Дизайн Карелии

Одна из лидирующих сфер современной культуры – мир дизайна, главная тема новой экспозиции в Городском выставочном зале Петрозаводска. Посвящённая 15-летию Союза дизайнеров Карелии, эта выставка представляет не только ретроспективный взгляд на историю данной творческой организации, но и сегодняшние достижения её членов – как известных мастеров дизайна Карелии, так и молодых авторов, новые имена, а также опыты дизайнерской работы ряда коллег из других творческих цехов – живописцев, графиков, архитекторов. В неё вошли работы карельских авторов, сделанные за последние несколько лет в области графического и средового дизайна, дизайна костюма и интерьера, многих других областях творчества, связанного с художественно-техническим проектированием

Карельское отделение Союза дизайнеров России как самостоятельная творческая организация было зарегистрировано в 1994 году. У истоков создания стояли художники Владимир Красовский и Владимир Веселов, которые к тому времени уже являлись членами Санкт-Петербугского Союза дизайнеров. Первая выставка Карельского Союза дизайнеров состоялась в вестибюле здания Администрации Петрозаводска в 1993 г., и в ней участвовали художники - Владимир Ваян, Екатерина Яршина, Владимир Веселов, Ирина Порошина, Владимир Красовский, Владимир Лобанов, Юрий Пермяков, Татьяна Ваян (Петрозаводск), Владимир Филатов (Сортавала), Елена Крушельницкая (Кондопога). В дальнейшем 14 петрозаводчан были приняты в члены Союза дизайнеров России. В связи с этим в 2004 году Карельская организация дизайнеров было реорганизована в региональное отделение Союза дизайнеров России. В период становления Союзу оказало содействие Министерство Культуры Карелии. Внимание и поддержку карельским коллегам постоянно оказывает Союз дизайнеров России, бессменный председатель которого Юрий Назаров неоднократно приезжал в Петрозаводск. Хорошие связи есть у Карельского отделения и с Санкт-Петербургским Союзом дизайнеров. Основные задачи, которые ставит перед собой Союз - пропаганда дизайна как рода творческой деятельности, а также отстаивание интересов и прав членов этой общественной организации.

За 15 лет Союз провёл 7 Республиканских и 4 городские выставки дизайна, неоднократно участвовал в разнообразных торгово-промышленных выставках Карелии, регулярно принимает участие в деятельности Союза дизайнеров России. Появление кафедр дизайна в двух ВУЗах Петрозаводска - Международном славянском институте и Карельской государственной педагогической академии - в большой мере заслуга творческого союза дизайнеров Карелии. Неслучайно работы студентов, выпускников и преподавателей этих учебных заведений также представлены на выставке.

10 Европейские стили

Романский стиль

Перевод

Романский стиль

        художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в 10—12 вв. (в ряде мест — и в 13 в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства. Термин «Р. с.» был введён в начале 19 в

         Р. с. впитал многочисленные элементы раннехристианского искусства, меровингского искусства (См. Меровингское искусство), культуры «каролингского возрождения» (См. Каролингское возрождение) (а, кроме того, искусства античности, эпохи переселения народов, Византии и мусульманского Ближнего Востока). В отличие от предшествующих ему тенденций средневекового искусства, носивших локальный характер, Р. с. явился первой художественной системой средневековья, охватившей (несмотря на вызванное феодальной раздробленностью огромное многообразие местных школ) большинство европейских стран. Основой единства Р. с. была система развитых феодальных отношений и интернациональная сущность католической церкви, которая была в ту эпоху наиболее значительной идеологической силой общества и благодаря отсутствию сильной светской централизованной власти имела основополагающее экономическое и политическое влияние. Главными покровителями искусств в большинстве государств были монастырские ордена, а строителями, рабочими, живописцами, переписчиками и декораторами рукописей — монахи; лишь в конце 11 в. появились бродячие артели каменотёсов-мирян (строителей и скульпторов).

         Отдельные романские здания и комплексы (церкви, монастыри, замки) нередко создавались среди сельского ландшафта и, размещаясь на холме или на возвышенном берегу реки, господствовали над округой как земное подобие «града божьего» или наглядное выражение могущества сюзерена. Романские здания прекрасно гармонируют с природным окружением, их компактные формы и ясные силуэты как бы повторяют и обогащают естественный рельеф, а местный камень, чаще всего служивший материалом, органично сочетается с почвой и зеленью. Наружный облик построек Р. с. исполнен спокойной и торжественно-суровой силы; в создании этого впечатления немалую роль играли массивные стены, тяжеловесность и толщина которых подчёркивались узкими проёмами окон и ступенчато углублёнными порталами, а также башни, которые становятся в Р. с. одним из важнейших элементов архитектурных композиций. Романское здание представляло собой систему простых стереометрических объёмов (кубов, параллелепипедов, призм, цилиндров), поверхность которых расчленялась лопатками, аркатурными фризами и галереями, ритмизирующими массив стены, но не нарушающими его монолитной целостности. Храмы Р. с. развивали унаследованные от раннехристианского зодчества типы базиликальной и центрической (чаще всего круглой в плане) церкви; в месте пересечения трансепта с продольными нефами возводились обычно световой фонарь или башня. Каждая из главных частей храма представляла собой отдельную пространственную ячейку, как внутри, так и снаружи четко обособленную от остальных, что во многом было обусловлено требованиями церковной иерархии: например, хор церкви был недоступен для паствы, занимавшей нефы. В интерьере мерные, медлительные ритмы разделяющих нефы аркад и подпружных арок, на значительном расстоянии друг от друга прорезавших каменную массу свода, рождали ощущение незыблемой устойчивости божественного мироустройства; это впечатление усиливалось самими сводами (преимущественно цилиндрическими, крестовыми, крестово-рёберными, реже — куполами), приходящими в Р. с. на смену плоским деревянным перекрытиям и первоначально появившимися в боковых нефах.

         Если в раннем Р. с. господствовала настенная живопись, то в конце 11 — начале 12 вв., когда своды и стены обрели более сложную конфигурацию, ведущим видом храмового декора стали монументальные рельефы, украшавшие порталы, а часто и всю фасадную стену, а в интерьере сосредоточенные на капителях. В зрелом Р. с. плоский рельеф сменяется всё более выпуклым, насыщенным светотеневыми эффектами, но неизменно сохраняющим органичную связь со стеной, вставленным в неё или как бы вырастающим из её массива. Эпоха Р. с. явилась также периодом расцвета книжной миниатюры, в целом отличавшейся крупными размерами и монументальностью композиций, а также различных отраслей декоративно-прикладного искусства: литья, чеканки, резьбы по кости, эмальерного дела, художественного ткачества, ковроделия, ювелирного искусства.

         В романской живописи и скульптуре центральное место занимали темы, связанные с представлением о безграничном и грозном могуществе божьем (Христос во славе, «страшный суд» и т. д.). В строго симметричных композициях безраздельно доминировала фигура Христа, значительно превосходящая по размерам остальные фигуры. Более свободный и динамичный характер принимали повествовательные циклы изображений (на библейские и евангельские, житийные, изредка — исторические сюжеты). Для Р. с. характерны многочисленные отклонения от реальных пропорций (головы непропорционально велики, одежды трактуются орнаментально, тела подчинены абстрактным схемам), благодаря которым человеческий образ становится носителем преувеличенно экспрессивного жеста или частью орнамента, нередко не утрачивая при этом напряжённой духовной выразительности. Во всех видах романского искусства часто существеннейшую роль играли узоры, геометрические или составленные из мотивов флоры и фауны (типологически восходящей к произведениям звериного стиля (См. Звериный стиль) и непосредственно отражающей дух языческого прошлого европейских народов). Общая система образов Р. с., на зрелой стадии тяготевшего к универсальному художественному воплощению средневековой картины мира, подготовила свойственное готике (См. Готика) представление о соборе как своеобразной «духовной энциклопедии».

         В зодчестве Франции, где первоначальные формы Р. с. появляются уже в конце

         10 в., наибольшее распространение получили трёхнефные базилики с цилиндрическими сводами в среднем нефе и крестовыми в боковых, а также так называемые паломнические церкви с хором, окруженным обходной галереей с радиальными капеллами (церковь Сен-Сернен в Тулузе, около 1080 — 12 в.). В целом французское романское зодчество отмечено крайним многообразием местных школ: к особой монументальности композиций тяготела бургундская школа

         (так называемая церковь Клюни-3), к богатству скульптурного декора — школа Пуату (церковь Нотр-Дам в Пуатье, 12 в.); в Провансе отличительной особенностью церквей являлся обильно украшенный скульптурой главный портал (однопролётный или трехпролётный), развивающий, вероятно, мотив древнеримской триумфальной арки (церковь Сен-Трофим в Арле). Строгие по декору нормандские церкви ясностью своих пространственных членений во многом подготовили готику (церковь Ла Трините в Кане, 1059—66). В светской архитектуре Р. с. во Франции сложился тип замка-крепости с Донжоном. К вершинам романского изобразительного искусства Франции принадлежат проникнутая мощной экспрессией скульптура тимпанов бургундских и лангедокских церквей [в Везле, Отене, Муассаке], многочисленные циклы росписей, памятники миниатюры и декоративно-прикладного искусства (в том числе лиможские эмали (См. Лиможская эмаль)).

         В романской архитектуре Германии выделялись саксонская школа [церкви с двумя симметричными хорами на З. и В., иногда с 2 трансептами, лишённые лицевой фасадной стороны (Санкт-Михаэльскирхе в Хильдесхейме, после 1001—33)], а в зрелый период — церковное зодчество прирейнских городов, где в 11—13 вв. были построены грандиозные соборы [в Шпейере, Майнце, Вормсе]; здесь широко применялась так называемая связанная система перекрытий, при которой каждой травее среднего нефа соответствовали 2 травеи боковых нефов. Характерные для немецкой романики идеи величия императорской власти нашли яркое выражение в строительстве императорских дворцов (пфальцев). В «оттоновский период» Р. с. (2-я половина 10 — 1-я половина 11 вв.) переживает расцвет немецкая книжная миниатюра (важнейшие центры — аббатство Рейхенау и Трир), а также искусство литья (бронзовые двери в соборе в Хильдесхейме). В эпоху зрелого немецкого Р. с. всё большее значение приобретает каменная и стукковая скульптура.

         В Италии элементы Р. с. ранее всего зародились в ломбардской школе (См. Ломбардская школа), где уже в 9—10 вв. сложился так называемый первый Р. с. (регулярная кладка стен и опор, каменного перекрытия, тектонический декор внешних поверхностей при отсутствии ещё ясной взаимосвязи элементов объёмно-пространственной композиции). Для итальянского Р. с. типичны преимущественно городской характер архитектуры, постоянные античные и (в Южной Италии и Сицилии) арабские влияния. Теснее связано с германской и французской романикой зодчество Тосканы [соборный комплекс в Пизе], где возник Инкрустационный стиль.

         В Испании, отчасти в связи с Реконкистой, в романскую эпоху широко (как нигде в Европе) развернулось строительство замков-крепостей и городских укреплений [например, в Авиле]. Церковная архитектура Испании нередко следовала французским «паломническим» прототипам (собор в Саламанке; илл. см. при ст. Саламанка), но в целом отличалась сравнительной простотой композиционных решений. Испанская скульптура Р. с. в ряде случаев предвосхищает сложные образные системы готики. В Испании (преимущественно в Каталонии) сохранились также многочисленные романские росписи, отмеченные резкой лапидарностью рисунка и крайней интенсивностью колорита.

         Р. с. развивается также в Англии (после норманнского завоевания 1066; в архитектуре здесь традиции местного деревянного зодчества сочетались с воздействием нормандской школы, а в живописи ведущее значение получила миниатюра, для которой характерно особое богатство растительного орнамента), в странах Скандинавии (если большие городские соборы здесь следуют преимущественно немецким образцам, то в приходских и сельских церквах отчётливо проступают черты местного своеобразия), в Польше, Чехословакии, Венгрии. За пределами Европы очагами Р. с. были замки, возведённые крестоносцами в 12—13 вв. в Палестине и Сирии (замок Крак де Шевалье,

         12—13 вв.). Отдельные черты Р. с., обусловленные не столько прямыми влияниями, сколько некоторым сходством идейно-художественных задач, проявились в искусстве Древней Руси (например, в архитектуре и пластике владимиро-суздальской школы (См. Владимиро-Суздальская школа)).

Готика

Перевод

Готика

        (от итал. gotico, букв. - готский, от названия германских племени готов), готический стиль, художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой XII и XV-XVI вв.). Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося "варварским". С начала XIX в., когда для искусства X-XII вв. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с "высшими" иррациональными силами. Для готики характерны символико-аллегорический тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы культовых зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преимущественно витражей). Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикализм его башен и сводов, подчинение скульптуры динамическим архитектурным ритмам, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих.         

Развитие искусства готики отражало и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил - городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов. По мере развития общественного сознания, ремесла и техники ослабевали устои средневекового религиозно-догматического мировоззрения, расширялись возможности познания и эстетического осмысления реального мира; складывались новые архитектурные типы и тектонические системы. Интенсивно развивались градостроительство и гражданская архитектура. Городские архитектурные ансамбли включали культовые и светские здания, укрепления, мосты, колодцы. Главная городская площадь часто обстраивалась домами с аркадами, торговыми и складскими помещениями в нижних этажах. От площади расходились главные улицы; узкие фасады двух-, реже трехэтажных домов с высокими фронтонами выстраивались вдоль улиц и набережных. Города окружались мощными стенами с богато украшенными проездными башнями. Замки королей и феодалов постепенно превращались в сложные комплексы крепостных, дворцовых и культовых сооружений. Обычно в центре города, господствуя над его застройкой, находился замок или собор, становившийся средоточием городской жизни. В нём наряду с богослужением устраивались богословские диспуты, разыгрывались мистерии, происходили собрания горожан. Собор мыслился своего рода сводом знания (главным образом богословского), символом Вселенной, а его художественный строй, сочетавший торжественное величие со страстной динамикой, изобилие пластических мотивов со строгой иерархической системой их соподчинения, выражал не только идеи средневековой общественной иерархии и власти божеств, сил над человеком, но и растущее самосознание горожан, творческое величие усилий человеческого коллектива.         

Смелая и сложная каркасная конструкция готического собора, воплотившая торжество дерзновенной инженерной мысли человека, позволила преодолеть массивность романских построек, облегчить стены и своды, создать динамическое единство внутреннего пространства. В готике происходит обогащение и усложнение синтеза искусств, расширение системы сюжетов, в которой отразились средневековые представления о мире. Основным видом изобразительного искусства была скульптура, получившая богатое идейно-художественное содержание и развитые пластические формы. Застылость и замкнутость романских статуй сменились подвижностью фигур, их обращением друг к другу и к зрителю. Возник интерес к реальным природным формам, к физической красоте и чувствам человека, новую трактовку получили темы материнства, нравственные страдания, мученичества и жертвенной стойкости человека. В готике органически переплелись лиризм и трагические аффекты, возвышенная духовность и социальная сатира, фантастический гротеск и фольклорность, острые жизненные наблюдения. В эпоху готики расцвела книжная миниатюра и появилась алтарная живопись, достигло высокого подъёма декоративное искусство, связанное с высоким уровнем развития цехового ремесла.         

Готика зародилась в Северной Франции (Иль-де-Франс) в середине XII в. и достигла расцвета в первой половине XIII в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму. Как правило, это 3-5-нефные базилики с поперечным нефом-трансептом и полукруговым обходом хора ("деамбулаторием"), к которому примыкают радиальные капеллы ("венец капелл"). Их высокий и просторный интерьер озарён цветным мерцанием витражей. Впечатление неудержимого движения ввысь и к алтарю создаётся рядами стройных столбов, мощным взлётом остроконечных стрельчатых арок, убыстрённым ритмом аркад верхней галереи (трифория). Благодаря контрасту высокого главного и полутёмных боковых нефов возникает живописное богатство аспектов, ощущение беспредельности пространства. Конструктивная основа собора - каркас из столбов (в зрелой готике - пучка колонн) и опирающихся на них стрельчатых арок. Структура здания складывается из прямоугольных ячеек (травей), ограниченных четырьмя столбами и четырьмя арками, которые вместе с арками-нервюрами образуют остов крестового свода, заполненного облегчёнными небольшими сводами - распалубками. Боковой распор свода главного нефа передаётся с помощью опорных арок (аркбутанов) на наружные столбы - контрфорсы. Освобождённые от нагрузки стены в промежутках между столбами прорезаются арочными окнами. Нейтрализация распора свода за счёт вынесения наружу основных конструктивных элементов позволила создать ощущение лёгкости и пространственной свободы интерьера. двухбашенные западные фасады французских соборов с тремя "перспективными" порталами и узорным круглым окном ("розой") в центре сочетают устремление ввысь с ясной уравновешенностью членений. На фасадах варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические и декоративные детали - узорные вимперги, фиалы, краббы и т. д. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы на цоколях и в тимпанах порталов, а также на капителях колонн образуют цельную символическую сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания, аллегорические образы. Лучшие произведения готической пластики - декоративные статуи фасадов соборов в Шартре, Реймсе, Амьене, Страсбуре проникнуты одухотворённой красотой, искренностью и благородством чувств. Декор ритмически организован и строго подчинён архитектурным членениям фасада, что обусловило стройную тектонику и пропорции статуй, торжественность их поз и жестов. Другие части храмов также украшались рельефами, статуями, растительным орнаментом, изображениями фантастических животных; характерно обилие в декоре светских мотивов (сцены труда ремесленников и крестьян, гротескные и сатирические изображения). Разнообразна и тематика витражей, в гамме которых преобладали красные, синие и жёлтые тона.         

Сложившаяся готическая каркасная система появилась в церкви аббатства Сен-Дени (1137-44). К ранней готике относятся также соборы в Лане, Париже, Шартре. Богатством ритма, совершенством архитектурной композиции и скульптурного декора отличаются грандиозные соборы зрелой готики в Реймсе и Амьене, а также часовня Сент-Шапель в Париже (1243-48) с многочисленными витражами. С середины XIII в. величественные соборы строились в других европейских странах - в Германии (в Кёльне), Нидерландах (в Утрехте), Испании (в Бургосе, 1221-1599), Великобритании (Вестминстерское аббатство в Лондоне), Швеции (в Упсале), Чехии (хор и трансепт собора св. Вита в Праге), где готические строительные приёмы получили своеобразную местную интерпретацию. Крестоносцы донесли принципы готики до Родоса, Кипра и Сирии.         

В конце XIII - начале XIV вв. строительство соборов во Франции переживало кризис: архитектурные формы стали суше, декор обильнее, статуи получили одинаковый подчёркнутый S-образный изгиб и черты куртуазности. С XIV в. большое значение приобрели городские и монастырские зальные церкви (см. Зальный храм), замковые и дворцовые капеллы. Для поздней ("пламенеющей") готики характерен прихотливый, напоминающий языки пламени узор оконных проёмов (церковь Сен-Маклу в Руане). В светском городском зодчестве использовались главным образом композиционные и декоративные приёмы готики. На главной площади городов строились ратуши с обильным декором, нередко с башней (ратуша в Сен-Кантене, 1351-1509). Замки превращались в величественные дворцы с богатым внутренним убранством (комплекс папского дворца в Авиньоне), строились особняки ("отели") богатых горожан. В поздней готике получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и позолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматической (нередко экзальтированной) экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых, переданных с беспощадной правдивостью. Появились росписи на светские сюжеты (в папском дворце в Авиньоне, XIV-XV вв.). В миниатюрах (главным образом часословах) наметилось стремление к одухотворённой человечности образов, к передаче пространства и объёма. К лучшим образцам французского готического декоративного искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебряный реликварий, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.         

В Германии расцвет готики относится к середине XIII в. (западный хор собора в Наумбурге). Здесь рано появились зальные церкви (Элизабеткирхе в Марбурге, 1235-83); на юго-западе сложился тип однобашенного собора (в Фрайбурге-им-Брайсгау, Ульме); на севере строились кирпичные церкви (монастырь в Корине, 1275-1334; Мариенкирхе в Любеке), в которых простота планов, объёмов и конструкций сочеталась с узорной кладкой, применением глазурованного и фигурного кирпича. Многообразны по типам, композиции и декору каменные, кирпичные и фахверковые (см. Фахверк) светские постройки (городские ворота, ратуши, цеховые и складские здания, танцевальные залы). Скульптуру соборов (в Бамберге, Магдебурге, Наумбурге) отличают жизненная конкретность и монументальность образов, мощная пластическая экспрессия. Поздняя немецкая готика (конец XIV - начало XVI вв.) дала блестящие образцы зальных церквей (Анненкирхе в Аннаберг-Буххольце, 1499-1525) и дворцовых залов (Альбрехтсбург в Майсене) со сложными узорами сводов. Достигли расцвета алтарная скульптура и живопись. Готика получила распространение также в Австрии (готическая часть собора св. Стефана в Вене) и Швейцарии (собор в Берне).         

Славу нидерландской готике принесли башни соборов в Антверпене и Мехелене, но особенно - богато декорированные гражданские постройки (суконные ряды в Ипре, 1200-1304, Брюгге; ратуши в Брюсселе, Лёвене).         

В Великобритании предпосылки готики возникли раньше, чем на Европейском континенте, но её развитие, прерывавшееся внутренними историческими потрясениями, было замедленным. Английские соборы, большей частью монастырские, обычно представляют собой невысокий, вытянутый в длину объём с прямоугольным завершением хора и башней над средокрестием. Строгая геометрическая простота объёмов как бы компенсируется богатством и сложностью узоров на фасаде и сводах. По формам декора различают стили: ранний ("ланцетовидный"; собор в Солсбери), "украшенный" (близкий к "пламенеющей" готике; собор в Эксетере, между 1275-1375) и "перпендикулярный", отличающийся дробным ритмом вертикалей на стенах и окнах и прихотливым плетением нервюр на сводах и потолках (капелла Кингс-колледжа в Кембридже, 1446-1515). С готикой связан расцвет английской книжной миниатюры, резьбы по алебастру и дереву, вышивки. Влияния английской, французской и немецкой кирпичной готики сказались на готическом зодчестве Норвегии (собор в Тронхейме, готические части - 1180-1320), Дании (собор св. Кнуда в Оденсе, около 1300 - XV в.), Швеции (церковь в Вадстене, 1369-1430).         

В Испании обширные городские соборы (в Севилье) имели обычно чётко расчленённые декором на ярусы плоскости стен и небольшие окна. Интерьер разделялся надвое заалтарным образом (ретабло) со скульптурой и живописью. На готическую архитектуру Каталонии и Южной Испании оказало влияние мавританское искусство (однонефный позднеготический собор в Жероне, 1325-1607). Крупные сводчатые залы создавались в светских зданиях (биржа в Пальме на острове Мальорка, 1426-51). В XVI в. готические конструкции были перенесены в испанской колонии в Америке.         

В Италии в XIII-XIV вв. элементы готики включались в романскую по духу архитектуру храмов. Стрельчатые готические своды и декор сочетались со статичностью архитектурных масс, пропорциональной ясностью просторных интерьеров, мраморной полихромной облицовкой фасадов и интерьеров (собор в Сиене, церковь Санта-Мария Новелла во Флоренции). Наиболее ярко готика в Италии проявилась в гражданском строительстве - ратушах (Палаццо Публике в Сиене, Палаццо дель Подеста во Флоренции) и дворцах (Дворец дожей в Венеции). Их суровый (в Сиене, Флоренции) или изящный (в Венеции) декор контрастировал с монолитной кладкой стен. Воздействие венецианской готики сказалось на архитектуре Далмации (см. Хорватия), Греции, Крита, Кипра. В изобразительном искусстве Италии развитие готики было ограничено ранним сложением культуры Возрождения. Готическим постройкам Восточной Европы нередко присущи крепостные черты, лаконизм и внешняя суровость форм, контрастирующие с нарядным декором окон, башен, порталов. В Венгрии готика распространилась в конце XIII-XV вв. (церковь св. Михаила в Шопроне, замок в Вишеграде). Расцвет чешской готики относится к XIV-XV вв. (собор св. Вита и Карлов мост в Праге, зальный храм св. Барбары в Кутна-Горе, зальные церкви Южной Чехии). Готика распространилась также в Словакии, Словении, Трансильвании. В Польше готика развивалась в XIII-XV вв. Войны с Тевтонским орденом стимулировали крепостное строительство, а развитие городов способствовало расцвету светской архитектуры (ратуша в Торуни, городские укрепления с барбаканами в Кракове и Варшаве, Ягеллонский университет в Кракове). На юге Польши костёлы строились из камня и кирпича (костёл Девы Марии в Кракове), на севере - из кирпича (костёл Девы Марии в Гданьске). В Латвии переход к готике произошёл в XIII-XIV вв. (Домская церковь в Риге; замок в Цесисе, XIII-XVI вв.). В Южной Эстонии в XIV в. строились кирпичные готические церкви (церковь Яани в Тарту). Готический облик Таллина определился в XIV-XV вв. (Вышгород и бюргерская часть города с ратушей, церковь Олевисте). К XIV-XV вв. относятся раннеготические памятники Литвы (замок в Тракае), в XV-XVI вв. богатый кирпичный декор получают церковь Оное в Вильнюсе и дом Перкуно в Каунасе.         

В позднеготическую эпоху накопление эмпирических знаний, рост интереса к реальности, к наблюдению и изучению натуры, возросшая роль творческой индивидуальности подготовили почву для ренессансной системы мировосприятия. Этот процесс проявился в XIV - начале XVI вв. во французской и бургундской миниатюре, в скульптуре (Клаус Слютер) и живописи (Мельхиор Брудерлам и др.), немецкой, чешской, польский декоративной пластике (Пётр Парлерж), в алтарной скульптуре и живописи (мастер Теодорик и др.). В XV-XVI вв. он был ускорен влиянием итальянского и нидерландского Возрождения. На протяжении XVI в. готика почти повсеместно сменилась ренессансной культурой.

ВОЗРОЖДЕНИЕ

Перевод

ВОЗРОЖДЕНИЕ

ВОЗРОЖДЕНИЕ (Ренессанс), эпоха в идейном и культурном развитии ряда стран Западной и Центральной, а также Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода "возрождение" его (отсюда название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средних веков к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый стиль. Вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии, где Возрождение подразделяется на Раннее, Высокое и Позднее, - 14 - 16 веков, в других странах - 15 - 17 веков), его территориальное распространение и национальные особенности дискутируется в современной науке. Переломное значение эпохи особенно ярко проявилось в архитектуре и образовании, искусстве. Для деятелей Возрождения характерны стремление к реалистическому познанию мира и человека, вера в творческие возможности и силу разума, утверждение красоты и гармонии действительности, обращение к человеку как высшему началу бытия, представление о стройной закономерности мироздания. В архитектуре ведущую роль заняли: новые церковные (центрические) здания, общественные сооружения, дворцы, величественно-ясные, гармоничные по пропорциям и соразмерные человеку (Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, Д. Браманте и другие в Италии, П. Леско и другие во Франции). В живописи и скульптуре (Мазаччо, Донателло, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан и другие в Италии, Ян ван Эйк, П. Брейгель в Нидерландах, А. Дюрер, М. Грюневальд, Х. Хольбейн Младший и другие в Германии, Ж. Фуке, Ж. Гужон и другие во Франции) воплощены героические представления о человеке (нередко с трагическим оттенком), освоены методы убедительного воплощения пространства, света, анатомически правильно построенной человеческой фигуры, интерьера, пейзажа. Литература Возрождения создала такие памятники непреходящей ценности, как "Гаргантюа и Пантагрюэль" (1533 - 52) Ф. Рабле, драмы У. Шекспира, роман "Дон Кихот" (1605 - 15) М. Сервантеса и др., органически соединившие в себе интерес к античности с обращением к народной культуре, пафос комического с трагизмом бытия. Сонеты Ф. Петрарки, новеллы Дж. Боккаччо, героическая поэма Л. Ариосто, философский трактат Эразма Роттердамского "Похвала Глупости" (1511), эссе М. Монтеня в разных жанрах, индивидуальных формах и национальных вариантах воплотили идеи Возрождения. В музыке, проникающейся гуманистическим мироощущением, развивались вокальная и инструментальная полифония, жанры светской вокальной (фроттола и вилланелла в Италии, шансон во Франции, вильянсико в Испании, баллада в Англии, мадригал) и инструментальной музыки; эпоха завершается появлением новых академических музыкальных жанров - сольной песни, кантаты, оратории и оперы. В эпоху Возрождения распространились философские идеи неоплатонизма (М. Фичино и др.) и пантеизма (Дж. Бруно и др.), были сделаны выдающиеся открытия в области географии (смотри Великие географические открытия), астрономии (разработка Н. Коперником гелиоцентрической системы мира), анатомии (А. Везалий) и других наук.

11 Ру́сский аванга́рд — одно из направлений модернизма в России в 1900-1930 гг., расцвет которого пришелся на 1914–1922 гг.

Основными направлениями русского авангарда были:

• Абстракционизм, Василий Кандинский

• Супрематизм, Казимир Малевич

• Конструктивизм, Владимир Татлин

• Кубофутуризм (Кубизм, Футуризм), Владимир Маяковский

В 2006 году в Санкт-Петербурге на улице профессора Попова, дом 10, открылся Музей петербургского авангарда, в доме, где жили Матюшин и Гуро .

3.1 Художники

Один из самых ярких представителей авангарда, Василий Кандинский, принадлежит к числу открывателей нового художественного языка XX столетия и не только потому, что именно он “изобрел” абстрактное искусство - он смог придать ему масштаб, цель, объяснение и высокое качество.

В раннем творчестве Кандинского натурные впечатления служили основой для создании ярких красочных пейзажей, иногда с романтически-символической нагруженностью сюжетов (“Синий всадник”, 1903). Середина и вторая половина 1900-х гг. прошли под знаком увлечения русской стариной; в картинах “Песня Волги" (1906), “Пестрая жизнь" (1907), “Рок” (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и немецкого модерна (югендстиля) с приемами пуантилизма и стилизацией под народный лубок. В части работ Кандинский развивал ретроспективные фантазии, свойственные мастерам круга “Мир искусства" (“Дамы в кринолинах”, масло, 1909, Третьяковская галерея) Альбом. Русские художники от “А” до “Я. - М.: Слово, 1996. С. 158.. (Приложения 1,2).

Его живописные работы предреволюционных и революционных лет обладали широким стилистическим диапазоном: продолжая создавать экспрессивно-абстрактные полотна (“Смутное", 1917, Третьяковская галерея, “Белый овал", 1920, Третьяковская галерея, и др.), художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи (“Москва. Зубовская площадь", “Зимний день. Смоленский бульвар”, обе ок. 1916, Третьяковская галерея), не оставлял занятий живописью на стекле (“Амазонка", 1917), а также создавал картины, сочетавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное начало (“Москва. Красная площадь”, 1916, Третьяковская галерея).

Кандинский, как все крупные мастера нового времени, был универсален в своей художественной деятельности. Он занимался не только живописью и графикой, но и музыкой (с ранних лет), поэзией, теорией искусства. Художник оформлял интерьеры, делал эскизы росписей по фарфору, проектировал модели платьев, создавал эскизы аппликаций и мебели, занимался фотографией, интересовался кинематографом. Поражает необыкновенная организаторская деятельность Кандинского на всех этапах его жизненного пути. Она видна уже по организации им первого объединения - “Фаланга” (лето 1901 г).

Другой яркий представитель - Казимир Малевич (1878-1935), о котором по настоящему о заговорили в кругах не только художественных, но и в широкой прессе после следующей выставки, на которой он показал уже так называемые супрематические полотна, иначе говоря, геометрические абстракции. С тех пор Малевича, к сожалению, стали считать только художником супрематизма и даже художником одной картины "Черного квадрата". Эту славу отчасти Малевич поддерживал сам. Он считал, что "Черный Квадрат" - это вершина всего. Малевич был разносторонним живописцем. В 20-30-е годы он написал крестьянский цикл, незадолго до смерти стал писать портреты в духе старых мастеров, пейзажи в духе импрессионизма Альбом. Русские художники от “А” до “Я. - М.: Слово, 1996. С. 190..

Малевич, российский художник, основатель супрематизма, один из немногих в России, работавших в направлениях кубизма, футуризма. Был незаслуженно забыт в Советском Союзе, хотя его творчество одна из самых ярких страниц в мировом изобразительном искусстве первой половины ХХ века. Казимир Малевич участник знаменитых выставок "Бубновый валет" (1910), "Ослиный хвост" (1912), один из столпов русского, а затем и советского авангарда. Супрематизм основан на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные цвета. Знаменитый "Черный квадрат" (1913) стал манифестом беспредметного, нонфигуративного искусства, отправной точкой абстракционизма. В 1919-м состоялась Х Государственная выставка под названием "Беспредметное творчество и супрематизм", а в декабре 1919 - январе 1920-го XVI Государственная выставка с ретроспективой "Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму". На выставках показывались и концептуальные подрамники с чистыми холстами, и загадочно медитативный цикл картин "Белое на белом" с "Белым квадратом на белом".

Творения русских художников - авангардистов начала века взорвало художественное сознание. И в то же время супрематизм Малевича появился как закономерная стадия в развитии русского и мирового искусства. Сам Казимир Малевич выводил супрематизм из кубизма. На выставке, где были представлены его первые супрематические картины, он распространил брошюру, которая называлась "От кубизма к супрематизму". Позднее он стал обращать внимание на еще более ранние истоки этого направления. Практически вся живопись, которая предшествовала искусству 20 века, была включена в этот поток, и Малевич считал, что венчает это мощное мировое движение именно искусство геометрической абстракции (приложения 3,4).

Идеями супрематизма были увлечены И.А. Пуни, И.В. Клюн и другие. Клюн, в отличие от Малевича, уже через несколько лет яростно восставшего против эстетических принципов новой эпохи символизма и модерна, не только задержался дольше, но и вынес из нее значительно больше, чем Малевич: тяготение к линейности, к декоративной организации плоскости, к ритму. В композициях Клюна формы никнут, как цветы, царит покой или элегическая печаль; по-восточному изогнутые, замедленно движущиеся фигуры, точно пребывают в состоянии медитации ("Семья"). Малевич кажется рядом грубым, неловким, его символистские опусы подчас выглядят нелепо - у Клюна они вполне "нормальны", в русле живописных тенденций общества "Московский салон", одним из учредителей которого он был.

Филонов Павел Николаевич (1883-1941), российский живописец и график. В символических, драматически напряженных произведениях стремился к выражению общих духовно-материальных закономерностей хода мировой истории (“Пир королей”, 1913). (Приложение 5). С сер. 1910-х гг. отстаивал принципы “аналитического искусства”, основанного на создании сложнейших, способных к бесконечному калейдоскопическому развертыванию композиций (“Формула пролетариата”, 1912-13, “Формула весны" 1928-29). Ученики Филонова составили группу “Мастера аналитического искусства".

Глубинные философско-культурологические размышления Филонова определили художественно-пластический строй картин “Запад и Восток", “Восток и Запад" (обе 1912-13), “Пир королей" (1913) и др. Тема современной городской цивилизации, в противовес героизации ее европейскими футуристами, была представлена русским мастером как источник зла, уродующий людей; антиурбанистический пафос определял смысловое звучание многих картин, в том числе работ “Мужчина и женщина" (1912-13), “Рабочие” (1915-16), рисунка “Постройка города” (1913) и др. В иной группе произведений холстах “Крестьянская семья (Святое семейство) ” (1914), “Коровницы” (1914), цикле “Ввод в мировый расцвет", вторая половина 1910-х, рисунках “Георгий Победоносец" (1915), “Мать" (1916) и др. Художник воплотил свои утопические мечтания о будущем воцарении справедливости и добра на земле Русские художники. - Самара: АГНИ, 1997. С. 253..

Татлин Владимир Евграфович (1885-1953) российский художник, дизайнер, сценограф, один из крупнейших представителей новаторского движения в искусстве 20 в., родоначальник художественного конструктивизма. Самыми значительными работами стали холсты “Матрос (Автопортрет) ” (1911, Русский музей), “Продавец рыб" (1911, Третьяковская галерея) - наряду с великолепными “Натурщицами” и натюрмортами они впечатляли экспрессивно-обобщенным рисунком, ясной конструктивностью композиции, свидетельствовавшими об усвоении новаторских приемов новейшего искусства. Вместе с тем, в них выпукло проступала генетическая связь с древнерусским искусством, иконописью, фресками: изучением и копированием образцов древнерусского искусства Татлин много занимался в летние месяцы ученических лет.

Татлин быстро выдвинулся в среде русских авангардистов; участвовал в иллюстрировании футуристических книг, в 1912 организовал в Москве собственную студию, в которой занимались живописью многие “левые художники”, ведя аналитические исследования формы. С этого времени и до конца 1920-х гг. Татлин был одной из двух центральных фигур русского авангарда, наряду с К.С. Малевичем, в соперничестве с которым развивал свои художественные открытия, легшие в основу будущего движения конструктивистов.

М.В. Матюшин (1861-1934) играл видную роль во многих начинаниях левых художников и поэтов - в частности, учредив книгоиздательство “Журавль", выпустив множество книг, без которых ныне немыслима история русского авангарда. По инициативе Матюшина и Гуро было создано петербургское общество “Союз молодежи", самое радикальное объединение художественных сил обеих столиц.

Живописное творчество Матюшина, несмотря на близкую дружбу с такими мощными генераторами художественных идей, как Казимир Малевич, развивалось по собственным законам и, в конце концов, привело к созданию оригинального направления, названного автором “ЗОРВЕД" (зоркое ведание, зрение (зор) - ведание). Художник и его ученики внимательно исследовали пространственно-цветовую среду, натуральное формообразование - видимая органика природного мира служила им образцом и примером для пластических конструкций в своих картинах. В холсте Матюшина “Кристалл”, написанном холодными голубыми красками с использованием сложного линейного построения, уже само название было камертоном и образного, и пластического смысла.

Михаил Ларионов (1881-1964) наряду с Казимиром Малевичем (“Черный квадрат”) и Василием Кандинским, был центральной фигурой русского авангарда. В его картинах сконцентрировались художественные приемы и методы разных стилей и эпох - от импрессионизма, фовизма, экспрессионизма до русской иконы, лубка, фольклорного искусства; он стал также создателем собственной живописной системы, лучизма, предварившей наступление эры беспредметности в искусстве.

Ученик Левитана и Серова, Ларионов был истинным вожаком бунтующей художественной молодежи, зачинщиком многих скандальных акций, ознаменовавших появление авангарда на российской общественной сцене. Однако, его исключительная одаренность проявилась не только в организации художественных объединений, устройстве эпатажных выставок, но и в создании полотен, многие из которых можно назвать живописными шедеврами.

Изощренное чувство цвета, склонность к гротеску, тяга к романтической экзотике, изначально свойственные Г.Б. Якулову (1884-1928), органически соединились в его творчестве со стилистикой русской живописи начала ХХ века. Вместе с тем, своим духовным наследием художник считал также восточное искусство, в частности, персидскую миниатюру; совмещение декоративных традиций восточного искусства и новейших завоеваний европейской живописи давалось ему без натуги, естественно.

Громкую славу принесли Якулову его театральные работы. В экспрессивной зрелищности, в размахе и свободе светоносной живописи Якулов нащупывал новые возможности декоративно-пластических пространственных концепций, внедренных затем в оформительские и сценические построения.

3.2 Архитекторы

Корифеем русского (советского) конструктивизма считается Константин Мельников. Начав с постройки российских павильонов на Международных выставках в стиле традиционной деревянной архитектуры, благодаря которым он приобрел международную известность, Мельников переходит к проектированию очень актуальных построек нового (революционного) типа и назначения - рабочих клубов. Клуб им. Русакова, построенный им в 1927-28 годах, не имеет ничего общего ни с архитектурой предшествующего столетия, ни с архитектурой модерна. Здесь чисто геометрические бетонные конструкции организованы в некую структуру, форма которой определена ее назначением. Такой вариант конструктивизма получил название функционализм. В архитектуре конструктивизма функционализм приводит к созданию динамичных сооружений, состоящих из достаточно простых формальных элементов, совершенно лишенных привычного архитектурного декора, соединенных в соответствии с организацией внутреннего пространства и работой основных конструкций. Язык архитектурных форм, таким образом "очищается" от всего необязательного, декоративного, неконструктивного. Это язык нового мира, порвавшего со своим прошлым.

Дворец Труда

Важной вехой в развитии конструктивизма стала деятельность талантливых архитекторов - братьев Леонида, Виктора и Александра Весниных. Они пришли к осознанию лаконичной "пролетарской" эстетики, уже имея солидный опыт в проектировании зданий, в живописи и в оформлении книг. (Они начали свою карьеру ещё в эпоху Модерн).

Впервые архитекторы - конструктивисты громко заявили о себе на конкурсе проектов здания Дворца Труда в Москве. Проект Весниных выделялся не только рациональностью плана и соответствием внешнего облика эстетическим идеалам современности, но и подразумевал использование новейших строительных материалов и конструкций.

Следующим этапом был конкурсный проект здания газеты "Ленинградская правда" (московского отделения). Задание было на редкость сложным - для строительства предназначался крохотный участок земли - 6x6 м на Страстной площади.

"Ленинградская правда"

Веснины создали миниатюрное, стройное шестиэтажное здание, которое включало не только офис и редакционные помещения, но и газетный киоск, вестибюль, читальный зал (одна из задач конструктивистов заключалась в том, чтобы на малой площади сгруппировать максимальное количество жизненно необходимых помещений) Иконников А.В. Архитектура Москвы. XX век. -- М.: Просвещение, 1984. С. 91..

Ближайшим соратником и помощником братьев Весниных был Моисей Яковлевич Гинзбург, который был непревзойдённым теоретиком архитектуры первой половины XX века. В своей книге "Стиль и эпоха" он размышляет о том, что каждый стиль искусства адекватно соответствует "своей" исторической эпохе. Развитие новых архитектурных течений, в частности, связано с тем, что происходит "…непрерывная механизация жизни", а машина - есть "…новый элемент нашего быта, психологии и эстетики". Гинзбург и братья Веснины организовывают Объединение современных архитекторов (ОСА), в которое вошли ведущие конструктивисты.

Особой фигурой в истории конструктивизма считается любимый ученик А. Веснина - Иван Леонидов, выходец из крестьянской семьи, начавший свой творческий путь с ученика иконописца. Его во многом утопические, устремлённые в будущее, проекты, не нашли применения в те трудные годы. Работы Леонидова и теперь восхищают своими линиями - они невероятно, непостижимо современны.

Архитектурная деятельность Лисицкого (представителя супрематизма), подготовленная серией экспериментальных проектов "Проуны" ("Проекты утверждения нового"; 1919-1924), заключалась в решении проблем вертикального зонирования городской застройки (проекты "горизонтальных небоскрёбов" для Москвы, 1923-1925), в активном участии в работе объединения "Аснова" и ряде архитектурных конкурсов 20-х гг. (проекты: Дома текстилей, 1925, и комбината газеты "Правда", 1930, для Москвы; жилых комплексов для Иваново-Вознесенска, 1926). Лисицкий выполнил в духе супрематизма ряд агитационных плакатов ("Клином красным бей белых!", 1920, и др. (приложение 6)), разрабатывал проекты трансформируемой и встроенной мебели (1928-29), утверждал новые принципы выставочной экспозиции, понимая её как единый организм (советские павильоны на зарубежных выставках 1925-34; Всесоюзная полиграфическая выставка в Москве, 1927), и решения сценического пространства (работы для театра).

Все работы представителей русского авангарда, как художников, так и архитекторов представляют огромную ценность для российского культурного наследия. Каждый представитель данного направления в искусстве разработал свой неповторимый метод, создал определенный незнакомый до этого культурный мир и представил ряд работ, которые соответствуют его миру и сейчас считаются шедеврами не только российской, но и мировой живописи и архитектуры.

Заключение

Новейшие течения русского искусства 1910-х годов вывели Россию в авангард интернациональной художественной культуры того времени. Уйдя в историю, феномен великого эксперимента так и был назван - Русский авангард. Отличительной особенностью русского авангарда является его развитие и закат, которые проходили в тесной связи с историческими событиями в стране, а также его бунтарский характер и провозглашение представителями авангарда борьбы с культурным наследием. Кроме того, феномен русского авангарда заключается в том, что понятие "русский авангард" было характерно не только для живописи, а практически для всей культуры того времени: литературы, музыки, театра, фотографии, кинематографа, дизайна, архитектуры.

За несколько десятилетий в России прошли свое развитие несколько направлений. Среди них: футуризм, кубофутуризм, супрематизм и конструктивизм. Каждое из этих направлений имело свои особенности и кардинальным образом отличалось от традиционного искусства. Футуризм и кубофутуризм нашел большее отражение в живописи и литературе, супрематизм - в живописи, конструктивизм - в архитектуре, плакате, дизайне. Еще за несколько лет до этого ничто в русском искусстве не предвещало столь резкого поворота: в конце 19 - начале 20 вв. русская официальная живопись оставалась в академических рамках. Но представители авангарда бросили вызов всему обыденному, традиционному и смогли оставить незабываемый след в истории искусства.

Среди художников основными деятелями русского авангарда по праву считаются К. Малевич, В. Кандинский, П. Филонов, В. Татлин, М. Ларионов и другие. Среди писателей и поэтов - В. Маяковский, Д. Бурлюк, В. Хлебников, Б. Пастернак, И. Северянин, А. Крученых, Е. Гуро. В числе известных архитекторов русского авангарда (конструктивизма) - К. Мельников, братья Веснины, И. Леонидов, Л. Лисицкий. Есть ли такой человек, который не знает картины Казимира Малевича "Черный квадрат" или строк из стихотворения Владимира Маяковского "Кроха сын к отцу пришел, и спросила кроха…" Конечно же, нет. С творчеством поэтов авангардистов мы знакомились еще в школе, с живописью - чуть позже. Поэтому не может быть сомнений, представители русского авангарда очень популярны и знакомы не только всем русским людям, но их знают и за рубежом, что говорит о широком масштабе русского авангарда.

ПРО ПРИНЦИПЫ ДИЗАЙНА, КОТОРЫЕ ИСПОЛЬЗУЮТСЯ И СЕЙЧАС

С развитием техники, обострением международной конкуренции уже в 20-е годы нынешнего столетия к развитию новых изделий стали активно подключаться художники. В последние годы промышленный дизайн превратился в самостоятельную отрасль. Принципы дизайна стали распространяться на все сферы материального производства. Анализируя весь комплекс вопросов, связанных с дизайном, необходимо хотя бы кратко остановиться на

основных задачах, решаемых промышленным дизайном, тем более что они присущи любой сфере дизайна, в том числе дизайну интерьера. Итак, промышленным дизайном рассматривается и определяется 1. Новая эстетическая форма и цвет изделия как должно выглядеть изделие, чтобы удовлетворить самые взыскательные запросы потребителя 2. Соответствие изделия конституции человеческого тела, антропометрическим и эргономическим требованиям 3. Соответствие изделия техническим функциям и возможностям 4.

Безопасность, удобство в работе и рентабельность изготовления 5. Использование марки предприятия и его названия. Итак, как видим, промышленный дизайн включает в себя все те взаимосвязи и взаимозависимости, которые существуют между человеком и изделием. Для анализа этих взаимосвязей специалисты используют данные психологических и физиологических исследований человека. Их цель - обеспечить гарантию наибольшего соответствия формы изделия его функциям.

Антропометрия и эргономика Изучением человеческого тела занимаются две отрасли науки антропометрия и эргономика. Они существенно облегчают работу дизайнера. В середине 40-х годов эти отрасли развивались особенно бурно, и сейчас практические результаты их развития широко применяются в промышленном дизайне. Антропометрия изучает размеры человеческого тела и функции анатомические, физиологические и психологические. Эргономика изучает движение человеческого тела во

Развитие русской инженерно-технической мысли (краткий исторический обзор 17 – 19 вв.). Российские промышленные выставки. Нижегородская ярмарка. Петр Страхов, Яков Столяров. Гиперболоид Владимира Шухова

 

Развитие русской инженерно-технической мысли (краткий исторический обзор 17 – 19 вв.). Российские промышленные выставки. Нижегородская ярмарка. Петр Страхов, Яков Столяров. Гиперболоид Владимира Шухова.

Первая Российская промышленная выставка была с Санкт-Петербурге, в помещении биржи. Они были как сильный и очень действенный регулятор роли промышленности в культуре страны. Стали называться художественно-промышленными. Они более зрелищны. Русская инженерная школа была передовой в техническом отношении и дала много изобретений (сеточная архитектура) в машинах, энергетике, воздухоплавании, радио, строительстве. Рело наоборот боготворил технику и увязывал ее с искусством. Считал промышленность деятелем культурные противостоящей творчеству

Промышленная революция в России фактически началась в 19 в. Первым испытал ее мощное воздействие транспорт. Строительство первой железной дороги началось в 1836г., ее строительство спровоцировало бум мостостроительства. Первый чугунный мост через Неву был построен в 1850г. В 1910 в воздух был поднят первый самолет. В этот период многие технически сложные изделия для массового производства создавались по лицензии европейских фирм, таких как, «Мерседес», «Сименс».

Первая Всероссийская выставка мануфактурных изделий состоялась в Санкт-Петербурге 9мая 1829г., на Васильевском острове в помещении биржи. Она положила начало целому ряду промышленных выставок в Москве, Петербурге, Варшаве и городах России. В самом большом зале были собраны машины и орудия труда, в других залах демонстрировалась продукция российских мануфактур.

Всероссийские промышленные выставки выступали как сильный регулятор роли промышленности в культуре страны. С 1882г. Выставки стали включать в экспозицию вместе с разделами промышленности разделы искусства и называться художественно-промышленными.

Крупнейшая художественно-промышленныя выставка прошла в 1896г. В Нижнем Новгороде. Она как бы продолжила традиционные Нижегородские ярмарки, проводимые с 17в., на которых обменивали сырье южная и восточная Россия, Персия и Китай на изделия обрабатывающей промышленности - мануфактуру, посуду… На территорию ярмарки переезжали банки, коммерческие конторы. В дни отдыха предусматривались развлечения для посетителей – балаганы, цирк, театр.

Почетное место на выставке заняли экспонаты: часы оптические приборы – Ивана Кулибина, модели паровой машины – Ивана Ползунова, радиоприемник – Попова.

Главным объектом в Нижнем Новгороде стали 6 павильонов из легких металлических и деревянных конструкций – круглые, прямоугольные и овальные в плане. Их автором был инженер Владимир Шухов. Он спроектировал висячие покрытия, арочные конструкции, сетчатые оболочки и водонапорные башни в форме гиперболоида, башни собирались из колец, соединенные с помощью металлических стержней, которые благодаря своей легкости, прочности и элегантности произвели в то время сенсацию. Секции сетчатых конструкций получили название гиперболоидные.

Г.Кривошеин, В.Алышков – Охтинский мост в Петербурге, 1907г.

Шаболовская башня.

История становления русского дизайна

Hаиболее сильной стороной отечественного дизайна была и остается эстетика, что объясняется двумя принципиальными моментами: особенностями появления дизайна в России и спецификой развития государства в XX веке. В отличие от зарубежного дизайна, который возник из потребности промышленности каким-либо образом стимулировать сбыт товаров, русский дизайн вышел из беспредметного искусства в основном через творчество производственников и конструктивистов. Художники и теоретики этих направлений дали толчок к его возникновению. Именно стремление сделать "конструктивную структуру" основой формообразования объединило в общем движении художников некогда различных направлений. Hеобходимо отметить немаловажную роль театра в становлении конструктивизма. Всеволод Мейерхольд предоставил сцену для реализации данной концепции на практике. Hа первый план выходит материальная сторона художественного творчества, которое трактуется как сознательная и целесообразная организация элементов произведения, как изобретательство. Конструктивизм переориентировал представителей беспредметного искусства на социальную целесообразность творчества. В качестве основателей конструктивизма, чье творчество имело принципиальное значение для дальнейшего развития дизайна, можно назвать В. Маяковского, В. Татлина, О. Брика, В. Кушнера, позднее - Б. Арбатова, А. Веснина, В. и Г. Стенбергов, А. Гана, А. Лавинского, Вс. Мейерхольда, А Родченко, В. Степанову, Л. Попову. Их центром стал созданный в 1919 году Совет мастеров, а позднее - ИHХУК и, главным образом, Рабочая группа конструктивистов ИHХУКа (А. Родченко, братья Стенберги, К. Медуницкий, К. Йогансон). Однако признание новой концепции формообразования пришло лишь в 1921 году, когда произошли определенные изменения в экономической ситуации. Так совпало, что именно этот год характеризуется наиболее активными и плодотворными пространственными экспериментами конструктивистов. Прежде всего необходимо отметить деятельность первых "красных художников" (выпускников ппервых ГСХМ - Государственных свободных художественных мастерских), организовавших Общество молодых художников ков (Обмоху, 1919-1923). Оригинальные конструкции и теоретические манифесты К. Йогансона, братьев Стенбергов и К. Медуницкого подробно разобраны в книге С. О. Хан-Магометов "Пионеры советского дизайна" (М., 1995). Конструктивизм перерос производственное искусство, утвердив собственную эстетику и самостоятельные цели. Основным "противником", полемика с которым не ослабевала, остается супрематизм, основателем и идейным вдохновителем которого был Казимир Малевич.

Второй этап развития дизайна в России (1923-1932) можно считать временем становления его профессиональной модели. Россия становится одним из важнейших центров формирования дизайна. Происходит становление школы профессиональной подготовки дипломированных дизайнеров - производственных факультетов ВХУТЕМАСа. Дизайн переориентируется на решение практических задач: разработку бытового оборудования для жилищ, обстановки рабочих клубов, общественных интерьеров... Производственный заказ пока не играет определяющей роли, и активной стороной остается сам дизайн, сохранивший энтузиазм изобретательства. Основная цель – организация предметной среды с учетом общих процессов в сферах труда, быта и культуры. В этот период формируются оригинальные творческие концепции дизайна, определившие его дальнейшее развитие. Более подробно о них можно узнать из работ самих авторов - А.Родченко, Л. Лисицкого, В. Татлина. Задача создания новой среды жизнедеятельности придала особый импульс развитию конструктивизма. Производственные факультеты ВХУТЕМАСа охватывает эйфория изобретательства. Безусловно, тон задавали их лидеры - А. Родченко и Л. Лисицкий, которые наиболее ярко проявили себя именно в графическом дизайне. Фотомонтаж, коллаж, шрифтовые композиции, рекламная и плакатная графика, книжные конструкции составляют золотой фонд мирового дизайна. Множество их открытий и проектов в других областях (новые принципы организации выставочных и бытовых интерьеров, типовой мебели, архитектурных ансамблей и небоскребов) были реализованы значительно позже. Комплексный подход к созданию объектов нашел отражение и в программе В.Татлина, преподававшего культуру материала. Он уделял основное внимание роли взаимосвязей и взаимоотношений: человек и вещь, функция и материал, различные материалы в процессе создания "систематической, жизненно необходимой вещи" 1. Он учил студентов с самых первых шагов разработки проекта учитывать функциональный (конечная цель создания предмета, особенности производства) и органический (человек, который будет этой вещью пользоваться) факторы

Третий этап (1933-1960) был достаточно печальным для развития дизайна в России: он перестает быть интегрирующей творческой деятельностью, развитие которой определялось универсальной концепцией (вне зависимости от специфики объекта). Принцип стандартизации применялся не только к человеку, но и к создаваемой искусственной среде. Стихия изобретательства, которая позволила отечественному дизайну достичь высот мирового признания, явно не вписывалась в изменившуюся атмосферу. Дизайн как единый процесс формообразования окружающей среды перестал существовать. Он был расчленен на узкоприкладные направления: инженерно-технический, предметно-бытовой и декоративно-оформительский, которые воспринимались как различные виды деятельности. Кончилась целая эпоха единой эстетической концептуальности, которая не зависела от специфики объекта.

Однако потенциал, накопленный авангардом, еще какое-то время сказывался в проектных работах. В первую очередь в продукции графического дизайна: политических и киноплакатах, книгах, рекламе.

Четвертый этап развития дизайна определяется по-разному: 60-80-е или 60-90-е годы. Его начало характеризуется безусловным интересом к наследию 20-х годов. Созданный в1961 году Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики (ВHИИТЭ) начинает свою деятельность с издания журнала "Техническая эстетика" и выпуска тематических сборников, которые самым подробным образом обратились к первой волне русского авангарда, поставившей советский дизайн на одно из первых мест в европейской эстетике того периода, Это время возрождения художественного конструирования. Большое внимание уделялось разработке новой концептуальной базы дизайн-деятельности, обоснованию ее новых видов, органично отвечающих современным требованиям. В 60-е годы были пересмотрены многие стандарты. Пристальное внимание было обращено на функциональные и эстетические качества предметов народного потребления. Пожалуй, можно сказать, что именно в то время дизайн получил самый массовый заказ за весь период своего существования в нашей стране.

В связи с этим расширилось поле деятельности и для рекламы. Развивается система специализированных изданий: "Книжное обозрение", "Рекламное приложение" к "Вечерней Москве", "Hовые товары". Значительно изменился внешний вид периодических изданий. Во многом этот процесс происходит под влиянием западноевропейской школы графического дизайна. Белое пространство признается одним из сильнейших средств выразительности, малогарнитурный набор - признаком стиля. Многие новые издания создаются по необычной методике – с первоначальной разработкой модульной сетки. Однако подобное "оживление" продолжалось сравнительно недолго. 70-е годы практически прервали заказ производства и бытовой сферы на профессиональный дизайн Это было время критической реакции на авангард первой (1910-1920 годы) и второй волны (1950-1960 годы). Hа первый план выдвигается ценность обыденного и анонимного что отражают эклектические тенденции всевозможных "ретро"-стилей.

 

Роль новаторской художественной школы в развитии дизайна. Эволюция художественного образования в советской России (1918-1930 гг.). Сложение системы пропедевтических курсов как следствие поиска «элементов» искус­ства. Поиск «минимальной формы». Производственные факультеты в струк­туре ВХУТЕМАСа

 

Роль новаторской художественной школы в развитии дизайна. Эволюция художественного образования в советской России (1918-1930 гг.). Сложение системы пропедевтических курсов как следствие поиска «элементов» искус­ства. Поиск «минимальной формы». Производственные факультеты в струк­туре ВХУТЕМАСа.

Роль новаторской художественной школы в развитии дизайна. Эволюция художественного образования в советской России (1918-1930 гг.). Сложение системы пропедевтических курсов как следствие поиска «элементов» искус­ства. Поиск «минимальной формы». Производственные факультеты в струк­туре ВХУТЕМАСа.

Созданы Свободные государственные художественные мастерские (СГХМ) включавшие скульптуру, живопись и прочее. В 1920 году они были слиты во ВХУТЕМАС – высшие художественно-технические мастерские. В 1927 году были реорганизованы в ВХУТЕИН – высший художественно-технический институт.

Цель ВХУТЕМАСа – подготовка художников-мастеров высшей квалификации для промышленности, а также инструкторов и руководителей и руководителей для профессионально технического образования. Структура ВХУТЕМАСа: Состоял из восьми специализированных факультетов: архитектурный, деревообделочный, металлообрабатывающий, полиграфический, текстильный, керамический, живописный и скульптурный.

Первые два года обучения, где студенты получали общехудожественное образование, были названы основным отделением. В процессе формирования этого отделения было сделано немало ценных методических находок. Этот курс, наряду с вводным курсом «Баухауза», по существу, предвосхитил все вводные курсы современных дизайнерских школ.

Обучению студентов на всех факультетах предшествовала общая художественная подготовка. Преподавание велось по направлениям: графический, плоскостно-цветовой, объёмно-пространственный, пространственный. Дисциплины: «Графика», «Цвет», «Объём», «Пространство» преподавались студентам всех специализаций.

Ведущими принципами работы были: экономичность материалов и конструкций, рациональность использования пространства, многофункциональность и мобильность изделий. Отвергалось всякое поверхностное украшательство. Учебные задания по конструированию строились с нарастанием сложности от проекта к проекту..

Большое внимание уделялось инженерно-техническим дисциплинам. Это проявлялось в проектировании многофункциональных, мобильных предметов. В целом создавалась новая методика обучения студентов в вузе, отличная от прежней, академической системы обучения, отвечающая требованиям современности и способная гибко реагировать на её изменения.

Художественная сторона творчества проявлялась как изобретательская деятельность, направленная на поиски оригинальной, функционально и технически оправданной конструкции.

В целом создавалась новая методика обучения студентов в вузе, отличная от прежней, академической системы обучения, отвечающая требованиям современности и способная гибко реагировать на её изменения.

 

12 ХРАМОВОЕ ЗОДЧЕСТВО РУСИ

Одним из сильнейших средств воздействия на чувства верующих является культовое по назначению зодчество. На Руси оно возникло после возникновения христианства и церковной организации. По мысли священнослужителей, «божьи дома» — церкви, соборы, монастыри, с их резко отличающимися от обычных архитектурой, внутренним убранством должны были способствовать утверждению веры, вызывать уважение и почитания как «святилища». И на их возведение не жалели средств, нередко используя талант и знания лучших зодчих, художников, народных умельцев. В результате нередко возникали подлинные шедевры зодчества, имеющие непреходящую художественную и историческую ценность.

Следует также отметить, что многие красивые и богатые храмы были созданы на народные деньги, пожертвованные церковной паствой, и строились артелями народных мастеров, а потому являются подлинными архитектурными и историческими памятниками русского народного зодчества.

Зодчество — это не только красота архитектурных памятников, оно всегда представляет собой единство качественно многообразных, несводимых друг к другу материальных и духовных явлений. Еще две тысячи назад римский теоретик зодчества Витрувий писал, что в архитектуре выступают в единстве «прочность, польза и красота». И все же на первое место должны быть поставлены функции религиозно-проповедческие и религиозно-обрядовые, культовые по своему основному историческому содержанию.

Строительство православных храмов в средневековой Руси началось с момента принятия христианства в 988 году и на первых порах велось под руководством мастеров, использовавших многовековые традиции византийского храмостроения. Восточная греко-православная церковь всегда отличалась наибольшей традиционностью. Религиозное по назначению искусство Византии, и в частности храмовое зодчество, было целиком подчинено строгим канонам, сформировавшимся тысячу лет назад.

Критерием каноничности любого произведения искусства считалась мера выражения в нем той или иной истиной вселенской церкви, причем это выражение, по мнению церковных сановников, не должно ни в какой мере зависеть от условий времени и места, то есть от конкретных исторических условий.

Требования культовых функций храмов состояли в том, что должна была быть обеспечена архитектурно-пространственная связь и в то же время проходить граница между сакральной частью храма (святилищем, алтарем) и местом, предназначенным для паствы; должно быть обеспечено место как для религиозной проповеди священнослужителя, так и для какого-либо приобщения к нему верующих, для групповых обрядов так и для индивидуальной молитвы.

Главной и изначальной функцией храма (по замыслам духовенства) было способствовать «спасению человека путем его единения с Богом, посредством приобщения к божественной благодати». В любой церкви, соборе необходимо было создать условия для единения каждой человеческой души с Богом так, чтобы храм в целом играл роль «вещественного знака присутствия духовного мира» для верующих.

Важнейшая мысль в христианском вероучении, воплощенная и в здании храма, и в процессе богослужения, — это разделение мира на видимый и невидимый, «мир дольний» и «мир горний». Это разделение необходимая предпосылка для основополагающей идеи христианства — о спасении человека. Это представление о двуединости мира непосредственно воплотилось во внутреннем строении раннехристианских базилик, а позднее и в византийских храмах, построенных по так называемой крестово-купольной системе. Эта сложившая и обработанная веками структура и была воспринята строителями первых церквей и соборов на Руси.

Самый обыкновенный православный храм в его наиболее каноническом варианте представляет собой четырехстолпное трехапсидное однокупольное здание. Квадратное в плане помещение разделено четырьмя столбами на девять ячеек, из которых пять (включая центральную, перекрытую куполом) образуют равносторонний крест (это и есть так называемая крестово-купольная ячейка, сложившаяся в византийской архитектуре в VII-IX веках). С восточной стороны добавлены чаще всего три полукружия, называемые апсидами, в среднем из них помещается алтарь. На линии восточной пары внутренних столбов в древнейших храмах располагалась невысокая стенка — алтарная преграда. Позднее она развилась в многоярусный иконостас, а центральная дверь превратилась в «царские врата».

Наличие этой определенно выраженной преграды, четко делящей пространство храма на две части, и составляет важнейшую особенность христианских культовых зданий. Пространство перед алтарной преградой символизирует «мир видимый», а позади нее — «мир горний»; по другому толкованию, передняя часть храма воплощает «видимое человеческое естество Христа», а в алтаре как бы пребывает Его «божественная сущность».

Средоточием алтарного пространства является собственно алтарь (престол), воздвигнутый на «горнем» (возвышенном) месте и увенчанный так называемым киворием — сенью, опирающейся на четыре колонки. В центре подкупольного пространства в византийских церквах находилась высокая кафедра — амвон (в русских храмах применялась переносная кафедра — аналой). Между этими двумя центрами — от алтаря до аналоя и обратно к алтарю — и разворачивается христианское богослужение — литургия, как показали исследования ученых, ведет свое происхождение непосредственно от античной греческой трагедии и унаследовала ее зрелищность, декламационный строй и насыщенность явными и символами. Уже даже в этом диапазоне культовые функции подразумевают наличие элементов функций общения, зрелищности, идейно-художественной выразительности.

Храмам фактически всегда были присущи функции хранилищ сокровищ — прежде всего «священных», поскольку считалось, верховная сила своими атрибутами имела не только всемогущество, но и изобилие, богатство (это и сияющее золотом и камнями убранство церквей, иконостасов и облачений священнослужителей). Впрочем, храмы служили местами хранения не только сакральных сокровищ, но и мирских. Богатейшими хозяйствами, накапливавшими нередко несметные сокровища, являлись монастыри.

На Руси, как правило, они представляли собой целые архитектурные ансамбли, куда входили наряду с культовыми сооружениями жилые здания, общественные и учебные помещения, множество хозяйственных служб. Фактически это были небольшие укрепленные города. Отсюда возникла и еще одна функция церквей и монастырей — как укрепленных и недоступных для врагов (иноземцев, иноверцев, мятежников и разбойников) мест.

В условиях постоянной угрозы нашей страны с востока, юга и запада русские православные монастыри становились укрепленными пунктами, крепостные стены которых были готовы отразить штурм. Таковы были монастыри вокруг Московского Кремля, сначала Никитский и Зачатьевский, Андроников, затем Страстной, Высоко-Петровский, Рождественский, Сретенский и др., равно как и мощная крепость — Троице-Сергиев монастырь, в начале XVII века в течение многих месяцев сдерживавшая осада иноземных захватчиков.

До XVII века на Руси не было традиций создания монументальной скульптуры для увековечивания исторических событий или памяти выдающихся деятелей. Роль таких памятников выполняли архитектурные сооружения и чаще всего — храмы. Таков, например, Троицкий собор Троице-Сергиевой лавры, возведенный как гробница сыгравшего огромную роль в истории нашей страны Сергия Радонежского. Это величественный мавзолей XV века, в котором все особенности архитектурного построения, включая наклонные стены, направлены на то, чтобы подчеркнуть монументальность, незыблемую, вечную устойчивость Руси.

Памятником своей эпохи является величественный башнеобразный объем церкви Вознесения в Коломенском. Здесь содержится композиция из нескольких столпообразных объемов, которую создадут четверть века спустя гениальные авторы Покровского собора на Красной площади в Москве. Ряд особенностей этих храмов: и затесненное внутреннее пространство, и отсутствие фресковых росписей, и относительно скромное убранство иконостасов — все говорит о том, что храмы эти созданы не только для молитв, но и как воплощение народной памяти.

И это вполне естественно. Например, Церковь Вознесения построена в связи с рождением наследника престола сына Василия III — будущего Ивана Грозного, а Покровский собор был призван увековечить своими башнями отдельные героические эпизоды взятия Казани. Обыкновенно каждый храм мемориального характера посвящался празднику того святого, в день поминовения которого произошло то или иное событие. И казанская победа молодого царя, совпавшая с днем Покрова пресвятой Богородицы, дополнила этот традиционный для Руси праздник патриотическим и государственным содержанием.

В образах храмов выражаются христианские символические идеи. Так в архитектуре православных храмов довольно часто встречаются попытки создать планировочное решение в форме креста; для православия обязательно и увенчание глав церкви крестами. Однако не всегда эти вытекающие из богословских постулатов символические планировочные решения и надглавные кресты получали именно художественное решение. Сильнее всего религиозная идеология выразилась в средневековых храмах готического стиля, в устремленных ввысь, и «дематериализованных» объемах которых очень рельефно и контрастно воплотилась идея величия бога и ничтожности распростертого «аки прах» человека.

Однако чаще всего в образности культовой архитектуры происходило невероятное, казалось бы, смешение небесного и земного, религиозных сюжетов и человеческих страстей. Вот поэтому наличествующие в культовой архитектуре религиозные идеи часто довольно уверенно и свободно перетолковываются на вполне светский, земной лад. Кроме того, в образном строе культовых сооружений зодчими (нередко с благословения самих священнослужителей) воплощались и вполне мирские, земные художественные идеи, формы, образы, отражавшие исторически сложившиеся общественные отношения своей эпохи и многообразные функции самих храмов.

Так, исключительно сильный образ храма Вознесения в Коломенском выражает и гражданские идеи возвышения Русского государства. Да и сам храм служил как бы тронным залом царя в его подмосковной усадьбе и даже местом, где он наблюдал военные игры. Жизнеутверждающий и оптимистический образ этого храма передает мощное и энергичное вознесение государственного могущества и народного патриотического духа, мужавшего в битвах и трудах Русского государства.

В культовой архитектуре всегда в большей или меньшей степени сказывается местные, областные, народные, национальные черты, уходящие корнями глубоко в толщу народного искусства, народной архитектуры. В архитектуре христианских стран в культовом зодчестве — особенно на ранних его этапах — проступает более или менее явственно народная основа. Здесь можно вспомнить символику и тематику резных белокаменных рельефов на стенах владимиро-суздальских храмов: рельефы очень далеки от требований христианского канона и воплощают некоторые живущие в народных массах представления о прекрасном.

Эти традиционно оберегаемые и исторически обогащаемые народные начала являются важным источником для создания высокохудожественных архитектурных образов. Достаточно вспомнить, какому решительному и смелому преобразованию подвергся в средневековой Руси византийский тип церковного здания. Сохранив его первоначальную конструктивную основу, русские зодчие придали своим постройкам совершенно неизвестное в византийской архитектуре высотное, башнеобразное построение (Пятницкая церковь в Чернигове) и создали монументальные многоглавые храмы  (Софийские соборы в Киеве и Новгороде), имеющие в целом пирамидальное построение, воплощающее идею органического роста, вертикального развития архитектурных форм. В дальнейшем русские мастера полностью отходят от византийской конструктивной схемы и создают необычно смелые по замыслу «небывалые допрежь того на Руси» произведения.

Уже к XVII веку, учитывая влияние народных вкусов, русская архитектура находит новые, небывалые сочетания многокупольных и шатровых покрытий, создавая целые ансамбли приходских и монастырских церквей, приделов и колоколен. Таковы поразительные по своей живописности ансамбли культовых зданий в Ярославле, например церковь Иоанна Златоуста в Коровниках или церковь Иоанна Предтечи в слободе Толчково. Жизнерадостный образ храма обогащается и цветными коврами изразцов, и причудливыми, почти фантастическими по разнообразию наличниками окон, и обрамлениями порталов из фигурного кирпича и резных белокаменных деталей.

Сказочное богатство форм, любовь к расцвеченному, непростому, замысловатому — это черты живого народного творчества, своеобразно сказавшиеся в церковном строительстве на Руси.

И в завершение, уместно привести слова академика И.Э.Грабаря: «Подводя итоги всему, что сделано Россией в области искусства, приходишь к выводу, что это по преимуществу страна зодчих. Чутье пропорций, понимание силуэта, декоративный инстинкт, изобретательных форм — словом, все архитектурные добродетели встречаются на протяжении русской истории так повсеместно и постоянно, что наводят на мысль о совершенно исключительной архитектурной одаренности русского народа».

13 Органический дизайн

Органическая архитектура — течение архитектурной мысли, впервые сформулированное Луисом Салливеном на основе положений эволюционной биологии в 1890-е гг. и нашедшее наиболее полное воплощение в трудах его последователя Фрэнка Ллойда Райта в 1920-е — 1950-е гг.

В противоположность функционализму, органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт. Сторонник идеи непрерывности архитектурного пространства, Райт предлагал подвести черту под традицией нарочитого выделения здания и его составных частей из окружающего мира, доминировавшей в западной архитектурной мысли со времён Палладио. По его мнению, форма здания должна каждый раз вытекать из его специфического назначения и тех уникальных условий среды, в которых оно возводится.

В практическом плане, спроектированные Райтом «дома прерий» служили естественным продолжением окружающей природной среды, подобно эволюционной форме естественных организмов. Наиболее влиятельным представителем органической архитектуры в Европе был финн Алвар Аалто. Индивидуализм органической архитектуры неизбежно вступал в противоречие с потребностями современного урбанизма, и неудивительно, что основными памятниками этого направления были загородные особняки. В 1950-е гг. и Аалто и Райт стали отходить от органической архитектуры и проектировали здания в интернациональном стиле.

Всплеск интереса к органической архитектуре в начале XXI века связан со становлением эстетики био-тека, которая, в отличие от Райта, признаёт возможность и значимость прямых внешних аналогий архитектурных форм с формами органической природы.

ОРГАНИ́ЧЕСКАЯ АРХИТЕКТУ́РА" (от позднелат. organizmo — "устраиваю, придаю стройный, естественный, природный вид"; см. архитектура) — течение в американской, а затем и в западноевропейской архитектуре начала и середины XX в., мастера которого стремились противопоставить свое творчество обезличенному "интернациональному стилю" Л. Мис Ван дер Роэ (см. функционализм). Основной принцип "органической архитектуры" — биоморфизм, уподобление художественных форм природным, естественным объектам. Теоретическая основа — бионика. Художественные предпосылки "органической архитектуры" складывались постепенно, в искусстве Модерна рубежа XIX—XX вв., в его флореальном течении (франц. floreal — "растительный, цветущий"). Мастера Модерна А. Ван де Велде, Х. Обрист, В. Орта, Э.-Ж. Гимар впервые стали применять в архитектуре и изделиях прикладного искусства "органогенные" формы (от франц. organique — "естественный, природный" и греч. genos — "происхождение"; см. т. 5, рис. 460—468). Флореальные мотивы использовал в своих мистических архитектурных композициях А. Гауди (см. "каталонский модернизм"). Идеи новой "органической архитектуры" развивал в США архитектор Луис Салливан (см. чикагская школа). Учеником Салливана был выдающийся американский архитектор Франк Ллойд Райт (1867—1959). Одним из первых Райт попытался отойти от функционализма "интернационального стиля" и проектировать здания, уникальность, неповторимость которых диктуется особенностями окружающего пейзажа (см. также новый экспрессионизм; сравн. конструктивизм). В связи с возникновением течения "органической архитектуры" немецкий теоретик З. Гидион писал: "На протяжении всей истории архитектуры существуют две разные тенденции: одна, развивающаяся в сторону рационального, другая в сторону эмоционального и органического восприятия окружающей среды. Таковы два различных пути к решению пространства. Эти разные подходы к проблеме встречаются во всех культурах. С начала цивилизации имелись города, которые планировались по правильно разработанной схеме, и другие, которые разрастались органически, как деревья. Даже в современной живописи и архитектуре существует разница между органическим и геометрическим восприятием. Ни одно из них не может считаться лучше другого. Художник имеет право выбора"¹ (см. геометрический стиль; "гипподамова система"; рационализм; "регулярный стиль"; супрематизм). "С самого начала, — писал далее Гидион, — восприятие Райта было органическим. На протяжении всего творческого пути Райт пытался выразить свое мировоззрение в „органической архитектуре“, как он ее называл". В книге "Исчезающий город" (1932) и в утопическом проекте нового города (1935) Ф. Л. Райт выдвинул идею дезурбанизма (франц. desurbanisme от des — "от, против" и лат. urbanus — "городской") — рассредоточение города в сельской местности (сравн. урбанизм; футурологическое проектирование). В отношении композиции отдельного здания на примере проектирования частных вилл архитектор Райт стремился выразить различия между эстетикой открытой конструкции и художественным образом сооружения, смысл которого раскрывается в тропах — метафорах, уподоблениях искусственных форм природным (см. также ордер). Райт использовал окружающий пейзаж не только в качестве фона, вида за окном, но и вводил его внутрь архитектуры, как, например, фрагмент естественной скалы в знаменитой "вилле над водопадом" («Fallingwater"; рис. 482, 483). В центре дома он помещал камин — традиция первых американских поселенцев, но каждый раз особенный по конструкции и связи с интерьером. План дома — свободный, чаще на нескольких уровнях по высоте, причем он не проявлялся на внешнем облике здания и был как бы секретом хозяина. Даже в ранних проектах высотных зданий (см. небоскребы) Ф. Л. Райт сосредоточивал всю тяжесть сооружения на массивных центральных опорах, а затем "завешивал" несущую конструкцию паутиной из бронзы и стекла. Это противоречило формуле чикагской школы архитектуры: форма определяется функцией, но, по мнению архитектора, уподобляло несущую конструкцию здания стволу дерева, а его оболочку — лиственному покрову. Функцию Райт понимал не в утилитарном смысле, называя ее "функцией человеческого духа". В зданиях, созданных по проектам Р. Нейтра, Ф. Джонсона, Ч. Имса, испытавших воздействие идей Райта, стенами иногда в буквальном смысле становятся лес, небо и вода, поскольку еле заметная несущая конструкция ограничена прозрачным стеклом. В этом усматривают также влияние традиционной архитектуры Японии. В "органической архитектуре" выразительно сочетаются качества естественных, природных материалов: грубо обработанного камня, дерева, кирпича, красной меди. Райт, связывая постройку с окружающим ландшафтом, никогда не строил дом на вершине холма, только на склоне, по его словам, "огибая вершину, как бровь огибает глаз" (сравн. Китая искусство). Архитектор говорил: "Если мы ставим дом на вершине горы, то зрительно уничтожаем и дом и вершину, а если на склоне — имеем и то и другое". На первом этапе развития "органической архитектуры" здание часто понимали, используя определение Й. В. Гёте, как "простое подражание природе" (см. стиль). В отдельных случаях искусственные сооружения напоминают раковину улитки или пчелиный улей. Такова одна из наиболее известных работ Райта — здание Музея Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке (рис. 484). Со временем принципы формообразования "органической архитектуры" стали приобретать стилеобразующий характер, определяя особенную непрерывность, текучесть архитектурного пространства. Райт писал: "Во имя выразительного течения непрерывной поверхности нужно совсем отказаться от балок и колонн, нагроможденных в качестве „сочленений“. Никаких карнизов. Никаких „деталей“, выполняющих роль соединений. Ничего. Не иметь абсолютно никаких придатков типа пилястр, антаблементов и карнизов. И не вводить в здание никаких соединений как „соединений“. Ликвидировать разделение и разделительные швы"². Концепция непрерывности и пластичности придавала новой архитектуре не только "органичность" и живописность, но и символичность, включая это течение в русло романтического искусства (рис. 485). Символическое начало "органической архитектуры" развивал Р. Штайнер (см. Гётеанум; см. также неопластицизм). Приемы "органической архитектуры" использовал финский архитектор Алвар Аалто (1898—1976). В 1945 г. в Италии была создана Ассоциация органической архитектуры. К мастерам "органической архитектуры" близки экспрессионисты Э. Мендельсон, Э. Сааринен, Х. Шарун, Ф. Шеллкопф. Произведения мастеров поколения 1970-х гг. граничат с сюрреализмом (см. также лэнд-арт; экология искусства).

Органический дизайн, биоморфизм (стиль)

Основная концепция стиля биоморфизм – подражание природным формам и преимущественное использование натуральных материалов. Он зародился в рамках стиля модерн в начале XX века. Его основоположником в архитектуре считают американского архитектора Фрэнка Ллойда Райта (Frank Lloyd Wright). Биоморфизм достиг расцвета к 1950-м годам. В тот период в качестве ярких его представителей можно назвать Ээро Сааринена (Eero Saarinen), Чарльза и Рэй Имз (Charles and Ray Eames).

Главной идеей этого направления являлось создание максимально комфортной (в том числе с психологической точки зрения) среды обитания для человека. Этому должно было способствовать органическое сочетание здания и окружающей его природы, а также соответствие интерьера и предметов, находящихся внутри, внешней композиции дома. Эти условия возможно было выполнить только при индивидуальном проектировании, поэтому характерной для органического дизайна формой жилой архитектуры становится частный особняк, расположенный в «зеленой зоне». Если дом находился в черте города, то стены, обращенные на улицу, обычно делали глухими или с узкими окнами под потолком, чтобы исключить контакт с городской средой. В строительстве применялись традиционные материалы (камень, кирпич, дерево), приветствовалось совпадение фактур конструкций на фасаде и в интерьере (например, неоштукатуренная кирпичная кладка). Крыша, как правило, была из дерева, плоской или очень пологой, с наружным водостоком и большим свесом. Это не только предотвращало попадание дождевой воды на стены, но и обеспечивало надежную солнцезащиту.

Панорамное остекление части дома, выходящей в сад — один из основных приемов этого архитектурного стиля. 

Для внутренней планировки дома характерным являлось отделение интимной зоны (спальня, ванная, туалет) от общей (холл и кухня). Внутреннее пространство проектировалось «перетекающим» во внешнее: стены общих комнат, а иногда и спален делали полностью стеклянными, с дверьми, ведущими на открытую террасу или в сад. Подобный принцип использовался и при создании интерьера: стационарные перегородки между холлом, общей комнатой и столовой зачастую отсутствовали.

Мебель также изготавливалась из натуральных материалов (дерево, кожа, гнутая древесина) или из новейших высокотехнологических пластиков. Яркими примерами органического дизайна могут служить кресло «Тюльпан» (Tulip Chair), напоминающее бутон этого цветка на ножке (Ээро Сааринен), и стул из пластмассы, повторяющий форму человеческого тела (Чарльз и Рэй Имз).