11. Григ «ноктюрн»

В искусстве Романтизма есть еще один замечательный образ, который вдохновлял разных художников – это образ Лебедя.

Так, теоретик символизма Стефан Малларме создает свою поэтическую миниатюру «Лебедь». Норвежский композитор Эдвард Григ пишет романс «Лебедь». Француз Камил Сен-Санс создает свой «Карнавал животных», где образ лебедя поручает виолончели.

Слияние хореографии и музыки было достигнуто в русском балетном искусстве конца XIX в. Одним из создателей нового балета был замечательный хореограф Михаил Фокин, который создал свою выдающуюся хореографическую миниатюру «Умирающий лебедь» для блистательной Анны Павловой.

СЛАЙД

Сохранился рисунок В.Серова, изображающий танцующую Павлову

Клод Моне «Голубые водяные лилии» 1916, с.425

М.Врубель «Царевна Лебедь»

МАЛЛАРМЕ ЛЕБЕДЬ стихи

12. ГРИГ ЛЕБЕДЬ вокал

13. СЕН-САНС ЛЕБЕДЬ для виолончели и фортепиано

Естественным продолжением романтического пафоса является искусство импрессионизма, сформировавшееся во Французской живописи в середине XIX века, которое к концу века рождает символизм.

слайды

Клод Моне «Сад в Живерни» 1900,

Морис Дени «Музы» 1893,

Морис Дени «Рай» 1912,

Жорж Рошгросс «Рыцарь цветов (Парсифаль)» /Версаль/ 1894

14. ГАБРИЭЛЬ ФОРЕ романс «МОТЫЛЕК И ФИАЛКА»

Для культуры Романтизма характерно появление национальных музыкальных школ.

Одной из таких экзотических школ является НОРВЕЖСКАЯ, которая в литературе представлена Г.Ибсеном, а в музыке Э Григом. Сам Ференц Лист пишет ободряющее письмо молодому Григу, где особо отмечает свежесть интонационного строя его музыки. Это письмо Григ сохранит на всю жизнь.

слайды

К. Моне «Гора Колсас в Норвегии» 1895,

Альберт Эдельфельт «Декабрьский день» 1893,

Фриц Таулов «Зимний день в Норвегии» 1886,

15. ГРИГ НОРВЕЖСКИЙ ТАНЕЦ для ф-но

16. ГРИГ НАРОДНЫЙ НАПЕВ для ф-но

Одним из характерных явлений романтического мировосприятия является обращение ко всему необычному и экзотическому. Примером тому является огромный интерес к Востоку, как Дальнему (в XVIIIв. Европа познакомилась с китайским фарфором, а в XIXв. – с японской гравюрой

слайды

Э.Мане п-т Эмиля Золя 1868, /на стене репродукция с его картины «ОЛИМПИЯ», а так же Гравюра ЦИ БАЙ-ШИ и КИТАГАВЫ УТАМАРО

Жан Леон Жером «Греческий интерьер» 1848,

Теодор Шассерио «Тепидарий» 1853

17. ДЕЛИБ СЕРЕНАДА вокал

18. ШОПЕН ЖЕЛАНИЕ вокал

А.Франс «...Всесильная любовь» стихи

19. ГРИГ ЛЮбЛЮ ТЕБЯ вокал

20. ОГИНСКИЙ ПОЛОНЕЗ /«Прощание с Родиной»/

21. СИБЕЛИУС СЕРЕНАДА трио (Скрипка, виолончель, фортепиано)

22. И.ШТРАУС ВАЛЬС трио (Скрипка, виолончель, фортепиано)

3.3. Образы Италии

Все движение Ренессанса основывалось на новом восприятии гуманизма и понимании смысла человечности. Восприятие зримого было сопряжено с максимальной высотой чувств, что произвело невообразимое богатство образов, полных философской глубины. Воспроизведение человеческих форм и изображение человеческого лица достигли новых вершин в связи с новым взглядом на гуманитарные науки.

Каждое поколение должно определить свое отношение к Ренессансу. Слово «Ренессанс» означает освобождение итальянской живописи и скульптуры от стилистических условностей готических и византийских форм. Постепенно оно получило более широкую культурную переориентацию и сегодня используется для обозначения целого периода европейской истории.

Еще в XIX веке владение языками античности и знание книг преобладали над пониманием искусства, знакомство с которым, в равной степени зависело от путешествий, книг, музеев, библиотек. Доступ к образам через репродукции был крайне ограничен. «Сегодня трудно представить, – писал Хейзинга, в 1943 г., – как трудно найти хорошие репродукции старинных шедевров». Но уже в 1960-е гг. репродукции фресок Сикстинской капеллы можно было встретить на стенах задних лестниц. В чем же вред от репродукций? – Происходит неизбежное отторжение объекта искусства от места его бытия, потеря «ауры» произведения. Однако благодаря влиянию репродукций, сегодня работы Боттичелли, Леонардо и Дюрера настолько известны, что могут, как и музыка Вивальди, удостоиться чести или подвергнуться унижению в качестве пищи для рекламы по причине своей всеобщей популярности.

В XVIII в. Италия оставалась родиной художественного гения и дала миру новое искусство – музыку! Повторяя вместе с остальной Европой французские нравы и вкусы, принимая чужой покрой одежды и даже мыслей, Италия осталась в основе своей особенной и не похожей на Францию. Она не могла всерьез проникнуться «философией» XVIII века, не могла воспринять сухой и черствой, чисто французскойй рассудочности. К идеям того времени Италия ничего не прибавила, идеи интересовали ее менее всего. То, что было в Париже лишь декорацией, плохо скрывавшей ход каких-то грозных исторических событий, то в Италии было действительно театральной декорацией, – декорацией оперы, комедии нравов, комедии масок.

Венеция была тогда второй столицей Европы. Она делила с Парижем поровну всех знаменитостей сцены, искусства и любви, всех знатных путешественников, всех необыкновенных людей, всех авантюристов, всех тонких ценителей жизни и всех ее изобразителей.

XVIII век был веком музыки, и ни один из городов Европы и даже Италии не мог сравниться тогда с Венецией по музыкальности. Одним из самых замечательных композиторов того времени был Венецианский патриций Бенедетто Марчелло.

Венеция превратила четыре женских монастыря в превосходно поставленные музыкальные школы, и слово «консерватория», обозначающее собственно приют, сделалось с тех пор нарицательным именем для всех музыкальных академий. Во главе этих консерваторий стояли лучшие музыканты эпохи: Доменико Скарлатти, Гассе, Порпора, Иомелли, Галуппи. На всех, кто слышал тогда пение у «Инкурабили» или слышал у «Мендиканти» исполнение оркестра, состоявшего исключительно из девочек и девушек, одетых в белые платья с гранатовыми цветами в волосах, эти концерты производили неизгладимое впечатление.

«Я не имел прежде никакого представления о подобных голосах», – писал Гете.

«Я не имел раньше понятия о таком наслаждении, о таких нежных волнениях, какие заставляет испытывать эта музыка…» – писал Руссо.

«Мало что я жалел так, расставаясь с Венецией, как эту консерваторию Мендиканти!» – восклицал князь Голицын.

Сандро Ботичелли между 30 и 40 годами жизни создал свой шедевр – «Рождение Венеры». Картина поражает нас возвышением над человеческими темами. Она поражает так же совершенным единством произведения, в котором ничего нельзя ни добавить, ни убавить, в котором самые незначительные подробности священны и нерасторжимы. Оно не может быть переложено ни в слова, ни в звуки, оно слишком отвлеченно для этого, и ни одна капля материи не тяготит его бесплотных, невесомых линий.

Боттичелли знал стихи Полициано, придворного поэта Медичи, который описал удивительную историю любви Джулиано Медичи и Симонетты Веспуччи. Ботичелли жил среди всего этого, видел турниры, игры, праздники на террасах медичейских вилл. Он был человеком своего времени и делил его особенности. И та отвлеченность его искусства, его интеллектуализм – это тоже флорентийская черта и черта времени. Ведь их современником был великий ЛЕОНАРДО.

Любовь царствовала тогда в мире. Любовь Джулиано и Симонетты стала важным событием века и Ботичелли доводит до нас ее священную память. Любовь длилась недолго и окончилась смертью обоих. Симонетта Каттанео родом из Генуи приехала во Флоренцию со своим мужем Марко Веспуччи в 1469 г., – умерла от чахотки в апреле 1476 г. В апреле 1478 г. Джулиано Медичи был заколот наемным убийцей в Флорентийском соборе во время заговора Пацци. Когда Симонетта приехала во Флоренцию, Боттичелли было 25 лет, он только исполнил свою первую работу. В год смерти Джулиано он был уже сложившимся мастером, автором «Паллады», «Венеры и Марса», «Весны-Примаверы» и многих мадонн. Между этими годами прошла его молодость, самое счастливое время. На глазах Симонетты и Джулиано родился гений Боттичелли, от этого они были для него самыми дорогими людьми

СЛАЙД (прил. 2)

«Рождение Венеры» 1484. Флоренция, Уффици.

Очевидно, что тематически и иконографически работа связана с культурой двора Лоренцо Медичи и проникнута философией НЕОПЛАТОНИЗМА. Этот образ возникает от гармоничного союза материи и духа, природы и идеи, любви и души. Иконографически источником для Венеры была античная скульптура, известная во Флоренции по нескольким экземплярам. На картине запечатлен момент, когда богиня, гонимая дыханием гениев воздуха достигает обетованного берега. Ее встречает одна из трех граций, украшенная розами и миртом, с красной мантией. Художник создает гениальный синтез мифического рождения богини из моря и христианского рождения души из вод крещения.

XVIII век был веком маски, но в Венеции маска стала почти что государственным учреждением, одним из последних созданий этого утратившего всякий серьезный смысл государства. С первого воскресенья октября и до праздника Вознесения каждому венецианцу было позволено носить маску. В эти дни открыты театры, это карнавал, и он длится почти полгода. «И пока он длится, все ходят в масках, начиная с дожа и кончая последней служанкой. Нет больше ни патриция, ни носильщика, ни шпиона, ни монахини, ни инквизитора, ни фигляра – кроме ее величества Синьоры Маски», – пишет известный английский путешественник лорд Бэкфорд.

Слайд (прил. 2)

Пьетро Лонги «Носорог» палаццо Редзонико, Венеция

В Венеции XVIII века было немало превосходных художников. Среди них были люди такого полета как Тьеполо, такого редкого изящества, как Франческо Гварди, такой тонкости зрения как Каналетто. Однако именно Лонги понял главный художественный «нерв» тогдашней венецианской жизни – красоту маски.

Венеция XVIII века видела последнюю великолепную вспышку итальянской комедии масок – COMEDIA dell Arte. Представления с участием нескольких «характеров», выраженных определенными масками, свободно импровизирующими свои роли, существовали в Италии в римские времена, наряду с комедиями Теренция и Плавта. В эпоху Возрождения она воскресла и со второй пол. XVI в. Сделалась излюбленным зрелищем. Комедия масок смешивала нежный говор венецианца Панталоне и его подружки Коломбины с грубоватой речью Доктора, который, как и подобает ученому, родился в ученой Болонье, Труфальдино и Арлекин из Бергамо, Бригелла из Брешии. Пульчинелла, со времен Цицерона, составляет принадлежность Неаполя, Стентерелло – флорентиец, Паскариэлло – римлянин. В Венеции комедия масок быстрее всего расцвела, и здесь она стала клониться к упадку. Здесь в 1707 г. родился Карло Гольдони, с именем которого связано новая эпоха итальянского театра.

Однажды в книжной лавке Беттинелли, расположенной в темном закоулке Венеции, встретились несколько литераторов. В их числе был сам Гольдони. Опьяненный своим успехом, он долго рассказывал о значении сделанного им переворота в итальянском театре, он осыпал насмешками и бранью старую комедию масок. Тогда один из присутствующих, высокий худой человек, молчаливо сидевший на связке книг, поднялся и воскликнул: «Клянусь, что с помощью масок нашей старой комедии я соберу больше зрителей на «Любовь трех апельсинов», чем вы, на разные ваши Памелы и Ирканы». Все рассмеялись этой шутке графа Карло Гоцци: «Любовь трех апельсинов» была народной сказкой, которую рассказывали няньки малым детям. Но Карло Гоцци и не думал шутить, и Венеция скоро в этом убедилась. Гоцци сдержал свое слово: он поставил пьесу «Любовь трех апельсинов». Зрительный зал был переполнен.

Программа концерта

1. Б. Марчелло Концерт ре-минор 2,3 части для фортепиано

2. Карулли АНДАНТЕ для двух гитар

3. Перотто «Тихо, так тихо…» вокал

4. А. Скарлатти «Перестаньте сердце ранить…» вокал

5. Лист СОНЕТ ПЕТРАРКИ для фортепиано

6. Неаполитанская нар. Песня САНТА ЛЮЧИЯ вокал

7. Бенда АЛЛЕГРО для фортепиано

8. Бенда АДАЖИО для скрипки и фортепиано

9. Куртис «Вернись в Сорренто» вокал

10. Марчелло Соната для виолончели и фортепиано

11. А. Скарлатти «Нет мне покоя» из оп. «Покинутая Дидона» вокал

12. А. Корелли Трио-Сонаты №№ 5, 7 для скрипки, виолончели и фортепиано

3.4. Образы Испании

Первое упоминание об Испании в России встречается в хрониках XVII века, но уже с середины XVIII в. устанавливаются дипломатические отношения с этой страной.

Испания выходит на арену мировой истории в XVI веке. К концу XV века завершаются процессы реконкисты – освобождения страны от арабского ига, под которым страна находилась более 500 лет. И тут же, в конце XV века испанцы становятся конкистадорами по отношению к вновь открытой Америке.

В XVI в первые Габсбурги в лице Карла V и Филиппа II укрепили могущество испанской короны настолько, что она становится царицей полумира. Император Священной Римской империи, «повелитель полумира», испанский король Карл V любил похвалиться тем, что «в его владениях никогда не заходило солнце». И это было правдой, так как его империя включала четыре континента: Европу, Азию, Африку и Америку.

Политический и экономический расцвет повлек за собою и расцвет культуры.

XVII век стал для Испании эпохой Возрождения. Наивысшего расцвета достигли литература и живопись. В литературе работали такие мастера пера как Мигель де Сервантес, Феликс Лопе де Вега, Фернандо де Эрерра и др.

Описывая богатейший город Испании Севилью Ф. де Эрерра говорит... (поэтический текст)

Фернандо де Эрера

Счастливая царица Океана...

Тобой трикрат Испания славна!

Твой Ум и Благородство чтит она,

Ей Польза щедрая твоя желанна.

Жемчужина Европы без изъяна,

Нет, не с Землей сравниться ты должна,-

Твоих богатств ей не вместить сполна,-

А с Небом, да, божественная манна.

Достаток твой и власть увидев, гость

Глазам не верит и на то гневится,

Что о тебе молва еще мала.

Не город, – мир! В тебе все то сошлось,

Что есть в других: Испании частица,

Ты целое собою превзошла

(перевод П. Грушко 1989 г.)

Особое лицо у испанской архитектуры, в которой переплавились черты арабской и европейской традиций. Они представлены архитектурными ансамблями Альгамбры и Эскориала.

СЛАЙД (прил. 3)

Альгамбра

К X в. Кордовский халифат (929 г.) провозгласил свою независимость от остального мусульманского мира, и арабская Испания превратилась в самую населенную, богатую и благоустроенную страну Европы. В XI в. Кордовский халифат распался, но при этом «мавританский стиль» в искусстве приобрел черты большего лиризма, интимности, утонченности, чувственности. Своей вершины мавританское искусство достигло в архитектурном комплексе «Альгамбра», ансамбль которого складывался на протяжении X–XIV вв.

«Неувядающим садом цветов и фруктов, истинным раем Магомеда» называли Гранаду и Альгамбру мавританские поэты.

Христианский правитель Фердинанд Великолепный в 1515 г. отдал приказ о сохранении Альгамбры.

СЛАЙД (прил. 3)

Эскориал

Карл V оставил своему сыну Филиппу II две просьбы: чтобы он боролся с ересью и чтобы он построил фамильную гробницу королевской семьи Испании.

В 1561 г. Филипп отправляется в гранитные горы Сьерра-де-Гвадарама, в небольшой шахтерский городок Эскориал, что в переводе означает «груда шлака». Король лично выбирал место для постройки фамильного склепа. Но вскоре он вырос в огромный ансамбль монастыря, базилики и дворца, соединенных в единое целое. Монастырь и светский дворец – вещи трудносовместимые. В Эскориале Филипп II хотел видеть монастырь, который одновременно и являлся бы королевским дворцом.

СЛАЙДЫ стиля ПЛАТЕРЕСКО

Среди светских построек Испании, оформленных с ювелирной точностью и изысканностью, господствует стиль ПЛАТЕРЕСКО (от исп. чеканный, узорчатый). Это название возникло в XVII в. В стиле Платереско построены университеты, больницы, частные дома.

Испанская живопись XVII–XVIII вв. представлена творчеством выдающихся мастеров кисти: Эль Греко (под этим псевдонимом работал греческий мастер из Византии Доменико Теотокопули), Хусепе Риберы, Диего Веласкеса, Эстебан Мурильо, Франсиско Гойя.

СЛАЙДЫ (прил. 3)

Эль Греко: «Петр и Павел», «Похороны графа Оргаса»,

«Портрет молодого человека», «Вид города Толедо»,

Веласкес: «Портрет инфанты Маргариты»,

«Менины», «Инфанта»

Ф. Гойя: «Зонтик», «Махо и махи»

1. ЧАЙКОВСКИЙ «Неаполитанская песня» для скрипки и фортепиано

СЛАЙДЫ (прил. 3)

Ф. Гойя: «Портрет Марии Терезии»,

«Портрет королевской семьи», «Портрет Исабель Кавос»

2. МЕЛОДИИ ФЛАМЕНКО для двух гитар

СЛАЙД (прил. 3)

М. Врубель «Испания»

Интерес к Испании в России всегда был велик. Наиболее яркими являются музыкальные зарисовки Михаила Глинки «Ночь в Мадриде», «Арагонская хота», ряд романсов.

Русский художник Михаил Врубель представил образ Испании в лице этой своенравной, непостижимой роковой красавицы.

Сюжеты своих картин Врубель черпал не из жизни, а из литературных произведений. Так, его картины «Испания» и «Гадалка», были навеяны оперой Жоржа Бизе «Кармен». Эту оперу Врубель считал «эпохой в музыке». Его захватили сила драматизма и внутренняя красота образа гордой и свободолюбивой героини, ее трагическая судьба.

В картине «Испания» Врубель далек от жанровой трактовки темы. Ее содержание шире. Художник не рассказывает подробно, что произошло в таверне. Его цель – создать яркий поэтический образ Испании с ее бурными страстями и пылкой романтикой. Воплощением этого романтического образа является гордая красивая девушка с черными горящими глазами, смелая, независимая в своих чувствах и поступках. Картина захватывает нас не только силой выраженного в ней чувства, которое читается в лицах героев, но и эмоциональностью колорита.

СЛАЙД (прил. 3)

М. Врубель «Гадалка»

Еще острее по драматизму полотно «Гадалка» (1895 г.). Картина поражает сконцентрированностью драматизма в фигуре безмолвно сидящей на ковре девушки, в выражении ее широко раскрытых глаз. Эти глаза беспокойно и загадочно горят на бледном лице, они властно приковывают к себе. Девушка ошеломлена прозрением в тайну своего будущего, и будущее это трагично. Выразительно все в картине – не только глаза, но и жест безвольно опущенных рук и разложенные на ковре карты, среди которых «роковая» карта – туз пик.

Новелла Проспера Мериме «Кармен» вдохновила Ж.Бизе на создание яркой, запоминающейся музыки.

3. БИЗЕ Несколько фрагментов из оперы «Кармен» для фортепиано

Лопе де Вега «О, как нехорошо любить притворно...»

4. САРАСАТЕ «Черный веер» вокал

Лопе де Вега «О женщина, услада из услад...»

5. ГЛИНКА Испанский ТАНЕЦ для фортепиано

6. МОШКОВСКИЙ «Мимолетная мысль» для фортепиано

Свое видение Испании предлагают русские импрессионисты

СЛАЙДЫ

Коровин «Испанки Леонора и Апсара»

7. ГЛАЗУНОВ «Испанская серенада» для виолончели и фортепиано

8. ДЕЛИБ БОЛЕРО вокал

9. ГИТАРА «Малагуэнья»

10. «О, голубка моя» ТРИО ГИТАР

Мы познакомились с произведениями испанского искусства, образцами архитектуры, скульптуры, живописи, музыки, а также с образом этой культуры глазами представителей России, Франции, Бельгии.

3.5 Образы Германии

Что же мы знаем об этой стране?

До рождества Христова территории между Рейном и Дунаем были римскими провинциями. От этого периода сохранились Черные ворота или Черный порт в городе Трир.

СЛАЙДЫ

А в V веке Рим захватили и разграбили воинственные германские племена остготтов, вестготтов, вандалов, лангобардов. Западная Римская империя, ослабленная внутренними противоречиями, не могла противостоять варварам.

Наступило Средневековье, продолжавшееся более тысячи лет. Церковь создала духовные предпосылки для совместного существования римлян и варваров. Идея Христианства сплотила средневековое общество. Кроме христианства Средневековье восприняло от античности некоторые художественные формы и ремесленные навыки: например, приемы строительства храмов, создание мозаики, фрески, книжной миниатюры.

VIII–X вв. – период существования варварских королевств. Династия Каролингов дала одну из наиболее замечательных политических фигур того времени – Карла Великого. На Рождество 800 г. в Латеранской базилике в Риме папа Лев III возложил на голову Карла «корону римских цезарей». Образ этого властителя, запечатленный в легендах и сказаниях, превратился в символ справедливости и могущества. Карл стал прообразом рыцаря Роланда в средневековом эпосе «Песнь о Роланде».

СЛАЙД (прил. 4)

Карл золотой

Своей резиденцией Карл избрал город Аахен. Сохранилась Аахенская капелла (часовня)

Это двухярусное сооружение высотой 30 м.

СЛАЙД (прил. 4)

Капелла в Аахене

Нижний 16-угольный этаж символизирует землю, верхний 8-угольный – небо.

В капелле в 814 г. был похоронен Карл.

В IX в. в восточной части империи Карла под властью Людовига Немецкого объединились германские земли и были заложены основы германской империи или Священной Римской империи германской нации (официальное название).

В X веке Оттон I герцог Саксонский короновался в Аахене. В это время в архитектуре Германии сложился особый тип церкви – базилики. Базилика – вытянутое прямоугольное сооружение с тремя нефами.

СЛАЙД

Собор св. Михаила в Гильдесгейме

В XI–XIII вв. время крестовых походов, для Германии – время жестоких междуусобных войн, борьбы императоров с папством. Архитектура наиболее ярко отражает дух времени: замок – крепость феодала, храм – крепость бога.

СЛАЙД (прил. 4)

Церковь Мария Лах

На смену романской эпохе приходит готика. Центрами политической и религиозной жизни становятся не монастыри, а города. Власть распределяется между ратушей и собором.

СЛАЙД (прил. 4)

Ратуша и собор в Бремене

БРЕМЕН являлся особым городом, где власть принадлежала не епископу и князьям, а бургомистру. Памятник Роланду – символ свободы, виден издалека и является образцом для других городов государства.

Горожане были заказчиками собора, а строителями являлись городские мастера.

СЛАЙД (прил. 4)

Кельнский собор

Готический собор легок, устремлен ввысь за счет принципиально новой конструкции сводов. Арки-нервюры собраны в пучки, тяжесть перекрытия вынесена на контрфорсы, на которые перекинуты арки-аркбутаны. Кельнский собор начал строиться в XIII веке, а закончен в 1880 г. Он стал самым высоким сооружением в мире – 46 м.

Термин «готика» появляется в эпоху Возрождения по названию племени готов.

«Упаси боже любую страну от одной мысли о работах подобного рода – столь бесформенных по сравнению с красотой наших построек» – писал Вазари, теоретик искусств Возрождения.

Колыбелью Возрождения являлась Италия. В странах Северной Европы не было обилия памятников античности и до 1500 г. мало кто представлял себе как они выглядят. Культурное возрождение североевропейских народов произошло в Средние века, а порой зрелости для них стала эпоха готики. Готическое искусство было той почвой, на которой дали всходы семена Северного Возрождения. На становление нового искусства огромное влияние оказала не Античность, а Христианство. Земной мир вызывал живейший интерес, поскольку был продолжением мира небесного. А человек, в отличие от итальянского искусства, где он был центром Вселенной, в искусстве Северного Возрождения – не вершина творения, а одно из многочисленных свидетельств всемогущества Творца. Созданный вместе с этим миром, включенный в космический ритм природы, он живет одной жизнью с небесами, землей и морем. Он прекрасен и величав, но не более, чем камень или травинка.

Эпоха Возрождения в Германии дала миру первоклассных мастеров живописи: Дюрера, Гольбейна, Кранаха.

А. Дюрер (1471–1528) – одним из первых стал изображать себя, стал родоначальником жанра автопортрета.

СЛАЙД (прил. 4)

А. Дюрер «Автопортрет Дюрера в 13 лет»

1491 – уставший подмастерье.

1493 – молчаливый серьезный юноша.

1498 – баловень судьбы, нарядный кавалер.

1500 – лучший. Завещание автора в вечность. Внутреннее волнение передает жест руки. Появляется монограмма, слева надпись: Я, Альбрехт Дюрер, нюрнбержец, написал себя так вечными красками, дата 1500 (считалась концом света)

1513–1514 гг. – высший расцвет творчества Дюрера. Три листа мастерских гравюр.

СЛАЙДЫ (прил. 4)

А. Дюрер: «Рыцарь, дьявол и смерть»,

«Святой Иероним в келье», «Меланхолия»

Это художественная исповедь мастера о смысле человеческой жизни и о себе.

Всадник подобен Дон-Кихоту, Смерть – мертвец на костлявой кляче с часами, Рыцарь – это христианин, следующий к небесному граду, несмотря на искушения дьявола и неотступную близость смерти.

«Св. Иероним» – тема уединения и покоя ученого-отшельника. Св. Иероним – покровитель учителей и учащихся. Он перевел св. Писание на латынь в V в. Любовно запечатлены все мелочи обстановки: песочные часы, сухая тыква-фляга паломника, туфли под скамьей, кардинальская шляпа – на гвозде, а лев, словно кот, растянулся с собачонкой на полу.

«Меланхолия» – самая загадочная из гравюр и любимая мастером. Античность и Средневековье выделяли 4 темперамента, среди которых наиболее загадочным и непредсказуемым считался меланхолический. Очень талантлив, плохо приспособлен к житейским делам, его покровитель – Сатурн, которому ведомы сокровенные начала Вселенной. Лишь Меланхоликам доступны радости открытия. Дюрер считает себя Меланхоликом, что позволяет назвать гравюру духовным автопортретом мастера. Крылатая женщина – муза Дюрера, рядом собака- символ меланхолика. Смысл в том, что человек одаренный, чужд окружающим и скитается по земле чудаковатым рыцарем. Радость труда он находит в келье.

СЛАЙД (прил. 4)

А. Дюрер «Четыре апостола»

«Четыре апостола» – последняя работа мастера. Диптих «Иоанн, Петр», «Павел, Марк» был преподнесен Дюрером в дар своему родному городу Нюрнбергу, однако герцог Максимилиан фон Виттельсбах буквально выманил этот шедевр Дюрера для своей коллекции в Мюнхене. (Его отец Вильгельм 4 фон Виттельсбах основатель коллекции живописи старых немецких художников, впоследствии получившей название Старой пинакотеки в Мюнхене, столице Баварии).

Альбрехт Альтдорфер (1480–1538) – один из основателей новоевропейского пейзажа.

СЛАЙД (прил. 4)

А. Альтдорфер «Битва Александра Македонского с Дарием»

Картина «Битва Александра Македонского с Дарием» (1529) хранится в Старой Пинакотеке в Мюнхене.

В сражении 333 г. до н.э. при Иссе персы были побеждены. Зрителя поражает контраст между небольшим размером картины и грандиозностью изображенного зрелища. Побеждает армия справа, на ее знаменах легендарный герб Македонского царства – грифон. Еще миг – и решится спор

2-х многотысячных армий, двух мировых империй. Сцена сражения напоминает разоренный муравейник на фоне морского залива, дальних гор и необъятного неба.

Солнце и луна, появившиеся одновременно – древний символ события всемирного значения. День и ночь ведут войну не менее драматичную, чем битва греков и персов. Победа на небе противостоит победе на земле. Что это? Образ вселенского равновесия? Судьбы людей и стран, свет и тьма, пространство и время причудливо перемешаны. Разве это не иллюстрация гелиоцентрической концепции культуры Чижевского, согласно которой социокультурные процессы на Земле обусловлены деятельностью Солнца.

Картина Альтдорфера – это по существу первая историческая картина. В картуше надпись на латыни, объясняющая данное событие.

Эта картина явилась первой в коллекции мюнхенской пинакотеки.

Лукас Кранах Старший (1472–1553) – Лукас Моллер из Кранаха в верхней Франконии. Странствовал по Германии в поисках признания. Отправился в Палестину со свитой герцога Саксонского.

СЛАЙД

Лукас Кранах «Мадонна под яблоней»

Гедонистический характер царит в картине. Красавица Мадонна – символ материнства, яблоня – древо Евы, первородный грех которой искупает Мария, корочка хлеба в руке младенца – символ тела Христова, все это создает незабываемое впечатление.

Лукас Кранах – художник декоративного склада. Признание ему принесли портреты, в которых он с симпатией относился к своим моделям, но без восхищения. Ему лучше удавались портреты детей.

СЛАЙД (прил. 4)

Лукас Кранах «Женский портрет»

«Женский портрет» был написан в 1526 г. Возможно это Катарина Бора, беглая монахиня, жена Мартина Лютера. Кранах был посаженным отцом на их свадьбе.

Ганс Гольбейн Младший (1498–1543) – последний крупный немецкий живописец XVI века. Его деятельность протекала вне страны – в Швейцарии, Италии. По рекомендации своего друга – Эразма Роттердамского отправился в Англию, где нашел теплый прием в доме советника короля Генриха VIII, одного из основоположников утопического социализма – Томаса Мора.

СЛАЙДЫ (прил. 4)

Ганс Гольбейн: «Портрет Эразма Роттердамского»,

«Портрет Томаса Мора», «Портрет Георга Гисе»

В портрете Георга Гисе передан дух бюргерской среды: расчетные книги, расписки, весы – естественное окружение торговца.

Портрет Шарля де Моретта – французского посланника при английском дворе.