Эллинизм

Можно выделить 3 периода эллинизма как целостной системы: 1) 334—281 гг. до н. э.— образование империи Александра Македонского и ее распад в результате войн диадохов; 2) 280 г. до н. э.— середина II в. до н. э.— период зрелости эллинизма развивался в последнее столетие существования. 3) Середина II в. до н. э. — 30 г. до н.э. — период упадка эллинизма и его гибели.

5. Искусство греческой архаики – рождение архитектуры (ордер), монументальная скульптура.

Архитектура

Архаика — время сложения монументальных изобразительных и архитектурных форм. В эпоху Архаики сложились дорический и ионический архитектурные ордера.

Согласно наиболее распространенной периодизации историю греческого изобразительного искусства и архитектуры V в. принято делить на два больших периода: искусство ранней классики, или строгого стиля, и искусство высокой, или развитой, классики. Граница между ними проходит примерно в середине века, однако границы в искусстве вообще довольно условны, и переход из одного качества в другое происходит постепенно и в разных сферах искусства с различной скоростью. Это наблюдение верно не только для рубежа между ранней и высокой классикой, но и между архаическим и раннеклассическим искусством.

Скульптура

В эпоху архаики формируются основные типы монументальной скульптуры — статуи обнажённого юноши-атлета (курос) и задрапированной девушки (кора).

Скульптуры изготавливаются из известняка и мрамора, терракоты, бронзы, дерева и редких металлов. Эти скульптуры — как отдельно стоящие, так и в виде рельефов — использовались для украшения храмов и в качестве надгробных памятников. Скульптуры изображают как сюжеты из мифологии, так и повседневную жизнь. Статуи в натуральную величину неожиданно появляются около 650 г. до н. э.

6. Характер искусства греческой классики и его основные достижения. Акрополь в Афинах.

Классический период (5 в. до н.э.— сер.4. в. до н.э)Почти все постройки в этом периоде — дорического стиля, сначала тяжёлого и малоизящного, но потом делающегося более лёгким, смелым и красивым. Из храмов этой эпохи, находившихся в самой Греции, можно указать на храм Геры в Олимпии, храм Зевса в Афинах. Дорический стиль, продолжая быть господствующим, делается легче в своих формах и смелее в их сочетании, ионический же стиль входит все в большее и большее употребление, и, наконец, постепенно получает право гражданства и стиль коринфский. В собственной Греции храмы становятся более благородными и гармоничными как по общему своему характеру, так и по пропорциональности отдельных частей; в малоазийских колониях зодчие заботятся о роскоши материала, форм и украшений; Вместо известкового камня и песчаника для построек употребляется мрамор, доступный более тонкой обработке и потому способствующий большей деликатности и изяществу орнаментировки.Акрополь-Первые укрепления на скалистом отроге площадью 300 м на 130 м, поднимающемся на окраине Афин, появились ещё задолго до наступления классического периода. Уже во времена архаики здесь располагались величественные храмы, скульптуры, различные предметы культа. Акрополь также называют «Кекропия» (Cecropia) или «Кекропс» (Kekrops) — в честь Кекропса, который по легенде был первым царем Афин и основателем Акрополя.[1]В микенский период (XV—XIII вв. до н. э.) являлся укрепленной царской резиденцией. В VII—VI вв. до н. э. в Акрополе велось большое строительство. При тиране Писистрате (560—527 гг. до н. э.) на месте царского дворца был построен храм богини Афины Гекатомпедон (то есть храм длиною в сто шагов; сохранились фрагменты скульптур фронтонов, выявлен фундамент). В 480 году до н. э. во время греко-персидских войн храмы Акрополя были разрушены персами. Жители Афин дали клятву восстановить святыни только после изгнания врагов из Эллады.В 447 году до н. э. по инициативе Перикла на Акрополе началось новое строительство; руководство всеми работами было поручено знаменитому скульптору Фидию, который, видимо и явился автором проекта, лёгшего в основу всего комплекса, его архитектурного и скульптурного облика. Над созданием ансамбля Акрополя работали также зодчие Калликрат, Иктин, Мнесикл, Архилох и другие[2].

В V веке Парфенон стал церковью Богоматери, статуя Афины Парфенос была перевезена в Константинополь. После завоевания Греции турками (в XV веке) храм превратили в мечеть, к которой пристроили минареты, затем — в арсенал; Эрехтейон стал гаремом турецкого паши, храм Ники Аптерос был разобран, из его блоков сложена стена бастиона. В 1687 году после попадания ядра с венецианского корабля взрыв уничтожил почти всю центральную часть храма Афины — Девы, при неудачной попытке венецианцев снять скульптуры Парфенона несколько статуй были разбиты. В начале XIX века лорд Элджин выломал ряд метоп, десятки метров фриза и почти все сохранившиеся скульптуры фронтонов Парфенона, кариатиду — из портика Эрехтейона.

В 1827 году во время обороны Акрополя греческими повстанцами от турецкого пушечного ядра сильно пострадал храм Эрехтейон. Предыдущие попытки турок взорвать Акрополь с помощью подкопов сорвал греческий сапёр Хормовитис, Костас, имя которого дано одной из центральных улиц.

После провозглашения независимости Греции в ходе реставрационных работ (в основном в конце XIX века) по возможности был восстановлен древний облик Акрополя: ликвидирована вся поздняя застройка на его территории, заново выложен храм Ники Аптерос и т. п. Рельефы и скульптуры храмов Акрополя находятся в Британском музее (Лондон), в Лувре (Париж) и Музее Акрополя. Остававшиеся под открытым небом скульптуры сейчас заменены копиями.

7. Развитие греческой скульптуры. Мирон. Поликлет. Фидий. Скульптура поздней классики и эллинизма.

КЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД (V-IV век до н. э.).

Одной из выдающихся фигур среди скульпторов этого периода можно назвать Пифагора Регийского (480 -450гг.). Именно он придал своим творениям жизни и сделал их более реалистичными, хотя некоторые его работы и считались новаторскими и чересчур смелыми (например, статуя под названием Мальчик, вынимающий занозу). Необыкновенный талант и живость ума позволили ему заняться исследованиями смысла гармонии при помощи алгебраических методов расчета, которые он проводил на базе основанной им же самим философско - математической школы. Используя такие методы, Пифагор исследовал гармонии различной природы: музыкальную гармонию, гармонию человеческого тела или архитектурного сооружения. Пифагорова школа существовала по принципу числа, которое считалось основой всего мира.

Кроме Пифагора классический период дал мировой культуре таких именитых мастеров, как Мирон, Поликлет и Фидий, творения которых объединял один принцип: отображение гармоничного сочетания идеального тела и заключенной в нем не менее прекрасной души. Именно этот принцип и лег в основу создания скульптур того времени.

Работы Мирона оказали большое влияние на образовательное искусство V века в Афинах ( достаточно упомянуть его знаменитый бронзовый Дискобол).

В творениях Поликлета воплотилось мастерство которого состояло в умении придать равновесие фигуре человека,стоящего на одной ноге с поднятой вверх рукой(примером может служить статуя Дорифора-юноши-копьеносца). В своих работах Поликлет стремился сочетать идеальные физические данные с красотой и духовностью. Это стремление вдохновило его на написание и издание собственного трактата Канон, который, к сожалению, до наших дней не сохранился. Фидия можно по праву назвать великим творцом скульптуры V века, ведь он сумел в совершенстве овладеть искусством литья из бронзы. 13 скульптурных фигур, отлитых Фидием, украсили Дельфийский храм Аполлона. К числу его работ относится также двадцатиметровая статуя Афины Девы в Парфеноне, выполненная из чистого золота и слоновой кости (такая техника исполнения статуй получила название хризо-элефантинной). Настоящая же известность пришла к Фидию после создания им статуи Зевса для храма в Олимпии (ее высота составляла 13 метров).

ПЕРИОД ЭЛЛИНИЗМА. (IV-I век до н. э.).

Скульптура в данный период развития древнегреческого государства по-прежнему имела основным своим предназначением украшение архитектурных сооружений, хотя в ней находили отражение изменения, происходившие в государственном управлении. Кроме того, в скульптуре, как одном из ведущих видов искусства, возникло множество школ и направлений.

Заметной фигурой среди скульпторов данного периода стал Скопас. Его мастерство воплотилось в эллинистической статуе Ника Самофракийская, так названной, в память о победе Родосского флота в 306 год до нашей эры и установленной на пьедестале, который по конструкции напоминал корабельный нос. Образцами творений скульпторов этой эпохи становились классические образы.В скульптуре эллинизма четко просматривается так называемая гигантомания (стремление воплотить желаемый образ в статуе огромных размеров): ярким примером тому может служить статуя бога Гелиоса из позолоченной бронзы, которая возвысилась на 32 метра у входа Родосской гавани. Над этой скульптурой двенадцать лет, не покладая рук, работал ученик Лисиппа - Харес. Данное произведение искусства по праву заняло почетное место в списке Чудес Света. После захвата Древней Греции римскими завоевателями многие произведения искусства ( в том числе и многотомные собрания императорских библиотек, шедевры живописи и скульптуры) были вывезены за ее пределы, кроме того, в плен были захвачены многие представители из области науки и образования. Таким образом, в культуру Древнего Рима вплелись и оказали значительное влияние на ее дальнейшее развитие элементы культуры греческой.Разные периоды развития Древней Греции, безусловно, внесли свои коррективы в процесс формирования такого вида изобразительного искусства, антиквариата, как скульптура, но мастеров всех временных промежутков объединяло одно: любовь к выражению пластики человеческого тела посредством различных приемов, стремление к постижению пространственности в искусстве. Материалом для создания фигур зачастую служил мрамор, несмотря на его хрупкость, так как только в мраморе можно было передать всю изящность и красоту человеческого тела. Именно поэтому бронза, хотя и считалась материалом гораздо более благородным и надежным, использовалась значительно реже.

Известны не только анонимные произведения V в. до н. э. В это время в Афинах работали скульптуры Фидий, Мирон и Поликлет. Многие статуи их дошли до нас лишь в римских мраморных копиях I—II в. н. э. Наиболее известен среди работ Мирона из Элевтер «Дискобол» (около 460—450 гг. до н. э.), изображающий атлета в момент наивысшего напряжения перед броском диска. Мирону первому удалось передать в статичном искусстве живость движения, внутреннее напряжение фигуры. В другом произведении — «Афина и Марсий», исполненном для афинского акрополя, лесное существо Марсий выбирает музыкальный инструмент среди разбросанных у его ног, рядом стоит взирающая на него с гневом Афина. Обе фигуры объединены действием. Интересно отметить, что, хотя Марсий выступает здесь как существо, выражаясь современным языком, отрицательное, лишь в его неправильном лице подчеркивается отсутствие совершенства, тело же его идеально прекрасно.Поликлет из Аргоса работал уже в период высокой классики, в середине и второй половине V в. до н. э. Он создал тот обобщенный художественный образ атлета, который стал нормой и образцом. Им был написан теоретический трактат «Канон» (мера, правило), где скульптор точно рассчитал размеры частей тела исходя из роста человека как единицы измерения (например, голова — 1/7 к росту, лицо и кисть руки — 1/10, ступня — 1/6 и т. д.). Свой идеал он выразил в сдержанно-мощных, спокойно-величественных образах «Дорифора» (Копьеносца; 450—440 гг. до н. э.), «Диадумена» (ат‑­лета, увенчивающего свою голову победной повязкой, около 420 г. до н. э.) и «Раненой амазонки», предназначавшейся для знамени‑­того храма Артемиды в Эфесе. Поликлет воплотил в своих статуях прежде всего образ идеального свободнорожденного гражданина полиса, города-государства Афин.Третьим величайшим скульптором V в. до н. э. был уже упомя‑­нутый афинянин Фидий. В 480—479 гг. персы захватили и разгра‑­били Афины и основные святилища на Акрополе. Среди развалин священного храма Фидий создал семиметровую бронзовую статую Афины-воительницы, Афины-Промахос, с копьем и щитом в руках, как символ возрождения города, его мощи и непримиримости к врагам. Как и все последующие ‑­работы Фидия, статуя погибла (она была уничтожена крестоносцами в Константинополе в XIII в.).Около 448 г. до н э. Фидий выполнил 13-метровую статую Зевса для храма Зевса в Олимпии Лицо, руки и тело бога были выложены пластинками слоновой кости на деревянной основе, глаза из дра‑­гоценных камней, плащ, сандалии, оливковые ветви на голове, волосы, борода — из золота (так называемая хрисоэлефантинная техника). Зевс восседал на троне, держа в руках скипетр и фигуру богини победы. Скульптура пользовалась огромной славой, но и она погибла в V в. н. э.

8. Искусство Древнего Рима и его отношение к греческому искусству. Своеобразие римского искусства. Этапы развития.

С конца 1 в. до н. э. ведущее значение в античном мире приобретает римское искусство. В это время Рим становится мировой державой. Кризис рабовладельческой системы эллинистических государств, завершившийся римским завоеванием, привел к образованию более развитой формы рабовладельческого государства — римской военно-административной державы, основанной на более организованной и жестокой эксплуатации рабов и низших классов населения. Римское государство не было однородным по составу населения: в нем обитало множество племен и народов, стоявших на различном уровне социального и экономического развития, и это определило многие особенности римской культуры.Римское искусство, явившееся последним этапом развития искусства античного рабовладельческого общества, было результатом творческой деятельности не только римлян. Оно сложилось в результате взаимодействия искусства местных италийских племен и народов, в первую очередь—этрусков, с греческим искусством. Связь с греческим искусством осуществлялась сначала через Великую Грецию (греческие города-колонии на юге Италии и в Сицилии), затем она значительно усилилась в результате завоевания Греции Римом.В дальнейшем некоторое значение в сложении римского искусства имело и искусство народов, вошедших в состав Римской империи, — галлов, германцев, кельтов, иберов и др., причем римское искусство и в этом случае не утрачивало своих наиболее существенных особенностей; вбирая в себя иногда очень разнородные элементы, оно сохраняло свое идейное содержание и единство художественной формы.

На форуме Романум во второй половине 1 в. до н. э. Юлием Цезарем была построена базилика Юлия (крупное административно-судебное здание) — вторая по размеру в Риме. Римское изобразительное искусство формировалось в тесном взаимодействии и под влиянием этрусского и греческого искусства, но не следовало всецело по чужому пути, а выработало свои характерные особенности. В Риме получил доминирующее значение портрет, и именно в нем, особенно в скульптурном, проявилось своеобразие римского искусства. В Риме рано развивается станковая картина повествовательного характера, рассказывающая о конкретных событиях. Большое распространение получила и стенная декоративная живопись, частью которой являлась и тематическая картина. Типичен для Рима был также исторический повествовательный рельеф.

Капитолийская волчица. Древнейшим произведением первых десятилетий республики является знаменитая бронзовая Капитолийская волчица, памятник, ставший на долгие века символом Рима (Рим, Капитолийский музей). Превосходная техника бронзового литья и характер трактовки животного говорят, что это — работа этрусских мастеров.

Портрет. Скульптурных портретов от конца 2 в. до н. э. сохранилось очень немного. Примером портрета 3 в. до н. э. может служить портрет из гробницы «Сципиона», так называемый портрет поэта Эния (Рим, Бельведер). Мало индивидуализированный, недостаточно пластически проработанный бюст еще довольно молодого мужчины в венке далек от индивидуализированного этрусского портрета и психологического греческого. Характерным для республиканского портрета являются небольшие размеры бюста, захватывающего половину плечей и срезанного прямо под ключицей.

Согласно сложившемуся культу предков, знатные римляне чтили умершего. Они заказывали скульптурные изображения покойного и хранили такой портрет дома в особых шкафах. Изображения умершего делались из глины, дерева, легкого камня, реже из бронзы и воспроизводили только голову, часто далекую от портретного сходства. С конца 2 в. до н. э. в Риме входит в обычай снимать с лица покойного восковую маску, по которой делалась отливка, точно передающая черты умершего. Прием снятия маски римляне переняли из Греции, где он распространился в эпоху эллинизма. Маски для греческого скульптора были лишь подсобным материалом при создании портрета. Римские же мастера, работающие над портретом в мраморе или бронзе, точно следовали отливке, ничего не изменяя, сохраняя все мелкие подробности лица. По существу, их задача сводилась лишь к тому, чтобы «открыть» глаза и добавить к маске затылок, который, как следует заметить, обрабатывался в виде ровного полушария, без выявления структуры черепа и его индивидуальных форм.

Как бы ни были разнообразны индивидуальные внешние черты в подобных портретах, все они объединяются характером художественной трактовки. Выражение лица всегда мертвенно спокойно, на гладком лбу проложены тонкие морщины, взор безжизнен, рот сжат, резко обозначены скулы, сильно натянута кожа на щеках, от носа к концам губ идут резкие глубокие складки, волосы коротко подстрижены и плотно прилегают к черепу; голова совершенно прямо поставлена, иногда чуть-чуть откинута. Моделировка жесткая, малопластичная, складки кожи переданы гравированными линиями.

Портреты этой группы преследуют одну цель — как можно точнее передать физиономические особенности изображаемого лица (например, мужской портрет Эрмитажа).Портреты республиканского времени изображают почти исключительно мужчин и, как правило, очень пожилого возраста. Портретные изображения женщин, юношей и детей можно встретить на надгробных стелах. Семейная стела (Рим, Ватикан) изображает поясные бюсты мужа, жены и мальчика-сына. Лица отца и сына выдержаны в духе портретов, сделанных по заупокойной маске, лицо жены более живо. В женском образе ярко проявилась характерная особенность римского искусства: отсутствие всякой идеализации, протокольная передача всех деталей. Это — результат известного влияния этрусского искусства.Воздействие греческого искусства обнаруживается в тонкости обработки поверхности мрамора, в той живой одухотворенности, которая присуща некоторым портретам, например женскому портрету из эрмитажного собрания.В результате близкого соприкосновения с Египтом, особенно со времени Юлия Цезаря, республиканский портрет 1 в. до н. э. начинает испытывать влияние позднеегипетских портретов. Египетские мастера, работая в базальте, обрабатывали его поверхность крупными гладкими плоскостями. Мраморные римские портреты повторяют эту скульптурную технику (например, портрет в Эрмитаже в Ленинграде).С развитием общественной жизни, с ростом значения полководца-завоевателя, государственного деятеля, законодателя появляется в Риме почетная статуя римлянина, закутанного в тогу («тогатус»). Большой широкий плащ-тога одет поверх туники и драпируется всегда одинаково. Перекинутая через плечо тога образует три группы округлых складок: на груди у пояса, у колен и внизу. По этой схеме тога расположена на статуе римлянина с портретами предков в руках (Рим, Палаццо Барберини). Такая же драпировка сохраняется и на статуях 1—2 вв. н. э.Композиционно статуи «тогатуса» очень просты. Это прямо стоящая фигура с опорой на одну ногу и со слегка отставленной другой; общая плоскостность построения не нарушается легким движением рук. В развитии римского искусства, в частности портрета, и в республиканскую эпоху, и в более поздние периоды можно видеть различные художественные течения. Вкусы римских заказчиков были разнообразны, одни придерживались традиционного физиономического портрета, другие — почитатели греческой культуры и искусства — брали за образец греческие произведения.Рельеф Агенобарба. Интересным памятником 1 в. до н. э. является рельеф, украшавший алтарь, который был сооружен в Риме у храма Нептуна консулом Домицием Агенобарбом. Одна часть рельефа, изображающая Посейдона, Амфит-риду, морских нимф на тритонах и морских быках, воспроизводит отдельные группы знаменитой многофигурной скульптурной композиции Скопаса. Другая часть украшения алтаря выполнена совершенно в ином стиле. Это типичная римская картина повествовательного характера, где изображен Агенобарб дважды: один раз раздающим награды ветеранам и другой раз приносящим жертву у алтаря в присутствии бога Марса.

9. Скульптура из металла. Особенности стилистики и функционирования

Я ничего не нашёл спросим у девчёнок.

10. Живопись в ряду других видов изобразительного искусства. Общее и особенное. Подумайте, почему Леонардо да Винчи назвал именно живопись «божественным искусством»?

Жи́вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую поверхность.

Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности."На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека".

Марина — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид[6], а также сцену морского сражения или иные события, происходящие на море. Является разновидностью пейзажа. В качестве самостоятельного вида пейзажной живописи марина выделилась в начале XVII века в Голландии.

Истори́ческая жи́вопись — жанр живописи, берущий своё начало в эпоху Ренессанса и включающий в себя произведения не только на сюжеты реальных событий, но также мифологические, библейские и евангельские картины. Изображает важные для отдельного народа или всего человечества события прошлого.

Бата́льная живопись — жанр изобразительного искусства, посвящённый темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий.

Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. Зародился в 15 — 16 веках, но как самостоятельный жанр оформился только в 17 веке в творчестве голландских и фламандских художников. С тех пор является важным жанром в живописи, в том числе и в творчестве русских художников.

Жанровая живопись является частью бытового жанра в изобразительном искусстве. Бытовые сцены с древности были предметом живописи, однако как отдельный жанр жанровая живопись сложилась лишь в средневековье, получив особенно сильное развитие в эпоху социальных перемен Нового времени.

Архитектурная живопись - живопись, главной темой которой был не природный, а архитектурный ландшафт. Включает в себя не только изображение архитектурных сооружений, но и изображение интерьеров.

В мастерской Вероккио, Леонардо получает возможность проявить себя в качестве художника: учитель позволяет ему написать лицо ангела для знаменитого «Крещения Христа». Маленький, одетый в голубое ангел, по существу, известил Флоренцию о том, что появился новый гений. Верроккио, согласно изложению Вазари, был ошеломлен, так как воочию столкнулся с явлением, пришедшим из неведомого будущего. Однако не только ангелом возвестил о себе Леонардо - он сделал это также с помощью изображения заднего фона "Крещения", в котором туманная, таинственная глубина предвосхищает то удивительное, что будет создано им в "Моне Лизе" и в "Мадонне с младенцем и святой Анной". Естественность движения, плавность линий, мягкость светотени – отличает фигуру ангела от более жесткого письма Верроккьо. Учитель заявляет, что "ученик превзошел своего учителя! и с этих пор изображение всех лиц, поручается исключительно Леонардо да Винчи".

Леонадро удается в совершенстве освоить множество техник исполения картин. Для создания своих произведений он использует такие приемы и техники, как итальянский и серебряный карандаш, сангино, перо. Звание мастера живописи Леонардо получил 1472 году, поступив в гильдию художников Святого Луки, но до 1476 года оставался жить у учителя Верроккьо, чтобы уделить больше времени скульптуре и другим проектам. Уже в возрасте 24 лет Леонардо решает открыть собственную мастерскую.Сохранились две картины, написанные Леонардо в мастерской Верроккьо, но заказанные персонально ему: "Благовещение" и "Мадонна с гвоздикой".

Вычитаете это будет ответ. Здесь можно понять почему он так говорил.

11. Материалы и техники живописи.

Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.

Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.

Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.

Живопись встречается и соседствует с пластическими искусствами, в том числе с архитектурой, скульптурой; она может участвовать в формировании искусственной и природной среды.

Живопись, как и другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспективы. Но её визуальный и к тому же цветовой аспект (глаз воспринимает в одно мгновение практически бесконечную информацию) обуславливает исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств.

12. Акварель, пастель, гуашь. Графическое и живописное в стилистике произведений.

Пастель [-тэ́-] (от лат. pasta — тесто) — группа художественных материалов, применяемых в графике и живописи (согласно современной музейной классификации, работа пастелью на бумаге относится к графике). Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму круглых брусков или брусков с квадратным сечением.

Пастель бывает трех типов — «сухая», масляная и восковая. Масляная пастель производится из пигмента с льняным маслом путем прессовки. Аналогично производится «сухая» пастель, за тем исключением, что не используется масло. Основу замеса восковой пастели составляют воск высшего качества и пигменты. Масляная пастель считается материалом учебным, в то время как её сухой аналог используется как в учебных целях, так и в чисто художественных. В технике «сухой» пастели широко используется приём «растушёвки», что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета.

Существует 2 основных вида сухой пастели: твердая и мягкая. Мягкие пастели состоят в основном из чистого пигмента, с небольшим количеством связующего вещества. Подходят для широких насыщенных штрихов.Твердые пастели реже ломаются, так как содержат большее количество связующего вещества. И прекрасно подходят для рисунка, ведь сторону палочки можно использовать для тона, а кончик для тонких линий и проработки деталей.

Для рисования пастелью нужна фактурная поверхность, которая будет удерживать пигмент. Рисунки пастелью обычно выполняются на цветной бумаге. Тон бумаги подбирается индивидуально, учитывая задачи рисунка. Белая бумага мешает оценить насыщенность главных цветов.

Есть три типа бумаги для пастели: наждачная бумага – предназначена для художественных работ, продаётся в листах большого формата; пастельная доска – выполняется из крошечных частиц пробки; бархатная бумага – имеет бархатистую поверхность. Бархатная бумага позволяет использовать в работе минимальное количество фиксажа. Также можно использовать бумагу для акварели, при необходимости тонируя её с помощью чая или кофе.

Для защиты пастельного рисунка от смазывания и осыпания его надо зафиксировать. Для этого подойдет обычный лак для волос или специальный фиксатор. Будет достаточно пары легких распылений. Зафиксированный рисунок слегка теряет свою пастельность, цвета становятся более глубокими.

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности) .

Основой для акварели является, как правило, бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Собственно говоря, именно в этом заключается наиболее распространённое современное понимание акварельной техники. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Гуа́шь (фр. Gouache, итал. guazzo водная краска, плеск) — вид клеевых водорастворимых красок, более плотный и матовый, чем акварель.

Термин первоначально возник в XVIII веке во Франции, хотя техника создания этой краски значительно старше — она использовалась в Европе в средние века.

Гуашью выполнялись книжные миниатюры уже в Средние века, обыкновенно в комбинации с акварелью. В эпоху Возрождения художники применяли технику гуаши для эскизов, картонов и других подготовительных работ, а также для портретных миниатюр. Расцвет техники гуаши приходится на конец XIX — начало XX в. В России художники объединения «Мир искусства» писали гуашью большие станковые произведения, эскизы театральных декораций, костюмов, плакатов, используя её декоративные качества.

Произведения искусства, выполненные гуашью, тоже носят название гуашь.

Гуашевые краски изготавливаются из пигментов и клея с добавлением белил. Примесь белил придает гуаши матовую бархатистость, но при высыхании цвета несколько выбеливаются (высветляются), что должен учитывать художник в процессе рисования. С помощью гуашевых красок можно перекрывать темные тона светлыми. Высохшее изображение, сделанное гуашью, слегка светлее влажного, что делает сложным подбор цвета. Основа также может быть чувствительной к образованию трещин, если наложена слишком толсто. Эта проблема может быть в определённой степени ослаблена использованием утолщающей основы, например, aquapasto.

13. Процесс смены художественного стиля в Западной Европе – хронология, очаги распространения, культурная идея готики, конструкция готического собора.

14. Развитие готического стиля в архитектуре Франции.

Готическая архитектура во Франции – архитектурный стиль, который был широко распространен на территории современной Франции с 40-х годов XII века до начала XVI века, когда ему на смену пришёл Ренессанс. Зародившись в королевском домене в центре страны, готический стиль быстро распространился на территорию всей Франции и за её пределы. Мастерство архитекторов достигло своего пика в середине XIII века, после чего развитие шло путем применения прикладных ремесел, в частности, обработки камня.

Готика как французский стиль (francigenum opus) стала образцом для подражания на территории большинства стран Западной и Центральной Европы, в которых она приобретала черты, характерные для их архитектурных традиций.

Например: Западный фасад собора Сент-Этьен в Туле, Южный трансерт собора в Сансе, Церковь аббатства Св. Троицы в Вандоме и др.

Готическая архитектура южнофранцузских земель (фр. gothique méridional) появилась на территории современного региона Юг-Пиренеи и части региона Лангедок-Руссильон в XIII веке. Центром распространения стиля являлась Тулуза, поэтому этот стиль часто называют тулузским (фр. gothique toulousain) или лангедокским (фр. gothique languedocien). Сооружения в этом стиле характеризуются строгостью и мощью своей конструкции.

Стиль Плантагенетов был распространен, главным образом, на территории нижнего течения Луары от Анжера на севере до Пуатье на юге. Название стиля связано с одноимённой династией, корни которой восходят к графству Анжуйскому. Главной особенностью стиля является конструкция сводов, которые, в отличие от сравнительно плоских северофранцузских готических крестовых сводов, имеют выпуклую форму, больше похожую на купол.

15. Художественное мировоззрение Ренессанса. Этапы и основные признаки эволюции искусства Возрождения в Италии. Живопись и скульптура Италии XV века.

Возрожде́ние, или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; от «re/ri» — «снова» или «заново» и «nasci» — «рожденный») — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи: начало XIV — последняя четверть XVI века и в некоторых случаях — первые десятилетия XVII века (например, в Англии и, особенно, в Испании). Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

Возрождение делят на 4 этапа:

Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)

Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI — 90-е годы XVI века)

Отличительная черта эпохи возрождения - светский характер культуры и её интерес к человеку и его деятельности. Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её возрождение. Используются новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане.

В Италии эпохи раннего Возрождения развитие скульптуры опередило на некоторое время развитие других видов искусства. Скульптура начала доминировать на площадях городов и в первых образцах загородных вилл, в пышных садах, в благолепии фонтанов. Фонтаны со скульптурами приобрели такую популярность, что итальянские образцы были заимствованы в сады Англии, Франции, Чехии (Прага, фонтан в саду Королевского летнего дворца). Поэтический фонтан с небольшой скульптурой стал героем драматических спектаклей в театре, а образцы фонтанов Италии покупали и вывозили в вельможные имения даже в 19 — 20 веках (усадьбы в Англии, имения в США и т. п.). Касалось это и фонтанных скульптур Джованни да Болонья периода маньеризма, мастеров барокко.

Среди выдающихся скульпторов эпохи -

Донателло (ок. 1386—1466)

Лоренцо Гиберти (ок. 1378—1455)

Якопо делла Кверча (1371—1438)

Лука делла Роббиа (1400 −1481)

Антонио Росселино (1427—1478)

Андреа Верроккьо (1435—1488)

Живопись, начиная с 12-13 вв., начинает играть всё более значимую роль в становлении и развитии европейской художественной культуры. Западноевропейская живопись медленно отходит от статичных, застывших схем в сторону ещё робкого движения, динамики. К тому же живопись наиболее приспособлена к передаче любого сюжета или откровенно условной идеи. Византийская художественная традиция ещё сохраняет привлекательность для западноевропейских художников, но они уже сами способны предложить новые детали, новое понимание пространства и времени, новые композиции, поэтому мало считаются с жесткими канонами.

Черты исключительности и несхожести по сравнению с живописью Византии получила итальянская живопись — благодаря усилиям Джотто, Ченни ди Пепо (более известного как Чимабуэ), Пьетро Каваллини, Дуччо ди Буонинсенья. Спиритуализм византийских образцов дополняют психологизмом и эмпирическими поисками перспективы, попытками воспроизвести глубину пространства на плоскости стены (поздние стенописи Джотто). Ощутимая правдивость, достоверность и своеобразная чувственность, драматизм событий были присущи не только персонажам и сценам Джотто или Чимабуэ, но и тогдашней литературе (поэзия школы «сладкого нового стиля», Данте). Проторенессанс как явление искусства имел место только в истории Италии. Но его наставления не пропали, а нашли поддержку и творческое продолжение в деятельности новых поколений итальянских художников от Мазаччо и Паоло Уччелло до Микеланджело Буонарроти.