразности предметного мира.

растратившего

свою

былую

увлечения русской стариной; в картинах

Бубновый валет: Художники «Бубнового

“революционную”

энергию,

явился

“Песня Волги” (1906), “Пестрая жизнь”

валета»

отрицали

традиции

как

стимулом

для

формирования

(1907), “Рок” (1909) художник совмещал

академизма, так и реализма XIX века. Для

постмодернизма

как

основной

ему

ритмико-декоративные черты русского и

их творчества характерны живописно-

альтернативы.

немецкого модерна (югендстиля) с

пластические решения в стиле П. Сезанна

Один из самых ярких представителей

приемами пуантилизма и стилизацией под

(постимпрессионизм), фовизма и кубизма,

авангарда,

Василий

Кандинский,

народный лубок.

а также возврат к приёмам русского лубка

принадлежит

к

числу

открывателей

Кандинский, как все крупные мастера

и народной игрушки. Характерны

нового

художественного

языка

XX

нового времени, был универсален в своей

деформация и обобщение форм.

столетия и не только потому, что именно

художественной

деятельности.

Он

Голубая роза: Выставка «Голубая роза»

он “изобрел” абстрактное искусство - он

занимался не только живописью и

явилась предтечей русского авангарда в

смог придать ему масштаб, цель,

графикой, но и музыкой (с ранних лет),

живописи. Стилистика выставки более

объяснение и высокое качество.

поэзией, теорией искусства. Художник

всего

схожа

с

работами

французских

Другой яркий представитель - Казимир

оформлял интерьеры, делал эскизы

«наби».

Малевич (1878-1935), о котором по

росписей по фарфору, проектировал

Идеи объединения отразились позднее в

настоящему о заговорили в кругах не

модели

платьев,

создавал

эскизы

творчестве К. Малевича, Н. Гончаровой и

только художественных, но и в широкой

аппликаций

и

мебели,

занимался

М. Ларионова.

прессе после следующей выставки, на

фотографией,

интересовался

Ослиный

хвост:

Объединение

которой он показал уже так называемые

кинематографом.

существовало в начале 1910-х годов.

супрематические полотна, иначе говоря

Татлин Владимир Евграфович (1885-1953)

Название

своё

получило

благодаря

геометрические абстракции. С тех пор

российский

художник,

дизайнер,

выставлявшейся в 1910 г. на выставке в

Малевича, к сожалению, стали считать

сценограф,

один

из

крупнейших

Париже картине, нарисованной хвостом

только художником супрематизма и даже

представителей новаторского движения в

осла. К 1913 г. объединение «Ослиный

художником одной картины "Черного

искусстве

20

в.,

родоначальник

хвост» фактически распалось. На своих

квадрата". Эту славу отчасти Малевич

художественного

конструктивизма.

выставках «Ослиные хвосты» показывали

поддерживал сам. Он считал, что "Черный

Самыми

значительными

работами

стали

не только собственные работы, но и

Квадрат" - это вершина всего. Малевич

холсты “Матрос (Автопортрет)” (1911,

произведения

детей,

«творчество»

был разносторонним живописцем.

Русский музей), “Продавец рыб” (1911,

московских

маляров,

замечательные

Малевич,

российский

художник,

Третьяковская галерея). Татлин быстро

вывески

тифлисского

примитивного

основатель супрематизма, один из

выдвинулся

в

среде

русских

живописца

Нико

Пиросманишвили,

немногих в России, работавших в

авангардистов;

участвовал

в

которого

они

открыли

для

направлениях кубизма, футуризма. Был

иллюстрировании футуристических книг,

художественной общественности.

незаслуженно забыт в Советском Союзе,

в 1912 организовал в Москве собственную

хотя его творчество одна из самых ярких

студию, в которой занимались живописью

28. СОВЕТСКОЕ ИСКУССТВО 20-50-х

страниц

в

мировом

изобразительном

многие

“левые

художники”,

ведя

ГГ.

искусстве первой половины ХХ века.

аналитические исследования формы. С

Социалистический реализм, соцреализм

Казимир

Малевич

участник знаменитых

этого времени и до конца 1920-х гг.

— одно из важнейших художественных

выставок

"Бубновый

валет"

(1910),

Татлин был одной из двух центральных

направлений в искусстве XX века; особый

"Ослиный хвост" (1912), один из столпов

фигур русского авангарда, наряду с К.С.

художественный метод (тип мышления),

русского, а затем и советского авангарда.

Малевичем, в соперничестве с которым

базирующийся на познании и осмыслении

Супрематизм основан на комбинировании

развивал свои художественные открытия,

жизненной

действительности

эпохи,

на плоскости простейших геометрических

легшие в основу будущего движения

которая

понималась

как

динамично

фигур, окрашенных в контрастные цвета.

конструктивистов.

изменяющаяся в своём «революционном

Идеями

супрематизма

были увлечены

В искусстве рубежа XIX-XX вв. зрели

развитии».

И.А. Пуни, И.В. Клюн и др. Клюн, в

предпосылки

для

становления

многих

Термин впервые появился в советской

отличие от Малевича, уже через

крупных

“измов”

последующих

печати в «Литературной газете» 23 мая

несколько лет

яростно

восставшего

десятилетий,

для

фовизма,

1932 года. Он возник в связи с

против эстетических

принципов

новой

экспрессионизма, кубизма, абстрактного

необходимостью

направить

РАПП и

эпохи символизма и модерна, не только

искусства и сюрреализма.

авангард

на

художественное развитие

задержался дольше, но и вынес из нее

В 1920-е гг. возникают многочисленные

советской культуры. Решающим при этом

значительно больше, чем Малевич:

новые группировки, объединяющие как

явилось

признание

роли

классических

тяготение к линейности, к декоративной

художественную молодежь, так и

традиций и понимание новых качеств

организации плоскости, к ритму.

маститых

мастеров.

Многие

из

реализма.

Композиции Клюна тщательно отделаны,

живописцев

старших

поколений

Художник должен был служить своими

построены, слажены. Тема - бытовые

переживают

своеобразную

смену

произведениями

строительству

приборы, посуда: озонатор, граммофон,

приоритетов. Так, П.В. Кузнецов,

социалистического

общества.

кувшин. Предмет расчленен, но бережно

ведущий мастер “Голубой розы”, отходит

Следовательно, он должен изображать

и деликатно, он вполне узнаваем, иногда

от отрешенной, почти надмирной

жизнь в свете идеалов социализма.

даже вступает в несложный сюжет:

гармонии ранних полотен, но не изменяет

Художник должен был служить своими

Кубизм Клюна эстетичен, цель автора -

своему стремлению к поэтизации сцен

произведениями

строительству

сделать

качественное

произведение

простого

труда.

Чертами

тонкой

социалистического

общества.

искусства.

гармонии,

органического

единства

Следовательно, он должен изображать

На

рубеже

десятилетий

супрематизм

реальности

и

поэтического обобщения

жизнь в свете идеалов социализма.

становится если не тотальной модой, то

отмечена картина “Табачницы”, 1926, из

Принципы соцреализма: Народность.

очень

заметным

увлечением

в

цикла “Крымские табачницы”, над

Герои

произведений

должны

быть

художественных кругах, каждый мастер,

которым художник работал в 1925-1928

выходцами из народа. Как правило,

так или иначе причисляющий себя к

гг.

героями соцреалистических произведений

современности, стремился сделать что-то

В 1921 была создана рабочая группа

становились рабочие и крестьяне.

"супрематическое" в порыве полемики,

конструктивистов (К.К. Медунецкий,

Идейность. Показать мирный быт народа

самоутверждения, восхищения, наконец.

А.М.

Родченко, В.Ф. Степанова,

В.А. и

и

его

героические

поступки,

прогрессивного поиск новой жизни, путей

искусстве, архитектуре, фотографии и

Андронов,

Николай

Иванович

достижения всеобщей радости.

декоративно-прикладном

искусстве,

(«Плотогоны», 1958—1961)

Конкретность.

В

изображении

получивший развитие в 1920 — нач. 1930

Коржев, Гелий Михайлович

действительности

показать

процесс

годов. В условиях непрекращающегося

Никонов, Павел Фёдорович («Наши

исторического развития, который в свою

поиска новых форм, подразумевавшем

будни», 1960)

очередь должен соответствовать доктрине

забвение всего «старого», новаторы

Попков, Виктор Ефимович («Строители

исторического

материализма

(материя

провозглашали отказ от «искусства ради

Братска», 1960—1961)

первична, сознание вторично).

искусства». Отныне искусство должно

Салахов,

Таир

Теймур

оглы

Довольно пёструю картину являло собой

было служить… производству.

(«Ремонтники», «Портрет композитора

и изобразительное искусство 20-х гг. В

Большинство тех, кто впоследствии

Кара-Караева», обе 1960)

нем выделилось несколько группировок.

примкнул к течению конструктивистов,

Александр

и

Пётр

Смолины

Наиболее

значительной

была группа

были

идеологами

так

называемого

(«Полярники», 1961)

«Ассоциация художников революции».

«производственного искусства». Они

Художники

воспевали

судьбы

Они изображали сегодняшний день: быт

призывали

художников

«сознательно

современников, их

энергию

и

волю,

Красной

Армии,

быт

рабочих,

творить полезные вещи» и мечтали о

«героику трудовых будней». Изображения

крестьянства, деятелей революции и

новом

гармоничном

человеке,

обобщены и лаконичны. Основой

труда. Они считали себя наследниками

пользующемся

удобными

вещами

и

выразительности

служат

большие

«передвижников». Они шли на фабрики,

живущем в благоустроенном городе.

плоскости цвета и линейные контуры

заводы, в красноармейские казармы,

Важной

вехой

в

развитии

фигур. Картина становится похожей на

чтобы непосредственно наблюдать жизнь

конструктивизма

стала

деятельность

плакат.

своих персонажей, «зарисовывать» её.

талантливых

архитекторов

—

братьев

Некоторые мастера в противоположность

В другом творческом содружестве —

Леонида,

Виктора

и

Александра

навязываемой

соцреализмом

ОСТ (Общество станковистов) —

Весниных. Они пришли к осознанию

тематической

картины

обратились к

объединилась

молодёжь,

окончившая

лаконичной «пролетарской» эстетики,

«низким» в академической иерархии

первый советский художественный вуз.

уже

имея

солидный

опыт

в

жанрам

—

портрету,

пейзажу,

Девиз ОСТа — развитие в станковой

проектировании зданий, в живописи и в

натюрморту. Их камерные, интимные

живописи

тематики,

отражающей

оформлении книг. (Они начали свою

произведения

не

представляли

собой

приметы XX столетия: индустриальный

карьеру ещё в эпоху Модерн).

оппозиции социалистическому реализму:

город, промышленное производство,

Впервые

архитекторы

—

создававшие

их

художники

просто

занятия спортом и др. В отличие от

конструктивисты громко заявили о себе

занимались живописью.

мастеров АХРа «остовцы» видели свой

на конкурсе проектов здания Дворца

Особое место в отечественном пейзаже

эстетический идеал не в творчестве своих

Труда в Москве. Проект Весниных

тех лет занимает северный пейзаж. Еще в

предшественников

—

художников-

выделялся

не

только

рациональностью

60-е

годы

началось

буквально

«передвижников»,

а

в

новейших

плана и соответствием внешнего облика

паломничество живописцев на Север,

европейских течениях, в сочетании с

эстетическим идеалам современности, но

открывший художникам свою неброскую

новыми эстетическими идеалами.

и подразумевал использование новейших

красоту. Художники возвращались из

Кукрыниксы

—

творческий

коллектив

строительных материалов и конструкций.

поездок с массой этюдов или уже готовых

советских художников — графиков и

картин. Так появляются проникновенные

живописцев,

в

который

входили

29. СОВЕТСКОЕ ИСКУССТВО 60-80-х

пейзажи

Никонова,

Андронова,

действительные члены АХ СССР,

ГГ.

Стожарова.

народные художники СССР (1958), Герои

60-е годы – это время наиболее

Еще

одна

особенность советского

Социалистического

Труда

Михаил

плодотворной

творческой

работы

тех

искусства 60–80-х годов – расцвет

Васильевич

Куприянов

(1903—1991),

художников, которых сегодня относят к

национальных

живописных

школ

Порфирий Никитич Крылов (1902—1990)

старшему поколению. В своей широкой

Закавказья, Средней Азии, Прибалтики,

и

Николай

Александрович

Соколов

экспрессивной манере Е. Моисеенко

Украины, Белоруссии, каждая из которых

(1903—2000). Псевдоним Кукрыниксы

создает

овеянные

«революционной

имеет свою самобытную основу.

составлен из первых слогов фамилий

романтикой» полотна о Гражданской и

Отметим две любопытные в искусстве

Куприянова и Крылова, а также первых

Великой Отечественной

войнах

(цикл

последних

десятилетий

детали:

первая

трёх букв имени и первой буквы фамилии

«Годы боевые», 1961; «Красные пришли»,

(несмотря на несомненное усиление

Николая Соколова. Три художника

1963–1964, и др.). Б.С. Угаров пишет

интереса к вопросам формы и совсем не

работали

методом

коллективного

картину о блокадном городе на Неве –

умаляя этот интерес) –для многих

творчества (каждый также работал и

«Ленинградка. В сорок первом» (1961).

художников и, подчеркнем, особенно для

индивидуально — над портретами и

Идут

поиски новых

выразительных

художников

России

остаются

очень

пейзажами). Наибольшую известность им

средств

в

каждом

из

видов

важными, первостепенными в искусстве

принесли

многочисленные

мастерски

изобразительного

искусства,

поиски

проблемы социальные. И вторая –это

исполненные карикатуры и шаржи, а

динамичности, лаконизма, простоты

начало нового «витка» в церковной

также книжные иллюстрации, созданные

фабулы,

обобщенности

при

живописи

–

появление

современных

в характерном карикатурном стиле. В

эмоциональности

и

остроте

самого

иконописцев, что является уже фактом

группе происходил поиск нового единого

характерного.

Художники разрабатывают

истории, а не случайностью.

стиля, используя мастерство каждого из

новый, так называемый суровый стиль

В монументальной

живописи

нашего

авторов.

Первыми

под

перо

(этот термин принадлежит советскому

времени условно можно выделить три

карикатуристов

попали

герои

искусствоведу А. Каменскому). Ибо

основных

направления:

живопись,

литературных произведений. Позже,

именно в это время выявилось стремление

связанную

с

общественно

важными

когда Кукрыниксы

стали

постоянными

художественно

воссоздать

темами;

монументально-декоративную

сотрудниками газеты «Правда» и журнала

действительность без обычной в 40–50-е

живопись таких сооружений, как кафе,

«Крокодил», они занялись политической

годы парадности, сглаживания всех

рестораны, дворцы культуры и пр., чисто

карикатурой. Они стали классиками

трудностей

декоративную.

советской

политической

карикатуры,

«Суровый

стиль»

был

порождением

В 60-е годы в графике, как и в других

которую понимали как орудие борьбы с

«оттепели» и свидетельствовал как будто

видах

изобразительного

искусства,

политическим врагом, и совершенно не

бы об определенных шагах по пути

начинается новый период. Ведущим в

признавали иных веяний в искусстве и в

демократизации общества. Это были

искусстве графики становится рисунок, а

карикатуре, проявившихся в полной мере

первые попытки заговорить в искусстве

в печатной графике – эстамп. В эстампе

в

первую

очередь

в новом

формате

«человеческим

языком»

–

после

этих лет (чаще всего это линогравюра, по

"Литературной газеты"

помпезных

произведений

послевоенного

технике дающая возможность обобщения

Конструктивизм

—

советский

времени.

формы) наиболее распространен пейзаж,

авангардистский

метод

(стиль,

Основными представителями «сурового

передающий

ощущение

ритма

жизни

направление)

в

изобразительном

стиля» были:

современным

человеком

–жителем

большого города, и облик этого быстро

противоречивых

является

построенность предмета, представленного

коллажа и технологии «ready-made».

ТЕРМИНЫ:

растущего города. В городской «ведуте»

экспрессионизм.

Экспрессионизм

на плоскости открытым для обзора со

Сюрреалисты

были

вдохновлены

(назовем по старинке) выделяются имена

сложился в Германии. В своем творчестве

всех

сторон.

Кубисты

любили

радикальной левой идеологией, однако

СИНКРЕТИЗМ

-

ритмованные

двух московских графиков – Г. Захарова и

они стремились выразить драматическую

подчеркивать, что они пишут не как

революцию они предлагали начать со

орхестические

движения

в

И. Голицына, ленинградского художника

подавленность человека в мире — в

видят, а как знают, причем в соответствии

своего сознания. Искусство мыслилось

сопровождении песни-музыки.

А. Ушина.

геометрически

упрощенных,

грубых

с

современным

развитием

естественных

ими

основным

инструментом

МЕНГИР — простейший мегалит в виде

Не менее активно развивается в эти

формах, через полный отказ от передачи

наук. Началом кубизма можно считать

освобождения. Одними из величайших

установленного

человеком

грубо

десятилетия иллюстрация. Она перестает

пространства в живописи, оперирующей

появление

произведения

Пикассо

представителей сюрреализма в живописи

обработанного либо дикого камня, у

быть собственно иллюстрацией, или,

несгармонированными тонами.

«Авиньонские девушки» (1907—1908)

стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене

которого вертикальные размеры заметно

вернее,

только

иллюстрацией.

Синий всадник - Объединение «Синий

Футуризм - выступил с апологией

Магритт. Сюрреалисты выполняли свои

превышают горизонтальные.

Художников, как правило, интересует

всадник» было основано в декабре 1911

техники, урбанизма, абсолютизацией идеи

работы без оглядки на рациональную

МЕГАЛИТЫ

—

доисторические

искусство

книги

в

целом

как

года в Мюнхене Василием Кандинским и

движения. В изобразительном искусстве

эстетику,

используя фантасмагорические

сооружения

из

больших

каменных

художественного

произведения.

Францем Марком. Основной целью было

футуризм отталкивался от фовизма,

формы. Они работали с такими

блоков, соединённых без применения

Художники-иллюстраторы

освобождение

от

окаменелых

традиций

заимствуя у него цветовые находки, и от

тематиками, как эротика, ирония, магия и

цемента или известкового раствора.

«повествовательного

стиля»

тоже

академической живописи. Помимо них в

кубизма,

у

которого

перенял

подсознание.

Нередко

сюрреалисты

КРОМЛЕХ—

древнее

сооружение,

меняются и меняют свой подход

к

группе также были Август Маке,

художественные формы, однако отвергал

выполняли свои работы под воздействием

представляющее

собой

несколько

литературному произведению.

Марианна Веревкина, Алексей Явленский

кубический анализ (разложение) как

гипноза, алкоголя, наркотиков или голода,

поставленных вертикально

в

землю

Станковая

скульптура

проходит

в

и Пауль Клее. В работе этой

выражения сущности явления и стремился

ради того, чтобы достичь глубин своего

обработанных

или

необработанных

основном те же пути, что и станковая

художественной

группы

участвовали

к

непосредственному

эмоциональному

подсознания. Своими предшественниками

продолговатых

камней

(менгиров),

живопись этих лет. Она стремится

также танцоры и композиторы. Их

выражению

динамики

современного

сюрреалисты

объявили

испанского

образующих

одну

или

несколько

освободиться

от

парадности

и

объединял интерес к средневековому и

мира.

архитектора Антонио Гауди, выходца из

концентрических окружностей.

помпезности, патетики и фальши.

примитивному

искусству

и

движениям

Главные

художественные

принципы

—

России живописца Марка Шагала.

ДОЛЬМЕН - древние мегалитические (то

Скульпторы, как и живописцы, приходят

того времени — фовизму и кубизму.

скорость, движение, энергия, которые

Поп-арт - возник в 1956 г. и

есть сложенные из больших камней или

к языку лапидарному, сдержанному,

Мост - группа художников в Германии

некоторые футуристы пытались передать

принадлежит критику и хранителю Музея

каменных плит) рукотворные сооружения

лишенному повествовательности.

Еще

начала

XX

века,

выступивших

достаточно простыми приёмами. Для их

Гугенхейма Лоуренсу Элоуэйю. Поп-арт

определённой формы.

одна важная характерная черта –

основоположниками

немецкого

живописи

характерны

энергические

возник в Америке как реакция на

ПАЛЕОТИЧЕСКАЯ

ВЕНЕРА

—

постоянное

совершенствование

экспрессионизма. Ещё в начальный

композиции, где фигуры раздроблены на

беспредметное искусство и представляет

обобщающее

понятие

для

множества

художественного мастерства и, как и в

период

существования

группы

её

фрагменты

и

пересекаются

острыми

собой коллажи, комбинации из бытовых

доисторических

статуэток

женщин,

монументальной скульптуре, тяготение к

участники

разработали

своеобразный

углам.

вещей на холсте. К середине 60-х годов

обладающих общими признаками (многие

разнообразию форм и материалов, от

«групповой стиль», при котором картины

Абстракционизм—

направление

поп-арт сдает свои позиции искусству оп-

изображены тучными или беременными),

бронзы и кованой меди до шамота и

по их сюжетам и способу написания были

нефигуративного

искусства,

арт, оптическому искусству, считающему

датирующихся верхним палеолитом.

терракоты.

столь схожи, что не всегда сразу удаётся

отказавшегося

от

приближённого

к

своим

предтечей

геометрический

АМАРНСКИЙ СТИЛЬ - В искусстве

различить, кто из мастеров является

действительности изображения форм

в

абстракционизм Баухауза и русский, и

возник новый художественный стиль,

30. ЗАПАДНОЕ ИСКУССТВО XX В.

автором. Этим своим коллективным

живописи и скульптуре. Одна из целей

немецкий конструктивизм 20-х годов (его

основанный

на

своеобразном

Фовизм — направление во французской

стилем «Мост» старался не только ещё

абстракционизма

—

достижение

основоположником считается работавший

изображении

человеческого

тела.

живописи и музыке конца XIX — начала

теснее связать своё общество, но и

«гармонизации», создание определённых

во Франции Виктор Вазарелли). Смысл

Искусство времён Эхнатона обратилось к

XX века. На парижской выставке 1905

выразить протест против привычного,

цветовых

сочетаний

и

геометрических

оп-арта—в эффектах цвета и света,

неизведанному до него: к простым

года были продемонстрированы полотна

буржуазно-индивидуалистского

форм, чтобы вызвать у созерцателя

проведенных

через оптические

приборы

чувствам людей, к их душевным

художников, оставлявшие у зрителя

представления

о

художнике,

как

об

разнообразные

ассоциации.

на сложные геометрические конструкции.

состояниям.

ощущение исходящих от картин энергии

«одиноком гении». С точки зрения

Представитель: Пит (Питер Корнелис)

Гиперреализм - «Гиперреализм» стал

ГИПОСТИЛЬ (от греч. hypóstylos —

и страсти, один из французских критиков

группы «Мост», главной целью их

Мондриан, Кандинский, Малевич. Особое

названием большого каталога и выставки

поддерживаемый

колоннами)

–

в

назвал этих живописцев дикими зверями

творчества должно было стать не

направление в абстракционизме —лучизм

в Брюсселе в том же 1973 году. На

архитектуре Древнего Востока (Египет,

(les fauves). Так случайное высказывание

отображение внешнего мира, который

—возглавляли Михаил Ларионов и

выставке

преимущественно

были

Иран) большой зал храма или дворца с

вошло и закрепилось как название за всем

казался лишь

безжизненной

оболочкой

Наталия Гончарова. По Ларионову, все

представлены

работы

американских

многочисленными,

регулярно

течением.

Художественной

манере

истины,

а

ту

«действительную

предметы видятся как сумма лучей.

фотореалистов, но также были включены

поставленными колоннами.

фовистов

были

свойственны

стихийная

Действительность», что нельзя увидеть,

Задача художника —поиск и фиксация

работы ряда

значительных

европейских

ГЛИПТИКА (от греч. glypho — вырезаю,

динамичность мазка, стремление к

но которую может ощутить художник.

пересечения сходящихся в определенных

художников, таких как: Гноли (Gnoli),

выдалбливаю) — искусство резьбы на

эмоциональной

силе

художественного

Этому течению в искусстве Херват

точках

лучей.

Абстракционизм

в

Герхард Рихтер, Клафек (Klapheck) и

цветных и драгоценных камнях.

выражения, яркий колорит, пронзительная

Вальден,

берлинский

владелец

скульптуре выразился меньше, чем в

Делкол (Delcol). Почти тридцать лет

ЗИККУРАТ(от

вавилонского

слова

чистота и резкие контрасты цвета,

художественной галереи и пропагандист

живописи. Здесь наблюдаются две

спустя термин стали использовать для

sigguratu — вершина, в том числе

интенсивность

открытого

локального

авангардного искусства, в 1911 году даёт

тенденции: так называемое объемное

определения

творчества

новой

группы

вершина горы) — многоступенчатое

цвета, острота ритма. Фовизм выразился в

название

«Экспрессионизм»

(от

направление (интерес к соотношению

художников. Современный гиперреализм

культовое

сооружение

в

древнем

резком обобщении пространства, рисунка,

фр.expression — выражение), и которое

отвлеченных объемов — К. Бранкузи, Г.

основывается на эстетических принципах

Междуречье, типичное для шумерской,

объема.

Характеризуется

предельно

объединяло вначале в том числе и кубизм,

Арп) и «новое пространство» (решение

фотореализма, но в отличие от

ассирийской, вавилонской и эламской

интенсивным

звучанием

открытых

и футуризм.

новых

пространственных

отношений

—

последнего, не стремится буквально

архитектуры.

Зиккурат

представляет

цветов,

сопоставлением

контрастных

Кубизм — авангардистское направление в

Н. Габо, А. Певзнер).

копировать

повседневную

реальность.

собой башню из поставленных друг на

хроматических

плоскостей,

сведением

изобразительном искусстве, прежде всего

Дадаизм - Дадаизм возник как реакция на

Объекты и сцены в гиперреалистичной

друга параллелепипедов

или

усечённых

формы к простым очертаниям при отказе

в живописи, зародившееся в начале XX

последствия Первой мировой войны,

живописи детализированы, чтобы создать

пирамид от 3 у Шумеров до 7 у

от светотеневой моделировки и линейной

века

и

характеризующееся

жестокость

которой,

по

мнению

иллюзию реальности, но это не

Вавилонян,

не

имевших

интерьера

перспективы.

использованием

подчеркнуто

дадаистов, подчеркнула бессмысленность

сюрреализм, так как изображенное вполне

(исключение — верхний объём, в котором

Вдохновителями

фовистов

послужили

геометризованных

условных

форм,

существования. Рационализм и логика

могло произойти.

находилось святилище).

постимпрессионисты Ван Гог и Гоген,

стремлением «раздробить» реальные

объявлялись

одними

из

главных

КЛАФТ– головной убор, платок у

предпочитавшие

субъективный

объекты

на

стереометрические

виновников

опустошающих

войн

и

представителей всех сословий в Египте.

интенсивный цвет цвету мягкому и

примитивы. В 1907 г. в Париже была

конфликтов. Исходя из этого, дадаисты (в

Клафт мог быть белым или полосатым,

натуральному,

свойственному

устроена посмертная выставка Сезанна,

частности, А. Бретон) считали, что

причём цвет полос зависел от статуса и

импрессионистам.

имевшая огромный успех. Схематизация

современную

европейскую

культуру

рода занятий владельца: например, у

Главой этой школы считается Матисс,

форм, которую увидели будущие кубисты

необходимо

уничтожить

через

воинов полосы были красные, у жрецов

который свершил полный разрыв с

в Сезанне, и геометризация, привлекшая

разложение искусства. Главной идеей

— жёлтые, и т. п. Платок с синими

оптическим цветом. На его картине

их внимание в только что открытой

дадаизма

было

последовательное

продольными

полосами

мог

носить

женский нос вполне мог быть зеленого

европейцами

африканской

скульптуре,

разрушение какой бы то ни было

только фараон.

цвета,

если

это

придавало

ей

были толчком для создания этого

эстетики.( М. Дюшан)

КОНТРРЕЛЬЕФ

—

вид

углублённого

выразительности и композиции. Матисс

направления. Как и экспрессионисты,

Сюрреализм

-

Основное

понятие

рельефа,

представляющий

собой

утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую

кубисты

отказались

от

иллюзорного

сюрреализма,

сюрреальность

—

«негатив» барельефа. Применяется в

картины».

пространства, от всякого намека на

совмещение сна и реальности. Для этого

печатях и в формах (матрицах) для

Экспрессионизм - Среди авангардистских

воздушную

перспективу,

сюрреалисты

предлагали

абсурдное,

создания барельефных изображений.

направлений начала XX столетия,

фетишизировали

конструкцию

картины,

противоречивое

сочетание

МАСТОБА— гробницы в Древнем Египте

возможно,

одним из

самых сложных

и

поставив

во

главу угла

строгую

натуралистических

образов посредством

периодов Раннего и

Древнего

царств,

имеют форму усечённой пирамиды с подземной погребальной камерой и несколькими помещениями внутри, стены которых покрывались рельефами и росписями.

ПАГОДА - многоярусные башни, используемые как храмы.

ПАЛЕТКА - Тонкая каменная плитка с рельефными изображениями, характерная главным образом для искусства Др. Египта.

ПАНДУС (фр. pente douce — пологий скат) — прямоугольная или криволинейная в плане пологая наклонная

площадка,	соединяющая	две
разновысоких	горизонтальных

поверхности, обычно для обеспечения перемещения колёсных транспортных средств с одной на другую.

ПИЛОН - Башнеобразное сооружение в форме усечённой пирамиды (в плане — вытянутый прямоугольник). Пилоны сооружались по обеим сторонам узкого входа в древнеегипетский храм.

РЕЛЬЕФ — вид изобразительного искусства, один из основных видов скульптуры, в котором всё изображаемое создаётся с помощью объёмов, выступающих над плоскостью фона.

СТУПА - первоначально — сооружение на могиле царя или вождя в буддийской архитектуре, монументальное сооружение для хранения реликвий.

СТАМБХА — это колонна, увенчанная капителью с символическими скульптурными изображениями в индийской архитектуре.

УРЕЙ — принадлежность царского убора фараонов, представлявшая собой крепившееся на лбу вертикальное, подчас

весьма	стилизованное		изображение
богини-кобры		Уаджит		—
покровительницы Нижнего Египта.

УШЕБТИ — специальные фигурки, изображающие человека, как правило со скрещенными на груди руками, либо с какими-нибудь орудиями труда. Необходимы они были для того, чтобы выполнять различную работу в загробном мире вместо хозяина. Изготовлялись ушебти обычно из дерева или мягкого камня — алебастра и стеатита.

ЧАЙТЬЯ — один из типов индийской буддийской архитектуры, представляющий собой продолговатый зал с двумя рядами колонн и ступой, помещенной в закругленном конце зала напротив входа (полусферическое погребальное, а затем мемориальное сооружение).

"ШАНЬ-ШУЙ" (горы-воды) означает в китайском языке пейзаж. Любой ландшафт изображает в первую очередь горы, водную гладь.

ШЕДУ (по-аккадски) — в шумероаккадской мифологии дух-хранитель человека, выражающий его индивидуальность.

АКВЕДУК (от лат. aqua — вода и ducere

— вести) — водовод (канал, труба) для подачи воды к населённым пунктам, оросительным и гидроэнергетическим системам из расположенных выше их источников. Акведуком в более узком значении называют часть водовода в виде моста над оврагом, рекой, дорогой.

АКРОПЛЬ (др.-греч. ἀκρόπολις —

верхний город) — возвышенная и укреплённая часть древнегреческого города, так называемый верхний город; крепость (убежище на случай войны).

АНТАБЛЕМЕНТ (фр. entablement от table

— стол, доска) — балочное перекрытие пролёта или завершение стены, состоящее из архитрава, фриза и карниза. Антаблемент — верхняя, несомая часть архитектурного ордера. Структура антаблемента различна в трёх архитектурных ордерах: дорическом, ионическом и коринфском. В древнеримской и ренессансной архитектуре высота антаблемента обычно составляет примерно 1/4 высоты колонны. АРХИТРАВ - это нижняя часть антаблемента, непосредственно опирающаяся на капители колонны; в тосканском и дорическом ордерах архитрав делается простым и гладким, а в ионическом и коринфском он горизонтально разделён на три части.

АТРИУМ — центральная часть древнеримского и древнеиталийского жилища (домуса), представлявшая собой внутренний световой двор, откуда имелись выходы во все остальные помещения.

АТТИК — декоративная стенка, возведённая над венчающим сооружение карнизом. Аттик часто украшается рельефами или надписями.

ДИПТЕР — тип храма в антах, окружен двойным рядом колон.

КАНЕЛЮРА — вертикальный желобок на стволе пилястры или колонны (такие колонны называют каннелированными, в отличие от гладких), а также горизонтальные желобки на базе колонны ионического ордера.

КАНОПА — ритуальный сосуд, в котором древние египтяне хранили органы, извлечённые из тел умерших при мумификации.

КАПИТЕЛЬ — венчающая часть колонны или пилястры. Верхняя часть капители выступает за пределы колонны, обеспечивая переход к абаке, обычно имеющей квадратную форму.

Капители трёх классических ордеров имеют характерную, легко узнаваемую форму. Дорическая капитель — простая круглая подушка-эхин; у ионической капители — на эхине вылеплены два завитка-волюты; коринфская капитель представляет собой высокую колоколобразную деталь, украшенную завитками листьев-акантов.

КАРИАТИДА — статуя одетой женщины, введённая в употребление древнегреческим зодчеством для поддержки антаблемента и, следовательно, заменявшая собой колонну или пилястру.

КАРНИЗ — выступающий элемент внутренней и внешней отделки зданий, помещений, мебели. В архитектуре карниз отделяет плоскость крыши от вертикальной плоскости стены, или разделяет плоскость стены по выделенным горизонтальным линиям.

В ордерной архитектуре карниз — венчающая часть антаблемента, находящаяся над фризом и архитравом.

Ордерный карниз резко выходит вперед и

ФРОНТОН — завершение (обычно

нависает

над

остальными

частями

треугольное, реже — полуциркульное)

антаблемента, защищая их от осадков.

фасада здания, портика, колоннады,

Основой карниза служит выносная плита.

ограниченное двумя скатами крыши по

Нижняя

часть

плиты

снабжена

бокам и карнизом у основания.

прямоугольными выступами — мутулами.

АЛТАРЬ (лат. altarium) — жертвенник (от

АРХИТЕКТУРНЫЙ ОРДЕР

—

вид

altaria — навершие жертвенника,

архитектурной композиции, состоящей из

приспособление для сжигания жертвы:

вертикальных (колонны, пилястры) и

altus — высокий, ara — возвышенное

горизонтальных (антаблемент) частей в

место

для

жертвоприношения;

соответствующей

архитектурно-стилевой

жертвенник).

обработке, в классической форме

АПСИДА

—

выступ

здания,

сформировавшийся в Древней Греции.

полукруглый,

гранёный

или

Различают пять классических ордеров:

прямоугольный в плане, перекрытый

дорический, ионический и коринфский

полукуполом или сомкнутым полусводом

возникли в Древней Греции, тосканский и

(конхой).

композитный — в Древнем Риме.

ДЕИСУС — икона или группа икон,

КЕНОТАФ — надгробный памятник в

имеющая в центре изображение Христа

месте, которое не содержит останков

(чаще

всего

в

иконографии

покойного, своего рода символическая

Пантократора), а справа и слева от него

могила. Устанавливается в случае, если

соответственно — Богоматери и Иоанна

покойный погиб (пропал без вести,

Крестителя,

представленных

в

утонул и т. д.) в труднодоступном месте, а

традиционном

жесте

молитвенного

тело утрачено или его поиск может

заступничества. Может включать в себя

привести к новым жертвам, и не может

аналогичные

изображения

апостолов,

быть погребено на родине.

святых отцов, мучеников и прочих.

КЕССОНЫ (фр. caisson — ящик) —

Основной

догматический

смысл

кассеты, квадратные или многоугольные

деисусной композиции — посредническая

декоративные углубления

в потолочном

молитва, заступничество за род людской

своде или на внутренней поверхности

перед лицом грозного Небесного Царя и

арки.

Судии.

КУРОС — тип статуи юноши-атлета,

ДОНАТОР — заказчик или строитель

обычно

обнажённого,

характерный

(организатор

и

покровитель

образец

древнегреческой

пластики

строительства) католического храма либо

периода архаики (ок. 650 г. до н.э. — 500

заказчик и даритель украшающего храм

г. до н. э.). Куросы ставились в

произведения

изобразительного

или

святилищах и на гробницах; они имели

декоративно-прикладного искусства. В

преимущественно

мемориальное

православной церкви и древневосточных

значение, но могли быть и культовыми

церквях такое лицо называется ктитором.

образами. В храмах они были знаком

В широком смысле донатор — это вообще

вотивных обещаний видных эллинов,

жертвователь на храм любой религии. В

чему свидетельство — надписи, которые

еще более широком смысле —

часто встречаются на их постаментах.

жертвующий что-либо человек.

Кроме того, их также устанавливали на

ИКОНА — в христианстве (главным

кладбищах, чтобы обозначить могилы

образом, в православии, католицизме и

знатных граждан.

древневосточных

церквях)

изображение

КОРА (др.-греч. κόρη — «девушка», мн.

лиц или событий священной или

ч. κοραι) — наименование типа

церковной

истории,

являющееся

древнегреческой

скульптуры

периода

предметом почитания

архаики, женский эквивалент куроса. Как

ИКОНОБОРЧЕСТВО

—

религиозно-

и куросы, создавались и с вотивными, и с

политическое движение в Византии в VIII

мемориальными

целями:

богатые

— начале IX веков, направленное против

донаторы посвящали их как подарок

почитания икон. Иконоборцы считали

божествам, значительно реже — чтобы

священные изображения идолами, а культ

отмечать надгробие членов семьи. Во

почитания икон — идолопоклонством,

многих случаях на базах статуй (иногда

ссылаясь на ветхозаветные заповеди.

на их одеждах) высекалась короткая

ИКОНОСТАС

— алтарная перегородка,

надпись,

озвучивающая

предназначение

более или менее сплошная, от северной до

статуи, имена патрона и скульптора.

южной стены храма, состоящая из

ПЕРИПТЕР — тип храма в антах, вокруг

нескольких

рядов

упорядоченно

которого со всех сторон дорический ордер

размещённых

икон,

отделяющая

(чаще всего), колонны в один ряд.

алтарную часть православного храма от

ПОРТИК — крытая галерея, перекрытие

остального помещения.

которой

опирается

на

колонны,

КЛЕЙМО (иконопись) — в иконописи

поддерживающие

её

или

сюжетно

и

композиционно

непосредственно, или с помощью

самостоятельная

часть

иконы обычно

лежащего на них архитрава, или

прямоугольной

формы,

изображающая

посредством перекинутых между

ними

сцены, развивающее или поясняющие

арок. Портик, открытый с одной стороны,

сюжет центральной композиции. Чаще

с

противоположной

стороны

всего клейма располагаются на полях

ограничивается стеной — или глухой, или

иконы, окружая ковчег со средником.

имеющей двери и окна.

МИНИАТЮРА

— в

изобразительном

ФРИЗ — декоративная композиция в

искусстве живописные, скульптурные и

виде горизонтальной полосы или ленты,

графические произведения малых форм, а

увенчивающей или обрамляющей ту или

также искусство их создания.

иную часть архитектурного сооружения.

МОЗАИКА — декоративно-прикладное и

монументальное

искусство

разных

жанров, произведения которого подразумевают формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности (как правило — на плоскости) разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

НЕФ — вытянутое помещение, часть интерьера (обычно в зданиях типа базилики), ограниченное с одной или с обеих продольных сторон рядом колонн или столбов, отделяющих его от соседних нефов.

ПИЛЯСТРА — вертикальный выступ стены, обычно имеющий (в отличие от лопатки) базу и капитель, и тем самым условно изображающий колонну. Пилястра часто повторяет части и пропорции ордерной колонны, однако, в отличие от неё, обычно лишена энтазиса (утолщения ствола). В плане пилястры бывают прямоугольными, полукруглыми (полуколонны) и сложной формы (например, «пучковые пилястры», «пилястры с полуколоннами»).

СМАЛЬТА — может означать яркосинюю краску, полученную из кремневой кислоты и кобальта; или цветное искусственное стекло, изготовленное по специальным технологиям выплавки с добавлением оксидов металлов, равно как и кусочки различной формы, полученные из него методом колки или резки. Кусочки смальты являются традиционным материалом для создания мозаичных панно. В России XVIII-XIX века смальтой (шмальтой) нередко называли и сами мозаики целиком.

ТЕМПЕРА — краски, приготовляемые на основе сухих порошковых натуральных пигментов и(или) их синтетических аналогов. Связующим веществом темперных красок служат эмульсии — натуральные (разбавленный водой желток цельного куриного яйца, соки растений, редко — только во фресках — нефть) или искусственные (высыхающие масла в водном растворе клея, полимеры).

ФРЕСКА (от итал. affresco — свежий), Аффреско — живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность а секко (росписи по сухому). При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.

ПЕРЕГОРОДЧАТАЯ ЭМАЛЬ —Для ее создания на тонкой металлической пластине-основе из меди, золота, реже серебра, мельхиора или высококачественной стали, процарапывают, гравируют или прорезают насквозь контур-эскиз будущего изображения. Далее по этому контуру напаивают металлические полоски-перегородки, поставленые на ребро. Толщина подобных полосок зависит от задумки автора, но редко превышает 1 мм, что уже говорит о сложности подобной работы. Полоски создают как замкнутые, так и открытые ячейки различных форм и размера. Каждую ячейку заполняют эмалью разного цвета до верхнего края перегородок и производят обжиг эмали. После этого эмаль шлифуется и окончательно отполировывается таким

образом, чтобы эмаль и верх перегородок находились в одной плоскости. Полное, без углублений, заполнение эмалью ячеек и является отличительным признаком перегородчатых эмалей. Полученное разноцветное изображение из эмали сияет наподобие драгоценных камней словно светящихся изнутри, ограненных четким контуром рисунка из металлических линий-перегородок.

ЭНКАУСТИКА — техника живописи, в которой связующим веществом красок является воск. Живопись выполняется красками в расплавленном виде (отсюда и название). Разновидностью энкаустики является восковая темпера, отличающаяся яркостью и сочностью красок АРКАТУРА — ряд декоративных ложных арок на фасаде здания или на стенах внутренних помещений.

АРКБУТАН — один из типов используемых в церковной архитектуре контрфорсов в форме наружной полуарки, передающей горизонтальное усилие распора от сводов постройки на опорный столб и расположенной за пределами основного объёма здания.

БАЗИЛИКА — тип строения прямоугольной формы, которое состоит из нечётного числа (3 или 5) различных по высоте нефов. Неф — вытянутое помещение, часть интерьера (обычно в зданиях типа базилики), ограниченное с одной или с обеих продольных сторон рядом колонн или столбов.

ВИТРАЖ — произведение декоративного искусства изобразительного или орнаментального характера из цветного стекла, рассчитанное на сквозное освещение и предназначенное для заполнения проёма, чаще всего оконного, в каком-либо архитектурном сооружении. ДОНЖОН — главная башня в европейских феодальных замках. В отличие от башен на стенах замка, донжон находится внутри крепостных стен (обычно в самом недоступном и защищённом месте) и обычно не связан с ними — это как бы крепость внутри крепости. Наряду с оборонительной функцией, донжоны обычно являлись непосредственным жилищем феодалов. Также в нём часто располагались различные важные помещения замка — оружейные, главный колодец, пищевые склады.

КОНТРФОРС — вертикальная конструкция, представляющая собой либо выступающую часть стены, вертикальное ребро либо отдельно стоящую опору, связанную со стеной аркбутаном. Предназначена для усиления несущей стены путем принятия на себя горизонтального усилия распора от сводов. Внешняя поверхность контрфорса может быть вертикальной, ступенчатой или непрерывно наклонной, увеличивающейся в сечении к основанию. НЕРВЮРА — выступающее ребро готического каркасного крестового свода. ПОРТАЛ — орнаментированный вход в церковь или значительное здание, главным образом, готической и романской архитектуры. Число их соответствует числу нефов, иногда порталы бывают на концах трансепта. Портал представлял большей частью

суживающуюся постепенно внутрь нишу в стене. В готике порталы обильно украшались статуями.

ТЕРАТОЛОГИЧЕСКИЙ СТИЛЬ —

стиль средневекового графического искусства (в орнаменте, заставках, инициалах и т. п.), основанный на нагромождении чудовищнофантастических образов, то же, что звериный стиль.

ТРАНСЕПТ — поперечный неф (корабль) в базиликальных и крестообразных в плане храмах, пересекающий под прямым углом основной (продольный) неф и выступающий концами из общей массы сооружения.

ТИМПАН — внутреннее треугольное или полукруглое поле фронтона.

ФРОНТОН (фр. fronton, от лат. frons, frontis — лоб, передняя часть стены) — завершение (обычно треугольное, реже — полуциркульное) фасада здания, портика, колоннады, ограниченное двумя скатами крыши по бокам и карнизом у основания.

АРКАДА — ряд одинаковых по форме и размеру арок, опирающихся на колонны или на прямоугольные или квадратные столбы — устои. Устои могут быть украшены пилястрами или полуколоннами, поддерживающими венчающий аркаду антаблемент.Использование ряда арок увеличивает прочность конструкции, поэтому аркады используются для поддержки крыши или анатаблемента и могут выдерживать большие нагрузки.Аркады применялись при строительстве древних акведуков, позднее римляне использовали их при постройке больших стен.

АРАБЕСКА — вид орнамента: причудливое сочетание геометрических и стилизованных растительных мотивов, иногда включающий стилизованную надпись (под арабскую вязь или рукописную). Арабеска строится на повторении и умножении одного или нескольких фрагментов узора. Бесконечное, протекающее в заданном ритме движение узоров может быть остановлено или продолжено в любой точке без нарушения целостности узора. Такой орнамент фактически исключает фон, так как один узор вписывается в другой, закрывая поверхность (европейцы называли это «боязнью пустоты»)

КАЛЛИГРАФИЯ — одна из отраслей изобразительного искусства. Еще каллиграфию часто называют искусством красивого письма[1]. Современное определение каллиграфии звучит следующим образом «искусство оформления знаков в экспрессивной, гармоничной и искусной манере» КУФИ (араб. , от названия города

Куфа) - Один из самых древних стилей арабского письма. Ему свойственны массивные, угловатые буквы, бедность лигатурами, большое расстояние между группами слитно написанных букв.

ГИРИХ - название геометрического орнамента в средневековом искусстве Средней и Центральной Азии. Разнообразные комбинации полигональных и звездчатых фигур. В архитектурном декоре приобрел ведущую

роль в IX-X вв., широко применялся позднее, в эпоху Тимура и Тимуридов. ИСЛИМИ (перс.) – вид орнамента, построенного на соединении вьюнка и спирали. Воплощает в стилизованной или натуралистической форме идею непрерывно развивающегося цветущего лиственного побега и включает в себя бесконечное разнообразие вариантов. Наибольшее распространение он получил в одежде, книгах, внутренней отделке мечетей, посуде. Большей частью эти стили используются отдельно, но могут и соединяться, когда все ячейки крупной геометрической сети гириха туго заполняют упругие мелкие сплетения растительных завитков.

МАВРИТАНСКИЙ СТИЛЬ – чисто декоративное искусство. Магометанская вера запрещала изображение живых существ, поэтому искусство ислама создало полную безудержной фантазии орнаментику поверхности. Основные элементы архитектуры: подковообразная (мавританская) и луковицеобразная (оживальная) арки, сталактитовые формы сводов. Стены покрыты орнаментом точного, четкого рисунка с использованием геометрических и растительных мотивов.

МИХРАБ — ниша в стене мечети, часто украшенная двумя колонами и аркой, указывающая киблу, то есть направление, где находится Кааба в Мекке. К нему обращаются лицом мусульмане во время молитвы. Он часто расположен в середине стены.

МИНАРЕТ (араб. , манара, «маяк») — в архитектуре ислама башня (круглая, квадратная или многогранная в сечении), с которой муэдзин призывает верующих на молитву. Минарет ставится рядом с мечетью или включается в ее композицию. Ранние минареты часто имели винтовую лестницу или пандус снаружи (спиралевидные минареты), в поздних — внутри башни. Различаются два основных типа минаретов: четырехгранные (Северная Африка) и круглоствольные (Ближний и Средний Восток). Минареты украшались узорной кирпичной кладкой, резьбой, глазурованной керамикой, ажурными балконами (шерефе).

МЕРДЕСЕ— мусульманское учебное заведение, выполняющее роль средней школы и мусульманской духовной семинарии. Обучение в медресе раздельное и бесплатное. Выпускники медресе имеют право поступать в университет.

НАСХ — основной и самый распространённый шрифт для записи большинства языков, использующих арабский алфавит.

БАРАБАН — цилиндрическая или многогранная часть здания, которая служит основанием для купола. Нижняя часть барабана опирается на стены или подпружные арки, укрепляющие или поддерживающие своды. Обычно барабан венчает здание не ротондальной, а прямоугольной формы.

Закомара (от др. русского комара — свод) — в русской архитектуре полукруглое или килевидное завершение наружного участка стены (прясла),

воспроизводящее своими очертаниями прилегающий к ней внутренний цилиндрический (коробовый, крестовый) свод.

Кóнха — элемент древневизантийской храмовой архитектуры, представляющий собой перекрытие в форме полукупола над полуцилиндрическими частями зданий, такими как апсида или ниша.

Одигитрия (греч. η η ρια —

Указующая Путь), Путеводительница — один из наиболее распространённых типов изображения Богоматери с Младенцем. Отрок-Христос сидит на руках Богородицы, правой рукой Он благословляет, а левой — держит свиток, реже — книгу. икона выражает уже не безграничную любовь, здесь центром композиции является Христос, обращённый к предстоящему (зрителю), Богородица же, также изображённая фронтально (или с небольшим наклоном головы), указывает рукой на Младенца. С догматической точки зрения основной смысл этого образа — явление в мир Небесного Царя и Судии и поклонение царственному Младенцу.

Оранта (от лат. orans — молящийся) — один из основных типов изображения Богоматери, представляющий Её с поднятыми и раскинутыми в стороны руками, раскрытыми ладонями наружу, то есть в традиционном жесте заступнической молитвы.

Парус — часть свода, элемент купольной конструкции, посредством которого осуществляется переход от прямоугольного основания к купольному перекрытию или его барабану. Парус имеет форму сферического треугольника, вершиной опущенной вниз, и заполняет пространство между подпружными арками, соединяющими соседние столпы подкупольного квадрата.

Прясло — в русском оборонительном зодчестве участок крепостной стены между двумя башнями. Прясло, или пряслице — грузик для ручного веретена. Парсуна (искажённое лат. persona — личность, особа) — первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие «парсуна», как произведение переходного периода от иконописи к светской портретной живописи, предложено И. М. Снегирёвым в 1854 году.

Притвор — составляет самую западную часть храма и обыкновенно отделяется от средней части храма глухой стеной. Эта часть храма соответствует двору ветхозаветной скинии, куда могли входить кроме иудев также и язычники. В притвор христианского храма могли входить не только оглашенные и кающиеся, известные под именем слушающие, но и иудеи (по крайней мере с IV в.), еретики, раскольники и язычники, для слушания слова Божия и поучения. В древности в притворе устраивалась крещальня, то есть купель для крещения.

Скань — вид ювелирной техники: ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной или медной

проволоки, гладкой или свитой в верёвочки.

Чернь — Гравировка на металле(серебре, золоте), штрихи которой заполнены черным металлическим сплавом.

Зернь - мелкие золотые, платиновые или серебряные шарики (диам. от 0,4 мм), которые напаиваются в ювелирных изделиях на орнамент из скани. Зернь создаёт эффектную фактуру, игру светотени.

Филигрань - ювелирное изделие спаянное из тонкой проволоки.

ХОРЫ (древнерусское наименование — полати) — в архитектуре верхняя открытая галерея или балкон внутри церкви (обычно на уровне второго этажа), в парадном зале и т. п. В западноевропейских храмах на хорах обычно размещаются музыканты, певчие, орган. В православной церкви хоры ярко выраженного функционального назначения не имеют.

ШАТЕР — архитектурная форма в виде многогранной (чаще всего восьмигранной) пирамиды, служащая для завершения архитектурного сооружения. Шатрами завершали храмы, колокольни, башни и крыльца. Шатры бывают деревянные и каменные (кирпичные).

ЭЛЕУСА,УМИЛЕНИЕ — один из основных типов изображения Божией Матери в русской иконописи. Богородица изображена с Младенцем Христом, сидящим на Её руке и прижимающимся щекой к Её щеке. На иконах Богородицы Елеусы между Марией (символом и идеалом рода человеческого) и БогомСыном нет расстояния, их любовь безгранична. Икона прообразует крестную жертву Христа Спасителя как высшее выражение любви Бога к людям. (Владимирская икона Божией Матери (XII век).)

СФУМАТО (итал. sfumato —

затушёванный, буквально — исчезающий как дым) — в живописи смягчение очертаний фигур и предметов, которое позволяет передать окутывающий их воздух. Приём сфумато разработал Леонардо да Винчи в теории и художественной практике.

ТЕНЕБРОЗО – контрастная светотень, применялась Караваджо.

ЛЕССИРОВКА - наложение одной прозрачной краски на другую краску. АНФИЛАДА — ряд последовательно примыкающих друг к другу пространственных элементов (помещений, дворов, градостроительных пространств), расположенных на одной оси, что создаёт сквозную перспективу. ГОБЕЛЕН — один из видов декоративноприкладного искусства, стенной безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей. Гобелены ткутся из цветных шёлковых и/или шерстяных нитей отдельными частями, которые затем сшиваются между собой (часто отдельные цветовые пятна).

ПЕРСПЕКТИВА - способ изображения объемных тел, передающий их собственную пространственную структуру и расположение в пространстве. В изобразительном

искусстве

возможно

различное

обнаруживая

стройность

и

логичность

применение

перспективы,

которая

самого

мироздания.

Интерес

для

используется как одно из художественных

классицизма представляет только вечное,

средств, усиливающих

выразительность

неизменное — в каждом явлении он

образов.

стремится

распознать

только

РИЗАЛИТ — часть здания, выступающая

существенные, типологические черты,

за основную линию фасада и идущая во

отбрасывая

случайные

индивидуальные

всю высоту здания. Эти архитектурные

признаки. Эстетика классицизма придаёт

элементы

обычно

симметричны

по

огромное

значение

общественно-

отношению к центральной оси здания.

воспитательной

функции

искусства.

Различают также средние, боковые и

Многие правила и каноны классицизм

угловые ризалиты.

берет из античного искусства

ЛУБОК

—

вид

изобразительного

РОКОКО — стиль в искусстве возникший

искусства,

которому

свойственна

во Франции в первой половине XVIII века

доходчивость и ёмкость образа. Лубок

(во

время

регентства

Филиппа

называют также народной (фольклорной)

Орлеанского) как развитие стиля барокко.

картинкой и связывают с раскрашенным

Характерными чертами рококо являются

графическим

изображением,

изысканность,

большая

декоративная

растиражированным печатным способом.

нагруженность интерьеров и композиций,

ИНКРУСТАЦИЯ — украшение изделий

грациозный

орнаментальный

ритм,

и зданий узорами и изображениями из

большое

внимание

к

мифологии,

кусочков мрамора, керамики, металла,

эротическим

ситуациям,

личному

дерева, перламутра и цветных камней,

комфорту. Наивысшее развитие в

которые накладываются на поверхность и

архитектуре стиль получил в Баварии.

отличаются от неё по цвету или

СЕНТИМЕНТАЛИЗМ — умонастроение

материалу.

в западноевропейской и русской культуре

ПЛЭНЕР

—

живописная

техника

и

соответствующее

литературное

изображения объектов при естественном

направление

свете и в естественных условиях.

АМПИР— стиль позднего (высокого)

СТАФФАЖ — в пейзажной живописи

классицизма в архитектуре и прикладном

небольшие фигуры людей и животных

искусстве. Возник во Франции в период

изображаемые для оживления вида и

правления

императора

Наполеона

I;

имеющие второстепенное значение.

развивался в течение трёх первых

ГРАФФИТИ — изображения, рисунки

десятилетий

XIX

века;

сменился

или надписи, выцарапанные, написанные

эклектическими течениями.

или нарисованные краской или чернилами

РОМАНТИЗМ — явление

европейской

на стенах и других поверхностях. К

культуры

в

XVIII—XIX

веках,

граффити можно отнести любой вид

представляющее

собой

реакцию

на

уличного раскрашивания стен, на которых

Просвещение и

стимулированный

им

можно найти все: от простых написанных

научно-технический прогресс; идейное и

слов до изысканных рисунков.

художественное

направление

в

МАНЬЕРИЗМ

— западноевропейский

европейской

и

американской

культуре

литературно-художественный стиль XVI

конца XVIII века — первой половины

—

первой

трети

XVII

века.

XIX века. Характеризуется утверждением

Характеризуется утратой

ренессансной

самоценности духовно-творческой жизни

гармонии между телесным и духовным,

личности,

изображением

сильных

природой и человеком.

(зачастую бунтарских) страстей и

БАРОККО (итал. barocco — «порочный»,

характеров,

одухотворённой

и

«распущенный»,

«склонный

к

целительной природы

излишествам»,

порт. perola barroca —

РЕАЛИЗМ — направление в искусстве,

«жемчужина

неправильной

формы»

характеризующееся

изображением

(дословно «жемчужина с пороком»);

социальных,

психологических,

существуют и другие предположения о

экономических и прочих явлений,

происхождении

этого

слова)

—

максимально

соответствующих

характеристика

европейской

культуры

действительности.

XVII—XVIII веков, центром которой

ЭКЛЕКТИКА

—

направление

в

была Италия. Стиль барокко появился в

архитектуре, доминировавшее в Европе и

XVI—XVII веках в итальянских городах:

России в 1830-е-1890-е гг. Использование

Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции.

элементов

так

называемых

Эпоху барокко принято считать началом

«исторических»

архитектурных стилей

триумфального

шествия

«западной

(неоренессанс, необарокко, неорококо,

цивилизации».

Барокко

свойственны

неоготика,

неомавританский

стиль,

контрастность,

напряжённость,

неовизантийский

стиль,

псевдорусский

динамичность

образов,

аффектация,

стиль, индо-сарацинский стиль) называют

стремление к величию и пышности, к

эклектикой в советской и российской

совмещению реальности и иллюзии, к

практике.

слиянию искусств

ИМПРЕССИОНИЗМ — направление в

КЛАССИЦИЗМ

—

художественный

искусстве, зародившееся во Франции, во

стиль и эстетическое направление в

второй половине XIX века. В живописи

европейском искусстве XVII — XIX вв. В

импрессионизма

—

движущийся,

основе

классицизма

лежат

идеи

эфемерный, ускользающий мир, поэтому

рационализма,

которые

формировались

акцент — на настоящее и на это уходящее

одновременно с таковыми же в

мгновение.

Импрессионизм предпочитает

философии

Декарта.

Художественное

свет, прикосновение, цветную вибрацию.

произведение,

с

точки

зрения

БАРБИЗОНСКАЯ ШКОЛА (фр. École de

классицизма, должно строиться на

Barbizon)

—

группа

французских

основании

строгих

канонов,

тем

самым

художников-пейзажистов, проживавших и

творивших в середине XIX в. в деревне Барбизон в лесу Фонтенбло. Колония художников, основанная в 1830-е гг. и существовавшая до 1840-х гг., оказала существенное влияние на развитие европейской пейзажной живописи. Её участники считаются предшественниками импрессионизма. Характерной чертой барбизонской школы стало обращение к реалистическому изображению природы

ПРЕРАФАЭЛИТЫ — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам. Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, БИДЕРМЕЙР — художественный стиль,

направление в немецком и австрийском искусстве, (архитектуре и дизайне), распространённый в 1815—1848 годах.Стиль получил свое название по псевдониму «Готлиб Бидермейер», который взял себе немецкий поэт Людвиг Эйхродт, и под которым печатал в журналах эпиграммы. Слово Bieder переводится как «простодушный, обывательский». В целом псевдоним означает «простодушный господин Майер».Бидермейер является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют «смесь ампира с романтизмом». В бидермейере отразились представления «бюргерской» среды, формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для бидермейера характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей.

СИМВОЛИЗМ— одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Хотя представители символизма относились к самым разным стилевым течениям, их объединяли искания новых способов передачи тех таинственных сил, которые, как они считали, правят миром, смутных идеалов и неуловимых смысловых оттенков.

ПУАНТИЛИЗМ — стиль письма в живописи, использующий чистые, не смешиваемые на палитре краски, наносимые мелкими мазками прямоугольной или круглой формы. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем с дальнего расстояния или в уменьшенном виде.

МОДЕРН, АР-НУВО— художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в

особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и

утилитарные	функции	создаваемых
произведений,	вовлечь	в	сферу
прекрасного	все сферы	деятельности
человека.
АВАНГАРД	— обобщающее		название

течений в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков, выраженное в полемически-боевой форме (отсюда само имя, взятое из военнополитической лексики). Его временными рамками принято считать период с 1870 по 1938 год. Авангард характеризуется экспериментальным подходом к художественному творчеству, выходящим за рамки классической эстетики, с использованием оригинальных, новаторских средств выражения, подчёркнутым символизмом художественных образов.

АБСТРАКЦИОНИЗМ — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

КОНСТРУКТИВИЗМ — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — нач. 1930 годов. Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика.

СУПРЕМАТИЗМ — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в лишённых изобразительного смысла комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

ФУТУРИЗМ — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х гг. XX в., прежде всего в Италии и России. В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.

КУБИЗМ — авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить»

реальные объекты на стереометрические примитивы.

ФОВИЗМ — направление во французской живописи и музыке конца XIX — начала XX века. На парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков назвал этих живописцев дикими зверями (les fauves). Так случайное высказывание вошло и закрепилось как название за всем течением. Художественной манере фовистов были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ —

авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX — начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образа(ов) (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника.

СЮРРЕАЛИЗМ — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

ПОП-АРТ (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок)

— направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления.