2.2.Теория

Экспрессионизм возник как отклик на острейший социальный кризис первой четверти 20 в. (включая I мировую войну и последовавшие революционные потрясения) и стал выражением протеста против уродств современной буржуазной цивилизации. Социально-критический пафос отличает многие произведения экспрессионизма от искусства авангардистских течений, развивавшихся параллельно с ним или сразу после него (кубизма, сюрреализма). Протестуя против мировой войны и социальных контрастов, против засилья вещей и подавленности личности социальным механизмом, а иногда обращаясь и к теме революционного героизма, мастера экспрессинизма совмещали протест с выражением мистического ужаса перед хаосом бытия. Кризис современной цивилизации представал в произведениях экспрессионизма одним из звеньев апокалиптической катастрофы, надвигающейся на природу и человечество. Термин экспрессионизм впервые употребил в печати в 1911 Вальден - основатель экспрессионистского журнала "Штурм" ("Der Sturm").

Принцип всеохватывающей субъективной интерпретации действительности, возобладавший в экспрессионизме над миром первичных чувственных ощущений (составлявших первооснову художественного образа в импрессионизме), обусловил тяготение к иррациональности, обостренной эмоциональности и фантастическому гротеску, нередко - к полному или частичному уничтожению границ между персонажами и окружающей их естественной (или городской) пейзажной средой.

Идеология экспрессионизма мистически повлияла на жизненные и творческие судьбы исповедовавших ее художников. Они по-своему предощутили все муки своего века, его войны и революции, его убеждения и разочарования. Героем их повествований становится «человек чувствующий» с его страданиями и радостями. Их влечет к себе человек перерождающийся, побеждающий зло в самом себе. Не удивительно, что в фашистской Германии искусство экспрессионизма было объявлено большевистским, а в СССР – буржуазным. Его чувственная экспрессия сразу выявляла мертвую бездушность официального реализма

2.3. Основные представители Оскар Кокошка (01.03.1886-22.02.1980)

Австрийский художник и драматург чешского происхождения, крупнейшая фигура австрийского экспрессионизма в литературе и изобразительном искусстве. По отцу Кокошка принадлежал к роду известных пражских ювелиров. В 1903—1909 учился в Венской школе искусств и ремесел, среди его преподавателей был Густав Климт. В 1908 его работы были представлены в экспозиции художников-модернистов, близких к Климту. Постановка драмы Кокошки «Убийца, надежда женщин» (1907) на Венской сцене вызвала скандал (в 1921 Пауль Хиндемит написал оперу на ее основе). К этому периоду относятся портреты венских знаменитостей.

В 1910 он сблизился в Берлине с экспрессионистской группой «Штурм», познакомился с Кандинским. В 1911—1913 пережил бурный роман с известной венской красавицей Альмой Малер, на тот момент — вдовой знаменитого композитора и дирижера Густава Малера. Ей же посвящена его работа «Невеста ветра»,которую считают его лучшим произведением. В ней в фантастических образах художник раскрыл свою любовную связь с Альмой И хотя эта «роковая женщина» так и не вышла замуж за Кокошку, она полностью подчинила себе все его чувства. Когда же она настояла на разрыве, художник выполнил ее копию в натуральный рост и никогда с ней не расставался. «Невеста ветра» была написана за год до того, как Альма окончательно отвергла Кокошку, и печальное выражение его лица говорит о том, что он понимает: их любовь обречена. Удовлетворенная, она спит, а тело Кокошки, мятущегося духом и, увы, нелюбимого, служит ей постелью и опорой. Оно на глазах разрушается, пока вихрь несет обоих по небу.

Картина представляет водоворот красок и форм, которые с трудом удерживаются рядом под натиском могучей страсти. Порыв, что поднял любовников высоко над землей и должен символизировать высокую природу их любви, неминуемо обрушит обоих на земную твердь. Изображая такую силу чувств, Кокошка должен бы ясно показать свою близость с Альмой. Однако на деле тема трактуется совсем иначе: изменчивость образов заставляет предположить обратное — любовь прошла.

Кокошка участвовал в Первой мировой войне, был ранен в 1915 на Галицийском фронте, пережил плен, признан врачами психически нестабильным. В 1916 Кокошка познакомился с Гофмансталем и Рильке. Впечатления от войны вошли в драму «Иов» (1917). Его сочинения были изданы под названием "Четыре драмы" (1919). Основная тема этих драм ("Орфей и Евридика"; "Горящий шиповник", 1911; "Убийца, надежда женщин", 1907; "Иов", 1917) - взаимоотношения мужчины и женщины, уничтожающих друг друга в отчаянной борьбе.

Этому исключительному явлению взаимного уничтожения полов Кокошка придает универсальное значение, видя в их взаимоистреблении залог гибели мира. Пессимизм его имеет свой особый смысл: неминуемая гибель вселенной является для него источником самоумиротворения и самоутешения. Кокошка по существу представитель той части мелкой буржуазии, которая мирится со своей деградацией, считая ее неизбежной.

В 1919—1924 Кокошка был профессором Дрезденской Академии художеств. По его драме «Орфей и Эвридика» (1919) написана опера Эрнста Кшенека. В 1922 и 1932 работы художника представлялись на Венской Биеннале. О них отрицательно отозвался Муссолини, которого поддержали в этом пронацистские власти в Вене (в 1937 картины Кокошки фигурировали на известной пропагандистской выставке «Дегенеративное искусство», организованной нацистами).

В 1934 Кокошка переехал в Прагу, в 1938, после Мюнхенского соглашения — в Великобританию, в 1946 получил британское гражданство. С 1947 жил в Швейцарии. После окончания Второй мировой войны его работы были представлены в 1945 на выставке в Вене вместе с полотнами Климта и Шиле, в 1947 его экспозиция с успехом прошла в Берне, в 1952 на Венской Биеннале ему был отведен отдельный зал. В 1952—1963 Кокошка преподавал в летней Академии изобразительных искусств в Зальцбурге. В 1955, 1959 и 1964 его работы были представлены на кассельской выставке «Документа». В 1960-е годы выступал также как сценограф ("Волшебная флейта" Моцарта, 1964, и др.), работал художником-оформителем на телевидении ("Росмерхольм", по драме Ибсена, 1961).

В 1981 большие ретроспективные выставки работ Кокошки прошли в Лондоне и Нью-Йорке, в 1986 — в нью-йоркском Музее Соломона Гуггенхайма.

Драматургия Оскара Кокошкистала одним из характерных примеров расширения возможностей драматургического искусства, тенденции, особенно ярко проявившей себя в начале XX века. Новаторская роль его драматургии обусловлена во многом тем, что Оскар Кокошка относился к той категории художников, кому одной сферы искусства было недостаточно для самовыражения.

Литературная биография Кокошки разделяется на два четко очерченных периода: в 1900-1910-ые годы, сначала в Вене, а затем в Берлине, где он сотрудничал с журналом «Штурм», он создает интересные и самобытные произведения - пьесы и стихотворения в прозе. Вновь Кокошка обращается к «самовыражению в слове» лишь почти полвека спустя, в 1950-1970-х годах, когда им были написаны ряд рассказов и драма «Комениус» (1972). Драматургическое наследие Оскара Кокошки практически неизвестно русским читателям и зрителям. Между тем его драматургия занимает значительное место в ряду важнейших явлений искусства XX века.

В художественном творчестве Кокошки тоже явно прослеживается эволюция стиля и интересов. До Первой мировой войны он рисовал, главным образом, портреты, которые замечательны глубиной проникновения во внутренний мир модели. Стиль художника этого периода характеризуется тонкой трактовкой форм и свободой от описательного реализма. Однако постепенно в его манере стал проявляться больший интерес к технике живописи. Но при этом сохранялось и тонкое восприятие модели. В 1920-е годы Кокошка считался одним из наиболее одаренных немецких экспрессионистов. В этот период он обратился к пейзажу, который стал его любимым жанром. Интровертный характер его ранних произведений теперь уступил место работам, в которых импульс черпался извне; в них использовались смелые пластические природные формы, вылепленные пастозными мазками в ярких тонах. Во время Второй мировой войны в творчестве Кокошки наступило временное затишье, но затем последовали работы, в полной мере сохранявшие экспрессивность и гораздо более тонкие по цвету и рисунку.