История музыкальной культуры

1.(1) Музыка как вид искусства, ее специфические черты. Средства музыкальной выразительности. Музыка – особый вид творческой деятельности, влияющий на духовную составляющую человека через приятные музыкальные звуки. Музыка не способна изображать различные явления, как живопись, но она очень точно и тонко может передать переживания человека, его эмоциональное состояние. Музыка является искусством выразительным - она выражает чувства, настроения, переживания, отношения и т.д. Музыка — искусство временное, благодаря этому она отражает смену эмоций, настроений. Произведения музыкального искусства расположены во времени, а не в пространстве. Этим музыка отличается от от пространственных искусств (живопись, скульптура, архитектура и др.) и от пространственно-временных (танец, театр, кино). Музыка использует звуки и обращена к слуху человека. Музыка - это искусство исполнительское. Она требует посредника между создателем и слушателем, которым является исполнитель. От качества и контекста исполнения во многом зависит восприятие произведения, интерес к нему. Средства музыкальной выразительности: мелодия, представляющая развитую и законченную музыкальную мысль. Ритм - это соотношение длительностей звуков и последовательность. Динамика – изменение громкости, силы звука. Также есть темп, тембр и другие средства. Благодаря гармоничному сочетанию этих выразительных средств и появляется музыка.

2. (4) История музыки, как науки. Музыковедение — наука, изучающая музыку. Музыка, как часть культуры, находится под влиянием всех остальных её аспектов, включая социально-экономическую ситуацию, климат, и доступ к технологиям. Эмоции и идеи, выражаемые в музыке, ситуации, в которых музыка исполняется и воспринимается, а также отношение к исполнителям и композиторам варьируются в зависимости от региона и эпохи. Поскольку музыка присутствует везде, даже в самых изолированных племенах, стоит сделать вывод, что она возникла в одном месте, а потом с расселением людей разошлась по всей планете. Со временем появлялись музыкальные инструменты, с возникновением письменности, музыкальные произведения стали храниться в письменном виде.

3. (6) Музыка в системе искусств античности. Место музыки в общественной и частной жизни древних греков. В период античности центром искусств была Древняя Греция. Древнегреческая музыка - составная часть древнегреческой античной культуры. Древнегреческая музыка оказала большое влияние на развитие европейской профессиональной музыкальной культуры и музыкальной науки. Из греческого произошло само слово «музыка». Музыка как предмет образования и воспитания и как составляющая общественной жизни играла огромную роль. Музыка, по Аристотелю — один из четырёх основных предметов античного образования. Музыка была неотъемлемой частью театральных представлений. Музыка нашла своё отражение в древнегреческой мифологии. Самым известным мифом, является миф о певце Орфее, игра которого на золотой арфе очаровывала не только людей, но и зверей, деревья, скалы. Музыка играла важную роль в общественной и личной жизни греков. Для людей в греческих городах обучение музыкальному искусству было обязательной составной частью гражданского воспитания и образования. Все соревнования в Греции происходили под музыку. Состязались между собой певцы, хоры, инструменталисты, поэты и т.д. Нотные записи древнегреческого песенного фольклора отсутствуют. Пение с плясками было важной и составной частью праздников.

4. (10) Древнегреческая трагедия и ее значение для дальнейших судеб музыкального искусства. Древнегреческая трагедия — древнейшая из известных форм трагедии. Происходит от ритуальных действий в честь Диониса. Участники этих действий надевали на себя маски с козлиными бородами и рогами, изображая спутников Диониса — сатиров. Ритуальные представления происходили во время Великих и Малых Дионисий. Песни в честь Диониса именовались в Греции дифирамбами. Три крупнейших трагика Греции — Эсхил, Софокл и Еврипид. Они исполняли актерские роли, писали музыку, руководили танцами. Также на сцене был хор, который не покидал своего места и вмешивался в действие на сцене: он помогал автору раскрыть смысл сюжета, он воспроизводил душевные переживания героев, давал оценку их поступкам с точки зрения морали. Древнегреческая трагедия стала основой для оперного театра, который возник гораздо позже.

5. (12) Церковная музыка средневековья. Григорианский хорал. Складывание мессы. Развитие многоголосия. Мотет. Певческие школы при монастырях. Церковь в средневековье – главный центр профессиональной музыки. В средние века музыка развивалась преимущественно при церкви и предназначалась для богослужебных целей. Именно в рамках церковной культуры были созданы огромные художественные ценности, формировались важнейшие музыкальные жанры, развивалась теория музыки, нотопись, педагогика. Григорианский хорал – наименование пения, узаконенного папской властью и составивший музыкальную основу католического богослужения. Назван он в честь папы Григория, который окончательно установил порядок римского богослужения и церковного пения, что было важным событием в истории европейской музыки. Григорианский хорал постоянно звучал во всех соборах Европы. Месса сложилась на основе Григорианского хорала. Месса - богослужение католической церкви, во время которого совершается обряд воспоминания Тайной вечери. Месса читается, поется или священнослужитель читает молитву, а верующие отвечают на нее. Мотет - жанр вокальной многоголосной музыки. Принципы сочетания голосов в мотете были необычными: здесь сопоставлялись мелодии с разным ритмом и даже с разноязычными текстами. Монастырские певческие школы являлись центром профессионального музыкального образования, из их стен вышло большинство видных музыкальных деятелей того времени. Одной из важнейших певческих школ была Школа Канторум при папском дворе в Риме, послужившая образцом для учебных заведений аналогичного типа в городах Западной Европы.

6. (13) Средневековые города как важные центры культуры. Расцвет светской вокально-поэтической лирики. Развитие инструментария в эпоху средневековья. В городах зарождался новый образ жизни, новое видение мира, новый тип людей. Города были центрами торговли, в том числе внешней, что способствовало большей информированности горожан. Средневековые города со временем стали важными центрами культуры. В городах были основаны первые в Европе университеты. Первый расцвет светской вокально-поэтической лирики произошел в Провансе. Позднее новое музыкальное направление начало проникать в другие западные страны. Светскую сторону музыкальной культуры Средневековья представляли: трубадуры, труверы, мимы, шпильманы и другие. Все они были странствующими артистами и совмещали в своём творчестве игру на инструментах, пение, пляску, фокусы. Появлялись новые способы нотной записи, светская музыка пелась на родных языках народов, а не на латыни как в церкви. Большой популярностью пользовались различные флейты. Эти флейты исполнитель держит вертикально, а не горизонтально как в современных флейтах. Использовали также фидель- струнный смычковый инструмент, имеющий от двух до пяти струн. Кроме смычковых в струнных инструментах были и щипковые, например, арфа.

7. (14) Музыкальная культура Возрождения. Новые явления в музыкальной культуре XIV-XVI веков. Секуляризация культуры в эпоху Возрождения. Рождение и развитие национальных школ. Основой искусства Возрождения был гуманизм – воззрение, которое провозглашает человека высшей ценностью. Общество в эпоху Возрождения показало церкви Средневековья новый идеал человека, который был свободен от запретов, которые были в Средневековье. В эпоху Возрождения музыка пользовалась огромным спросом. Для этого времени характерно развитие светской музыки, соответственно возникают новые сюжеты, которые ранее были запрещены церковью. Секуляризация культуры – это процесс освобождения культуры от влияния церкви на нее, т.е. уменьшение религиозного влияния и усиление светского. Со временем секуляризация стала пониматься как формирование современной светской культуры и общества. В эпоху Возрождения возникает скрытая враждебность к церкви, которая стремилась уменьшить человеческую свободу, и таким образом церковь становится противником общества. Нидерландская школа была самой первой, самой крупной и влиятельной среди европейских композиторских школ. Здесь впервые создаётся система профессионального обучения музыке в школах-приютах при соборах, из которых вышли известные композиторы. Традиционные жанры данной школы – мессы, мотеты, многоголосные песни. В итальянской школе развивались народно-бытовые и профессиональные жанры, с использованием органа, клавира и струнных инструментов. Наиболее популярным инструментов были виола, скрипка. Для французской школы характерна светская музыка - любовная, военная. В Германии школы зарождаются при дворах, соборах и в объединениях городского населения. В целом можно сказать, что немецкая школа не достигла уровня итальянской и нидерландской школ.

8. (15) Нидерландская полифоническая школа. Гийом Дюфаи, Йоханнес Окегем, Якоб Обрехт, основные жанры их творчества. Значение наследия Палестрины, О.Лассо. Нидерландская школа была самой первой, самой крупной и влиятельной среди европейских композиторских школ. Здесь впервые создаётся система профессионального обучения музыке в школах-приютах при соборах, из которых вышли известные композиторы. Традиционные жанры данной школы – мессы, мотеты, многоголосные песни. Дюфаи мастер духовных (мессы, мотеты) и светских (баллады, французские и итальянские песни) жанров, связанных с многоголосием. Его творчество оказало большое влияние на развитие европейской музыки. Был также реформатором нотного письма. Дюфаи первым среди композиторов начал сочинять мессу как цельную музыкальную композицию. Месса - богослужение католической церкви, во время которого совершается обряд воспоминания Тайной вечери. Нередко, создавая мессу, Дюфаи брал хорошо известную мелодию, к которой добавлял собственную. Окегем создал множество месс, мотетов, шансонов, т.е. французских песен. Для его произведений характерны строгость. Он стремился, чтобы все части мессы воспринимались как единое целое. Обрехт был певчим в соборах Нидерландов, руководил капеллами. Он также является автором месс, мотетов, шансонов как и Окегем. Его музыка контрастна, раскрепощена, даже в церковных жанрах. Творчество Лассо завершает нидерландскую музыку Возрождения. К концу жизни его слава распространилась по всем музыкальным кругами Европы. Его творчество оказало большое влияние на развитие музыкальной культуры Европы. Характерные черты нидерландской школы использовали многие композиторы следующих веков. Палестрина был итальянцем. Он никогда не копировал нидерландцев, хотя и использовал их опыт в своих произведениях. Творческое наследие Палестрины поражает своими масштабами, количество его месс, мотетов, мадригалов было более полутысячи, что в разы больше других мастеров. И ни в одном произведении нет следов спешки, нарушений, все было сделано профессионально.

9. (19) Итальянское искусство рубежа XVI-XVII века. Деятельность Флорентийской камераты. Происхождение оперы. Флоренти́йская камера́та— содружество философов, поэтов, музыкантов, теоретиков музыки и других деятелей, созданное во Флоренции с целью совместного обсуждения древнегреческой музыки и способа её воплощения в современной итальянской музыке. На собраниях камераты признавалось неудовлетворительное состояние современной итальянской музыки. В то время звучало свыше 20 разных голосов, из-за чего слова пелись вразнобой, да и в целом столько голосов было сложно воспринимать и понять. А древнегреческая музыка была простая для исполнения и восприятия, поэтому ее и использовали для основы в создании новой музыки. Позднее они приступили к созданию музыкальной драмы с использованием древнегреческой мифологией, сравнивая ее с античной трагедией. О́пера - музыкально-драматическое произведение, основанное на синтезе слова, сценического действия и музыки. В отличие от драматического театра, где музыка выполняет служебные функции, в опере она является основным носителем действия. Литературной основой оперы является либретто, оригинальное или основанное на литературном произведении. Опера зародилась в конце 16 века. Рождение нового жанра было явлением сближения музыки и театра, в виде спектаклей с музыкой. Можно сказать, что флорентийская камерата стала основателем оперы, когда впервые стала использовать драму и музыку.

10. (21) Инструментальная музыка XVII в.: органная (Я.П. Свелинк, Дж. Фрескобальди, Г. Бём, Г. Пахельбель, Д. Букстехуде), клавирная (У. Бёрд, Д. Булл, Г. Перселл, Л. Куперен). Инструментальные ансамбли. Рождение жанра концерта (А. Корелли, А. Вивальди). Орган – клавишно-духовой музыкальный инструмент. Органная музыка остается в основном церковной, но видна тенденция к ее сближению со светской музыкой. В органной музыке идет активное развитие многоголосия. В творчестве композиторов складываются такие жанры, как фуга, прелюдия, токката. Клавир – это общее название клавишного музыкального инструмента. Клавирная музыка начала развиваться позднее органной и не использовалась в церкви. Основными типами клавира были клавесин, где от удара по клавише струна задевалась перышком и клавикорды, где струна задевалось металлическим штифтом. Клавесин обладал сильным звуком, поэтому его использовали на концертах, а в домашнем быту использовали клавикорды, они были меньше по размерам и с более слабым звуком. Инструментальные ансамбли в том или ином виде существовали и до XVII века: небольшие бытовые, исполнявшие чаще всего танцы. Однако типы инструментальных ансамблей от камерных до оркестровых сложились и выработались на протяжении XVII века. Их музыка звучала как в церкви, так и во дворце, быту. Преобладал состав из 3-х человек. Антонио Вивальди – выдающийся скрипач и композитор. Излюбленным жанром в его творчестве, был инструментальный концерт. Жанр концерта особенно привлекал композитора доступностью для большой аудитории. Концерт в то время был самым масштабным и самым доступным для аудитории. В творчестве Вивальди концерт обрел законченную форму, реализовавшую все возможности жанра.

11. (22) Западноевропейская музыкальная культура XVIII века. Творчество И.С. Баха. За свою жизнь Бах сочинил более 1000 произведений в различных жанрах, кроме оперы. Но при жизни он не добился какого-либо значимого успеха. Много раз переезжая, Бах сменял одну не слишком высокую должность за другой, например, он был придворным музыкантом, смотрителем органа в церкви, органистом. В последние годы жизни и после смерти Баха его известность как композитора стала уменьшаться: его стиль считали старомодным по сравнению с новыми стилями. Стиль Баха формировался на основе различных музыкальных школ и жанров. Для того чтобы понять музыкальный язык итальянских и французских композиторов, он переписывал их сочинения. Благодаря его мастерству одновременно могут взаимодействовать сразу несколько мелодий. Его жанрами были мессы, фуги, кантаты, концерты и другие. Эти жанры он позаимствовал у предшественников, однако он сумел их обновить новыми звуками, добавлял черты других жанров. Он создал как простые, так и величественные творения, содержащие в себе юмор, скорбь, философские размышления, драматизм. Интересным фактом в его творчестве является то, что он не прикасался к опере, которая было одним из ведущих жанров того времени.

12. (23) Западноевропейская музыкальная культура XVIII века. Творчество Г.Ф. Генделя. Творчество Генделя – яркий образец музыкального искусства, входящего в те же хронологические рамки, что и искусство Баха. Гендель никогда не навязывал искусству свой стиль, наоборот, он приспосабливался к другим стилям, не ставя перед собой рамок, тем самым создавая себе простор для творчества. Он писал произведения с легкостью, как будто импровизировал, никогда не делал эскизов целого произведения. Гендель не был церковным музыкантом и почти никогда не писал для церкви. Он создавал красивые мелодии, у него было чувство совершенства в музыке, поэтому он использовал в своих произведениях работы других авторов, за что его критиковали в плагиатстве.

13. (24) Западноевропейская музыкальная культура XVIII века. Венский классицизм. С развитием новой музыкальной культуры в середине XVIII века возникло множество музыкальных обществ, оркестров, концертов и опер. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Для эпохи венских классиков характерны: расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерты. Характерные черты Венского классицизма: универсальность художественного мышления, логичность, сочетание чувства и интеллекта, трагического и комического. Гайдн, Моцарт и Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики. Композиторы венской школы виртуозно владели разными жанрами музыки – от бытовых песен до симфоний. Музыкальная культура классицизма воспевает поступки человека, его эмоции, чувства и разум. Каждый из венских классиков обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем и с легкостью работал в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы.

14. (25) Итальянская опера: историческое значение, пути развития. Опера seria и опера-buffa. Становление немецкой оперы. Французская опера. О́пера-се́риа переводится как — серьёзная опера. Оперу-сериа создавали на основе героико-мифологического или легендарно-исторического сюжета с чётким распределением сценического действия и музыки. О́пера-бу́ффа— итальянская комическая опера, основанная на бытовых жанрах. Для этого жанра характерны небольшие масштабы, 2-3 действующих лица, веселье, пародия.

15. (30) Романтизм в музыке. «Романтический герой». Новые жанры на музыкальной авансцене. Романтизм в музыке возник в 19 веке. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада. Известными представителями романтизма в музыке являются: Шопен, Мендельсон, Глинка, Мусоргский и другие. Для романтизма характерна противоположность между реальностью и мечтой. Действительность всегда пронизана отрицательными моментами, в отличие от мечты, которая отражает прекрасное, совершенное. Романтики считали, что чувства составляют большую часть души, нежели разум. В эпоху романтизма именно музыка лидировала в сфере искусств, так как считается, что она наиболее полно отражает чувства души человека. В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается проблема личности, в ее конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Очень часто с ней связана мысль о творческой личности: человек одинок, когда он является одаренной личностью. Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков. Тема одиночества зачастую приходило из автобиографии автора, что вносило в музыку настоящую искренность.

16. (31) Романтизм в музыке. Новый характер симфонизма в XIX веке. «Психологизация» симфонизма. Симфонии Ф.Шуберта, Ф.Мендельсона. Романтизм в музыке возник в 19 веке. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада. Известными представителями романтизма в музыке являются: Шопен, Мендельсон, Глинка, Мусоргский и другие. Для романтизма характерна противоположность между реальностью и мечтой. Действительность всегда пронизана отрицательными моментами, в отличие от мечты, которая отражает прекрасное, совершенное. Романтики считали, что чувства составляют большую часть души, нежели разум. В эпоху романтизма именно музыка лидировала в сфере искусств, так как считается, что она наиболее полно отражает чувства души человека. Шуберт написал 9 симфоний. При его жизни ни одна из них не была исполнена. Для его творчества характерно изменение в количестве частей симфонии, как и для других автором эпохи Романтизма. Седьмая и восьмая симфонии были потеряны. Восьмая симфония была неоконченной и потеряна, но спустя 40 лет была найдена в доме у его друга Иоганном Хербеком, который потом ее и исполнил. Она содержала в себе первые 2 части. А вот 3-ю и 4-ю часть пришлось вставить из третьей симфонии Шуберта.

17. (37) Древнейшие пласты отечественной музыкальной культуры. Музыка в языческих обрядах древних славян. Календарные и семейно-обрядовые песни. В нашей древней культуре музыка основывалась на традициях. Она разделялась на детские и взрослые. Со временем музыкальные инструменты стали использоваться для подачи сигнала в охоте, скотоводстве, военном деле. Многие песни, которые сейчас записывают в фольклорных экспедициях, исходят от языческой культуры. Сравнение древних календарных песен у разных славянских народов приводит к выводу о существовании у них общей музыкальной основы. Традиционные крестьянские календарные песни исполняются коллективно. Во время календарных обрядов водили хороводы. Со временем календарные песни утратили своего магического назначения и превратились просто в веселье. Одну из отличительных черт календарных песен составляет их приуроченность к определенным датам календаря или периоду сельских работ. Жизнь людей была связана с циклами посева и сбора урожая, распорядком работ по временам года, поэтому они обращались к природе и просили большой урожай. В семейно-обрядовых песнях пелись свадебные, похоронные и другие песни. Эти песни отличаются трогательностью и душевностью.

18. (41) Формирование национальной композиторской школы (последняя треть XVIII в.). Ранняя русская опера. Жанр хорового концерта (Березовский, Бортнянский). Развитие инструментальных жанров (Бортнянский, Хандошкин). Из-за западного музыкального влияния в последней трети 18 века начала формироваться своя национальная композиторская школа. Она сложилась как народная и по своим национальным эстетическим принципам. В ней была близость композиторов и народа, так как они жили в той же среде, что и простой народ, даже талантливые композиторы зарабатывали не очень много. Русская опера появилась с приезда итальянской труппы, позже приехала французская. Появился спрос на оперу и стали открываться частные оперы. Изначально в операх принимали участие профессионалы и придворные певцы, не имевшие в ней опыта. Березовский и Бортнянский достигли вершины мастерства в традиционном жанре как хоровая музыка. Их произведения отличаются торжественностью и вокальностью. Хандошкин, будучи выдающимся скрипачом и композитором, также оставил свой след в русской фортепианной музыки. Он умел создавать вариации народных песен на фортепьяно, что говорит о его хорошем владении фортепианным стилем, при этом являясь скрипачом. А вот Бортнянский был фортепианным композитором. Его творчество неразрывно связано с камерным искусством. Ему удалось создать новые жанры, при том, что основными инструментальными жанрами в России были бытовые, в основном танцевальные.

19. (42) Творчество М.И. Глинки как принципиально новый этап в развитии русской музыки. Оперы М.И. Глинки. Глинка умел сочетать лучшие достижения европейской музыки с национальными традициями отечественной музыкальной культуры. В своём творчестве он показал многообразные стороны русской жизни и русского характера. Он создатель русской классической оперы и русского классического романса. Он заложил основы классического русского симфонизма. Расцвет творчества Глинки совпал с эпохой романтизма в Европе. Ему были близки романтики, но он им не стал. Глинка стал открывателем новых музыкальных путей развития. Он является создателем новых жанров в русской опере: героико-историческая («Иван Сусанин» или по-другому называется «Жизнь за царя»), эпическая («Руслан и Людмила»). Особенность «Ивана Сусанина» заключается в сочетании нескольких оперных жанров: героико-исторической оперы, в данном случае в сюжете и есть черты народной музыкальной драмы. Появившаяся через 6 лет опера «Руслан и Людмила» была встречена отрицательно, в отличие от «Ивана Сусанина», которая была принята восторженно. Один из критиков, защищавших эту оперу, был Стасов, который доказывал, что это не неудачная опера, а опера, написанная по новым законам, чего не понимали большинство критиков.

20. (44) Русская музыкальная культура II второй половины XIX века. Творческое объединение музыкантов «Могучая кучка». Могучая кучка возникла в Санкт-Петербурге вначале второй половины 19 века. Это творческое содружество русских композиторов, среди которых были Мусоргский, Римский-Корсаков и другие. Идейным вдохновителем и основным немузыкальным консультантом кружка был художественный критик и литератор Владимир Стасов. Название «могучая кучка» впервые появилась в одной из его статей. Участники кружка считали себя наследниками Глинки и свою цель видели в воплощении русской национальной идеи в музыке. Они записывали и изучали образцы русского музыкального фольклора и русского церковного пения. В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать, прекратились регулярные собрания. Однако их идеология не исчезла, а стала преподаваться в Петербургской консерватории Римским-Корсаковым.

21. (47) Русская музыкальная культура рубежа XIX-XX веков. Рубеж 19-20 веков стал периодом обновления русской музыки. Сохранялась традиционная тематика, в частности народно-бытовая и эпическая. Появился новый интерес к русскому фольклору в связи с появлением новых принципов музыки. Расцветает исполнительское искусство, среди которого можно выделить Шаляпина. В это время продолжает сближаться петербургская и московская школа в творчестве Рахманинова. Обновляются оперные жанры. Увеличивается значение балета, оттесняя на второй план музыкального театра оперу. Падает интерес к симфонии и появляется новый жанр как симфоническая миниатюра.

22. (50) Русская музыка после 1917 года. Новые тенденции в искусстве. Классическая, симфоническая и оперная музыка эволюционировала к академическому стилю сталинского периода. Наиболее значительными композиторами были Прокофьев, Свиридов, Шостакович. В 1932 году был основан Союз композиторов СССР, который стал как главным организационным, так и главным цензурным органом советской музыки. В сталинские времена не одобрялась экспериментальная музыка. Авторов такой музыки могли исключить из Союза композиторов, что ограничивало возможности для работы. В то же время, сложилась система общедоступного музыкального образования, вырастившая многих талантливых композиторов и исполнителей. Были открыты десятки музыкальных учебных заведений. Советская опера и советский балет высоко ценились в мире, как и оркестры и военные ансамбли. Очень часто песни и мелодии доходили до слушателя и приобретали популярность через фильмы. Сочинением песен и мелодий к фильмам занимались и «серьёзные» композиторы, такие как Прокофьев. В 20-е годы зарождается джаз.

23. (51) Творчество С.С.Прокофьева. Творчество Д.Д. Шостаковича. Прокофьев окончил Петербургскую консерваторию как композитор, потом как пианист. Еще в консерваторские годы Прокофьев начал концертную деятельность, в которой важное место занимали собственные сочинения. Был отмечен многими почетными званиями, премиями и наградами. Он один из создателей современного музыкального языка, фортепианного стиля, крупнейший мастер музыкального театра. Прокофьев является одним из самых исполняемых композиторов в мире. Его произведения занимают первое место в отечественном музыкальном репертуаре среди всех композиторов 20 века. Он стал основоположником нового фортепианного стиля. Шостакович - крупнейший композитор-симфонист XX в. Окончил Петроградскую консерваторию по классу фортепиано и по классу композиции. Шостакович тяготел к показу трагических сторон человеческого бытия и большинство его произведений связано с образами глубоких раздумий, скорби, насилия. И ни один из современных художников не раскрыл так социальные конфликты века, как Шостакович. Основное в творчестве композитора – тема обличения социального зла и защиты человека, свободы, стойкости человека перед лицом зла. Он работал во всех музыкальных жанрах: оперы, балеты, симфонии, концерты и другие.