Глава 5 Музыкальная культура европейского классицизма

С ХVIII века в истории Европы началась новая эпоха - эпоха Просвещения. Если родиной Ренессанса была Италия, то родиной европейского классицизма стала Франция.

Расцвет музыкальной культуры Франции начался с середины ХVII века, когда утвердилась централизованная власть, закончились религиозные войны. Победа французского абсолютизма вызвала подъем науки и искусства.

В ХVIII веке окончательно утверждается новый европейский менталитет. На смену уходящему классу феодалов всех уровней приходит восходящий класс буржуазии. Он-то и стал основным заказчиком музыки.

Общество устремилось к возвышению над природой, активно развиваются естественные науки, совершается множество фундаментальных открытий. Провозглашается равенство людей не только перед Богом, но и перед законом. Возрожденческий идеал свободной личности становится всеобщим.

Эволюция европейского сознания в сторону рационализма приводила к критике мифологических основ религии и культуры. Прочную основу своего существования человек того времени видел не в божественном провидении, а в силе собственного разума. Декарт говорил: “Мыслю, следовательно, существую”.

Как главенствующий стиль эпохи надолго воцаряется классицизм. Стиль этот взял основные положения своей эстетики от Возрождения. Существует образное выражение, что классицизм - это академизировавшееся Возрождение. Общество начало умствовать. Абстрактное мышление стало модным.

В то время возникла строгая нормативная эстетика художественного творчества. Основные ее правила, считавшиеся неизменными и от самой природы данными, были почерпнуты из античной “Поэтики” Аристотеля. Они противопоставлялись своеволию художника, его вдохновению и стихийной эмоциональности.

Среди деятелей искусства того времени утвердилось мнение, что законы прекрасного в искусстве можно постичь путем математических исчислений, “проверить гармонию алгеброй”. (Вспомним печальный опыт А. Сальери). “Никакой особой одухотворенности в искусстве нет и быть не может”, - заявляли просветители.

Эстетики классицизма полагали, что красота должна быть ясной, логичной, математически выверенной. Главная задача художника - убеждать логикой мысли. Многозначность художественного образа трактовалась как признак неполноценности произведений искусства.

Возрождение и классицизм в принципе питались из одного источника - античного искусства. Разница состоит в том, что композиторы Возрождения более чувственно и непосредственно воплощали в звуках свои представления о характере древнегреческого искусства, а классики в этом процессе уже руководствовались строгими композиционными правилами. Музыканты Возрождения создавали при этом по существу новое музыкальное искусство, а классицисты проводили его строгую “инвентаризацию”. Классицизм в искусстве сформировался во многом как реакция на разного рода “чрезмерности” барокко и маньеризма.

Важнейшим звеном, связывавшим классицизм и Ренессанс, было возвращение на сцену деятельного и сильного героя - человека, жаждущего счастья. Этот герой не был игрушкой в руках страстей, но готов был, в духе времени, поступиться личным счастьем ради долга. Абсолютизм всячески поощрял необходимые для своего утверждения формы искусства.

Как всегда решающий переход к новому стилю произошел в сценических жанрах, связанных со словом. Первыми осуществлять эстетические каноны Античности на практике взялись французские драматурги П. Корнель, Ж. Расин. Их классицистские трагедии создавались по образу и подобию древнегреческих. Это была еще одна историческая попытка достичь в искусстве былой гармонии между красотой и истиной, между вымыслом и правдой.

* * *

В становлении стиля классицизма можно отметить два больших этапа: 1) классицизм ХVII века, существовавший в рамках барочного искусства как одна из тенденций развития искусства (творчество Шекспира, Корнеля, Расина, Люлли); 2) просветительский, зрелый классицизм ХVIII века, получивший высшее развитие в творчестве композиторов Венской классической школы. Зрелый классицизм начался в музыке оперными реформами Глюка, новаторством сыновей Баха, творчеством молодого Гайдна, и все это обобщил гений Моцарта. Его музыка открыла новую эпоху европейского музыкального искусства.

Кристофор Виллибальд Глюк (1714-1787)

Классицизм ХVIII века начался реформаторскими операми Глюка. Его реформа утверждала требование классицистской эстетики “подражать природе”, человеческому голосу - верному выразителю страстей. Опера-сериа давно уже утратила черты былого реализма. Высокое драматическое искусство было подменено в них амбициозным пением оперных примадон.

К реформаторской деятельности Глюк приступил в возрасте 48 лет, получив предварительно место придворного императорского композитора в Вене. Либретто таких опер, как “Орфей и Эвридика”, “Альцеста”, “Парис и Елена”, создавались поэтом, драматургом и единомышленником Глюка, Кальцабиджи. Это был первый пример подобного рода сотрудничества.

В сочинении своей музыки Глюк шел строго по тексту либретто, добиваясь божественной простоты и естественности вокальных партий. Глюк полностью отказался от виртуозных украшений, отвлекавших слушателя от содержания текста. Сам Глюк говорил, что когда он сочиняет, то старается забыть, что он музыкант.

Наиболее известной и репертуарной оперой Глюка является “Орфей и Эвридика”. Сюжет заимствован из греческой мифологии в изложении римского поэта Вергилия.

Краткое содержание оперы.

В роще из кипарисов у гробницы Орфей вместе с пастухами и пастушками оплакивает свою супругу Эвридику, умершую от укуса змеи. Орфей умоляет богов вернуть ему Эвридику или отнять его жизнь. Появляется Амур и объявляет волю Зевса: Орфею разрешено спуститься в ад, но на обратном пути он не должен смотреть на супругу до окончательного выхода на землю. В противном случае Эвридика будет потеряна навсегда.

Во втором действии Орфей смягчает своим пением злобный нрав подземных духов и фурий, и они пропускают его в Элизиум - царство бесплотных теней.

Далее следует балетная сцена. Это наиболее известный номер оперы - знаменитое соло флейты, известное под названием “Мелодия”, или “Танец тоскующей тени”. Найдя свою возлюбленную среди теней, Орфей старается как можно быстрее вывести ее на землю. Помня о запрете богов, Орфей все время отворачивает свое лицо от вновь обретенной супруги. Эвридика начинает упрекать супруга, что тот разлюбил ее и тем самым доставляет верному Орфею нестерпимые душевные страдания. Орфей оглядывается - и Эвридика падает мертвой. Он уже готов заколоть себя кинжалом, но Амур останавливает его. Орфей доказал свою супружескую верность, и по воле богов Эвридика вновь оживает. Хор и балет прославляют силу любви и мудрость богов пением и танцами.

Разумеется, счастливая развязка была лишь данью тогдашней моде. У Вергилия все заканчивается гораздо печальнее.

Глюк не был первым, кто обратился к этому сюжету. Для музыкантов всех поколений в мифе об Орфее удивительно гармонично переплеталась тема волшебной власти искусства с темой любви, супружеской верности. В этом - одна из причин его притягательности для сценических музыкальных жанров оперы и балета, особенно в кризисные периоды их развития.

* * *

Во второй половине ХVIII века, как впрочем и всегда в искусстве, нашлись литераторы и музыканты, которые не захотели в своем творчестве следовать строгим законам эстетики классицизма. Они предпочитали писать о том, что они чувствовали. Параллельно классицизму в искусстве и литературе сложилось еще одно художественное направление, получившее название сентиментализм.

Его последователи Ж.-Ж. Руссо (1717-1778), С. Ричардсон (1689-1761), идеализировали “естественное” состояние “маленького человека”, не испорченного цивилизацией и образованием; патриархальный быт и призывали больше доверять чувству, чем разуму.

Если идеал классицизма заключался в утверждении достоинства личности через служение государству, то для сентименталистов главную жизненную ценность представлял душевный мир простого человека. “Разум может ошибаться, чувства - никогда”, - утверждал Ж.-Ж. Руссо.

Сентименталисты стремились “растопить” рационалистический лед классицизма, примирить человека с действительностью на основе мечтательности и уединенных размышлений. Всячески критикуя пороки цивилизации, сентименталисты предпочитали сливаться с идеальной природой и верить в отзывчивую душу ближнего. Сентименталисты говорили: “Существовать - значит чувствовать”, а рационалисты: “Существовать - значит мыслить”.

В литературе появляются многочисленные идиллии, изображающие бедных и несчастных девушек, нищих детей, обездоленных стариков, молодых людей, страдающих от безответной любви (роман Гете “Страдания молодого Вертера”).

Искусство сентиментализма было отражением растущего влияния выходцев третьего сословия во всех областях жизни общества.

В музыке представителями сентиментализма можно считать Ж.-Ж. Руссо, А. Гретри (1741-1813) - авторов слезных сентиментальных комедий; Карла Филиппа Эммануила Баха - одного из сыновей великого композитора, сочинявшего инструментальную музыку, идущую “от сердца к сердцу”.

В русле сентиментализма возникает новый театральный жанр - мелодрама - драматический спектакль с элементами оперы и симфонии. Этот жанр получил распространение и в России. Его выдающийся образец - мелодрама Е. Фомина “Орфей” (1791).

В симфонической музыке сентиментализм отчасти связывают с композиторами мангеймской школы. Их произведения отличались необычной динамикой, длительными звуковыми нарастаниями и спадами, которые наилучшим образом выражали “движения страстей” средствами оркестра. В.А. Моцарт специально поедет в Мангейм изучать на практике эту исполнительскую манеру.

В жанре камерной вокальной музыки сентиментализм приводит во Франции к рождению песни “шансон”, а в России - к рождению “российской песни”.

Элементы стиля музыкального сентиментализма будут позже усвоены и развиты мастерами Венской классической школы.

Иногда сентиментализм второй половины XVIII века оценивают как предромантизм, заложивший основы субъективно-психологического стиля Романтизма.