4. Влияние христианства на архитектуру и искусство

Недаром говорят, что архитектура -- это душа народа, воплощенная в камне. К Руси это относится лишь с некоторой поправкой. Русь долгие годы была страной деревянной, и ее архитектура, языческие молельни, крепости, терема, избы строились из дерева. В дереве русский человек, прежде всего, как и народы, жившие рядом с восточными славянами, выражал свое восприятие строительной красоты, чувство пропорций, слияние архитектурных сооружений с окружающей природой.

Если деревянная архитектура восходит в основном к Руси языческой, то архитектура каменная связана с Русью уже христианской. Подобного перехода не знала Западная Европа, издревле строившая и храмы, и жилища из камня. К сожалению, древние деревянные постройки не сохранились до наших дней, но архитектурный стиль народа дошел до нас в позднейших деревянных сооружениях, в древних описаниях и рисунках. Для русской деревянной архитектуры была характерна многоярусность строений, увенчивание их башенками и теремами, наличие разного рода пристроек -- клетей, переходов, сеней. Затейливая художественная резьба по дереву была традиционным украшением русских деревянных строений. Эта традиция живет в народе и до настоящей поры.

Мир Византии, мир христианства, стран Кавказа, привнес на Русь новый строительный опыт и традиции: Русь восприняла сооружение своих церквей по образу крестово-купольного храма греков: квадрат, расчлененный четырьмя столбами, составляет его основу; примыкающие к подкупольному пространству прямоугольные ячейки образуют архитектурный крест. Но этот образец греческие мастера, прибывшие на Русь, начиная со времени Владимира, а также работающие с ними русские умельцы, применяли к традициям русской деревянной архитектуры, привычной для русского глаза. Если первые русские храмы, в том числе Десятинная церковь, в конце Х в. были выстроены греческими мастерами в строгом соответствии с византийскими традициями, то Софийский собор в Киеве отразил сочетание славянских и византийских традиций: на основу крестово-купольного храма были поставлены тринадцать веселых глав нового храма. Эта ступенчатая пирамида Софийского собора воскресила стиль русского деревянного зодчества.

Софийский собор, созданный в пору утверждения и возвышения Руси при Ярославе Мудром, показал, что строительство -- это тоже политика. Этим храмом Русь бросила вызов Византии, ее признанной святыне -- Константине польскому Софийскому собору. В XI в. выросли Софийские соборы в других крупных центрах Руси -- Новгороде, Полоцке, и каждый из них претендовал на свой, независимый от Киева престиж, как и Чернигов, где был сооружен монументальный Спасо-Преображенский собор. По всей Руси были построены монументальные многокупольные храмы с толстыми стенами, маленькими оконцами, свидетельства мощи и красоты.

Большого расцвета архитектура достигла в годы правления Андрея Боголюбского во Владимире-на-Клязьме. С его именем связаны постройка Успенского собора во Владимире красиво расположенного на крутом берегу Клязьмы, белокаменного дворца в селе Боголюбове, «Золотых ворот» во Владимире -- мощного белокаменного куба, увенчанного златоглавой церковью. При нем же было создано чудо русской архитектуры -- храм Покрова на Нерли. Князь построил эту церковь неподалеку от своих палат после кончины любимого сына Изяслава. Эта небольшая однокупольная церковь стала поэмой из камня, в которой гармонично сочетаются скромная красота природы, тихая грусть, просветленная созерцательность архитектурных линий.

Древнерусское искусство -- живопись, скульптура, музыка -- с принятием христианства также пережило ощутимые перемены. Языческая Русь знала все эти виды искусства, но в чисто языческом, народном выражении. Древние резчики по дереву, камнерезы создавали деревянные и каменные скульптуры языческих богов, духов. Живописцы разрисовывали стены языческих капищ, делали эскизы магических масок, которые затем изготовлялись ремесленниками; музыканты, играя на струнных и духовых деревянных инструментах, увеселяли племенных вождей, развлекали простой народ.

Христианская церковь внесла в эти виды искусства совершенно иное содержание. Церковное искусство подчинено высшей цели -- воспеть христианского Бога, подвиги апостолов, святых, деятелей церкви. Если в языческом искусстве «плоть» торжествовала над «духом» и утверждалось все земное, олицетворяющее природу, то церковное искусство воспевало победу «духа» над плотью, утверждало высокие подвиги человеческой души ради нравственных принципов христианства. В византийском искусстве, считавшемся в те времена самым совершенным в мире, это нашло выражение в том, что там и живопись, и музыка, и искусство ваяния создавались в основном по церковным канонам, где отсекалось все, что противоречило высшим христианским принципам. Аскетизм и строгость в живописи (иконопись, мозаика, фреска), возвышенность, «божественность» греческих церковных молитв и песнопений, сам храм, становящийся местом молитвенного общения людей, -- все это было свойственно византийскому искусству. Если та или иная религиозная, богословская тема была в христианстве раз и навсегда строго установлена, то и ее выражение в искусстве, по мнению византийцев, должно было выражать эту идею лишь раз и навсегда установленным образом; художник становился лишь послушным исполнителем канонов, которые диктовала церковь.

И вот перенесенное на русскую почву каноническое по содержанию, блестящее по своему исполнению искусство Византии столкнулось с языческим мировосприятием восточных славян, с их радостным культом природы -- солнца, весны, света, с их вполне земными представлениями о добре и зле, о грехах и добродетелях. С первых же лет византийское церковное искусство на Руси испытало на себе всю мощь русской народной культуры и народных эстетических представлений.

Выше уже шла речь о том, что однокупольный византийский храм на Руси XI в. преобразовался в многокупольную пирамиду, основу которой составляло русское деревянное зодчество. То же произошло и с живописью. Уже в XI в. строгая аскетическая манера византийской иконописи превращалась под кистью русских художников в портреты, близкие к натуре, хотя русские иконы и несли в себе все черты условного иконописного лика. В это время прославился Печерский монах-живописец Алимпий. Про Алимпия рассказывали, что иконописание было главным средством его существования. Но заработанное он тратил весьма своеобразно: на одну часть покупал все, что было необходимо для его ремесла, другую отдавал беднякам, а третью жертвовал в Печерский монастырь.

Наряду с иконописью развивалась фресковая живопись мозаика. Фрески Софийского собора в Киеве показывают манеру письма здешних греческих и русских мастеров, и приверженность к человеческому теплу, цельности и простоте На стенах собора мы видим и изображения святых, и семью Ярослава Мудрого, и изображение русских скоморохов, животных. Прекрасная иконописная, фресковая, мозаичная живопись наполняла и другие храмы Киева. Известны своей большой художественной силой мозаики Михайловского Златоверхого монастыря с их изображением апостолов, святых, которые потеряли свою византийскую суровость; лики их стали более мягкими, округлыми.

Позднее складывалась новгородская школа живописи. Ее характерными чертами стали ясность идеи, реальность изображения, доступность. От XII в. до нас дошли замечательные творения новгородских живописцев: икона «Ангел Златые власы», где при всей византийской условности облика Ангела чувствуется трепетная и красивая человеческая душа. Или икона «Спас Нерукотворный» (также XII в.), на которой Христос со своим выразительным изломом бровей предстает грозным, все понимающим судьей человеческого рода. В иконе «Успение Богородицы» в лицах апостолов запечатлена вся скорбь утраты. И таких шедевров Новгородская земля дала немало.

Широкое распространение иконописной, фресковой живописи было характерно и для Чернигова, Ростова, Суздаля, позднее Владимира-на- Клязьме, где замечательные фрески, изображающие «Страшный суд», украшали Дмитриевский собор.

В начале XIII в. прославилась ярославская школа иконописи. В монастырях и церквах Ярославля было написано немало превосходных иконописных произведений. Особенно известна среди них так называемая «Ярославская Оранта», изображавшая Богородицу. Ее прообразом стало мозаичное изображение Богородицы в Софийском соборе в Киеве работы греческих мастеров, запечатлевших суровую властную женщину, простирающую руки над человечеством. Ярославские же искусники сделали облик Богородицы теплее, человечнее. Это прежде всего мать-заступница, несущая людям помощь и сострадание. Византийцы видели Богородицу по-своему, русские живописцы -- по-своему.

На протяжении долгих веков на Руси развивалось, совершенствовалось искусство резьбы по дереву, позднее -- по камню. Деревянные резные украшения вообще стали характерной чертой жилищ горожан и крестьян, деревянных храмов.

Белокаменная резьба Владимиро-Суздальской Руси, особенно времени Андрея Боголюбского и Всеволода Большое Гнездо, в украшениях дворцов, соборов стала примечательной чертой древнерусского искусства вообще.

Прекрасной резьбой славились утварь и посуда. В искусстве резчиков с наибольшей полнотой проявлялись русские народные традиции, представления русичей о прекрасном и изящном. Знаменитый художественный критик второй половины XIX -- начала XX в. Стасов писал: «Есть еще пропасть людей, которые воображают, что нужно быть изящным только в музеях, в картинах и статуях, в громадных соборах, наконец, во всем исключительном, особенном, а что касается до остального, то можно расправляться как ни попало -- дескать, дело пустое и вздорное... Нет, настоящее, цельное, здоровое в самом деле искусство существует лишь там, где потребность в изящных формах, в постоянной художественной внешности простерлась уже на сотни тысяч вещей, ежедневно окружающих нашу жизнь». Древние русичи, окружая свою жизнь постоянной скромной красотой, давно подтвердили справедливость этих слов.

Это касалось не только резьбы по дереву и камню, но и многих видов художественных ремесел. Изящные украшения, подлинные шедевры создавали древнерусские ювелиры -- золотых и серебряных дел мастера. Они делали браслеты, серьги, подвески, пряжки, диадемы, медальоны, отделывали золотом, серебром, эмалью, драгоценными камнями утварь, посуду, оружие. С особенными старанием и любовью мастера-искусники украшали оклады икон, а также книги. Примером может служить искусно отделанный кожей, ювелирными украшениями оклад «Остромирова Евангелия», созданного по заказу киевского посадника Остромира во времена Ярослава Мудрого.

До сих пор вызывают восхищение сделанные киевским ремесленником серьги (XI--XII вв.): кольца с полукруглыми щитами, к которым припаяны по шесть серебряных конусов с шариками и 500 колечками диаметром 0,06 см из проволоки диаметром 0,02 см. На колечках закреплены крошечные зернышки серебра диаметром 0,04 см. Как делали это люди, не располагая увеличительными приборами, представить себе трудно.

Составной частью искусства Руси являлось музыкальное, певческое искусство. В «Слове о полку Игореве» упоминается легендарный сказитель-певец Боян, который «напускал» свои пальцы на живые струны и они «сами князьям славу рокотали». На фресках Софийского собора мы видим изображение музыкантов, играющих на деревянных духовых и струнных инструментах -- лютне и гуслях. Из летописных сообщений известен талантливый певец Митус в Галиче. В некоторых церковных сочинениях, направленных против славянского языческого искусства, упоминаются уличные скоморохи, певцы, танцоры; существовал и народный кукольный театр. Известно, что при дворе князя Владимира, при дворах других видных русских властелинов во время пиров присутствующих развлекали певцы, сказители, исполнители на струнных инструментах.

И, конечно, важным элементом всей древнерусской культуры являлся фольклор -- песни, сказания, былины, пословицы, поговорки, афоризмы. В свадебных, застольных, похоронных песнях отражались многие черты жизни людей того времени. Так, в древних свадебных песнях говорилось и о том времени, когда невест похищали, «умыкали» (конечно, с их согласия), в более поздних -- когда их выкупали, а в песнях уже христианского времени шла речь о согласии и невесты, и родителей на брак.

Целый мир русской жизни открывается в былинах. Их основной герой -- это богатырь, защитник народа. Богатыри обладали огромной физической силой. Так, о любимом русском богатыре Илье Муромце говорилось: «Куда не махнет, тут и улицы лежат, куда отвернет -- с переулками». Одновременно это был очень миролюбивый герой, который брался за оружие лишь в случае крайней необходимости. Как правило, носителем такой неуемной силы является выходец из народа, крестьянский сын. Народные богатыри обладали также огромной чародейской силой, мудростью, хитростью. Так, богатырь Волхв Всеславич мог обернуться сизым соколом, серым волком, мог стать и Туром-Золотые рога. Народная память сохранила образ богатырей, которые вышли не только из крестьянской среды, -- боярский сын Добрыня Никитич, представитель духовенства хитрый и изворотливый Алеша Попович. Каждый из них обладал своим характером, своими особенностями, но все они были как бы выразителями народных чаяний, дум, надежд. И главной из них была защита от лютых врагов.

В былинных обобщенных образах врагов угадываются и реальные внешнеполитические противники Руси, борьба с которыми глубоко вошла в сознание народа. Под именем Тугарина просматривается обобщенный образ половцев с их ханом Тугорканом, борьба с которым заняла целый период в истории Руси последней четверти XI в. Под именем «Жидовина» представляется Хазария, государственной религией которой было иудейство. Русские былинные богатыри верно служили былинному же князю Владимиру. Они выполняли его просьбы о защите Отечества, к ним он обращался в решающие часы. Непростыми были отношения богатырей и князя. Были здесь и обиды, и непонимание. Но все они -- и князь и герои в конце концов решали одно общее дело - дело народа. Ученые показали, что под именем князя Владимира не обязательно имеется в виду Владимир I. В этом образе слился обобщенный образ и Владимира Святославича -- воителя против печенегов, и Владимира Мономаха -- защитника Руси от половцев, и облик других князей -- смелых, мудрых, хитрых. А в более древних былинах отразились легендарные времена борьбы восточных славян с киммерийцами, сарматами, скифами, со всеми теми, кого степь столь щедро посылала на завоевание восточнославянских земель. Это были старые богатыри совсем древних времен, и былины, повествующие о них, сродни эпосу Гомера, древнему эпосу других европейских и индоевропейских народов.

Культура народа неразрывно связана с его бытом, повседневной жизнью, как и быт народа, определяемый уровнем развития хозяйства страны, тесно связан с культурными процессами. Народ Древней Руси жил как в больших для своего времени городах, насчитывающих десятки тысяч человек, так и в селах в несколько десятков дворов и деревнях, особенно на северо-востоке страны, в которых группировалось по два-три двора.

Все свидетельства современников говорят о том, что Киев был большим и богатым городом. По своим масштабам, множеству каменных зданий-храмов, дворцов он соперничал с другими тогдашними европейскими столицами. Недаром дочь Ярослава Мудрого Анна Ярославна, приехавшая в Париж XI в., была удивлена провинциальностью французской столицы по сравнению с блистающим на пути из «варяг в греки» Киевом. Здесь сияли своими куполами златоверхие храмы, поражали изяществом дворцы Владимира, Ярослава Мудрого, Всеволода Ярославича, удивляли монументальностью, замечательными фресками Софийский собор, Золотые ворота -- символ побед русского оружия. А неподалеку от княжеского дворца стояли бронзовые кони, вывезенные Владимиром из Херсонеса; в старом городе находились дворцы видных бояр, здесь же на горе располагались и дома богатых купцов, других видных горожан, духовенства. Дома украшались коврами, дорогими греческими тканями. С крепостных стен города можно было видеть белокаменные церкви Печерского, Выдубицкого и других киевских монастырей.

Во дворцах, богатых боярских хоромах шла своя жизнь -- здесь располагались дружинники, слуги. Отсюда шло управление княжествами, городами, селами, здесь судили, сюда свозились дани и подати. На сенях, в просторных гридницах нередко проходили пиры, где рекой текло заморское вино и свой родной «мед», слуги разносили огромные блюда с мясом и дичью. Женщины сидели за столом на равных с мужчинами. Женщины вообще принимали активное участие в управлении, хозяйстве, других делах. Известно немало женщин -- деятельниц такого рода: княгиня Ольга, сестра Мономаха Янка, мать Даниила Галицкого, жена Андрея Боголюбского и др. Гусляры услаждали слух именитых гостей, пели им «славу», большие чаши, рога с вином ходили по кругу. Одновременно происходила раздача пищи, мелких денег от имени хозяина неимущим. На всю Русь славились такие пиры и такие раздачи во времена Владимира I.

Любимыми забавами богатых людей были соколиная, ястребиная, псовая охота. Для простого люда устраивались скачки, турниры, различные игрища. Неотъемлемой частью древнерусского быта, особенно на Севере, впрочем, как и в поздние времена, являлась баня.

В княжеско-боярской среде в три года мальчика сажали на коня, затем отдавали его на попечение и выучку пестуну (от «пестовать» -- воспитывать). В 12 лет молодых князей вместе с видными боярами-советниками отправляли на управление волостями и городами.

На берегах Днепра шумел веселый киевский торг, где, кажется, продавались изделия и продукты не только со всей Руси, но и со всего тогдашнего света, включая Индию и Багдад.

Своя жизнь, полная трудов, тревог, текла в скромных, русских селах и деревнях, в рубленых избах, в полуземлянках с печками-каменками в углу. Там люди упорно боролись за существование, распахивали новые земли, разводили скот, бортничали, охотились, оборонялись от «лихих» людей а на юге -- от кочевников, вновь и вновь отстраивали со жженные врагами жилища. Причем, нередко пахари выходи ли в поле вооруженные рогатинами, дубинами, луком и стрелами, чтобы отбиться от половецкого дозора. Долгими зимними вечерами при свете лучин женщины пряли. Мужчины пили хмельные напитки, мед, вспоминали минувшие дни, слагали и пели песни, слушали сказителей и сказительниц былин, а с деревянных полатей, из дальних углов за ними с любопытством наблюдали глаза маленьких русичей, чья жизнь, полная таких же забот и тревог, была еще впереди.

36.

В основе культуры Киевской Руси лежит славянская дохристианская культура, которая с принятием христианства подверглась влиянию Византии, Болгарии, а через них античной и ближневосточной культурным традициям.

Одним из основных показателей, культурного уровня является наличие письменности. Первые свидетельства письменности у славян найдены под Смоленском и говорят о ее наличии еще в 10 в. (до принятия христианства).

Есть свидетельства о принятии на Руси глаголицы во второй половине 9 в., попытках писать греческим алфавитом. Миссионеры Кирилл и Мефодий в 60-е годы 9 в. видели Евангелие, написанное славянским шрифтом.

Примерами наличия письменности и распространения грамотности на Руси являются берестяные грамоты, обнаруженные в ходе археологических раскопок древнерусских городов.

Во второй половине 9 в. братья-монахи Кирилл и Мефодий создали глаголический алфавит, который впоследствии был преобразован в кириллицу.

Годы правления Ярослава Мудрого (1019-1054) стали временем политического и культурного расцвета Киевской Руси.

В 1036 г. у стен Киева Ярослав окончательно разгромил печенегов, и это событие стало началом процветания великого города. В честь победы был воздвигнут собор Святой Софии, который по красоте и величию не уступал подобному собору в Константинополе.

Киев времен Ярослава превратился в один из крупнейших городских центров всего христианского мира. "В городе было 400 церквей, въезд в него украшали золотые ворота, имелось восемь рынков. В укрепление могущества Руси, Ярослав, без разрешения на то Константинополя, своей властью назначил главу церкви. Первым русским митрополитом стал Иларион Берестов.

В правление Ярослава огромное внимание было уделено просвещению. В Киеве и Новгороде открылись училища для священнослужителей. При Ярославе в Киеве было положено начало русскому летописанию.

Первый летописный свод, относящийся к концу 11 в., дошел до современников в составе Новгородской летописи.

Сподвижник Ярослава митрополит Иларион создал памятник русского богословия, философии и истории - «Слово о законе и благодати».

Успехами просвещения этого периода Русь обязана личным достоинствам Ярослава. Будучи убежденным христианином и просвещенным человеком, он собрал в Киеве переводчиков и книгописцев и начал издательство греческих книг, привезенных на Русь из Византии.

Так шел процесс приобщения к культуре античного мира и Византии. В этот период развивался национальный былинный эпос, в котором нашли отражение события времен правления Ярослава Мудрого («Соловей Будимирович») и Владимира Мономаха (былины об Алеше Поповиче, «Ставр I одинович»).

Выдающимся культурным достижением было составление свода письменных законов, который получил название «Русская Правда» или «Правда Ярослава». Документ включал уголовные и гражданские законы, устанавливал судопроизводство, определял наказания за совершенные проступки или преступления.

На основании этого можно было судить о социальном устройстве, нравах и обычаях русского общества того времени.

По гражданским делам «Русская Правда» устанавливала суд двенадцати выборных (пытки и смертная казнь отсутствовали).

При Ярославе успешно развивались внешнеполитические связи Руси. С родом Рюриковичей почитали за честь породниться могущественные монархи христианского мира.

Сын Ярослава Всеволод стал зятем императора Византии, его дочери Аннал Анастасия и Елизавета вышли замуж за королей Франции, Венгрии и Норвегии.

37. С конца XIV в. развитие культуры русских земель характеризуется значительным подъемом. Основным содержанием культурного процесса в XV в. является задача национального освобождения и укрепление могущества единого Русского государства. Москва становится истинным центром общерусской национальной культуры. В этот период укрепляются роль и значение русского языка, создаются произведения литературы, все более подчиняющиеся единой теме государственного строительства. Растет интерес к истории Отечества. В современной литературе русскую культуру этого периода оценивают как «русское Возрождение».

В XV в. практически во всех крупных городах Северо-Восточной Руси восстанавливаются и расширяются монастырские школы и училища, переписываются старые и создаются новые рукописные книги. Растет грамотность различных слоев населения, особенно городского.

В области литературы особое место в этот период занимает московское летописание. В 1408 г. при митрополичьем дворе складывается традиция составления общерусских летописных сводов, к первым из которых относится Троицкая летопись, а к 1480 г. восходит создание Московского летописного свода, являвшегося идеологическим обоснованием объединения русских земель вокруг Москвы.

Победа на Куликовом поле вызвала к жизни такие выдающиеся литературные произведения, как «Сказание о Мамаевом побоище» и поэтическая повесть «Задонщина», записанная монахом Кирилло-Белозерского монастыря Ефросином в конце XV в.

Подъем русской культуры и искусства, охвативший русские земли, объединенные Москвой, обуславливался восстановлением и расширением культурных связей со странами Европы и Востока. Особенно важное значение имели связи молодого Московского государства с народами Болгарии и Сербии, оказавшими заметное влияние на русскую литературу и изобразительное искусство. Так, южнославянским влиянием проникнута житийная литература. Признанным мастером этого жанра был Епифаний Премудрый (ум. в 1422 г), автор житий Сергия Радонежского, Стефана Пермского.

Особое место в русской средневековой литературе занимает Хронограф - сборник нравоучительных и занимательных повестей по всемирной истории, подготовленный в 1442 г. сербом Пахомием Логофетом, жившим на Руси с 30-х годов XV в. до своей кончины в 1484 г. Он также выступает редактором ряда известных на Руси житийных сказаний, близких по своей основе к устному народному творчеству.

Расширение политических, экономических и культурных связей Московского государства с другими странами отражает такой известный литературный памятник этой эпохи, написанный в литературном жанре хождений, каким является путевой дневник тверского купца Афанасия Никитина «Хождение за три моря», посвященный описанию его путешествия в Персию, Индию и другие страны Востока в 1466-1472 гг.

Помимо этого в Московском государстве был широко распространен фольклор как эпического, так и сатирического содержания.

Русское зодчество XV в. характеризуется дальнейшим развитием двух главных архитектурных школ - новгородско-псковской и московской. Примером первого направления является храм Василия на Горке (1410), построенный во Пскове. Московская архитектурная школа, основанная на традициях Владимирского и Новгородско-Псковского зодчества, постепенно приобретает доминирующее значение. Уникальными памятниками ранней московской архитектуры являются соборы Успения на Городке в Звенигороде, а также храмы Троице-Сергиева, Саввино-Сторожевского и Андроникова монастырей.

Огромное значение отводится развитию московской архитектуры, что напрямую было связано с укреплением великокняжеского могущества. В этот период была развернута широкомасштабная перестройка архитектурного облика Московского Кремля, осуществленная русскими мастерами совместно с приглашенными итальянскими зодчими. В 1479 г. итальянец Аристотель Фиораванти завершил возведение главного храма Русского государства - Успенского собора Кремля.

Вслед за этим в Кремле были построены Грановитая палата, храм Ивана Лествичника, дворец великого князя, Архангельский собор, а также кремлевские стены и башни. Наряду с Фиораванти в их создании приняли участие итальянские архитекторы Антон Фрязин, Марко, Пьетро Солари, Алевиз Фрязин и Атевиз Новый. Но не меньшим мастерством отличались и творения русских мастеров. Например, псковским зодчим принадлежит создание в Кремле в 1489 г. домовой великокняжеской церкви Благовещения.

В этот период на высшую ступень развития поднялась русская церковная живопись. В конце XIV - начале XV в. в Новгороде, о Москве, Серпухове и Нижнем Новгороде работал приехавший из Византии живописец Феофан Грек (ок.1340 - после 1405). Им была создана роспись храма Спаса на Ильине улице в Новгороде, вместе с Симеоном Черным - росписи московской церкви Рождества Богородицы (1395) и Архангельского собора (1399).

Великим русским художником, творившим в этот период, является Андрей Рублев (ок.1369 или 1370 - около 1430). Он участвовал в росписи старого Благовещенского собора в Кремле (1405) вместе с Феофаном Греком и Прохором, расписывал Успенский собор во Владимире (1408), Троицкий собор - в Троице-Сергиевом монастыре и Спасский собор Андроникова монастыря (1420-е гг.). Его кисти принадлежит шедевр мировой живописи икона «Троица». В конце XV в. огромный вклад в развитие русской живописи внес выдающийся иконописец Дионисий (ок.1440 - после 1503). Вместе со своими сыновьями Феодосием и Владимиром, а также другими учениками он создал фрески Успенского собора Кремля, росписи храмов Пафнутьево-Боровского, Иосифо-Волоколамского и Ферапонтова монастырей. К числу его творений относится знаменитая икона «Спас в силах».

38. Слово “учиться” стало лейтмотивом всех петровских преобразований. Петр с большим уважением относился к наукам и учению. По некоторым сведениям, Петр 1 в совершенстве освоил 14 специальностей, мог своими руками от начала до конца построить морское судно. Во время второго заграничного путешествия в 1717 г. Ему было присвоено звание почетного члена французской Академии наук. Задумал Петр создать и Российскую академию. В 1724 г. он подписал указ о ее основании: ”…учинить академию, в которой бы учились языкам, также прочим наукам и знатным художествам, и переводили бы книги ”.

Что было особенно важным, что Российская академия находилась на содержании государства, в то время как иностранные академии вынуждены были сами изыскивать средства для существования.  Петр ассигновал на Академию наук 25 тысяч рублей в год и обещал академикам “довольное жалованье”, квартиру, дрова, свечи. Самих же академиков приглашали из-за границы. В их числе были ученые с мировым именем – математики Леонард Эйлер и Даниил Бернулли. Впоследствии Эйлер, автор более 800 работ,  признавался: ”я всем обязан своему пребыванию в Петербургской Академии”. В состав Академии помимо научно-исследовательской части входили библиотека, Кунсткамера, обсерватория, типография, анатомический театр, ботанический сад и граверная палата. Академический университет явился первым светским учебным заведением стремя факультетами: юридическим, медицинским, философским. Создание Академии положило начало не только науке, но и высшему светскому образованию в России.

Образование Петр ставил во главу всех реформ. В Москве одна за другой открывались школы – навигацкая, инженерная, артиллерийская, медицинская, немецкая. Еще со времен первой поездки за границу, Петр вынашивал план создания морской школы в России. В 1701 г. его указом открывается в Москве Навигацкая школа. В составлении программы принимал участие сам царь, упор делался на математические и морские науки – арифметика, геометрия, тригонометрия, астрономия, навигация. Дворяне в новое учебное заведение поступали неохотно, поэтому приходилось их брать “с принуждением”. Около пятисот учеников школы получали ”кормовые деньги”, а те,  кто победнее, еще и одежду. Школа просуществовала до 1715 г. и передала эстафету открывшейся в Петербурге Морской Академии.

В 1703 г. открылась Немецкая школа, которую можно считать первой российской гимназией. Обучались в ней дети мелких царских чиновников. Возглавил школу немецкий пастор Эрнест Глюк, попавший в плен во время  Северной войны. Любопытно, что до его пленения в его доме в Мариенбурге воспитывалась Марта Скавронская,  будущая русская императрица Екатерина 1 – жена Петра.

В 1714 г. Петр 1 подписал указы об обязательном обучении дворянских детей цифири и геометрии. Стали создаваться цифирные школы, где помимо дворян обучались дети приказных, служилых и посадских людей. Время от времени царь устраивал в Москве или Петербурге смотры служивших и неслуживших взрослых дворян и недорослей, и нередко сам распределял их по полкам и школам, а также определял, кому учиться в России, а кому за границей. При Петре появился обычай посылать дворян учиться за границу. Для многих это было тяжелым испытанием: будущий известный дипломат Петр Толстой отправился учиться в Италию в 52 года, будучи уже дедушкой. Во Франции русские гардемарины голодали, т.к.  жалованье приходило с большим опозданием. Царь был тверд  в своем намерении заставить дворян учиться.

В петровское время юноши,  закончив учебу к пятнадцати годам,  обязаны были поступить на военную или гражданскую службу. Дворян на службу принимали по их годности, принимая во внимание внешний вид, способности, происхождение и состоятельность. По требованию Петра дворяне начинали служить с “фундаменту”, т.е. в армии и на флоте – рядовыми, в гражданском учреждении – низшим чиновником.

В 1722 г. была введена “Табель о рангах”, в соответствии с которой различались три вида службы : военная, штатская и придворная. Первые две делились на 14 рангов или классов. На военной службе низшим чином считался фендрик, позже прапорщик или корнет, высшим – генерал-фельдмаршал. На гражданской  – коллежский регистратор и действительный тайный советник,  или канцлер. Петр стремился пополнять ряды дворян за счет талантливых выходцев из других сословий. Недворянин,  дослужившийся до прапорщика в армии, автоматически получал потомственное дворянство. “Табель о рангах” уравняла старое родовитое дворянство, кичившееся своим происхождением, и новую, безродную знать.

При Петре 1 появился и первый российский музей – Кунсткамера. Ее экспонатами поначалу служили различные древние предметы и редкости, собранные царем во время заграничного путешествия. Во время второго путешествия царь приобрел в Данциге  для Кунсткамеры коллекцию минералов и раковин, в Амстердаме – заспиртованных животных, рыб, змей  и насекомых. Там же он приобрел уникальную анатомическую коллекцию. Собрание Кунсткамеры пополнялось также и отечественными редкостями. Петр издал указ с призывами к населению доставлять “ каменья необыкновенные, кости человеческие и скотския, рыбьи или птичьи, не такие , какие у нас ныне есть… старые надписи на каменьях, железе или меди, или какое старое, необыкновенное ружье, посуду и прочее все, что зело старо и необыкновенно…”.  Присылавших диковины для музея поощряли солидным вознаграждением. Кунсткамера впервые была открыта для обозрения в палатах Кикина в 1719 году. Вскоре для Кунсткамеры на Васильевском острове выстроили отдельное здание. Здание Кунсткамеры венчает высокая башня, где размещалась одна из самых первых российских обсерваторий. По сей день в ней хранится Готторпский глобус диаметром в три с половиной метра. Сделан он был в Германии и подарен Петру 1 герцогом Голштинским. Снаружи глобус изображает Землю, а внутри – небесную сферу. Есть в нем дверца, через которую зрители проникали внутрь, и, усаживаясь на скамью, наблюдали за вращением. В движение глобус приводился водяным двигателем. Один оборот, как и в природе, совершался за сутки.  Понимая значение музея для просвещения россиян, Петр 1 велел сделать вход бесплатным, “…если кто придет с компанией смотреть редкости, то угощать их на мой счет чашкою кофе, рюмкою вина или водки”. На эти цели из казны выделялась немалая по тем временам сумма – 499 рублей в год.

      “ Я хочу, чтобы люди смотрели и учились”   - говорил Петр 1.

В конце 1702 г. (точная дата неизвестна) произошло событие , значение которого трудно переоценить: вышел первый номер первой русской печатной газеты “Ведомости”. Первый дошедший до нас номер, датированный 2 января 1703 г., вышел большим для своего времени,  тиражом – около 1000 экземпляров. Номер содержал немало информации о внутренней жизни России. Петр сам выбрал известия для публикации в первом номере. Первая русская печатная газета мало чем походила на современную, и представляла из себя 4 небольших листка бумаги, собранные в тетрадь,  размером чуть больше ладони взрослого человека. На Красной площади каждого прочитавшего номер  “Ведомостей” угощали бесплатным обедом. Так власти пытались приобщить народ к чтению газет.

В  1708-1710 гг. в России перешли на новый шрифт, который с некоторыми изменениями по сей день используется. Петр 1 лично отобрал окончательный вариант нового шрифта. Нововведения коснулись и правописания. Из алфавита были изъяты некоторые буквы – омега, пси, ижица и другие. Числа , писавшиеся  буквами,  стали обозначать арабскими цифрами. В 1703 г. вышли первые книги с арабскими цифрами, среди них был и первый русский учебник “ Арифметика, сиречь наука числительная”, написанный Леонтием Магницким, преподавателем Навигацкой школы.

Петр прекрасно понимал, что без книг невозможно распространение знаний, поэтому всячески способствовал их печатанию. В 1700 г. была выдвинута  целая программа издания книг. Петр часто сам указывал, какую книгу следует перевести на русский язык. При этом он давал такие рекомендации переводчикам: не столь важно придерживаться близости к тексту, сколь важно передать его главное содержание. В петровское время книги даже стали оформлять по-новому: нумеровать страницы цифрами, ввели титульный лист, оглавление, предметный и именной указатели, в книгах появились чертежи и иллюстрации. Тексты стали разбивать на абзацы. Изменился также и формат книг – книги нового времени были невелики по размеру. В 1708 г. по указанию Петра были напечатаны первые карманные книги. За первую четверть 18 века книг вышло больше,  чем за 150 предшествующих лет.

Рост выпуска книг, большой интерес к знаниям стимулировали и развитие библиотечного дела. В 1714 г. в Петербурге была основана публичная библиотека. В 1725 г.  библиотека насчитывала 11 тысяч книг, включая древние. Существовало в Петровские времена и немало личных библиотек, более полутора тысяч книг было и у самого Петра. В основном это были издания необходимые царю в повседневной работе, три четверти собрания составляли книги нерелигиозного содержания. Большинство из них имели отношение к морскому делу, военному искусству, истории, архитектуре и  садово-парковому делу.

В центре внимания светской  культуры Петровского  времени главенствует человек. В средневековой культуре он играл второстепенную роль, по сравнению с богами или святыми. Особенно это проявилось в литературе. Среди читающей публики пользуются популярностью небольшие приключенческие истории. Произведения как в зеркале отражают свою эпоху и ее героев – умных, смелых образованных, везде добивающихся успеха.

 

                  Реформы в области архитектуры, скульптуры, живописи.

“ Его царское величество, по взятии Шлотбурга, в одной миле оттуда ближе к восточному морю, на острове новую и зело угодную крепость построить велел, в ней же есть шесть бастионов, где работали двадцать тысяч человек подкопщиков, и тое крепость на свое государское именование прозванием Питербурхом обновить указал”. Таково первое сообщение  в “Ведомостях” о строительстве Петербурга. Город был заложен 16 мая 1703 года. Первоначально Петербург закладывался как крепость, первый кирпич в основание будущей каменной цитадели заложил сам царь Петр. Под камень тот поместили золотой ковчежец с частицей мощей апостола Андрея Первозванного. Руководить работами было поручено Доменико Трезини. Перед приездом в Россию Трезини находился на службе у датского короля, и был завербован русским послом Измайловым. Любопытно, что при заключении договора Трезини оговорил возможность беспрепятственного выезда из России по окончании работ, но так и не захотел уехать, оставшись в России до конца своих дней, и полностью посвятив себя строительству Нового города.

Петербург — один из красивейших городов мира. Запоминающиеся высотные доминанты, логичная пространственная композиция, строгая планировка сети прямых улиц, просторные площади, величественный облик зданий, зелень многочисленных парков и садов, гладь рек и каналов, гранитные набережные, мосты, узорчатые ограды, выдающиеся произведения монументальной скульптуры придают Петербургу уникальный характер целостного архитектурно-строительного ансамбля; сооружения центральных, исторически сложившихся районов города, связанные рядовой застройкой, а также дворцово-парковые комплексы являются как бы единым художественным произведением.

Петербург основывался как крепость, вокруг которой и близ домика Петра (один из первых образцов "типового" жилого дома Санкт-Петербурга) на Городском (ныне Петроградском) острове начал формироваться город. Первоначально крепость называлась Санкт-Петербургской, а позже получила название Петропавловской, произошедшее от находящегося в ней собора Петра и Павла. Поначалу храм был деревянным, позже Трезини перестроил его, сделав каменным. В Петровское время собор был нетипичен для русского зодчества, т.к. он имеет форму базилики – здания, сильно вытянутого с запада на восток, характерного для архитектуры Западной Европы. На востоке отсутствуют привычные для русского храмового зодчества полукруглые выступы – апсиды. На храме установлен золоченый шпиль с фигурой ангела над колокольней. Высота шпиля 120 метров, что позволило собору долгие годы считаться самым высоким зданием России. В 20-е годы на колокольне установили куранты в 35 колоколов, купленные в Голландии. Как внешнее убранство было нетипично для русского зодчества, так внутреннее поражало своей необычностью. Стены украшали картины, написанные в новой реалистичной манере, стены и своды расписаны под мрамор и украшены ордерными элементами. Пожалуй, главное отличие архитектуры нового времени от русского средневековья состояло в использовании архитектурного ордера. Ордер  в переводе с латыни означает строй, порядок. Действительно, архитектурные сооружения петровского времени имеют четкий конструктивный порядок, состоя из несущих стен, колонн и несомых сводчатых и плоских потолков и перекрытий. Любое более или менее значимое здание сооружается с использованием ордерных элементов, а изучение классических ордеров ложится в основу архитектурного образования.

В мировой истории градостроительства найдется очень мало примеров создания крупных городов всего за два-три десятилетия. Петербург занимает особое место в этом ряду. Масштабное строительство новой русской столицы, а так и задумал царь Петр Алексеевич, невозможно было без четкой организации и команды лучших зодчих, знакомых с мировыми достижениями архитектуры. Строительство приобрело большой размах и велось планомерно под руководством архитекторов, приглашенных Петром I из Италии (Д. Трезини, Дж. М. Фонтана, Н. Миккети), Франции (Ж. Б. Леблон), Германии (Г. Шедель, А. Шлютер, И. Ф. Браунштейн, Г. И. Маттарнови, Т. Швертфегер), и русских мастеров, обучавшихся в Москве или вернувшихся из Голландии (М. Г. Земцов, Г. Н. Усов, И. К. Коробов). В 1706 году для руководства строительством была учреждена "Канцелярия городовых дел". В 1714 году для концентрации строительных усилий был принят указ, воспрещающий возводить каменные дома где-либо в государстве, кроме Петербурга. В 1715 – 17 гг. созданы планы центра Петербурга на Васильевском острове: один с прямоугольной сетью улиц и каналов (арх. Д. Трезини; этот план лежит в основе существующей планировки), другой, основанный на абстрактной идеальной схеме овального в плане города-крепости (арх. Леблон; этот план был отвергнут Петром). В 1716 году созданы "образцовые" проекты жилищ, ставившихся по линии улицы (арх. Леблон и Трезини): кирпичных — для "именных" и зажиточных; на деревянном каркасе с заполнением глиной и росписью стен под кирпич — для "подлых", т. е. для рядовых горожан.  На Троицкой площади и вокруг Троицкой церкви, складывался городской центр, были возведены обширные деревянные и мазанковые здания Сената, Таможни, Монетного двора. От домика Петра I вверх по Неве на площади располагались дома вельмож, высших военных и гражданских чинов, духовенства. Адмиралтейская крепость стала вторым центром застройки, градостроительным ориентиром при формировании новых улиц, расходившихся лучами, что легло в основу последующего плана. К 1725 году в застройке  города, организации его пространственно-планировочной структуры, охватившей все основные острова и материковую часть, особую роль стали играть общественные здания. Кроме Петропавловской крепости и Адмиралтейства, которые явились доминантами в панораме новой столицы, привлекали внимание Меншиковский дворец и строившаяся Кунсткамера — первое монументальное здание близ стрелки Васильевского острова, высотная композиция которой перекликалась со шпилями Петропавловской крепости и Адмиралтейства. По соседству с ней выделялось своими размерами и мерными композиционным ритмом повторяющихся секций здания Двенадцати коллегий.

Центр Петербурга застраивался домами знати, но для царя были возведены два дворца – Зимний и Летний с огромным парком. В окрестностях Петербурга на самом берегу моря Петр заложил в 1714 году дворец Монплезир, что в переводе с французского “Мое удовольствие”. Петергоф расположен на берегу Финского залива. Четыре начала составляют чудо Петергофа – архитектура и скульптура, зелень и вода. Петр хотел, чтобы Петергоф был подобием Версаля. Однако, Петергоф превзошел Версаль. Одну из главных достопримечательностей составляют фонтаны. С фонтанным искусством в России познакомились именно в петровское время. По сей день поражают воображение дворцы Петергофа, его садово-парковый ансамбль и каскад  фонтанов.

Помимо Петербурга велось строительство в Москве и других городах Российской империи. Вследствие пожара в Москве в 1699 году было запрещено возводить деревянные постройки на пожарищах. Вместе с тем формальное художественное сближение архитектуры каменных зданий Москвы с западноевропейским зодчеством, начавшееся в конце XVII века стало еще более заметным в начале XVIII века. Примером этому могут служить: дворец Ф. Я. Лефорта на Яузе (1697 – 1699 гг.); Старый Монетный Двор (1697 г.); церковь Успения на Покровке (1695 – 1699 гг.); церковь Знамения в Дубровицах (1690 – 1704 гг.). Это свидетельствует о том, что отечественные зодчие знали ордерную тектоническую систему и могли искусно сочетать ордерные и иные элементы с русскими традиционными приемами. Примером такого сочетания может служить Лефортовский дворец в Немецкой слободе, выстроенный одним из московских архитекторов. Фасады дворцы разделены мерным ритмом пилястр большого коринфского ордена. По сторонам въездной арки их ритм меняется, и они формируют пилястровый портик с фронтоном. Плановая система в тоже время представляет собой композицию замкнутого каре, принятую на Руси для торговых и иных дворов.

В петровское время были созданы не только выдающиеся памятники архитектуры и градостроительного искусства – Петропавловская крепость и ее собор, Александро-Невский монастырь, Петербург и Петергоф. В начале 18 в. В России сформировались основные принципы зодчества нового времени – ордерность, “регулярность”. Русская архитектура стала развиваться в рамках общеевропейских художественных стилей.

Скульптура в средние века не была широко распространена в России. Каменные барельефы древнего Владимира, народная резьба по дереву, глиняная игрушка – вот,  пожалуй,  и все, что можно отнести к скульптуре в допетровское время. Знакомство русских с западной скульптурой произошло задолго до Петра 1. Однако как уже говорилось ранее, огромное влияние на развитие искусства и культуры оказывала церковь. Ее мнение было решающим. Первое же  “узаконенное” появление  трехмерной скульптуры в России относится к 1695 году. Тогда в Москве была сооружена Триумфальная арка в честь взятия Азова. Арку венчали вырезанные из дерева фигуры Марса и Геракла.

Даже в новое время скульптура непросто приживалась на русской почве – публика не готова была ее воспринять. Тем не менее,  уже при Петре 1 статуи стали появляться во дворцах, парках, храмах, на триумфальных арках. Одним из наиболее интересных примеров является Петропавловский собор.  Важное отличие в убранстве данного храма являет собой скульптура, которую  Древняя Русь почти не знала. Лепные фигуры ангелов смотрят из-под сводов. Главная же достопримечательность  - иконостас, подаренный Петром 1. Со времен Московской Руси в храмах ставили иконостасы в виде сплошной стены, полностью скрывающей алтарь. Иконостас Петропавловского собора иной. Он выполнен в виде нарядной  триумфальной арки и украшает его главным образом  скульптура, а не живопись.

Постепенно все большую роль скульптура стала играть и в оформлении внутреннего убранства интерьеров. Помимо статуй появилась лепнина. Без них уже не обходилось убранство ни одного дворца.

  Не имея за своими плечами многовековой традиции скульптуры, Россия не сразу освоила этот вид искусства. Поначалу пробел восполняли иностранные мастера. Одним из самых ярких представителей был итальянский скульптор Бартоломео Карло Растрелли. Наше представление о Великом Петре сложилось во многом благодаря скульптурам Растрелли. Его, как и многих работавших в России иностранцев, занимала необыкновенная  личность русского царя – преобразователя. В 1719 г. скульптор снял с лица Петра гипсовую маску, которая послужила образцом для работ не только самого Растрелли, но и для головы знаменитого  “Медного всадника” Фальконе. Незадолго до смерти Петра мастер выполнил бронзовый бюст царя.

Скульптор и создаваемая им статуя стали символами Петровских преобразований. На личном штандарте царе был изображен ваятель, высекающий женскую фигуру.

Скульптура при Петре 1 заняла важное место при оформлении дворцов парков, фонтанов, храмов, и навсегда вошла в нашу жизнь. Благодаря Петру 1 в конце 18 века в русских городах получили распространение скульптурные монументы, без которых сегодня мы не мыслим архитектуры наших городов.

Как и в архитектуре и скульптуре в  живописи происходят революционные перемены. Основным художественным методом становится реализм. Кардинально изменяются способы изображения. Русские художники начинают постепенно отходить от традиционной, иконописной манеры письма. Они приобщаются к новой живописи, известной в Западной Европе еще с эпохи Возрождения, где проблемы формы и пространства решались иначе. Древнерусские художники не стремились передать объем предметов и глубину окружающего пространства. Живописцы нового времени, наоборот, осваивают искусство светотени, а для создания трехмерного пространства обращаются к линейной перспективе – одному из величайших достижений  изобразительного искусства эпохи Возрождения.

Основной постулат линейной перспективы гласит: параллельные прямые, уходящие вдаль, пересекутся в одной точке на линии горизонта. Любой из нас наблюдал этот эффект стоя на железнодорожных путях. Древнерусские художники не следовали этому правилу. Художники нового времени, взявшие на вооружение линейную перспективу, создавали на плоскости холста убедительную иллюзию глубины пространства.

Помимо линейной художники стали пользоваться и световоздушной перспективой. Принято считать, что первым этот прием открыл Леонардо да Винчи. Он обратил внимание на то, что по мере удаления от зрителя предметы не только становятся все менее различимы, но и погружаются в дымку. Этот оптический эффект создается благодаря толстому слою воздуха, насыщенного пылью.

По-другому художники стали относиться и к проблеме времени в живописи. В средние века иконописец мог на одной иконе изобразить два или три разновременных действия с одними и теми же персонажами. В новое время на картине изображают событие в момент его свершения, вместе  с тем живописец пытается преодолеть статичность средневековой живописи и создать иллюзию  движения. 

В петровское время начали  формироваться жанры живописи, такие как батальный, портретный, пейзажный, бытовой, натюрморт.  Сам Петр отдавал предпочтение морским пейзажам. Формально,  самым “высоким”  среди жанров считается исторический, самым же распространенным портрет.

Изменяется и техника письма, появились новые материалы. Раньше иконописец писал на доске. Теперь же картины выполняются на холсте, темперу – краску,  замешанную на яичном желтке, сменяют масляные краски. Готовую картину,  в отличие от иконы,  вставляют в раму. Она играет важную роль в восприятии произведения.

Именно в петровское время появился в России выдающийся живописец, вставший  вровень с европейскими мастерами, - Иван Никитин. Петр заметил талантливого юношу и в 1716 г. отправил его вместе с братом учиться в Италию. Петр высоко оценил талант Никитина и по возвращении его в Россию подарил художнику дом близ Зимнего дворца, и назначил его “двора его величества живописцем”. Художник целиком посвятил себя портретной живописи, и выполнил много великолепных работ, которые донесли до наших дней характер изображенных личностей, их быт.

Реформы  в живописи в петровскую эпоху позволили перейти от иконописи к реальному изображению, живопись стала светской , жанровой, реальной, и сегодня мы имеем возможность увидеть портреты  не только самого царя Петра Алексеевича, но и многих его современников.

                                         Быт Петровского времени.

Самый устойчивый компонент жизни людей – это быт, но и он испытал серьезные изменения в петровскую эпоху.   Поставив целью сформировать породу новых людей,  Петр стремился привить дворянам хорошие манеры, дать им светское воспитание и образование.

С начала 18 в. многое изменилось как в устной, так и в письменной русской речи. Издавались книги с правилами хорошего тона, рекомендациями по этикету, поведению в различных сферах жизни. Появились обращения на  “ Вы”, “ Милостивый государь”, “ Господин”. Письма заканчивали подписями:” Ваш покорный слуга”,  “ Остаюсь к услужению готовый”. Русский язык в петровскую эпоху обогатился множеством новых слов, преимущественно иностранного происхождения.

В царствование Петра в обиход вошел юлианский календарь. Летоисчисление стали вести от Рождества Христова. В связи с этим событием началом года теперь считалось 1 января, а не 1 сентября : ” Указал великий государь впредь лета счислять  в приказах и во всяких делах и крепостях писать с нынешнего генваря с числа 1 от Рождества Христова 1700 года “.  Таким образом, вместо 7208 года в России начался 1700 год. Отныне 1 января предписывалось поздравлять друг друга с Новым годом, украшать дома ветками и деревьями сосновыми, еловыми и можжевеловыми. В честь праздника устраивали пушечную пальбу и фейерверки. Впервые в России увидели фейерверки именно при Петре. Устраивались они по большим праздникам:  в новогоднюю ночь, в день рождения царя, в честь военных побед.

В январе 1700 г. выходит царский указ  об упразднении старомодного русского платья, мужчинам и женщинам велено было переодеться в венгерское и немецкое платье. В городе на видных местах вывешены были образцы новой одежды, пошив и продажа старой запрещались. Новая мода приживалась трудно.

Не менее трудно было Петру заставить горожан брить бороду, считавшиеся на Руси признаком мужественности и символом православия. Непокорным боярам царь стриг бороды собственноручно.  Правда,  имея деньги можно было откупиться от принудительного бритья.

Во времена Петра1 появились и первые модники.  Наряд русского дворянина изменился до неузнаваемости, неизменным элементом мужского платья стала белая рубашка и галстук в виде ленты, поверх одевался камзол  и кафтан. Кафтан носили незастегнутым - нараспашку. В те времена законодательницей мод считалась Франция, поэтому многие предметы туалета имели французские названия, например “кюлоты” – короткие мужские штаны, к ним полагались белые шелковые чулки.  Модной обувью считались тупоносые туфли на небольшом каблуке с большими металлическими пряжками, или сапоги – ботфорты - с широкими раструбами в верхней части голенищ. В Оружейной палате Московского Кремля среди предметов одежды хранится пара грубых кожаных ботфорт, принадлежавших Петру . Существует мнение, что царь, владевший многими ремеслами в совершенстве, сшил их собственноручно.

Тогда же вошел в моду и парик. При всем своем неудобстве он имел и немалые преимущества: долго сохранял форму, скрывал лысину, и придавал своему владельцу представительный вид.

Однако, как ни богаты и красивы были мужские наряды, им было трудно тягаться с женскими. Дама, одетая в нарядное платье, напоминала изящную фарфоровую статуэтку.                           

По-новому стало  исчисляться и  время суток.  Куранты, установленные на Спасской башне в  начале 17 в. имели циферблат с 17 делениями, вращался циферблат и подводил одну из цифр к стрелке. Количество дневных и ночных часов в сутках колебалось от 7 до 17. При Петре количество часов в сутках стало неизменным – 24.  В начале 18 в. куранты в Кремле заменили голландскими,  с подвижными часовой и минутной стрелками,  и циферблатом с 12 делениями.

К концу 17 началу 18 вв. постепенно меняется быт как простых, так и  знатных, зажиточных людей. Меняется на западный манер одежда , пища,  жилище . Бояре и дворяне стригут волосы и бороды, заводят иностранные книги и музыкальные инструменты, игрушки, входит в моду курение табака.            

40. XIX век в истории европейской культуры прославился не только выдающимися достижениями в области науки и техники, но и частыми радикальными переменами в сфере художественной культуры. Одно значительнейшее художественно-стилевое направление сменяло другое, отражая стремительно изменяющееся настроение времени, активный поиск путей духовного состояния общества через формы философии и художественной культуры. На смену рационализму Просвещения пришла эмоциональность, экзальтированность и иррациональность романтизма – идейно-художественного направления в европейской культуре начала XIX в., связанного с абсолютизацией чувственного начала и интересом к неординарным проявлениям человеческого характера, жизни и приро­ды. Победа буржуазной революции не привела к наступлению ожидавше­гося царства справедливости и разума. Произошла резкая переориента­ция общественной психологии. Стал очевиден интерес не к внешней, общественной, деятельности человека, а к внутреннему, духовному, эмоциональному миру личности. Наступила эпоха романтизма – короткий, но яркий и значимый период в истории и философии культуры.Романтизм – это одно из самых сложных и внутренне противоречи­вых явлений в истории европейской культуры, стиль, ставящий во главу угла воображение, эмоциональность и творческую одухотворенность художника. Эмоции и интуиция превалируют здесь над рациональностью, индивидуальные качества отдельного человека – над обезличенным обществом, естественная природная непосредственность – над класси­чес­кой строгостью и сдержанностью. Главные темы романтического искусства и литературы – это величественные пространственные неспокойные пейзажи, (гроза, бушующее море, ветер), далёкие эпохи и давние времена, жизнь героических выдающихся личностей, мистицизм, смерть.

Романтик верил в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум и, подобно ему, способны создавать новый порядок, новую культуру. Ход развития объективного бытия в представлении романтиков определялся духовной деятельностью отдельной личности. Это было серьезным изменением гражданского общественного идеала. Для романтиков проблема личности – центральна. Познание мира – это прежде всего самопознание.

Романтизм был не только “школой в поэзии”, но и “школой в философии”. Даже беглый просмотр имён романтиков говорит о том, насколько энциклопедичной была школа. Романтизм складывался как целая культура и был подобен в этом отношении Ренессансу или Просвещению. Романтическая философия была представлена концепциями Фихте и Шеллинга, Шопенгауэра и Кьеркегора.

Родиной романтизма принято считать Германию (поэтическое творчество Новалиса, драматургия, поэзия и теоретические произведе­ния Ф. Шиллера, Л. Тика, Г. фон Клейста, проза Э.Т.А. Гофмана, сказки братьев Гримм). Сам же термин “романтизм” впервые был применен относительно живописи рано умершего французского художника Теодора Жерико (1791-1824) (“Офицер конных стрелков перед атакой”, “Раненый кирасир, уходящий с линии огня”). Появление на выставке его картины “Плот Медузы” открыло новую страницу западноевро­пейской живописи. Признанной главой романтического движения в живописи стал младший современник Жерико Эжен Делакруа (1798-1863). Сюжеты его произведений типичны для романтизма, отвергаю­щего обыденность и прозу жизни. “Резня на Хиосе” – один из эпизодов освободительной борьбы Греции от турецкого ига. “Сарданапал” – тема, заимствованная из одноименной трагедии Дж.Г. Байрона о легендарном ассирийском царе. “Бричка Данте” – размышление художника о смысле жизни с помощью величавых образов античности и Возрождения. Но самое знаменитое произведение Делакруа посвящено событиям Июльской революции 1830 г. Выставленная в Салоне картина “Свобода, ведущая народ” потрясла современников смелостью художественного решения. Повстанцы на развалинах баррикад среди мертвых тел погибших товарищей изображены воодушевленными желанием свобо­ды. Идеал свободы воплощён в романтическом образе прекрасной молодой женщины, подобной греческой богине победы Нике.

Помимо упомянутых выше, искусство романтизма может гордиться произведениями поэтов У. Вордсворта, С.Т. Колриджа, П.Б. Шелли, Дж. Китса, Дж.Г. Байрона и писателя В. Скотта (Англия); грандиозными романами В. Гюго, работами прозаиков Жорж Санд, А. Дюма-отца и А. Ламартина, поэзией А. де Мюссе и А. де Виньи (Франция); мистичес­кой прозой Э. По и стихотворными произведениями Г. Лонгфелло (США). В России это сказки и поэмы А.С. Пушкина, ранние произведения Н.В. Го­голя (“Вечера на хуторе близ Диканьки”), “Мцыри”, “Демон”, “Маскарад” М.Ю. Лермонтова, поэмы В.А. Жуковского (“Людмила”, “Светлана”, “Курган”) и К.Ф. Рылеева (“Войнаровский”, “Наливайко”). В изобразитель­ном искусстве романтическую традицию представляли выдающиеся художники-пейзажисты: Г.К.Д. Фридрих (Германия), У. Тер­нер (Англия), К. Коро (Франция), М.Н. Воробьёв и С.Ф. Щедрин (Россия). Несомненны романтические тенденции в позднем творчестве великого испанца Франсиско Гойи и работах замечательного русского художника Карла Брюллова. Выдающимся мастером романтического портрета был и Орест Кипренский.

В музыке термин “романтический” свободно применяется к боль­шинст­ву композиторов XIX в., хотя в основном ассоциируется с понятия­ми программной музыки, такой как “Фантастическая симфония” Берлио­за, песенный цикл Шуберта и опера, достигшая своего высшего расцве­та в творчестве Вагнера, Верди и Глинки. Музыка занимала важнейшее место в духовной жизни XIX в. Активная деятельность блестящей плеяды композиторов, исполнителей, критиков способство­вала бурному расцве­ту концертной и музыкально-театральной жизни. Творчество композито­ров-романтиков (Берлиоз, Верди, Лист, Вагнер, Шуман и др.) отличалось яркой эмоциональностью, непосредствен­ностью передачи внутреннего состояния. Фридерик Шопен и Ференц Лист подняли на новую высоту фортепьянную музыку, Никколо Паганини – скрипичную. В годы реакции 50-60-х годов не под­властная цензуре музыка стала средством выраже­ния протеста, неудовлетворенности, несогласия. На смену лирическому герою Шуберта пришел герой драматических эпопей Рихарда Вагнера (1813-1883) – немецкого композитора и дирижера. Его грандиозный оперный цикл “Кольцо Нибелунгов” отмечен новыми принципами соотно­шения музыки и слова, грандиозностью оркестровой палитры. Вагнер был создателем нового жанра – романтической музыкальной драмы.

В середине века произошел небывалый взлет развлекательно-танцевальной музыки. Знаменитыми стали танцевальные пьесы Иоганна Штрауса-отца. Повсеместные выступления танцевальных оркестров, большое количество балов создавали особую атмосферу праздничности. В 60-е годы особенно славилась музыка Иоганна Штрауса-сына (1825-1899). Он вошел в историю культуры не только как соз­датель венского вальса, но и венской оперетты (“Летучая мышь”).

В архитектуре XIX в. романтизм не создал собственной школы, однако в индустриальных странах, особенно в Англии, начинает быстро развиваться промышленная архитектура.Построенные в 30-40-х годах XIX в. вокзалы, мосты, фабрики подчас предвосхищали решения, характерные для конца XIX столетия. Быстрый рост городов привел к необходимости перепланировки старых кварталов и строительства новых проспектов и транспортных артерий. Так, в 1853 г. началась перепланировка Парижа, которая неузнаваемо изменила облик города. Архитектура России, как и в странах Западной Европы, переживала трудные времена. Начиная с конца 30-х годов XIX в. классицизм постепенно себя изживал. Начинался период эклектики в архитектуре, использование выразительных средств, присущих разным художествен­ным стилям путём соединения их в единое целое, длившийся до конца XIX в. и прошедший несколько этапов: 30-60-е годы – увлечение готикой, итальянским Ренессансом, а затем барокко и рококо; в 70-90-е годы главным становится техническая и функциональная целесообразность: строятся промышленные и административные здания, вокзалы, мосты, рынки, доходные дома, театрально-зрелищные сооружения. Яркое событие этого периода – создание в1889 г. инженером Г.А. Эйфелем железной Эйфелевой башни в Париже для Всемирной выставки.

Романтизм был широким движением в духовной жизни европейско­го общества, просуществовавшим до 40-х годов XIX в. и затем не раз возрождавшимся в разнообразныхнеоромантических формах, вызван­ных стремлением преодолеть общественный пессимизм с помощью воскрешения яркой эстетики романтизма (драматургия Э. Ростана во Франции). Во второй половине XIX в. на смену романтизму пришли и другие направления:реализм, натурализм, символизм, сыгравшие немалую роль в художественной культуре.

Реализм – идейно-художественное направление в культуре XIX в., связанное со стремлением осмыслить действительность во всей её полноте и разнообразии, отобрав при этом наиболее существенные и типические моменты. В более строгом смысле реализм обозначает движение в искусстве и литературе середины XIX в., возникновение которого явилось реакцией на романтическую экзальтированность. Для реализма свойственно тщательное изображение повседневной жизни и разносторонний объективный показ характера человека.

В живописи начало реализма часто связывают с произведениями француза Гюстава Курбе (1819-1877). Именно он первым применил понятие “реализм” к своему творческому методу. Публика была шокирована вульгарностью его образов (“Прачки”, “Купальщицы”), далеких от традиционных эталонов красоты. Критики негодовали на Курбе за обращение к обыденным темам, обвиняли художника в “прославлении безобразного”. Произведения Курбе весьма полемичны. Типичным для его творчества является широкомасштабное полотнище “Похороны в Орнане”, изображающее в натуральную величину обыкновенных людей, пришедших на похороны.

Ярким представителем реализма в живописи по праву можно считать русского художника Павла Федотова (1815-1852) (“Завтрак аристократа”, “Вдовушка”, “Сватовство майора”, “Анкор, ещё Анкор”). В реалистических картинах Жан Франсуа Милле (1814-1875) проявляется связь человека с природой через его труд на земле. Впервые героями живописных произведений стали трудящиеся крестьяне: “Сборщицы колосьев”, “Сеятель”, “Человек с мотыгой”.

Революционные события во Франции нашли яркое отражение в творчестве Оноре Домье (1808-1879). Домье не побоялся сделать бойню в рабочем квартале темой изобразительного искусства. В гравюре “Ули­ца Трансионен” художник изобразил сцену расправы правительственных солдат с жителями одного из домов рабочих кварталов. В графике Домье сатирически представлял буржуазное общество, выпуская целые серии карикатур (“Карикатюрана”, “Супружеские нравы”, “Парижские типы”).

Реализм стал мощнейшей основой русской художественной культуры второй половины XIX в. Этот период по праву называют “золотым веком” русской культуры. На взлёте находилась русская живопись. Появилось множество прекрасных художников-реалистов. Это В. Перов (“Тройка”, “Проводы покойника”, “Охотники на привале”), И. Крамской (“Христос в пустыне”, “Портрет неизвестной”, “Неутешное горе”); И. Прянишников (“Шутники”), В. Максимов (“Всё в прошлом”), К. Савицкий (“Встреча иконы”), Н. Ярошенко (“Всюду жизнь”), А. Куинджи (“Берёзовая роща”), А. Саврасов (“Грачи прилетели”), И. Шишкин (серия пейзажей), В. Поленов (“Московский дворик”), Н. Ге (“Царь Пётр и царевич Алексей”, И. Репин (“Бурлаки на Волге”, “Не ждали”), И. Левитан (“Вечерний звон”, “Над вечным покоем”), В. Суриков (“Утро стрелецкой казни”, “Боярыня Морозова”) и др. Каждый из них – ярчайшее явление в истории изобразительного искусства.

Русское искусство в 70-80-е годы обретает международное значе­ние. В конце 1860-х годов стало ясно, что произведения, посвященные ак­туальным темам современности, необходимо сделать доступными широ­ким кругам русского общества – за пределами Москвы и Петербур­га. По ини­циативе художников Н.Н. Ге, Г.Г. Мясоедова, В.Г. Перова и других и при деятельном участии И. Н. Крамского возникло Товарище­ство передвижных художественных выставок. Этой организации и принад­лежит ведущая роль в последующем развитии русского демократического искусства второй половины XIX в. Первая передвижная выставка была открыта 29 октября 1871 г. в Петербурге и затем показана в тринадцати городах России. С тех пор на протяжении почти сорока лет выставки Товарищества передвигались по стране, побывали на Украине, в Прибалтике, Молдавии. Во многих местах они оказались первыми художественными выставками. Передвижники ставили своей основной задачей многосторонне отображать современную жизнь.

Много способствовал расцвету пере­движничества неутомимый собиратель русского искусства Павел Михай­лович Третьяков. Будучи крупным предпринимателем и обладая значительными средствами, он отдавал большую их часть на приобретение про­изведений отечественных художников-реалистов. Многим из них он ока­зывал материальную помощь и нередко покупал понравившуюся вещь прямо в мастерской. Собирать картины, рисунки и скульптуру Третьяков начал с 1856 г. С тех пор постепенно все лучшее из русского искусства стало попадать в здание, построенное в Лаврушинском переулке. В 1892 г. он передал свое собрание Москве, и знаменитая Третьяковская галерея, широко изве­стная у нас и за рубежом, стала достоянием народа.

В произведениях реалистов предстает широкая панорама общественной жизни и проблем второй половины XIX – начала XX столетий. Реализм тщательно воспроизводил обстоятельства жизни своих героев. Наиболее полное выражение он нашел в жанре социального романа. Писатели-реалисты, в отличие от романтиков, признавали ценность “низкой” действительности, стремились изучить ее и всесторонне изобразить в типических образах и обстоятельствах. Реализм в европейской литературе представлен произведениями Чарльза Диккенса (“Дэвид Копперфилд”, “Домби и сын”, “Тяжелые времена”), Уильяма Теккерея (“Ярмарка тщеславия”), Оноре де Бальзака (многотомная “Человеческая комедия”), Стендаля (“Красное и чёрное”, “Пармская обитель”), Густава Флобера (“Госпожа Бовари”, “Воспитание чувств”), Ги де Мопассана (“Жизнь”, “Милый друг”), Анатоля Франса (“Современная история”), Ромена Роллана (“Кола Брюньон”, “Жан Кристоф”), Генрика Ибсена (“Враг народа”, “Столпы общества”, “Кукольный дом”), Джона Голсуорси (“Сага о Форсайтах”), Бернарда Шоу (“Дома вдовца”, “Пигмалион”) и других. Многие из них начинали писать в XIX в., а продолжали в XX в., но, естественно, что их произведения рассматриваются во временных параметрах возникновения тех стилей, к которым их творчество принадлежит.

Ярко и разнообразно реалистическая традиция представлена в русской литературе. Одним из первых произведений русской реалисти­ческой литературы стал роман в стихах А. С. Пушкина “Евгений Онегин”, по выражению В.Г. Белинского, – “энциклопедия русской жизни”. Выдающимися образцами реализма в литературе являются историчес­кая драма Пушкина “Борис Годунов”, его повести “Капитанская дочка”, “Дубровский” и др. Он проложил дорогу творениям М.Ю. Лермонтова (“Герой нашего времени”), Н. В. Гоголя (“Мёртвые души”, “Шинель”, “Ревизор”), И.С. Тургенева (“Отцы и дети”, “Накануне”, “Дворянское гнездо”, “Дым”), Н.С. Лескова (“Очарованный странник”, “Левша”, “Леди Макбет Мценского уезда”), И.А. Гончарова (“Обломов”, “Обрыв”, “Обыкно­венная история”), М.Е. Салтыкова-Щедрина (“Господа Головлёвы”, “История одного города”), Н.А. Некрасова (“Кому на Руси жить хорошо?”, “Русские женщины”), Л.Н. Толстого (“Война и мир”, “Анна Каренина”, “Воскресенье”), Ф.М. Достоевского (“Братья Карамазовы”, “Бесы”, “Идиот”), А.П. Чехова (“Палата № 6”, “Человек в футляре”, “Три сестры”, “Вишневый сад”, “Дядя Ваня”), А.М. Горького (“Жизнь Клима Самгина” “Фома Гордеев”, “Васса Железнова”). Произведения всех перечислен­ных авторов – не только факт русской культуры, но и важнейший момент духовного развития человечества. Особое явление в русской и мировой литературе, не имеющее аналогов, роман “Война и мир”. В этом уникальном произведении Толстой сочетал форму психологического романа с размахом и многофигурностью эпической фрески. Впечатле­ние, производимое “золотым веком” русской литературы, прекрасно выразил Т. Манн, говоря об её “необыкновенном внутреннем единстве и целостности, тесной сплоченности ее рядов, непрерывности традиций”.

“Золотой век” распространяется и на русскую музыку. Михаил Иванович Глинка, основоположник русской музыкальной классической школы, сочиняет оперу по пушкинской поэме “Руслан и Людмила”. Пушкинские произведения легли в основу опер А. С. Даргомыжского “Русалка” и “Каменный гость”, М.П. Мусоргского “Борис Годунов”. “Евгений Онегин” и “Пиковая дама” стали шедеврами П.И. Чайковского. “Сказка о царе Салтане” и “Сказка о золотом петушке” послужили основой одноименных опер Н.А. Римского-Корсакова. Гоголевские сюжеты легли в основу опер “Майская ночь” и “Ночь перед Рождеством” Н. Римского-Корсакова, “Сорочинская ярмарка” М.П. Мусоргского, “Кузнец Вакула” (“Черевички”) П.И. Чайковского и т.д. Выдающаяся опера “Князь Игорь” А. Бородина сочинена на основе шедевра древнерусской литературы “Слово о полку Игореве” и т.д. Русские композиторы создали ярчайшие образцы симфонической музыки: симфонии, концерты, увертюры и симфонические поэмы П. Чайковского, Богатырская симфония А. Бородина, сюита М. Мусоргского “Картинки с выставки”, произведения С. Танеева, А. Скрябина, С. Рахманинова и др.

Тот же самый процесс характерен и для живописи, когда лучшие художники стремились создать портреты своих великих современников. В. Перов пишет портреты Ф. Достоевского, И. Тургенева, А. Островского, М. Салтыкова-Щедрина; И. Крамской – портреты Л. Толстого, Некрасова, Третьякова; И. Репин – портреты И. Тургенева, Л. Толстого, М. Мусоргско­го; Н. Ге – А. Герцена и Л. Толстого и т.д.

Важным направлением в европейской художественной культуре последней трети XIX в. был также натурализм – идейно-художественное направление в европейской культуре последней трети XIX в., характери­зующееся повышенным вниманием к среде обитания людей и базирую­ще­еся на предопределенности человеческих пороков влиянием среды. Возникновение натурализма было сопряжено со стремлением писате­лей внести в литературу методы строго научного исследования действи­тельности, основывающегося на эксперименте, точности описания и документальности. Натурализм исходил из положения, что судьбы людей предопределены наследственностью, средой и общественными отношениями вне зависимости от их воли. Своей философской основой натура­листы избрали позитивизм. Их эстетика созвучна философии Огюста Конта, требовавшего сугубо эмпирического изучения действи­тель­ности и отказа от обобщений, а также – теориям Ипполита Тэна. В своей “Истории английской литературы” Тэн утверждал, что для понима­ния худож­ника важнейшее значение имеют три фактора: среда, в которой формируется и творит художник, исторический момент, на который приходится его творчество, и раса – особенности национального склада творца.

Глашатаями натурализма выступили братья Жюль и Эдмон Гонкуры, а наиболее ярким представителем стал Эмиль Золя. В 1868 г. писатель приступил к созданию двадцатитомной серии “Ругон-Маккары”, которую предворяет характерный подзаголовок: “Биологическая и общественная история одной семьи в эпоху Второй империи”. Теоретические взгляды Золя зафиксированы в книге “Натурализм в театре”. И неудивительно, что влияние натурализма испытали многие крупные драматурги-реалисты: Г. Ибсен (“Привидения”), М. Горький (“На дне”), Л. Толстой (“Власть тьмы”), Г. Гауптман (“Ткачи”) и т.д. Естественно, что и внутри театра натурализм значительно повлиял на формирование режиссуры как средства создания всякий раз особой среды обитания и действия. (Режиссёры Андре Антуан во Франции и Отто Брамм в Германии).

Художественно-изобразительной системой, которая не копировала, а воспроизводила действительность в соответствии с определенным спон­танно возникшим впечатлением стал импрессионизм. Импрессио­низм – направление в искусстве, сформировавшееся во Франции в конце 60-х – начале 70 годов и стремящееся запечатлеть мир во всей его подвижности и изменчивости, отразить мгновенное впечатление. Название произошло от картины Клода Моне “Впечатление” (1867 г.) и объединяло группу независимых художников, оппозиционных официальной академической школе: Эдуард Мане, Эдгар Дега, Клод Моне, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и др. Импрессионисты были уверены, что темой и сюжетом картины может быть непосредственное впечатление от увиденного. И они доказали это своим творчеством. Импрессионизм – это не философия и не техника, это новое художественное видение мира. Правдивость искусства импрессионисты видели не в тождестве с реальностью, а в том, что живопись должна воссоздавать момент, когда человек смотрит на мир непредвзятым взглядом, словно впервые, как ребенок. Импрес­сионистов упрекали в субъективном и непонятном для остальных взгляде на мир. Но их цветовое видение мира не было чисто субъективным. Оно отражало реально существующие природные оптические законы. Состояние атмосферы, воздух – единственный реальный сюжет картины. Дождь, ветер, интенсивность солнечного освещения – всё это неузнаваемо изменяет объект изображения. Именно эту изменчивость и стремились зафиксировать импрессио­нисты. Импрессионистический метод можно увидеть в творчестве прекрасных русских художников В. Серова, К. Коровина, М. Врубеля.

Импрессионизм в скульптуре получил блестящее воплощение в творчестве Огюста Родена (1840-1917), самого значительного скульптора рубежа XIX-XX вв. Наиболее известны его произведения: “Мыслитель”, “Адам”, “Ева”, “Вечная весна”, “Поцелуй”. Все они создавались скульпто­ром для единого скульптурного комплекса “Врата ада”, который так и не был завершён. В скульптурной группе “Граждане Кале” Роден вопло­тил тему человеческого героизма и стойкости. С импрессио­низмом его сближают поиски движения, стремление к “размыванию” объемов, пристрастие к фрагментам (принцип, использовавшийся в живописи Моне и Дега); его эмоционально-психологическое искусство оказало большое влияние на все последующее развитие пластики, породив как последователей (Антуан Бурдель и Аристид Майоль), так и принципиаль­ных противников (Константин Бранкузи, Александр Архипенко, Ганс Арп, скульптурные работы Амедео Модильяни и т.д.).

Импрессионизм как творческое направление был близок музыке. Для композиторов-импрессионистов – Клода Дебюсси и Мориса Равеля – характерны поиски новых выразительных средств, создающих неповторимое впечатление, использование необычных комбинаций инструментов. По эмоционально приподнятому, нервному, взволнован­ному, непредсказуемому характеру музыкальных сочинений к импрессионизму близок и замечательный русский композитор и пианист Александр Скрябин.

Постимпрессионизм – общее название течений в живописи конца XIX – начала XX вв., возникших как реакция на импрессионизм с его интересом к случайному и мимолётному, объединяющее художников, не связанных единством метода и программы. Каждый из художников, которых обычно называют постимпрессионистами (“те, кто пришел после”) – Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген – яркая индивидуальность. Постимпрессионизм интересен особым вниманием к форме, к декоративной стилизации, символикой цвета, новыми приёмами построения пространства и объёма.

Ещё одним значительным идейно-художественным направлением в европейском искусстве рубежа XIX-XX вв. стал символизм, для которого характерно использование в качестве выразительных средств разнообразных символов: образы-символы, идеи-символы и т.д. Сформировался символизм во Франции в 80-е годы. В манифесте, написанном поэтом Жаном Мореасом (1886), символисты объявили себя певцами “заката”, “упадка”, “гибели”, художниками безнадежности и разочарования. Внешний образ мира, “видимость” символисты противопоставляли внутренней сущности и говорили, что свою задачу они видят в познании и художественном воспроизведении сущности, которую можно постичь с помощью поэтической интуиции, а не логики. Художники-символисты противостояли реализму и импрессионизму и стремились выразить настроение и идеи через символику цвета и формы. Сюжеты их произведений были, как правило, мифологическими, мистическими или фантистическими. В некоторых произведениях к символизму близок великий русский художник М. Врубель (“Демон лежащий”, “Демон сидящий”, “Царевна-лебедь”, “Пан”).

Поэты-символисты использовали слова в их символическом, переносном значении, создавая систему образов-символов. Главой французского символизма стал поэт Стефан Малларме (1842-1898), однако высшей точкой этого течения является творчество поэтов Поля Верлена (1844-1896) и Артюра Рембо (1854-1891). Рембо пытался согласовать лирику с живописью, а в знаменитом “Цветном сонете” подыскивал цветовые эквиваленты гласных (А – черный, Е – белый, И – красный, У – зеленый). Возникнув во Франции, символизм быстро распространился по Европе. Европейский символизм выдвинул несколько значительных художников. Среди них швейцарский живописец Арнольд Бёклин, (“Остров мёртвых”, “Три грации”), бельгийский поэт и драматург Морис Метерлинк, автор пьесы “Синяя птица”, впервые поставленной в начале века на сцене Московского Художественного театра К. С. Станиславским, австрийский драматург Гуго фон Гофмансталь. Близок к символистам поэт Райнер Мария Рильке (1875-1926) – один из величайших лириков Авст­рии. В лучшей книге Рильке “Часослов” символическая недоговоренность сочетается с предвиде­нием близящейся мировой катастрофы и краха культуры.

В 80-90-е годы символизм появляется и в Англии, где его самым значительным представителем был Оскар Уайльд (1854-1900). Он разработал основы эс­тетики символизма, но занял видное место в истории литературы прежде всего как сатирик и обличитель индивидуа­лизма (роман “Портрет Дориана Грея”, пьеса “Саломея”).

Очень интересно и разнообразно проявляются символистические традиции в русской культуре рубежа веков. Такого количества гениальных представителей эстетики символизма не дала миру ни одна культура. Это творчество Д. Мережковского, З. Гиппиус и Ф. Сологуба, А. Блока, И. Аненнского, А. Белого, М. Кузмина, К. Бальмонта, И. Северянина, В. Брюсова. Девизом своим они считали тютчевскую строку “мысль изреченная есть ложь”, а только интуитивно воссоздаваемые образы отражают истину о человеческой душе. Поэтов-символистов объединяло общее миропонимание и видение поэтического языка. Наряду с требованиями “чистого”, “свободного” искусства символисты превозно­си­ли индивидуализм, воспевали таинственный мир подсознания. “Мне нужно то, чего нет на свете”, – писала Зинаида Гиппиус. “Настанет день конца Вселенной. И вечен только мир мечты”, – утверждал В. Брюсов. Символизм расширил, обогатил поэтические возможности стиха, что вызывалось стремлением поэтов передать необычность своего мироощущения “одними звуками, одними образами, одними рифмами” (В. Брюсов). Символисты презирали быт с его духовной бедностью. Реальному миру они противопоставляли умозрительные образы идеальной недостижимой красоты. Этим они отличались от романтиков, которые верили в возможность воплощения своих идеалов.

Одно из первых архитектурных направлений рубежа XIX-XX вв. – модерн (ар нуво – в Бельгии, сецессион – в Австрии, югендстиль – в Германии, либерти – в Италии и т.д.) – художественный стиль, использо­вавший наиболее интересные приёмы предшествующих стилей для достижения впечатления изящества, гармоничности, нетрадицион­нос­ти образцов архитектуры и декоративно-прикладного искусства. Для модерна характерны выявление функционально-конструктивной основы здания, отрицательное отношение к классическим традициям ордерной архитектуры, использование пластических возможностей “ковкости” (и отсюда широкое введение кривых линий) металла и особенностей железобетона, применение стекла и майолики. Все это, несомненно, привело к новому образу зданий. Но для модерна характерна и склон­ность к иррационализму (например, в творчестве знаменитого испанско­го архитектора Антонио Гауди (1852-1926) – собор Ла Саграда Фамилиа в Барселоне.

Стиль модерн, несмотря на кратковременность своего расцвета, оказал неизгладимое воздействие на русскую архитектуру. Радикально изменился облик русских городов: особняки и доходные дома в стиле модерн, деловые и торговые сооружения придали совершенно новый характер историческим центрам городов. Стремление к синтезу искусств, присущее модерну, необычайно расширило выразительность архитектуры. Если в столичном Петербурге одним из самых распростра­нен­ных типов архитектуры “нового стиля” был доходный дом, то в Москве по традиции ведущим остался частный особняк, претерпевший в эпоху модерна серьезную трансформацию. Это можно увидеть на примере лучших творений Федора Шехтеля – особняк С. Рябушинского (ныне дом-музей А.М. Горького), особняк З. Морозовой (ныне – Приёмная МИД России). Большой интерес представляют также и другие проекты этого замечательного архитектора: здание Ярославского вокзала, фасад и внутреннее убранство здания Художественного театра, Дом москов­ского купеческого общества и др.

В истории русской культуры период конца XIX – начало XX вв. получил название “серебряного века” русской культуры. Интереснейшее явление этого периода художественное объединение “Мир искусства”, созданное в один год с Московским Художественным театром в 1898. В этом объединении участвовали известные художники А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Е. Лансере, А. Головин, М. Добужинский, М. Врубель, В. Серов, К. Коровин, И. Левитан, М. Нестеров, Н. Рерих, Б. Кустодиев, К. Петров-Водкин, Ф. Малявин, М. Ларионов, Н. Гончарова и др. Огромное значение для формирования “Мира искусства” имела личность С. Дягилева, мецената и организатора выставок, а впоследст­вии – импрессарио гастролей русского балета и оперы за границей, так называемых “Русских сезонов”. Благодаря деятельности Дягилева русское искусство получает широкое международное признание. Организованные им “Русские сезоны” в Париже относятся к числу этапных событий в истории отечественной музыки, живописи, оперного и балетного искусства. В 1906 г. парижанам была представлена выставка “Два века русской живописи и скульптуры”, которая экспонировалась затем в Берлине и Венеции. Это был первый акт всеевропейского признания “Мира искусства”, а также открытия русской живописи XVIII – начала XX вв. в целом для западной критики и настоящий триумф русского искусства.