Вопросы по дпи

1. Вологодское кружево в 19-20 вв.

Уже в конце XVIII в. вологодские плетей создавали кружево многопарным и сцепным способами из льняных нитей, белых и суровых (неотбелённых), иногда включая в узор цветные шёлковые нити светлых оттенков» Самые нарядные белые кружева с прихотливыми геометрически- ОЭ. Я. Хумала. Косынка. 1980 г. Узорами или выразительными изобразительными мотивами украшали края свадебной простыни, являвшейся непременной частью девичьего приданого.

Вологодский кружевной промысел складывался постепенно и во второй половине XIX в. распространился из Вологды в ряд уездов губернии, причём в каждой местности имел свои особенности. Основой его было мерное кружево в парной технике.

Кружевоплетение в Вологодской губернии, как и во многих других местах, возникло в помещичьих мастерских, или «фабриках», где трудились крепостные девушки. Кружева использовались для нижнего, столового и постельного белья, для модной отделки одежды. Знаменитая мастерская помещицы Засецкой в имении Ковырино, недалеко от Вологды, открылась, вероятно, в 1820 г. Отталкиваясь от этой даты, в 1920 г. в Вологде отмечали 100-летие кружевного промысла. Исследовательница русского кружева С. А. Давыдова (1842) посетила Ковырино в 1883 г. и застала там бывшую крепостную Засецкой Анну Михайловну. 11-летней девочкой её отдали в помещичью кружевную мастерскую Ярославской губернии. Вернувшись, она обучила ремеслу своих товарок. Помещица запретила ей выходить замуж, и всю жизнь Анна Михайловна проработала на свою хозяйку.

Свой вклад в развитие кружевного дела в Вологде внесли Анфия Фёдоровна Брянцева и её дочь София Петровна. По свидетельству С. А. Давыдовой, Анфия Фёдоровна изучила по образцу сцепной способ плетения и стала делать в этой технике крупные вещи: косынки, накидки для подушек. София занималась кружевоплетением с пяти лет, а в десять уже сама обучала девочек. С конца 1840-х до 1880-х гг. мать и дочь Брянцевы обучили около 800 учениц, городских и деревенских, что немало способствовало распространению кружевоплетения в Вологодской губернии.

О Кружевоплетение на коклюшках (кружево закреплено на валике).

К концу XIX в. светлые или чёрные шёлковые нити широко применялись в модных в то: время кружевных жакетах, костюмах, летних пальто, косынках, шарфах и зонтиках. Весь этот богатый ассортимент находил спрос не только в России, но и за границей. Вологодская земская управа создала кустарный склад, его отделения открылись в Москва и Лондоне. В начале XX в. в Вологде возникла своя кружевная школа.

Активно развивался промысел и в советское время. После революции 1917 г. кружевниц стали объединять в артели. В 1920-х гг. появляются интересные творческие работы, проводятся выставки и конкурсы. В Вологде рождались образцы мерного кружева, штучных изделий для массового потребителя (скатерти, салфетки, покрывала, накидки и т. д.) и оригинальные вещи — настоящие произведения искусства, нашедшие своё место в крупных музеях страны. Созданное в 1963 г. объединение «Снежинка», пройдя через все экономические сложности рубежа веков, остаётся крупнейшим кружевным предприятием в России.

2. Гжель - центр художественной обработки глины.

Гжель. В нач 20в быстро начинает развиваться производство крестьянской гжели. Гжель - маленькая деревня, упоминается в духовной грамоте Ивана Калиты, а позже территория 2х уездов. Обнаружилась качественная глина и в 1 четв. 19 векав Москве. Купец Афанасий Гребенщиков открыл 1ый русский майоликовый завод (цветные глины), работал на гжельской глине. На заводе работали крестьяне из подмосковья. Открывали и свои мастерские. Готовят майоликовую посуду из цветной глины , покрывают непрозрачными эмалями и по сырому. Гжель - многоцветная роспись. Рисунок соответствовал народному вкусу. Выделяются несколько видов изделий: квасники и кумганы. Форма их складывалась на основе форм гончарной посуды + светский стиль барокко(пышный) - рельефные украшения раковины, на стенках выпуклости. Название кумган с востока, но назначение сосудов одинаковое. В основе форм дисковидное тулово поставленое на ножки. Отверстие в центре диска, тулове. Отверстие отличает квасник от кумгана. Кумган оптикаемой формы. Изготовление квасника - диски вытачивают на гончарном круге, иногда тулово составное, т е вытачивали по половине диска. Соединительный шов приходился на середину ребра. И на ребре устанавливается горлышко имеющее форму чаши. Снабжается сосуд носиком и ручкой. Часто носик имеет З-образную форму и часто повторяют друг друга, напоминают стебель. Иногда стебель с отростками как дополнительное украшение. Многочисленные фигурки украшают на ребре. Численно квасники преобладают, и они однообразны по форме, хотя и имеют варианты формы тулова. Из-за отверстия в тулове квасники изящнее, а кумган более массивный. Из-за пластики кумганы достаточно выразительные. Для квасников характерен скульптурный декор, т е маленькие фигурки которые размещались на плечиках. Роспись гжельской майолики многоцветна. Выполнялась несколькими красками: желтый, черный, фиолетовый, зеленый, синий., на светлой эмали. Эта роспись контурная, после все пропадает.Краску наносили мазками по сырой эмале, после чего она срастается с поверхностью. Часто изображались жанровые сцены. Главная сцена - на главном фасаде изделия. На квасниках и кумганах сцена на ребре, либо ничего не изображалось. Декор состоял из геометрического орнамента на венце. Ручку и носик заливали одной краской. Для главной сцены черпались из жизни - архитектурные строения. пейзажи, сказочные персонажи. Обязательный элемент в росписи - земля. Земля под каждым мотивом - линия, бугорок, ямка и т д. Часто украшались в декоре раковины. В 19 в формы воспроизводились в большей фантазии и в другом матерьяле - в полуфаянсе. В общей сложности форма квасника и кумгана существовала больше 100 лет. Распространенная форма кувшин - использовалась широко. Использовали для хранения, подачи на стол. Кувшины простые по форме без рельефных наложений , гладкие. Манера росписи как и на всей гжельской посуде. Росписина кувшинах по разному располагались - понорамная композиция - с ритмичным изображением вокруг тулова и обычно основные мотивы повторяются в венце. Второй тип - трехчастное деление. Основной мотив центральный - под носиком. и дополнительные по сторонам. Мотивы разные - архитектурные строения, растительные мотивы, но чаще - травки - ветки с ягодами и листочками или древовидное растение. Используется орнамент веревочка - отделяет тулово от горлышка, используется в венце. Используется орнамент с элементами эпиграфики - почти обязателен на горле кувшина. Буквы наносились коричневой краской . На 1ой стороне дата выполнения кувшина, а на другой слово ...в таком то году... Край носика и тулово выполнялись обычно в тех же мотивах. Каждое изображение выполнялось на земле. Самые любимые мотивы в кувшинах - петухи. В 19в крупнейшие гжельские заводы работают. среди них завод Терехова, Киселева. Продукция отличалась разнообразием. Это и усовершенстованные технологии и отделка. Более мелкие заводы - Козлова, Фомина. Каждый завод использовал достижения крупных заводов. Трудно отличить продукцию но тем не менее, в мелких мастерских ассортимент беднее и не высокого качества. Скульптурные детали придавали своеобразие гжельской посуде. В 19в роспись совершенствуется . Сюжеты смотрятся как узор. Гжель стала любить надписи: дарственные, забавные, встречаются надписи мастеров. Заводы выполняли своеобразные изделия - подсвешники, чернильницы непроливайки, курительные трубки. Украшались забавными рисунками сложной композиции, на которых изображены лодка сгребцами, львы с мордами собак. Большая часть майоликовой посуды расходилась по недорогим заведениям, среди мещан, горожан. По внешнему виду гжельская майлика отличается массивностью формы. В 1 пол 19 века развитие фаянса. По внешнему виду напоминает майолику, но фаянс из более тонких белых глин. Появляются центр фянского производства - Межгорская фабрика под Киевом. Фаянс не всегда одинаков. В гжели развитие идет от майолики, - к полуфаянсу. фаянсу. Все вещи могли существовать и парралельно. В нач. 19 в. в гжели появился полуфаянс, парралельно существовала майолика - сбыт в деревне. Полуфаянсовые изделия имели черепок (основу) светло серого цвета и покрывались бесцветной прозрачной глазурью(глазурованные изделия). роспись в полуфаянсе выаполнялась как подглазкрная так и над глазурная. А наносилась она только синей краской на светлом фоне. Определяются и стилевая роль в полуфаянсе. Создан новый тип росписи. Укрепляется роспись в полуфаянсе размашистая. стало больше орнамента. Новый элемент - гирлянда - выполнялась только синей краской и всегда располагалась вокруг самой выпуклой части сферического тулова. Очень быстро гирлянда стала главным определяющим элементом стиля гжельской росписи. исчезает контурный рисунок который был определяющим в майолике. Стала преобладать не линия а цвет. - живописная кистевая манера. Зрительно подчеркивается объем сосуда, пропорции. Часто объем подчеркивается сеткой, выполняется косой линией и синей краской. наблюдается абсолютное синей росписи. Характерна высокая стилизация. Это просто цветок, обобщенный тип, растительный орнамент стал преобладающим. К 30м г 19в. наблюдается полное торжество синего цвета, а с середины 19 в роспись становится небрежной. К этому времени много определялось по форфору. Конкуренция повышенная отодвинула полуфаянс. Гжельская посуда вступила вновь в расцвет Характерно буйство красок. нет разнообразия растительных форм. Характерно неполное заполнение, остаются пустоты. Роспись ритмична, скупа, уравновешенная. но как и прежде в гжеле используются скульптурные фигуры, в квасниках есть вариативность дисков, это придает разнообразное ощущение праздника. звучит сама форма в полуфаянсе и фаянсе. Как правило смысл и акцент на центр диска, выделяется размерами. Характерны для гжели в росписи - веточкая ягодами, трилистники, характерен закрученный ус. Роспись всегда увязана с формой и один и тот же мотив может повторятся в разных частях. Большинство гжельских изделий рассчитаны на круговой осмотр. Иногда любят отдельные фигуры, скульптурные изображения, чаще сценки. И в посуде скульптура берет роль рассказчика. Декоративный акцент сместился на скульптуру. Гжель и скопин 2 центра где скульптура играет активную роль. Во 2 пол 19 в исчезают маленькие мастерские и исчезает это искусство. Производство сокращается. Сохранилось искусство на крупных предприятиях - завод гребенщикова, он выпускает тяжеловесные изделия - суповые миски, тарелки, блюда.

3. Дымковская игрушка (история развития, особенности росписи.

Наиболее известна дымковская игрушка, в прошлом – вятская. Наиболее популярна. Связана с языческим праздником, со свистулькой. Свист на ярмарке способствовал продаже. В 15 Иван 3 переселяет жителей Устюга и они обосновываются за рекой Вяткой. Через слободу прошли торговые пути в Москву и т. д. Дымковская игрушка появилась в 19 в. Формы не повторяются. Характерные черты сложились в 1 пол 19 в. В 19 в дымковская игрушка обширно производится и ее знали далеко за пределами губернии. Привлекла внимание и на московской выставке. Во многих музеях есть дымковская игрушка. Характерны изображения зверей и птиц. Игрушки обтекаемы, гладкие, роспись в полоску или горошину. Многочисленны фигурки коней. Двуголовки – символ пары. Для росписи характерны ряды, клетки. На груди коня в кольце – круг солнца с лучами. Из древних редко встречаются фигуры людей – всадники, гуляющие пары. Разнообразны женские образы – кормилица, водоноска, барыня с зонтом. В нарядах просматривается эволюция моды и восхищение. Часто барыня одета в платье и с пышной прической. В лепке фигурок повторяются отдельные элементы: юбка колокол, голова шарик. Декоративна роспись, каждая фигурка индивидуальна, это достигается лепными деталями и яркой росписью. Узоры в виде клеток, полосок сочетаются с гладкообразными частями. Дымка похожа на пряник. В изображении птиц и животных сформировались устойчивые черты. Бывает утица нарядная и простая, коза в сарафане, лев, медведь. Некоторые изображения фантазийны. Медведь любимый персонаж в дамке, изображают за разными занятиями, он как в сказке добродушен. Техника изготовления. Лепят по частям, соединяют, сушат до 3 суток, обжигают, белят мелом. На поверхности образуется слой который плотно срастается с черепком. Расписывают красками на желтке. Основные тона: синий, оранжевый, желтый, зеленый, малиновый, черный. Придают яркий блеск. Роспись выполняется по четкой схеме. Лицо круглое, красные пятна щек и рта, черные брови, коричневые волосы. Головные уборы и верхняя одежда одноцветна. Дымковская игрушка не была игрушкой – это статуэтка. Развитие дымки шло в сторону усиления изобразительного начала. Составлялись целые жанровые сцены (коньки с детьми). В нач 20в. игрушку вытесняют гипсовые фигурки.

4. Женское рукоделие: узорное ткачество.

До 19-20 века ткачество являлось одним из самых распространенных домашних занятий в традиционных культурах народов России и соседних территорий. Использовалось, главным образом, в изготовлении льняного и конопляного (т. н. посконного) холста для нательной одежды, сукна для верхней одежды, а также поясов и отделочной тесьмы. С процессом тканья, особенно с ответственными стадиями начала и срезания готового изделия (например, полосы холста), связаны многие поверья и приметы.

Развивалось также узорное тканье, т. е. изготовление изделий, украшенных геометрическим орнаментом путем переплетения цветных нитей. Узорные ткани в виде полос различного размера и лент использовались для декорирования предметов одежды с 18 — 19 вв.: главным образом, они пришивались к белым холщовым или пестрядинным рубахам и головным полотенцам. В татарской и башкирской культуре браное ткачество использовалось преимущественно для предметов интерьерного назначения, у чувашей (низовой этнографической группы) — почти полностью для украшения предметов одежды. У первых более распространенной была техника закладного тканья (с яркими поперечными или ступенчатыми узорами и характерными узкими «щелями»), у чувашей и удмуртов — т. н. браный и выборный способы, при которых орнамент образуется прокидыванием цветных уточных нитей (красным — в браном тканье, разноцветными — в выборном). Тканье использовалось и для изготовления поясов — полосатых, с орнаментом и даже надписями; как правило, это т. н. плоские или ленточные пояса. Среди народов Поволжья и Приуралья (марийцев, мокши, эрьзя, удмуртов) домашнее ткачество сохранялось: для изготовления одежды — до 1970-80-х гг., для тканья праздничных поясов — до 21 в.

Традиции народного узорного ткачества поддерживаются в наши дни многочисленными энтузиастами и профессиональными художниками, в том числе на предприятиях народных художественных промыслов. В 2000-х гг. оно стало развиваться в рамках обществ военно-исторической реконструкции.

5. Искусство черни и скани мастеров русского севера в 19-20 вв.