§7. Передвижники

Товарищество передвижных художественных выставок (Передвижники) - творческое объединение российских художников, существовавшее в последней трети XIX века. В эстетическом плане участники Товарищества, или передвижники, целенаправленно противопоставляли себя представителям официального, академического художественного направления. Основателями общества были И. Н. Крамской, Г. Г. Мясоедов, Н. Н. Ге и В. Г. Перов. В своей деятельности передвижники вдохновлялись идеями народничества. Передвижники вели активную просветительскую деятельность, в частности, организуя передвижные выставки; жизнь Товарищества строилась на кооперативных началах. В 1863 году 9-го ноября 14 самых выдающихся учеников императорской Академии художеств, допущенных до соревнования за первую золотую медаль, обратились в Совет Академии с просьбой - заменить конкурсное задание (написание картины по заданному сюжету из скандинавской мифологии «Пир бога Одина в Валгалле») на свободное задание, написание картины на избранную самим художником тему. На отказ Совета все 14 человек покинули Академию. Это событие вошло в историю как «Бунт 14-ти». Именно они организовали «Художественную артель», позже, в 1870 году, она была преобразована в «Товарищество передвижных художественных выставок». Расцвет деятельности Товарищества передвижников пришелся на 1870-1880-е годы.

В состав передвижников в разное время входили: И.Е. Репин, В.И. Суриков, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. М. Максимов, К. А. Савицкий, A.M. и В.М. Васнецовы, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко, И. И. Левитан, В. А. Серов, А. Е. Архипов и многие другие. Участниками выставок Товарищества были М. М. Антокольский, В. В. Верещагин, А. П. Рябушкин, И. П. Трутнев и другие. Большую роль в развитии искусства передвижников играл известный исследователь искусства и критик В. В. Стасов; П. М. Третьяков, приобретая в свою галерею произведения передвижников, оказывал им важную материальную и моральную поддержку. Многие из работ передвижников были сделаны по заказу Павла Михайловича Третьякова. Последним главой товарищества, избранным в 1918 году, был Радимов Павел Александрович. Для картин передвижников были характерны обострённый психологизм, социальная и классовая направленность, высокое мастерство типизации, реализм, граничащий с натурализмом, трагический в целом взгляд на действительность. Ведущими стилями в искусстве передвижников были импрессионизм и реализм.

§8. Живопись второй половины XIX века

Русская культура второй половины XIX века развивалась в условиях, когда в стране утверждались новые, капиталистические отношения, проводились различные реформы. В то же время сохранялись пережитки крепостничества, рождалось рабочее движение, ширился общий социальный протест против самодержавия, происходили серьезные изменения в социальной структуре. Все это оказало воздействие на культурное развитие России. В изобразительном искусстве второй половины XIX века господствующим направлением был критический реализм. Идеологом и организатором художников этого направления являлся И.Н. Крамской. В начале 60-х годов группа талантливых учеников Академии художеств во главе с И.Н. Крамским отказалась участвовать в конкурсе на обязательную мифологическую тему и в знак протеста вышла из Академии, объединившись в Артель петербургских художников. В 1870 году было создано Товарищество художественных передвижных выставок, куда вошли члены Артели, а также почти все крупные художники-реалисты того времени. Главную свою задачу они видели в том, чтобы глубоко изучать и изображать в живописи реальную жизнь народа, его быт, народные типы. В целях пропаганды своего искусства Товарищество организовало передвижные выставки, откуда и пошло наименование - «Передвижники». В творчестве И.Н.Крамского главное место занимала портретная живопись. Сильны по своей выразительности портреты Л.Н.Толстого, Н.А.Некрасова, С.С. Боткина. В картинах «Христос в пустыне», «Неутешное горе» глубоко раскрывается внутренний мир человека, его душевные переживания.

Крамской Иван Николаевич (1837-1887гг.) - русский художник-живописец, рисовальщик, мастер картины на исторический, сказочный сюжет. Теоретик искусства, художественный критик, педагог. Представитель реализма. Художник родился в провинции в семье писаря. Крамской И.Н. пробивался к искусству с редким упорством. Пятнадцати лет он поступил учеником к иконописцу, год спустя - ретушёром к фотографу. В 1857 году, оказавшись в Петербурге, рискнул без подготовки держать экзамены в Академию Художеств, и был принят. Рано повзрослевший, мыслящий и начитанный, он быстро приобрёл авторитет среди товарищей и, естественно, стал одним из вожаков «бунта четырнадцати» в 1863 году, когда группа выпускников отказалась писать дипломные картины на заданный мифологический сюжет. После ухода бунтарей из Академии Художеств И.Н. Крамской возглавил созданную по его инициативе «Артель художников» - своеобразную коммуну. В эти годы он много занимался портретами, главным образом заказными, для заработка, исполняя их в технике «мокрого соуса», позволявшей имитировать фотографию. Из его ранних работ особенно выделяются портрет В.М. Максимова (1866г.) и автопортрет (1867г.). Затем И.Н.Крамской покидает «Артель», увлекаясь новой идеей - созданием «Товарищества передвижных художественных выставок» (ТПХВ). Он принял участие в разработке устава «Товарищества» и сразу сделался не только одним из самых деятельных и авторитетных членов правления, но и его идеологом, защищавшим и обосновывавшим основные позиции этого своеобразного художнического братства. От других руководителей «Товарищества» его выгодно отличала самостоятельность мировоззрения, редкая широта взглядов, чуткость ко всему новому в художественном процессе и нетерпимость к догматизму. Замыслы картин И.Н. Крамского были значительны и оригинальны. В картине «Христос в пустыне» (1872г.), ему удалось убедительно высказаться об очень важной для русской интеллигенции проблеме нравственного выбора, которая встает перед каждым, понимающим свою ответственность за судьбы мира, и эта картина художника достойно вошла в историю отечественного искусства.

Необходимо отметить, что И.Н. Крамской проявил себя, прежде всего как замечательный портретист. Начиная с автопортрета 1867 года, художник утверждает идеалы гордой, нравственно сильной личности. Он запечатлел многих деятелей русской культуры: Л. Н. Толстого (1873г.); П. М. Третьякова (1876г.); Н. А. Некрасова «в период «Последних песен» (1877-1878гг.); живописца А. Д. Литовченко (1878г.); М. Е. Салтыкова-Щедрина (1879 г.); И.А. Гончарова (1874г.); Я.П. Полонского (1875г.); Д.В. Григоровича (1876 г.); М.М. Антокольского (1876г.). Часть этих портретов была написана специально по заказу П.М. Третьякова для его картинной галереи. И.Н. Крамской часто применял в портретах (например, портрет художника Ф.А. Васильева (1871г.), который находится в Третьяковской галерее) монохромную технику соуса (живопись смесью черного красящего порошка с клеем и водой), добиваясь особой тонкости светотеневых переходов. Наибольших успехов Крамскому удалось добиться в портретном творчестве. Портреты И.И. Шишкина (1873г.) и В.С. Соловьева (1885г.) находятся в Русском музее. Личности портретируемых не идеализируются сверх меры, впечатляя убедительностью характера и деталей. Следует отметить, что та же мягкая живописность, четкая ясность пластической композиции выделяет и крестьянские образы И.Н.Крамского. Крупным явлением искусства стали изображения русских крестьян: «Полесовщик» (1874), «Созерцатель» (1876), «Мина Моисеев» (1882), «Крестьянин с уздечкой» (1883) – находятся в Киевском музее русского искусства. В портретах образы русских крестьян по-своему значительны и величавы. Этапное значение имеют сюжетно-тематические полотна И.Н. Крамского. Наряду с Н. Ге он выступил как реформатор религиозной картины, придавая ей актуально-политическое звучание. Его «Христос в пустыне» (1872г.) выглядит как собирательный образ современного человека в момент мучительного внутреннего выбора. Незавершенным остался последний большой замысел художника – картина «Хохот» («Радуйся, царю Иудейский» - находится в Русском музее). В картине показана тупая и самодовольная толпа стражников и фарисеев, которая осмеивает Христа. Художник в своём творчестве стремится создать картины-символы, воплощающие «вечные темы» - такие, как чудо потустороннего мира («Русалки» по мотивам повести Н.В. Гоголя «Майская ночь», 1871г.); упадок и бренность (в работе, которая осталась неоконченной, «Осмотр старого дома», 1873 г.); смерть (в работе «Неутешное горе», 1884г.) В таинственные олицетворения женского начала порой превращаются его портреты Е. А. Третьяковой в «Лунной ночи» (1880г.) или «Неизвестной» (1883г.). Во всех этих работах мастер выступает как непосредственный предшественник символизма. Работал И.Н. Крамской и как педагог (преподавал в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, 1863-1868гг.), — самым знаменитым его учеником стал И. Е. Репин. Со временем Крамской-портретист стал очень популярен, у него появилось множество заказчиков, вплоть до членов императорской фамилии. Это позволило ему в последние годы жизни существовать безбедно. По мнению специалистов, в 1880-х гг. И.Н. Крамской поднялся на новую ступень в своём творчестве - добился более глубокого психологизма, позволявшего «обнажить» сокровенную суть человека. Таким он проявил себя в портретах И.И. Шишкина (1880г.), В.Г. Перова (1881г.), А.С. Суворина (1881г.), С.С. Боткина (1882г.), С.И. Крамской, дочери художника (1882г.), В.С. Соловьева (1885г.).

Напряжённая жизнь подорвала здоровье художника. И.Н.Крамской умер 24 марта 1887 года во время работы над портретом доктора Раухфуса: внезапно наклонился и упал. Сам доктор попытался оказать ему помощь, но уже ничего нельзя было сделать. Художнику не было и пятидесяти лет. Похоронен Иван Николаевич Крамской на Тихвинском кладбище Александро-Невской Лавры (Некрополь мастеров искусств) в Санкт-Петербурге.

Своим творчеством мировую славу как живописец-маринист и мастер батального жанра снискал великий русский художник

Айвазовский Иван Константинович (1817-1900гг.) – художник-маринист и исторический баталист Иван (Ованес) Константинович Айвазовский родился 17 июля 1817 года в Феодосии в семье разорившегося армянского коммерсанта. Предки Айвазовского в XVIII веке переселились из Западной (Турецкой) Армении на юг Польши. В начале XIX века торговец Константин (Геворг) Гайвазовский перебрался из Польши в Феодосию. После постигшей Феодосию эпидемии чумы в 1812 году семье Гайвазовских жилось тяжело. Содержать семью, в которой были две дочери и три сына, помогала жена Константина Рипсиме, искусная вышивальщица. Очень рано у И.К. Айвазовского проявились исключительные способности к рисованию и музыке, он хорошо играл на скрипке. Айвазовский И.К. в этот период с увлечением копировал гравюры из книги о борьбе греков против османского владычества. Начальное образование Айвазовский И.К. получил в армянской приходской школе, а затем окончил Симферопольскую гимназию, в которую его помог определить городской архитектор Кох. В 1833 году при содействии феодосийского градоначальника А. Казначеева Айвазовский И.К. отправился в Петербург. Он был зачислен в Академию художеств в пейзажный класс профессора М. Н. Воробьева по представленным детским рисункам. Затем учился в батальном классе у А. Зауервейда и недолгое время у приглашенного из Франции мариниста Ф. Таннера.

В 1835 году за «Этюд воздуха над морем» художнику была присуждена серебряная медаль второго достоинства. В 1837 году за три морских вида и в особенности за картину «Штиль» ему присуждают Первую золотую медаль и сокращают академический курс на два года с условием, чтобы он за это время написал пейзажи ряда крымских городов. В результате поездки в Крым появились виды Ялты, Феодосии, Севастополя, Керчи и картины «Лунная ночь в Гурзуфе» (1839г.), «Буря», «Морской берег» (1840г.).

В 1839 году И.К. Айвазовский принял участие как художник в военно-морском походе к берегам Кавказа. На борту корабля художник получает возможность изучать конструкции военных кораблей. И.К. Айвазовский создает первое батальное полотно – «Высадка десанта у Субаши» (1839г.).

Крымские работы художника успешно экспонировались на выставке в Академии художеств, и в качестве поощрения И. К. Айвазовскому была предоставлена командировка в Италию.

В 1840 году И.К. Айвазовский отправляется в Италию. Затем в 1841 году художник фамилию Гайвазовский изменил на Айвазовский.

И.К. Айвазовский создал в Италии около пятидесяти крупных картин. Успех художнику принесли романтические морские пейзажи «Буря», «Хаос», «Неаполитанский залив лунной ночью» (1839г.) и другие. Его картину «Хаос» приобрел Ватиканский музей. Папа Григорий XVI наградил художника золотой медалью. Талант художника признают ценители искусства и коллеги.

В 1843 году начинается путешествие художника с выставкой картин по Европе в городах: Рим, Неаполь, Венеция, Париж, Лондон, Амстердам. И.К. Айвазовскому Академией художеств Амстердама было присуждено звание академика. Как единственный представитель русского искусства он участвовал в международной выставке, организованной в Лувре. Десять лет спустя он первым из иностранных художников стал кавалером ордена Почетного легиона.

В 1844 году, на два года раньше намеченного срока, И.К.Айвазовский вернулся в Россию, где Петербургская Академия художеств удостаивает его звания академика. Военно-морское ведомство присудило ему почетное звание художника Главного морского штаба с правом ношения адмиралтейского мундира и поручило «обширный и сложный заказ» - написать все русские военные порты Балтийского моря. В течение зимних месяцев (1844-1845гг.) И.К.Айвазовский выполнил правительственный заказ и создал еще ряд прекрасных марин.

В 1845 году вместе с экспедицией Ф. П. Литке И.К.Айвазовский побывал у берегов Турции и Малой Азии. Во время этого плавания он сделал большое количество рисунков карандашом, служивших ему в течение многих лет материалом для создания картин, которые он всегда писал в мастерской. Возвратившись из экспедиции, Айвазовский уезжает в Феодосию. В Феодосии художник построил на берегу моря дом-студию и окончательно обосновался здесь. Зимой он обычно бывал со своими выставками в Петербурге и других городах России, иногда выезжал за границу. В течение своей долгой жизни Айвазовский совершил ряд путешествий: несколько раз побывал в Италии, Париже и других европейских городах, работал на Кавказе, плавал к берегам Малой Азии, был в Египте, а в конце жизни, в 1898 году, совершил путешествие в Америку.

Живопись И.К. Айвазовского сороковых-пятидесятых годов отмечена сильным воздействием романтических традиций К. П. Брюллова, сказавшихся на живописном мастерстве художника.

Подобно К.П. Брюллову художник стремится к созданию грандиозных красочных полотен. Очень ярко это отразилось в батальной картине «Чесменский бой» (1848г.), посвященной выдающемуся морскому сражению.

Вклад И.К. Айвазовского в батальную живопись значителен. Он запечатлел эпизоды Севастопольской обороны, неоднократно обращался к героическим подвигам русского военно-морского флота.

Айвазовский И.К. был последним и самым ярким представителем романтического направления в русской живописи. Его лучшими романтическими произведениями второй половины 40 - 50-х годов являются: «Буря на Черном море» (1845г.), «Георгиевский монастырь» (1846г.), «Вход в Севастопольскую бухту» (1851г.).

К раннему периоду творчества И.К. Айвазовского, отмеченному стремлением передать особое состояние природы, относится картина «Девятый вал» (1850г.). Художник никогда не утрачивает интереса к морской стихии. Всепоглощающая вздыбленная громада, цвет которой составлен из неуловимых переходов серо-голубых тонов, господствует в картине «Волна» (1889г.) и одной из самых грандиозных картин «Черное море» (1881г.).

Творчество И.К. Айвазовского - своего рода морская энциклопедия.

Пятидесятые годы в творчестве художника связаны с Крымской войной 1853-1856 годов. Как только до И.К. Айвазовского дошла молва о Синопской битве, он сейчас же поехал в Севастополь, расспросил участников сражения обо всех обстоятельствах дела. Вскоре в Севастополе были выставлены две картины художника, изображающие «Синопский бой ночью» и «Синопский бой днём». Адмирал П.С. Нахимов высоко оценил эти работы, особенно «Синопский бой ночью».

В творчестве И.К. Айвазовского отображена природа Украины. Он любил беспредельные украинские степи и вдохновенно изображал их в своих произведениях «Чумацкий обоз» (1868г.), «Украинский пейзаж» (1868г.). Эти картины близки к пейзажу мастеров русского идейного реализма.

Шестидесятые и семидесятые годы принято считать периодом расцвета творческого дарования И.К. Айвазовского. В эти годы он создал ряд замечательных полотен: «Буря ночью» (1864г.), «Буря на Северном море» (1865г.). Эти картины относятся к наиболее поэтическим картинам И.К. Айвазовского.

В 1867 году И.К. Айвазовский создает большой цикл картин, связанный с восстанием жителей острова Крит против турецкого ига.

В 1868 году И.К. Айвазовский предпринял путешествие на Кавказ. В Армении он написал озеро Севан и Араратскую долину. Им создано несколько прекрасных картин, изображающих Кавказские горы со стороны восточного побережья Черного моря. В этот же период И.К. Айвазовский создаёт целый ряд портретов и картин на библейские и исторические сюжеты: в их числе «Крещение армянского народа» и «Клятва. Полководец Вардан» и большое полотно «Сошествие Ноя с Арарата».

В 1869 году И.К. Айвазовский отправился в Египет для участия в церемонии открытия Суэцкого канала. В результате этого путешествия была написана панорама канала и создан ряд картин, отражающих природу, жизнь и быт Египта, с его пирамидами, сфинксами, караванами верблюдов.

В 1873 году И.К. Айвазовский создал выдающуюся картину «Радуга». В сюжете этой картины - буря на море и корабль, гибнущий у скалистого берега. Изображая морскую бурю, Картина «Радуга» была новой, более высокой ступенью в творчестве И.К. Айвазовского.

Свет как идея играет в творчестве И.К. Айвазовского значительную роль. Свет в его искусстве - символ жизни, надежды и веры, символ вечности. В творчестве И.К. Айвазовского семидесятых годов можно проследить появление ряда картин, изображающих открытое море в полуденный час, написанных в голубой красочной гамме.

Художник был близок со многими передвижниками. И.К. Айвазовский устраивал выставки своих картин в Петербурге, Москве, во многих других больших городах России задолго до организации передвижных выставок. В 1879 году И.К. Айвазовский посещает Геную, где собирает материалы об открытии Америки Колумбом. В 1880 году художник открыл в Феодосии первую в России периферийную картинную галерею.

В 1881 году Айвазовский создал картину «Черное море». Море изображено в пасмурный день; волны, возникая у горизонта, движутся на зрителя, создавая своим чередованием, величавый ритм и возвышенный строй картины.

В последнее десятилетие он пишет ряд огромных картин, изображающих бурное море: «Обвал скалы» (1883г.), «Волна» (1889г.), «Буря на Азовском море» (1895г.), «От штиля к урагану» (1895г.) и другие. И.К. Айвазовский в своём творчестве был поглощен идеей создания синтетического образа морской стихии.

В 1898 году художник пишет картину «Среди волн», которая стала вершиной его творчества. И.К. Айвазовский изобразил бушующую стихию - грозовое небо и бурное море, покрытое волнами и кипящими в столкновении одна с другой.

В 1899 году он написал небольшую картину, прекрасную по ясности и свежести колорита, построенного на сочетании голубовато-зеленого цвета воды и розового в облаках – «Штиль у Крымских берегов».

Ряд поздних работ художника посвящен А.С. Пушкину, с которым И.К. Айвазовский познакомился в 1836 году на выставке в Академии художеств «Пушкин у моря» (1887г.)

Творческий путь И.К. Айвазовского охватывает огромный отрезок времени - шестьдесят лет. До последних дней жизни художник был полон новых замыслов. За свою творческую жизнь он создал шесть тысяч картин, исполнил много рисунков и акварелей. Заслуги его в искусстве были отмечены во всем мире.

Умер Иван Констатинович Айвазовский 19 апреля 1900 года. Согласно воле И.К. Айвазовского его похоронили в Феодосии, во дворе церкви Сурб Саргис, где он был крещен и где венчался. Высеченная надгробная надпись гласит: «Родился смертным, оставил по себе бессмертную память».

Основоположником лирического пейзажа в русской живописи по праву считается великий русский художник А.К. Саврасов

Саврасов Алексей Кондратьевич (1830-1897гг.) – русский художник, выдающийся пейзажист, основоположник символистского «пейзажа настроения» в русской живописи. Родился в Москве 12 мая 1830 в семье мелкого купца. Подростком писал пейзажные картинки на продажу. В 1844 поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1848 году начались занятия А.К. Саврасова пейзажной живописью под руководством талантливого педагога и замечательного человека, по-отечески заботившегося о своих учениках - К. И. Рабуса. Его уроки не только будили мысль, но и профессионально подготавливали молодых художников к самостоятельным поискам. В картинах и рисунках пятидесятых годов мы встречаем попытки преодоления академических традиций и самостоятельного решения художественного замысла. Среди картин этого периода выделяются два натурных этюда - «Камень в лесу у Разлива» и «Вид в окрестностях Москвы с усадьбой и двумя женскими фигурами» - эти две работы написаны в 1850 году. Более зрелой и мастерски исполненной стала картина «Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду» (1851г.). Этот пейзаж принес художнику первое признание и сделал его знаменитым. Первый успех ободрил начинающего художника, что позволило ему в 1855 году создать сложный по композиции и художественной задаче пейзаж «Вид в селе Кунцеве под Москвой», а в 1858 году «Вид в окрестностях Москвы при закате солнца». И в той и в другой картине А.К. Саврасов передаёт прежде всего сложный мир жизни природы, а не только красивый открывающийся вид. В подмосковных пейзажах пятидесятых годов в полной мере проявилась характерная черта, свойственная всему творчеству А.К. Саврасова в целом — это склонность к возвышенному восприятию природы. Эта романтическая черта присутствует в таких работах, как «Старые сосны» (1854г.), «Сосны (из Гусарева)» (1850-е годы), «Старый дуб у обрыва над рекой» (1857г.). Исполнены они с исключительным графическим мастерством, прослеживается здесь и постепенное усложнение художественных задач. Следует отметить, что раннее творчество А.Н. Саврасова: «Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду» (1851г.), «Вид в окрестностях Ораниенбаума» (1854г.) - пребывает в рамках романтизма, с его любовью к сильным эффектам атмосферической жизни, к резким контрастам переднего и заднего планов. Однако постепенно художник приходит к более спокойным, гармонически-ясным по композиции и колориту решениям, например: «Пейзаж с рекой и рыбаком» (1859г.). В этот период изображение влажной почвы в его картинах получает большое значение, прописывается с тонким пониманием её фактура: «Лосиный остров в Сокольниках» (1869г.), «Лунная ночь. Болото» (1870г.). Изначально творчеству А.К. Саврасова был свойственен «виньеточный» стиль. Как правило, сюжетом для виньеток являются растительные мотивы (часто фантастического и сказочного содержания), абстрактные изображения, реже - изображения людей и животных. Необходимо отметить, что на развитие творчества А.К. Саврасова важную роль играла не только работа над подмосковными пейзажами. Значительную помощь в становлении художника оказала поездка на Украину. Результатом этой поездки стали работы «Степь днем», «Рассвет в степи», «Вид Киева», датированные 1852-м годом. В этих работах художник стремился передать свои чувства и впечатления от степных просторов и показать характер и особенности украинской природы. В 1857 году А.К. Саврасов становится руководителем пейзажного класса в московском Училище. С этого времени начинается двадцатипятилетний период его плодотворной педагогической деятельности. Среди его учеников были К.А. Коровин и И.И. Левитан. Удивительно точно сказал о своем учителе И.И. Левитан: «Саврасов старался отыскать и в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу. Необходимо отметить, что с творчества А.К. Саврасова появилась лирика в русской живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле», о чём свидетельствует «Пейзаж с рекой и рыбаком» (1859г.), который наглядно демонстрирует достижения художника в области пейзажной лирики. Повседневное и поэтическое органично сливаются здесь воедино так, как это происходит в реальной жизни. Лучшим примером этого периода являются три пейзажа, написанные А.К. Саврасовым в 1861 году: «Вид на Москву от Мазилова», «Пейзаж с мельницей» и «Вечерний пейзаж». Художник, увлеченный сложностью и красотой передаваемого момента, по-новому использует доступные ему приемы живописи. А.К. Саврасову удаётся гармонично соединить воедино конкретность и обобщение, реальную сиюминутную красоту природы и ее переходное состояние. Большую роль в развитии творческого гения художника сыграла поездка в Англию в 1862 году. Там он смог познакомиться с европейским искусством, с передовой пейзажной живописью Англии, мало известной в России. Имея к тому времени десятилетний опыт самостоятельной работы, художник был уже внутренне подготовлен к восприятию опыта зарубежного искусства. «Ни одна в мире академия не могла бы так развить взгляд художника, как настоящая выставка в Лондоне», — писал А.К.Саврасов в одном из писем. Из всего, что увидел А.К. Саврасов в Англии, самым значительным было знакомство с английским пейзажным искусством. После Англии художник отправляется в Швейцарию для знакомства с горными пейзажами. Но если Англия познакомила его с миром искусства, то Швейцария представила ему замечательные виды и открыла художнику путь для эмоционального ее восприятия и собственного творчества.

С 1869 А.К. Саврасов участвовал в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Апогеем творчества художника, обозначившим новый этап развития отечественной пейзажной школы, стало полотно «Грачи прилетели», написанное в 1871 году. Поэзия обыденности, красота повседневного – эти новые качества привнес Саврасов в русский пейзаж. Во внешне простом мотиве деревенского неказистого ландшафта художник передал восхищение внутренней значительностью переходного момента от морозов к теплу, к зарождению новой жизни, трепетного ожидания счастья, которое овладевает всем живым ранней весной. Работы А.К. Саврасова неоднократно получали премии на выставках. Кроме того, он был награжден орденом Святого Станислава 3-й степени и орденом Святой Анны 3-й степени. В 70-е годы художник регулярно выезжал из Москвы на Волгу, работал в Ярославле, под Костромой, в Нижнем Новгороде, Юрьевце, в Троице–Сергиевой Лавре. Это были годы расцвета его творчества, создания шедевров лирического пейзажа. В 1871 на первой выставке Товарищества А.К. Саврасов экспонировал картины «Грачи прилетели» (ГТГ) и «Дорога в лесу» (ГРМ). Работа «Грачи прилетели» вызвала большой интерес и всеобщий восторг. Сюжет картины прост и незатейлив. Первые весенние деньки, стремительно тает снег под лучами тёплого солнца. На переднем плане картины художник разместил несколько озябших от мороза тоненьких берёзок, их голые ветки, начинающие набухать почками, усеяны птичьими гнёздами, над которыми с радостными криками носятся возвратившиеся раньше всех грачи. На дальнем плане виднеются невзрачные заборы и деревянные крыши, над которыми возвышается в сыроватом воздухе церковка с колокольней. Художник создаёт первое пробуждение природы от долгого зимнего оцепенения, пафос силы матушки природы, способной творить чудо возрождения. Такова главная тема этой картины. Именно с А.К. Саврасова, как отмечал его ученик и продолжатель И.И. Левитан, «появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родине». В этом же году у А.К. Саврасова умерла дочь. Вслед за этим появились трагические ноты в пейзажах мастера, а в 1874 было написано полотно «Могила на Волге. Окрестности Ярославля». В 1872 художник был избран в правление Товарищества вместе с В.Перовым, И.Прянишниковым, Г.Мясоедовым, Н.Ге и И.Крамским. Во второй половине 70-х у А.К. Саврасова начала развиваться болезнь глаз. В 1981 году художник в последний раз художник участвовал в выставке Товарищества, а в следующем году был уволен из Училища. У А.К. Саврасова произошел разрыв с семьей и начался период бедствования. Он жил во временных пристанищах, продавал работы перекупщикам «за копейки».

В середине 80-х А.К. Саврасов создавал рисунки для журналов «Радуга» и «Эпоха». В начале 90-х художник вступил в гражданский брак с Е.Моргуновой, у них родился сын (будущий художник–авангардист). В 1894 было опубликовано издание «А.К.Саврасов. Художественный альбом рисунков». Несмотря на болезнь и творческий кризис последних лет жизни мастера, он в эти годы писал значительные произведения: «Весна. Огороды» (1893г.), рисунок «Вид на село Покровское-Фили» (1893г.). Некоторые графические работы художника последних лет отличаются опережающей свое время экспрессией и раскованностью рисунка. На протяжении нескольких десятилетий А.К. Саврасов оставался признанным лидером отечественной школы пейзажа. Он оказал огромное влияние на формирование русских пейзажистов конца XIX – начала XX века. В 1897 А.К. Саврасов умер в отделении для бедных 2-й Московской городской больницы и был похоронен на Ваганьковском кладбище.

Русскую природу воспевал в своих картинах художник-пейзажист И.И. Шишкин.

Шишкин Иван Иванович (1832-1898гг.) – русский художник, мастер пейзажа. И.И.Шишкин родился в Елабуге, ныне Татарстан русский художник. Выдающийся мастер пейзажа органически соединил в своей живописи и графике черты романтизма и реализма. И.И. Шишкин родился в купеческой семье. Отец художника, И.В.Шишкин, был не только предпринимателем, но и инженером, археологом и краеведом, автором «Истории города Елабуги». Шишкин И.И, закончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества в 1856 году, продолжил обучение в петербургской Академии художеств (1856-1860гг.). Как пенсионер Академии жил в 1862-1865 гг. в Германии и Швейцарии, посещал мастерскую швейцарского пейзажиста Р. Коллера. Однако большее воздействие на него оказали эпически величественные пейзажи другого швейцарца А. Калама. Жил И.И. Шишкин преимущественно в Петербурге. Особое значение для художника имели натурные впечатления, полученные в родных местах (куда он нередко наезжал), а также природа острова Валаам и окрестностей Петербурга и Москвы. В 1858 году И. И. Шишкин создаёт картину «Вид на острове Валааме», которая была удостоена большой золотой медали Академии художеств, хотя сам художник не был вполне удовлетворен этой работой. Следует отметить, что для ранних работ мастера «Вид на острове Валааме» (1858г.), «Рубка леса» (1867г.) характерным является некоторая дробность форм. Художник не достигает еще в этих работах убедительного единства образа. В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869г.), это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, а также почвы, которую И.И. Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом он не имел себе равных в русском пейзажном искусстве. В 1870-е годы И.И. Шишкин входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872г.) и «Рожь» (1878г.).

В картинах художника всегда присутствует монументально-романтический образ Природы с большой буквы. Новые же, реалистические веяния проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева.

И.И. Шишкин - замечательный поэт не только почвы, но и природной отличительной особенности каждого дерева: вяза, дуба, сосны, ели, осины, берёзы, липы. С особой охотой художник пишет мощные и крепкие типы дубов и сосен, раскрывая их в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения И.И. Шишкина - такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя...» (1883г.), (картина названа по песне поэта А. Ф. Мерзлякова), «Лесные дали» (1884г.), воспринимаются зрителем как обобщенные, эпические образы России. Художнику И.И. Шишкину одинаково удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886; «Утро в сосновом лесу», где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе - там же). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной жизни. И.И. Шишкин плодотворно работал также в области офорта. Печатая свои тонко нюансированные пейзажные офорты в разных состояниях, издавая их в виде альбомов, Шишкин мощно активизировал интерес к этому виду искусства. Все работы И.И. Шишкина с каждым годом увеличивали за ним репутацию одного из лучших русских живописцев пейзажа и бесподобного, в своем роде, аквафортиста. В 1873 г. академия возвела его в звание профессора за приобретенную ею картину «Лесная глушь». В 1891. И. И. Шишкин создаёт картину «Дождь в дубовом лесу». После вступления в действие нового устава академии в 1892 году И.И. Шишкин был приглашен руководить в академии учебной пейзажной мастерской, но по различным обстоятельствам исполнял эту должность недолго. Педагогической деятельностью Иван Шишкин занимался мало, в частности, руководил пейзажной мастерской Академии художеств в 1894-1895 гг. Мастер имел в числе своих учеников таких художников, как Ф. А. Васильев и Г. И. Чорос-Гуркин. Его образы, несмотря на свою «объективность» и принципиальное отсутствие психологизма, свойственного «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского типа, всегда имели большой поэтический резонанс. Следует отметить, что И.И. Шишкин принадлежал к числу любимейших художников А. А. Блока. И.И. Шишкину, бесспорно, принадлежит место самого сильного рисовальщика. В 1898 году И. И. Шишкин создаёт картину «Корабельная роща».

Иван Иванович Шишкин умер скоропостижно 8 марта 1898 года В роковой день утром он чувствовал еще себя здоровым. В десятом часу, по обыкновению, он уже был в своей мастерской за работою вместе со своим учеником-алтайцем Гуркиным. В одиннадцатом часу Иван Шишкин вместе со своим учеником углем чертил на новом полотне новый этюд... Делая какой-то штрих, он вдруг внезапно как будто зевнул, затем, после двух тяжелых вздохов, вылетевших из его груди, голова его беспомощно опустилась на грудь, а правая рука с углем упала на колени... Гуркин бросился на помощь к своему учителю, но, увы... Это было напрасно: он не проронил ни слова и тихо отошел в вечность. Немедленно прибывший врач мог только констатировать смерть от разрыва сердца... Неумолимая смерть не оставила на лице его никакого следа: Иван Шишкин как будто спокойно заснул... («Новости дня», 12 марта 1898г.). Ныне в Елабуге создан музей имени выдающегося русского художника И.И. Шишкина.

Одним из наиболее ярких представителей критического реализма в русской живописи был художник В.Г. Перов. Его картина «Сельский крестный ход на Пасхе» вызвала общественный скандал, так как обличала сельское духовенство, темноту и невежество народной массы. Живопись Перова - это правдивый рассказ о жизни разных сословий. Он создал целый цикл жанровых картин. До боли пронизывает «Тройка», искреннюю улыбку вызывают «Охотники на привале», «Рыболов».

Перов Василий Григорьевич (1834-1882 гг.) – (настоящая фамилия Криденер), русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок . Василий Григорьевич Перов родился в Тобольске 2/4 января 1834 года. Он был внебрачным сыном тобольского прокурора Г.К. Криденера, человека просвещенного и свободомыслящего. Когда Перов был еще мальчиком, Криденер из-за своего независимого характера принужден был оставить казенную службу. Материальное положение семьи сильно ухудшилось, и отцу пришлось поступить на плохо оплачиваемое место управляющего имением. Учила мальчика грамоте сначала мать, а потом заштатный дьячок. В каллиграфии Василий был настолько искусен, что учитель дал ему прозвище Перов, ставшее впоследствии его фамилией. Детство Перова проходило в окрестностях Арзамаса. Он оканчивает уездное училище. Идя навстречу влечению сына, отец устраивает его в Арзамасскую художественную школу А.В. Ступина. Здесь он с 1847 по 1849 год получил азы профессионального образования. В 1852 году В.Г. Перов приехал в Москву и на следующий год поступил в Московское училище живописи и ваяния. Сначала его учителем был Е.Я. Васильев, строгий классик. Он по-отечески заботился о В.Г.Перове, поселил у себя и этим помог ему в трудную минуту, когда молодой художник из-за нужды хотел оставить учебу. Оканчивал училище В.Г. Перов под руководством С.К. Зарянко. В конце пятидесятых годов В.Г. Перов стал много работать с целью получения академической медали, В.Г. Перов пишет одну за другой картины, которые, появляясь на выставках, сразу создают ему имя. Первая картина была им написана в 1857 году и называлась «Приезд станового на следствие». Картина принесла молодому художнику Большую серебряную медаль. Картина стала заметным событием для публики и критики. В В.Г.Перове увидели «прямого наследника и продолжателя Федотова». В 1860 году В.Г. Перову была присуждена Малая золотая медаль за картину «Первый чин. Сын дьячка, произведенный в коллежские регистраторы». Получив право участвовать в конкурсе на Большую золотую медаль, В.Г. Перов решился представить Академическому совету эскиз на тему «Сельский крестный ход на пасхе» (1861г.). С этой картиной молодой художник входит в историю русского искусства. Однако картина «Сельский крестный ход на Пасхе» была отвергнута академией, В.Г. Перов пишет новую картину на соискание Большой золотой медали – «Проповедь в селе» (1861г.). На этот раз она была принята. Похоже, академическое начальство не поняло настоящего смысла картины. Содержание же его было не менее злободневным и не менее острым, чем предыдущей картины. В 1862 году В.Г.Перов написал «Чаепитие в Мытищах». Композиция картины построена на противопоставлении тучного монаха-чревоугодника и хромого слепца, инвалида войны, с мальчиком-поводырем. Осенью 1862 года В.Г. Перов женится на Елене Эдмондовне Шейс. А уже в декабре вместе с женой, получив от Академии художеств пенсион на заграничную поездку, он уезжает в Париж. По дороге он знакомится с музеями Берлина, Дрездена, посещает мастерские художников. Наблюдая народную жизнь в столице Франции, он создает такие яркие работы, как «Продавец песенников», «Уличная сцена в Париже», «Савояр». Эти произведения говорят о росте живописного мастерства художника, в них видно стремление более глубоко раскрыть психологию человека, выявить в нем социально-типические и индивидуальные черты. В.Г.Перов недолго пробыл в Париже. В 1864 году Перов В.Г. вернулся в Москву, где и прошла вся его дальнейшая жизнь.

Первая же картина, созданная после возвращения, – «Проводы покойника» (1865 г.) – сразу определила бесспорную роль В.Г. Перова как лидера нового движения – формирующегося идейного реализма. «Перед нами сани с женщиной и детьми, – говорил Д.В. Григорович, – как сделал художник, мы не знаем, – это тайна его высокого таланта, но глядя на эту спину, сердце сжимается, хочется плакать». Эмоциональный и социальный смысл картины точно почувствовал В.В. Стасов: «Перов создал в 1865 году одну из лучших своих картин: «Деревенские похороны». Картина была маленькая по размерам, но великая по содержанию… Художество выступало тут во всем величии своей настоящей роли: оно рисовало жизнь, оно «объясняло» ее, оно «произносило свой приговор» над ее явлениями. …Эти похороны еще безотраднее и печальнее, чем у Некрасова в поэме «Мороз-Красный нос». Там гроб провожали отец, мать, соседи и соседки, - у Перова никого. Перов дал полную покинутость и одиночество крестьянской семьи в ее горе». Близка этой картине по духу «Тройка» (1866г.). К лучшим произведениям этого типа относятся «Утопленница» (1867г.), «Последний кабак у заставы» (1868г.). Картины эти отличаются глубиной идейного содержания, правдивостью художественных образов, силой эмоционального воздействия. По драматизму и эмоциональной выразительности одно из лучших произведений В.Г.Перова картина - «Последний кабак у заставы» (1868г.). Одиночество, заброшенность, бесприютность человека на городской улице. Горькая женская доля – вот тема небольшой, внешне незамысловатой картины. Во второй половине шестидесятых годов В.Г. Перов продолжает работать и в области сатиры, острие которой по-прежнему направлено главным образом против духовенства. Не щадит художник и купечество. В картине «Приезд гувернантки в купеческий дом» (1866г.) Перов показывает тяжелую участь интеллигентной девушки, вынужденной идти в кабалу к купцу-самодуру. Наряду с глубокими общественными темами, искусство В.Г. Перова затрагивало и более простые житейские мотивы. Картины В.Г. Перова – «Любитель» (1862г.), «Учитель рисования» (1867г.), «Сцена у железной дороги» (1868г.), «Спящие дети» (1870г.), «Приезд институтки к слепому отцу» (1870г.) и другие чрезвычайно точно рисуют жизнь и быт простых, ничем не примечательных людей, их горести и радости. В 1869 году совместно с Мясоедовым, которому принадлежит идея создания Товарищества художественных передвижных выставок,

В.Г.Перов организовал московскую группу передвижников и стал одним из деятельных членов Товарищества, где в течение семи лет являлся членом правления. На Первой передвижной выставке экспонировались его картины – «Охотники на привале», «Рыболов» и портреты А.Н. Островского, Тимашевой, Степанова. В семидесятые годы в творчестве В.Г.Перова преобладают житейские бытовые сюжеты. Его «Птицелов» (1870г.), «Охотники на привале» (1871г.), «Рыболов» (1871г.), «Ботаник» (1874г.), «Голубятник» (1874г.) и другие картины представляют характерные типы московских обывателей того времени. Именно это приводило в восторг В.В. Стасова: «Тут предстала целая галерея русских людей, мирно живущих по разным углам России». К высоким достижениям В.Г. Перова относится его портретная работа «Фомушка-сыч» (1868г.) – одно из самых замечательных, самых проникновенных изображений русского крестьянина пореформенного времени. М. Нестеров писал: «А его портреты? Этот «купец Камынин», вмещающий в себя почти весь круг героев Островского, а сам Островский, Достоевский, Погодин, – разве это не целая эпоха? Выраженные такими старомодными красками, простоватым рисунком, портреты Перова будут жить долго и из моды не выйдут так же, как портреты Луки Кранаха и античные скульптурные портреты». Среди полотен В.Г.Перова особое место принадлежит портрету Ф.М. Достоевского (1872г.). Писатель изображен погруженным в печальную задумчивость. Неподвижный сосредоточенный взгляд углублен в себя, руки охватывают колени. Бледное страдающее лицо человека как бы светится изнутри, передавая непрестанную напряженную работу мысли. Художник воссоздал здесь внутренний разлад человека, мучимого противоречиями и болезнями своего века. В.Г.Перов впервые в русской живописи подошел к изображению народных восстаний. Исторические полотна В.Г. Перова – «Суд Пугачева» (два варианта) и «Никита Пустосвят» (1881г.) подготовили появление знаменитых произведений В.И. Сурикова.

Большое значение для воспитания молодых художников имела педагогическая деятельность Василия Григорьевича в Московском училище живописи и ваяния. Под непосредственным наблюдением В.Г. Перова здесь выросла целая плеяда русских живописцев, проявивших себя в последующее время: Н. А. Касаткин, С. А. Коровин, М. В. Нестеров, А. П. Рябушкин. Личная жизнь художника с конца шестидесятых годов складывалась трагически. В 1869 году умерла его жена, а спустя некоторое время он похоронил и двух своих старших детей. В довершение всего в 1874 году В.Г. Перов узнает, что болен чахоткой, излечить которую было тогда практически невозможно. 10 июня 1882 года, после тяжелой мучительной болезни в селе Кузьминки близ Москвы художник скончался.

Великим мастером, создавшим иллюзию света в своих пейзажных полотнах, стал великий русский художник А.И. Куинджи.

Куинджи Архип Иванович (1841-1910гг.) – русский художник, мастер пейзажной живописи, родился в местечке Карасёвка (ныне в черте Мариуполя) Российской империи. Архип Иванович Куинджи произошёл из семьи бедного сапожника-грека. Рано лишился родителей и жил в большой бедности, пас гусей, служил у подрядчика по постройке церкви, потом у хлеботорговца; выучился у учителя-грека грамоте по-гречески, затем некоторое время посещал городское училище. С ранних лет А.И. Куинджи увлекался живописью, рисовал на любом подходящем материале - на стенах, заборах и обрывках бумаги. Куинджи А.И. работал ретушером у фотографов в Мариуполе, Одессе и Петербурге. Куинджи А.И. можно считать самоучкой, так как он дважды в начале 1860-х годов пытался поступить в Петербургскую академию художеств. Наконец художник создает большую картину «Татарская сакля в Крыму», которую выставляет на академической выставке в 1868 году. В результате А.И. Куинджи становится вольнослушателем академии. Влиянием великого Айвазовского И.К. отмечены первые работы художника, многие из которых не сохранились. Учёба в Академии художеств, знакомство с И.Н. Крамским, И.Е. Репиным положило начало реалистическому восприятию действительности. За картину «Осенняя распутица» художник в 1872 году получает звание классного художника. В 1873 году Куинджи А.И. выставляет в Обществе поощрения художеств картину «Снег», за которую в 1874 году на международной выставке в Лондоне получает бронзовую медаль. В том же 1873 году он выставляет в Вене свою картину «Вид на остров Валаам», в Петербурге — «Ладожское озеро». В 1874 году на выставке Товарищества передвижных художественных выставок Куинджи выставляет «Забытую деревню», в 1875 году - «Степи» и «Чумацкий тракт».

Необходимо отметить, что в 1876 году художник резко меняет манеру исполнения, представив знаменитую картину «Украинскую ночь», в которой сумел передать чувственное восприятие южной летней ночи. Рисуя свой почти идеальный мир, художник чужд романтической экзотики, воспринимая жизнь как благо, дарующее человеку красоту и радость впечатлений. Применённые в картине новые изобразительные приёмы (острые композиционные ракурсы, световые эффекты и интенсивные тона) художник разрабатывает уже в последующих работах, создавая невиданную ранее систему декоративной пластики. В 1877 году А.И. Куинджи становится членом Товарищества передвижников. В 1878 году художник выставляет «Лес» и «Вечер в Малороссии», возбудивший массу споров и создавший много подражателей. В 1879 году А.И. Куинджи выставляет «Север», «Березовую рощу», «После грозы». В том же 1879 году Куинджи А.И. покинул выставки товарищества. В 1880 году он устраивает в Обществе поощрения художеств выставку одной своей картины «Ночь на Днепре», выставка которой имела огромный успех. В 1881 году А.И. Куинджи делает выставку для картины «Березовая роща», которая также имела шумный успех. Далее художник в 1882 году представил на выставке три картины вместе «Днепр утром», «Березовая роща» и «Ночью на Днепре». После этой выставки до самой своей смерти А.И. Куинджи нигде больше картин своих не выставлял. Следует отметить, что почти каждая картина художника разжигала страсти: его обвиняли в стремлении к дешёвым эффектам, использовании тайных приёмов вроде скрытой подсветки полотен. По этой причине в расцвете творческих лет художник внезапно отказался от выставочной деятельности, «замолчав» почти на тридцать лет. Однако продолжал писать, изредка показывая свои картины ученикам. И.Е. Репин отмечал, что для Куинджи А.И. «иллюзия света была его богом, и не было художника, равного ему в достижении этого чуда живописи». Истинные ценители творчества А.И. Куинджи отмечали его мощный талант, указывали на то, что он был не только великим художником, но также был великим Учителем жизни. Частная жизнь художника была необычна, уединенна, и только ближайшие его ученики знали глубину души его. Ровно в полдень художник поднимался на крышу своего дома, и, как только гремела полуденная крепостная пушка, тысячи птиц собирались вокруг него. Он кормил их из своих рук, этих бесчисленных своих друзей: голубей, воробьев, ворон, галок, ласточек. Казалось, все птицы столицы слетелись к нему и покрывали его плечи, руки и голову. Это было замечательное зрелище. Седой и улыбающийся человек, покрытый щебечущими пташками, которые безгранично доверяли ему свои секреты. Одна из обычных радостей Куинджи была помогать бедным людям, но так, чтобы они не знали, откуда пришла эта помощь. С 1894 по 1897 годы А.И. Куинджи был профессором-руководителем пейзажного класса высшего художественного училища при Академии Художеств, из стен которого вышли выдающиеся мастера такие, как К.Богаевский, Н. Рерих и А. Рылов. В 1904 г. он принес в дар Академии 100 000 рублей для выдачи 24-х ежегодных премий. В 1909 г. А.И. Куинджи организовал Общество художников, которому завещал все свои картины, деньги и земли. Великий мастер пожертвовал Художественному обществу от своего имени 150 000 рублей и свое имение в Крыму, а Обществу поощрения художеств 11 700 рублей для премии по пейзажной живописи.

Архип Иванович Куинджи умер 11 (24) июля 1910 года в Петербурге от тяжелой сердечной болезни. Прах великого художника покоится на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры (Некрополь Мастеров искусств).

Художником, внесшим в батальную живопись суровую правду, какой до него не знало русское искусство, был В.В. Верещагин.

Верещагин Василий Васильевич (1842-1904гг.) – русский художник-живописец, баталист, общественный деятель, путешественник. Мастер батальной картины, пейзажист, автор этнографических зарисовок и бытовых картин. Художник-реалист, представитель социально-критического направления романтического течения в живописи второй половины XIX века.

В.В. Верещагин происходил из старинного дворянского рода. Когда мальчику исполнилось восемь лет, родители отдали его в Малолетний кадетский корпус, по окончании которого в 1853 году он переводится в Петербургский морской кадетский корпус. Здесь В.В. Верещагин увлекается рисованием и посвящает ему всё свободное от занятий время. В 1858 году В.В. Верещагин начал посещать рисовальную школу петербургского Общества поощрения художеств. О его способностях с одобрением отзывались преподаватели, и сам он мечтал стать художником. В 1860 году В.В. Верещагин подал в отставку и поступил в Академию художеств, где упорно занимался живописью, однако академическая система обучения с ее нормативностью и традиционностью тяготила художника. Протест молодого живописца выразился в том, что он уничтожил одну из своих картин – «Избиение женихов Пенелопы возвратившимся Улиссом». В 1863 году художник оставил Академию художеств и уехал на Кавказ. В 1866 году В.В. Верещагин, живя на берегу Шексны в селе Любец задумал создать большую картину, в которой хотел показать безысходную долю бедного люда в царской России. Художник выполнил эскиз картины, написал несколько этюдов, но закончить работу не удалось. В 1867 году художник уехал в Туркестан, где в то время происходили военные столкновения. В 1868 году в составе русского гарнизона В.В. Верещагин оборонял Самаркандскую крепость от войск бухарского эмира и был награжден за храбрость и мужество Георгиевским крестом. В 1869-1870 гг. художник вновь предпринимает поездку в Туркестан; в результате создает большую серию картин о Средней Азии. Центральное место в этой серии занимают батальные полотна, которые имели большой успех и в России и за рубежом. С этого периода В.В. Верещагин определил основное направление своего творчества: «У крепостной стены. Пусть войдут» (1871г.), «Вошли», «Высматривают» (1873г.), «Нападают врасплох» (1871г.), «Представляют трофеи» (1872г.), «Торжествуют» (1872г.). Картина «Апофеоз войны» была создана в 1871-1872 годах: на раме которой рукой В.В. Верещагина была сделана надпись: «Посвящается всем великим завоевателям – прошедшим, настоящим и будущим». Первоначально работа называлась «Торжество Тамерлана», т.к. сюжет картины связан с именем этого средневекового завоевателя XIV века, войска которого оставляли после себя горы из человеческих черепов. Однако следует отметить, что произведение В.В. Верещагина содержательнее исторического факта и воспринимается как аллегория войны, как символ разрушения и смерти. Произведения В.В. Верещагина запрещали выставлять и воспроизводить в книгах, газетах и журналах. В течение 30 лет царское правительство не приобрело ни одной картины ставшего всемирно известным художника. Только П. М. Третьяков купил большую часть туркестанских работ. В 1874-1876 гг., 1882-1883 гг. В.В. Верещагин совершил две поездки в Индию. Результатом наблюдений явилось более 150 этюдов, изображающих величие белокаменной индийской архитектуры, синеву южного неба, яркие национальные одежды индусов: «Буддийский храм в Дарджилинге» (1874-1875гг.), «Ледник на дороге из Кашмира в Ладак» (1875г.), «Мавзолей Тадж-Махал» (1874-1876гг.). Ряд картин В.В. Верещагин решил посвятить истории захвата Индии англичанами. Художником написана картина» Процессия английских и туземных властей в Джейпуре» (1875-1879гг.). Вспыхнувшая в 1877- 1878 гг. русско-турецкая война вновь привела художника на фронт. Всей душой сочувствуя освободительной борьбе славян против турецкого ига, художник участвовал во многих боях. В одном из сражений он был тяжело ранен и едва не погиб. Ряд полотен В.В. Верещагин посвящает событиям, связанным со штурмом Плевны: «Атака» (1881г.), «После атаки» (1881г.). Картины «Победители» (1878-1879гг.), «Побежденные. Панихида по убитым» (1878-1879гг.) были посвящены сражению под Телишем. В 1880-1883гг. картины Балканской серии были выставлены художником в Петербурге. За сорок дней выставку посетило более двухсот тысяч человек, успех превзошел все ожидания. В 1880-е годы В.В. Верещагин вторично едет в Индию (1882- 1883гг.) и затем в Сирию и Палестину (1883-1884гг.). Так возникает «Палестинская серия», состоящая главным образом из этюдов и картин документально-этнографического характера. Результатом поездок В.В. Верещагина по Северу в 1880-1890 гг., явилась серия рисунков и этюдов с изображениями памятников старинного деревянного зодчества, русской северной природы и простых русских людей. С 1887 по 1901 год художник работал над серией картин, посвященных Отечественной войне 1812 года. Более двадцати полотен создано им на эту тему: «Наполеон на Бородинских высотах» (1897г.), «Конец Бородинского боя» (1899-1900гг.) и др. Пребывание наполеоновской армии в Москве отражено в четырнадцати картинах. Среди них: «В Успенском соборе» (1887-1895гг.), «Пожар"» (1896-1897гг.), «Сквозь пожар"» (1899-1900гг.), «Расстрел в Кремле» (1897-1898гг.) и др. Большая патриотическая идея, положенная в основу серии, глубина и острота сюжетов, яркие народные образы, интересные композиционные решения делают этот последний капитальный труд В.В. Верещагина достойным вкладом в историческую живопись конца XIX века. До конца жизни художник не прекращал путешествовать. Во время войны с Японией он находился в Порт-Артуре. 31 марта 1904 года погиб вместе с адмиралом С.О.Макаровым и со штабом Тихоокеанского флота на броненосце «Петропавловск», подорвавшемся на мине на рейде под Порт-Артуром.

Мастером русской пейзажной традиции, который воплотил в своих работах целостное и одновременно интимно-тёплое ощущение мира, считается великий русский художник В.Д. Поленов.

Поленов Василий Дмитриевич (1844-1927) - русский художник живописец, мастер пейзажа. В.Д. Поленов родился в интеллигентной и родовитой дворянской семье. Отец - крупный чиновник и вместе с тем историк-археолог. Мать любительски занималась живописью. Сын унаследовал оба таланта - научный и художественный. В родительском имении Имоченцы на берегу реки Оять в Олонецкой губернии встретился юный В.Д. Поленов с прекрасной русской природой. В 1858 году он впервые увидел картину «Явление Христа народу» А.А. Иванова. Эти две встречи окажутся важнейшими в судьбе В.Д. Поленова-художника. Поленов В.Д. был разносторонне одаренным и широко образованным человеком. Учился параллельно в Петербургском университете и Академии художеств у Ф.А. Бруни и Т.А. Неффа. В 1871 г. Поленов В.Д. получает одновременно диплом юриста и вместе с И. Е. Репиным большую золотую медаль и звание классного художника за конкурсную картину «Воскрешение дочери Иаира». Через год В.Д. Поленов отправляется в четырёхлетнее путешествие по Европе. В ранний период художник писал картины на исторические темы, а также портреты. Однако знакомство с европейским искусством, особенно французским, расширило его художественный диапазон. Познакомившись и изучив европейское искусство, В.Д. Поленов действительно обрел себя как художник. Он едет в Германию, Италию, Францию (в качестве пенсионера Академии художеств), пишет исторические и жанровые картины, портреты. Но теперь более всего его влечет пейзаж, живопись на открытом воздухе - пленэр, чистые краски. Он изучает работы замечательных французских пейзажистов, прежде всего барбизонцев. Учится непосредственно, а не через академические схемы видеть и понимать природу, постигать ее великую гармонию. В 1876 г. В.Д. Поленов возвращается в Россию. В 1878 г. на XII выставке Товарищества передвижников художник представил первую свою пейзажную работу, которая делает его знаменитым «Московский дворик».

В этой картине представлен целый мир, в котором каждая деталь выглядит бесконечно значимой и родной. В этом мире рядом мирно живут и барская усадьба, и жилища бедняков. Фигура ребёнка расположена на переднем плане у дороги, ведущей к жилищам бедняков, также к усадьбе и к церкви, которая словно врастает в бездонное небо сверкающими в солнечных лучах своими маковками. Человеческий мир здесь - часть безбрежно-гармоничного мира природы.

Затем последовали работы Поленова В.Д. «Бабушкин сад» (1878г.), «Заросший пруд» (1879г.) и «Ранний снег» (1891г.), необычайно поэтичные картины, в которых художник точно соединил свежесть пленерного восприятия и столь характерное для русского искусства ощущение созерцательного покоя и уюта. Художник выполнил этюды 1881-1882 гг., во время поездки в Грецию и на Ближний Восток, которые закрепили за Поленовым В.Д. славу одного из лучших русских пейзажистов.

В 1882-1894 гг. В.Д. Поленов ведет пейзажный класс в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его учениками были И. И. Левитан, К. А. Коровин, А. Е. Архипов, А. Я. Головин и другие известные впоследствии художники. Во многих поздних пейзажах В.Д. Поленова настойчиво повторяется мотив реки, неторопливо текущей вдаль среди бескрайнего пространства русской равнины - это «Ранний снег» (1891г.), «Золотая осень» (1893г.) и др., в которых отображена Родина. Такой В.Д. Поленов помнил её с детства. Пейзажи - лучшее в его наследии. Однако художник мечтает пойти дальше. Он лелеет грандиозный замысел - хочет продолжить дело А. А. Иванова: «...создать Христа не только грядущего, но уже пришедшего в мир и совершающего свой путь среди народа». А.А. Иванову не удалось поехать в Палестину. В.Д. Поленов дважды побывал там. Он изучает пейзаж, архитектуру, людские типы. Помимо пейзажной живописи художник обращается к библейским сюжетам: «Христос и грешница», «На Тивериадском (Генисаретском) озере» - обе картины написаны в 1888 году. Поленов В.Д. много работал в области театрально-декорационного искусства. В 1910—1918 годы В.Д. Поленов вел в Москве просветительскую деятельность, участвовал в организации народного театра. В 1926 году незадолго до смерти Поленову В.Д. было присвоено звание народного художника Республики.

Художник скончался 18 июля 1927 г. в селе Борок (ныне Поленово) Тульской области и был похоронен на Бёховском кладбище, на крутом берегу Оки, где он так часто любил рисовать свои этюды.

Вершиной реализма в русской живописи справедливо считается творчество И.Е. Репина. Яркую социальную направленность несут в себе такие работы И.Е.Репина, как «Бурлаки на Волге», «Не ждали», «Отказ от исповеди». Исторические сюжеты нашли отражение в картинах «Царевна Софья», «Иван Грозный и сын его Иван», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану».

Репин Илья Ефимович(1844-1930) – русский художник- реалист, родился 24 июля 1844 года в семье военного поселенца в городке Чугуеве, близ Харькова. Мать мальчика подрабатывала, расписывая пасхальные яйца. И.Е. Репин помогал ей в этом. Позже он поступил в мастерскую иконописца Бунакова. Через некоторое время И.Е. Репин уже принимает участие в росписи сельских церквей. Скопив на заказах 100 рублей, он в 1863 году отправился в Петербург, где стал заниматься в Рисовальной школе Общества поощрения художников у Р.К. Жуковского и И.Н. Крамского. В рисовальной школе его покорило уверенное совершенство рисунка, которым владели тамошние учителя. Репин И.Е. пытался им подражать, но безуспешно: ему казалось, что его собственные рисунки выглядели, как ему казалось, грязнее и хуже. Неверие в собственную исключительность и гениальность, в свое законное первенство осталось в нём навсегда. Он любил называть себя «посредственным тружеником» и ежедневным каторжным трудом отрабатывал свое громкое имя. В январе 1864 года Илья Репин становится слушателем Академии художеств в Петербурге. В Академии знакомство и общение с И.Н. Крамским продолжилось, молодой и очень серьезный Крамской И.Н. учил его понимать и видеть искусство.

Через И.Н.Крамского сблизился с Петербургской артелью художников, бывал на ее «четвергах». Художник постоянно работал над академическими «программами» религиозного содержания, трактуя их более в психологическом, чем в возвышенно-отвлеченном духе. Такова картина «Иов и его друзья» (1869г.), отмеченная Малой золотой медалью. В свободное время И.Е.Репин пробовал себя в бытовом жанре: «Приготовление к экзамену» (1864г.), портретировал родных и друзей. О высоком мастерстве начинающего художника свидетельствуют портреты: В.Е.Репина(1867г.), матери художника (1867г.), Г. Д. Хлобощина (1868г.). В портрете В. А. Шевцовой, невесты художника (1869г.), психологическая точность и серьезность передачи внешних и внутренних черт девушки сочетается с особенной красотой сдержанных цветовых решений.

Под влиянием И.Н.Крамского И.Е.Репин начал работу над своей картиной «Бурлаки на Волге» (1870-1873гг.). Сюжет возник во время прогулки под Петербургом летом 1868 года. Внимание Репина привлекли две группы: одна из них - пестрый «цветник» барышень и кавалеров, и другая - оборванные бурлаки, которые тянули баржу по Неве. Затем И.Е. Репин знакомиться с артельным трудом бурлаков в 1870 году на Волге, где выполнил множество портретных зарисовок. В конце лета этого года он привез свои волжские этюды в Петербург. После трех лет работы появилась картина «Бурлаки на Волге» (1873г.), впервые прославившая имя И.Е. Репина. Картина построена так, что артель бурлаков движется из глубины на зрителя, фигуры не заслоняют друг друга. Это сделано мастерски. Перед нами — вереница персонажей, каждый из которых — самостоятельная портретная индивидуальность. И.Е. Репину удалось соединить условность картинной формы с удивительной натурной убедительностью. Художник разбивает артель бурлаков на отдельные группы, сопоставляя различные характеры, темпераменты, человеческие типы. В период работы И.Е. Репина над «Бурлаками», подошел срок окончания Академии художеств. Художник должен был представить картину на соискание премии - первой золотой медали. Тема была библейская - «Воскрешение дочери Иаира» (1871г.). Сюжет долго художнику не давался, пока он не вспомнил ощущение, охватившее его после смерти маленькой сестры Усти. Эта картина восхитила профессоров-академиков и была признана лучшей из дипломных живописных работ, и И.Е.Репин был удостоен за неё высшей награды - первой золотой медали, а также получил звание классного художника. Первый успех к И.Е. Репину пришёл в 1873 году на выставке в Вене. С этого момента слава художника только ширилась. Большая золотая медаль дает И.Е.Репину право на поездку во Францию. В мае 1873 года он отправляется в путешествие по Австрии и Италии. Однако следует отметить, что И.Е.Репин, озабоченный социальным содержанием искусства, не принимал творений современных ему западных живописцев. Художник отмечал, что «Французы совсем не интересуются людьми. Костюмы, краски, освещение - вот что их привлекает». За границей художником были написаны «Парижское кафе» (1875г.), «Негритянка» (1875г.), «Садко» (1876г.) (за эту картину И.Е. Репин получил звание академика), а также был сделан ряд пейзажных этюдов. Подлинный расцвет творчества И.Е.Репина начинается с момента его возвращения на родину в 1876 году. Художник вступает в ряды Товарищества передвижных выставок и в 80-е годы становится ведущим художником среди передвижников, автором многофигурных исторических и жанровых композиций, блестящим портретистом. После того как в 1876 году И.Е. Репин раньше срока вернулся в Россию, он поселился в Чугуеве, через год перебрался в Москву. Поселившись в Москве, художник посещает Ново-Девичий монастырь и знакомится с портретом царевны Софьи, старшей сестры Петра Первого, жившей тут в заключении. Позже Репин напишет картину: «Царевна Софья в Ново-Девичьем монастыре в 1698году» (1879г.). На этом полотне, по словам И.Н. Крамского, царевна Софья походит на запертую в железной клетке тигрицу.

Многообразные явления современной художнику жизни, богатство народных типов и характеров находят яркое отражение в творчестве И.Е. Репина и воплощаются в своеобразную художественную летопись эпохи. Здесь и озлобленный, исстрадавшийся крестьянин «Мужик с дурным глазом» (1877г.), «Протодьякон» (1877г.), а в картине «Вечорницi» (1881г.) безудержные веселые танцы украинских крестьян. Творческий диапазон художника был огромен: картины из современной народной жизни «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883гг.), создаёт картину на историческую тему «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (1878-1891гг.). В картине раскрыто величие характеров, любовь к свободе хотел запечатлеть художник в запорожцах, «удальцах» и «даровитейших людях своего времени», как говорил о них И.Е.Репин. Более двенадцати лет работал он над картиной «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (1880-1891г.). Первый замысел картины относится к 1878 году. В эти же годы по заказу П.М.Третьякова И.Е.Репин написал портреты Аксакова, Писемского, Мусоргского (1881г.), Пирогова, П.А.Стрепетовой (1882г.).

Илья Ефимович Репин был первым художником, который изобразил революционеров-народников. Они предстают в полотнах – «Под конвоем» (1876г.), «Арест пропагандиста» (1880-1889г.), «Отказ от исповеди» (1879-1885г.) и «Не ждали» (1884г.). Художника всегда отличала широта интересов, отзывчивость таланта, таковы основные свойства творческой натуры И.Е.Репина. В одно и то же время он способен был работать над разными темами и в различной манере. Острое чувство современности было определяющим в творчестве И.Е. Репина. К 90-м годам он создает около трехсот живописных портретов. И.Е. Репин по праву считается ведущим русским портретистом этого периода. Созданная Репиным И.Е. портретная галерея чрезвычайно разнообразна. Здесь близкие художнику друзья, родственники и дети: «Надя» (1881г.), «Стрекоза» (1884 г.), «Осенний букет» (1892г.). Лучшие портреты И.Е. Репина представляют передовых людей русского общества - писателей, деятелей культуры, ученых. Художник не только утверждает нового прогрессивного героя, но и раскрывает его жизнедеятельную силу. Не случайно большинство портретов его работы поражают воплощенной в людях энергией и волей. Таковы портреты В. В. Стасова (1883г.), Льва Толстого (1887г.), Антона Рубинштейна (1881г.). Художник любил в своём творчестве движение не ради движения: любая черта в выражении лица, в мимике, в повороте и наклоне головы видится Репиным в связи с общим состоянием человека. Потому такую остроту приобретает динамика в его портретах. «Тут у него какие-то неслыханные приемы, отроду никем непробованные», - писал И.Н. Крамской о портрете русского композитора М.П.Мусоргского (1881г.). Каждый из портретируемых изображен ярко-индивидуально, с теми неповторимыми чертами, которые особенно полно раскрывали существо и характер человека. Так, пронизывающий, пытливый взгляд хирурга Н.И. Пирогова (1881г.) выражает натуру беспокойную, ищущую, волевую. Одухотворенность, темпераментность актрисы П. А. Стрепетовой (1882 г.) ярко показаны в напряженном взгляде затененных глаз, в мимике, в пересохших губах.

Большого мастерства Репин достиг в области графического портрета. Портреты Элеоноры Дузе (1891г.), Валентина Серова (1901г.), М. К. Тенишевой (1898г.), И. С. Остроухова (1913г.) и другие отличаются крепким красивым рисунком. В жизни И.Е.Репина наступают годы широкого общественного признания. Открывается персональная выставка произведений художника.

После реформы Академии художеств он становится её профессором. В его мастерской учатся молодые художники: И.С. Куликов, Ф.А. Малявин, А.П. Остроумова-Лебедева, Б.М. Кустодиев. В 1901 году художник получает правительственный заказ: написать торжественное заседание Государственного Совета в день столетнего юбилея. Грандиозное многофигурное полотно (35 кв. м) «Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года» (1901-1903гг.), в исполнении которого принимали участие Б. М. Кустодиев и И. С. Куликов, было написано в течение двух лет. На парадном портрете изображено более восьмидесяти человек - сановников Государственного Совета во главе с царем и членами царствующего дома. К картине И.Е. Репин написал пятьдесят этюдов-портретов и эскизы. Широкое, свободное письмо, сила типизации делают этюды-портреты вершиной живописного мастерства И.Е. Репина.

Последние тридцать лет жизни художник прожил в Куоккале. Заново отстроенный дом с мастерской был назван им «Пенаты». После Великой Октябрьской революции «Пенаты» оказались отрезанными от родины: неподалеку проходила граница СССР и Финляндии. Делегация советских художников, среди которых был и ученик И.И.Репина И. И. Бродский, навестила его. И.Е. Репин мечтал вернуться на родину. Однако сил оставалось все меньше. В августе 1930 года в возрасте восьмидесяти шести лет великий русский художник Илья Ефимович Репин скончался.

Исторический жанр в полной мере был присущ творчеству В.И. Сурикова. На его картинах «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова» и др. изображены исторические личности, люди с сильными характерами.

Суриков Василий Иванович(1848-1916гг.), русский художник, мастер исторической картины, родился 12 января 1848 года в Красноярске в семье потомственных казаков. Детство художника прошло в патриархальной среде, в селе Сухой Бузим, среди суровой природы и сильных людских характеров.

В.И. Суриков гордился своим происхождением и писал об этом: «Со всех сторон я природный казак... Мое казачество более чем 200-летнее». В 1856 — 1861 годы .В.И. Суриков учится в Красноярском уездном училище, где получил первые художественные познания от учителя рисования Гребнева, по его заданию он копировал гравюры с картин старых мастеров, постепенно постигая искусство их времени: «Гребнев меня учил рисовать, чуть не плакал надо мною», - позже с благодарностью вспоминал В.И.Суриков. После смерти отца В.И. Суриков служил писцом, иногда рисовал. Его рисунки привлекли внимание красноярского губернатора П. Н. Замятина и богатого золотопромышленника П. И. Кузнецова, которые помогли ему с поступлением в петербургскую школу Общества поощрения художеств и взяли на себя расходы по содержанию молодого художника. В этой школе у М. В. Дьяконова за три летних месяца Суриков освоил трехгодичный курс, а уже 28 августа 1869 года успешно сдал вступительные экзамены в петербургскую Академию художеств. Его приняли вольнослушателем и зачислили в основной класс, где впоследствии его преподавателем станет П. П. Чистяков. В следующем году он уже работает над своим первым произведением «Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге» (1870г.). Учился В.И. Суриков в Академии успешно. Блестящие достижения у молодого живописца были в композиции, недаром товарищи называли его «композитором». К периоду обучения в Академии относится его картина из древнерусской истории «Княжий суд» (1874г.). В апреле 1875 года художник начинает работу над большим полотном: «Апостол Павел, объясняющий догматы христианства перед Иродом Агриппой, сестрой его Береникой и римским проконсулом Фестом». Академию В.И. Суриков заканчивает в звании художника I степени. Когда через полгода молодой художник «в виде исключения» получил возможность поехать за границу на обучение у европейских мастеров, на что он взамен этого просил разрешить ему выполнить заказ по росписи московского храма Христа Спасителя. В июне 1877 года художник переезжает в Москву, где делает в течение двух лет фрески, изображающие четыре Вселенских собора. После выполнения этой работы В.И. Суриков впоследствии никогда уже не будет работать на заказ. В 1881г. художник становится членом Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников. В.И. Суриков часто наведывался в Сибирь, бывал на Дону (1893г.), Волге (1901-1903гг.), в Крыму (1913г.). Затем в 1880 -1890гг. посетил Францию, Италию и ряд других стран Европы. Особое впечатление на него произвели живописцы итальянского и испанского Возрождения. В 1878 году В.И. Суриков женился на Е. А. Шарэ, внучке декабриста П. П. Свистунова. Счастливая семейная жизнь и относительное материальное благополучие позволяют художнику «начать свое» - обратиться к русской истории. Впечатления от старинной московской архитектуры явились важным стимулом на пути к первому его историческому шедевру- картине «Утро стрелецкой казни». Эта грандиозная картина, первое большое полотно художника, произвела ошеломляющий фурор, была завершена в 1881 году. В ней В.И. Суриков обратился к историческим событиям эпохи Петра I. Одной из сил, противостоящих новым реформам Петра I, было стрелецкое войско. Ущемленное в своих интересах, оно не раз восставало: последний стрелецкий бунт 1698 года, возглавляемый царевной Софьей, был жестоко подавлен. В.И. Суриков взял за основу сюжета казнь стрельцов, но сама казнь на картине не показана, поскольку художник стремился рассказать о трагической народной судьбе в момент исторического перелома. Стремясь передать драму стрельцов, В.И. Суриков сосредоточился на изображении их душевного состояния, на том, как каждый персонаж переживает последние минуты своей жизни. Впечатлению глубокого трагизма вторит и мрачный колорит картины: недаром художник выбрал время изображения казни – раннее хмурое утро, наступившее после осенней дождливой ночи. В этой работе В.И. Суриков применил необычайный композиционный приём сближения планов, с помощью которого добился эффекта изображения огромной народной толпы, полной жизни и движения. В 1881 году художник вступил в члены Товарищества передвижных художественных выставок и с того времени постоянно на них выставлялся.

Свою репутацию выдающегося живописца-историка И.В. Суриков закрепляет в картинах «Меншиков в Березове» (1883г.) и «Боярыня Морозова» (1887г.). Верный своей теме В.И. Суриков вновь обращается к событиям отечественной истории. В основу сюжета картины «Боярыня Морозова» был положен эпизод из XVII столетия: церковные реформы, проводимые патриархом Никоном и расколовшие церковь и общество надвое. Правительство жестоко подавляло раскольничье движение. Преследованию подверглась и боярыня Феодосия Прокопьевна Морозова, страстная поборница «древнего благочестия». Рано овдовев, она вела подвижническую жизнь, раздала все свои богатства неимущим и приняла монашество. За убеждения Морозова была арестована, заточена в тюрьму, подверглась мучительным пыткам, но не отреклась от своей веры. В 1672 году в Боровском остроге она умерла голодной смертью. В.И. Суриков изобразил на полотне тот момент, когда закованную в цепи раскольницу везут в тюрьму. Московские улицы заполнила толпа людей, так что дровни с арестованной с трудом пробираются сквозь неё. Морозова высоко вверх вскинула руку, сложенную в двуперстие, как бы призывая народ твёрдо стоять за свои убеждения. Исключителен по силе воплощения образ боярыни, однако он не затмевает народной массы. Людская толпа едина, но художник сумел ярко изобразить каждое лицо на картине, гениально разрешив труднейшую тему «герой» и «толпа». В процессе работы над большими картинами В.И. Суриков ревностно подбирал натуру. Художник пишет массу замечательных портретов, пейзажей, натюрмортных и интерьерных композиций, имеющих и вполне самоценный эстетический смысл. В.И. Суриков создает целый ряд самостоятельных портретов, обычно близких ему людей, простых по композиции, но чрезвычайно сильных и целостных по красочной лепке: «П. Ф. Сурикова» (мать художника) (1887г.). Этапной в цветовых поисках художника явилась поездка в 1910 году в Испанию, откуда он привозит едва ли не лучшие свои акварели. В начале 1888 года художник испытал тяжелое потрясение: умерла его жена. В.И. Суриков почти оставил искусство, так велико было горе. В те годы он написал лишь картину «Исцеление слепорожденного». По совету родных В.И. Суриков едет в Сибирь, в Красноярск. Во время этой поездки он пишет картину «Взятие снежного городка» (1891г.). В 1891 году Суриков возвращается в Москву и принимается за работу над новым полотном «Покорение Сибири Ермаком» (1895г.) и «Переход Суворова через Альпы» (1899г.). В этих картинах главные герои – по-прежнему русские люди, солдаты, казаки. Художник не отделяет ни Суворова, ни Ермака от их войск. В.И. Суриков так строит композицию, что даёт возможность зрителю окунуться в гущу событий, разделить с его героями все тяготы и лишения. Несколько лет работал В.И. Суриков над своим последним большим полотном «Степан Разин» (1907 -1910гг.). Картина давалась ему нелегко, и художник возвращался к ней уже после ее показа зрителям. Последний созданный В.И. Суриковым исторический образ - образ Пугачева; сохранился лишь эскиз 1911 года, изображающий предводителя крестьянского восстания заключенным в клетку. В 1912 году на выставке Союза русских художников экспонировалась картина Сурикова «Посещение царевной женского монастыря». В этот период он также пишет ряд лучших своих портретов, по-прежнему лаконически простых композиционно, темных по тону, полных внутреннего драматизма: «Автопортрет» (1913г.), «Человек с больной рукой» (1913г.).

Умер В.И.Суриков 6 марта 1916 года и похоронен рядом с женой в Москве, на Ваганьковском кладбище.

К жанру фольклора обратился в своём творчестве В.М. Васнецов, за основу своих знаменитых картин он брал мифологические, былинные, сказочные сюжеты.

Васнецов Виктор Михайлович (1848-1926) – русский художник, мастер-портретист и пейзажист, театральный художник, один из основоположников национально-романтического варианта русского модерна, Виктор Михайлович Васнецов, родился в 1848 г. в селе Лопьял Уржумского уезда в Вятской губернии. Прадед художника окончил рисовальный класс семинарии. Отец художника, Михаил Васильевич Васнецов, был образованным сельским священником. В деревенском доме Васнецовых сочетались разные уклады жизни. Художник с детства проникался поэзией народных сказок, преданий и поверий, красотой народного искусства, красочной обрядовой стороной быта. Он воспринимал природу как одушевленное существо. Именно детство заложило нравственно-духовные основы личности художника. Начальное образование В.М. Васнецов получил в местном духовном училище, а затем в духовной семинарии (1862-1867гг.), где он изучал древнерусскую литературу. Литературные образы переплетались в душе художника с фольклорными образами, насыщая его внутренний мир, что не могло не отразиться на дальнейшем творчестве художника. Во время своей учёбы в семинарии В.М. Васнецов обучался и практиковался в копировании с литографий у преподавателя гимназии и владельца иконописной мастерской Н. А. Чернышева. Это имело огромное значение в формировании В.М. Васнецова как художника, в раскрытии его художественного дарования. В августе 1867 года В.М. Васнецов отправился в Петербург для обучения в Императорской Академии художеств. Через несколько месяцев после приезда молодой человек знакомится с И.Н.Крамским, который преподавал в Школе поощрения художников. В Школе поощрения художников В.М. Васнецов познакомился с И.Е. Репиным, с которым был впоследствии очень дружен. В.М. Васнецов был членом Товарищества передвижников. С 1868 года художник увлекся графикой и к началу 1870-х годов достиг больших успехов в этой области. В.М. Васнецов создаёт картины «Книжный лавочник (Провинциальный букинист. Купец с книгой )» и «Мальчик с бутылью водки», которые получили бронзовую медаль на Международной выставке 1874 года в Лондоне. Опыт работы художника в графике помог успешно создать картины, которые были написаны маслом: «Нищие певцы», «Чаепитие в трактире», в этих картинах отразился его опыт изучения характеров людей и социальных явлений. В Академии художеств В.М. Васнецов-художник обучался по программе живописца-станковиста, но он был первым художником, который объединил роспись, оформление спектакля, архитектурное и прикладное творчество в одну художественную идею. В Академии художеств В.М. Васнецов пробыл до 1875 г. и получил за успехи в рисовании и за этюды с натуры две малые и одну большую серебряные медали за композицию «Христос и Пилат перед народом» (1870г.). Первые опыты художника в искусстве были связаны с социально-обличительной тематикой: «С квартиры на квартиру» (1876г.) и «Преферанс» (1879г.). Весной 1876 года после выхода из Академии художеств В.М. Васнецов, по приглашению И.Е. Репина, с которым они были особенно дружны, приехал в Париж, где работал больше года. Благодаря И.Е.Репину В.М. Васнецов знакомится и скрупулёзно изучает художественную жизнь Парижа. В этот период художник знакомиться с С.И. Мамонтовым, меценатом Частной русской оперы, и вместе с В.Д. Поленовым получает от него приглашение поселиться в Москве. Полотно художника «Акробаты (На празднике в окрестностях Парижа)» (1877г.), написанное в Париже, носило еще жанровый характер, но именно там к художнику пришла идея направить свое творчество в другое русло. В это же время им был написан эскиз «Богатыри», положивший начало эпическому циклу. Возвратившись в Россию, художник создал своеобразный жанрово-исторический цикл, отображающий русско-турецкую войну. В цикл вошли: картины «Военная телеграмма», «Карс взяли» и рисунок «Ночью на улицах Петербурга в день взятия Плевны» (1878г.) и первый вариант эскиза картины «Витязь на распутье». Эти работы были показаны на VI выставке Товарищества передвижных художественных выставок в марте 1878 года. В это же время художником были написаны эскизы к картине «Кабак», реально отражающие состояние человека во время безудержного веселья. Васнецов В.М. вновь обратился к фольклору и написал новый эскиз к картине «Витязь на распутье» (1878г.), первый вариант был показан на VI выставке Товарищества передвижников. Но это еще не было окончательным обращением художника к фольклору. В.М. Васнецов создает очередной жанровый сюжет: «Преферанс» (1879г.), отразивший социальное явление с точки зрения этического реализма передвижников. Этой картиной восхищался И.Н.Крамской. Все работы художника (1877- 1879гг.) завершают десятилетний период, посвященный жанровой живописи.

В 1878 году по приглашению И.Е.Репина и В.Д.Поленова В.М.Васнецов переезжает в Москву, которая стала для художника источником национальной духовности. С годами В.М.Васнецова все более увлекают поиски национально-исторической самобытности в искусстве, которые привели к рождению внутри общеевропейского символизма и модерна особого «русского стиля». В 1880 — 1890-е годы В.М.Васнецов снова обращается к «фантазиям, отвлеченностям и выдумкам», но, несмотря на это, историко-фольклорное направление его творчества не расходится с концепцией шестидесятников, которые во главе с Чернышевским призывали к преобразованию жизни и её просвещению. В душе художника всегда жили образы народного эпоса. Окончательно избрав для своих картин национально-историческую тематику, художник объединяет знание народного эпоса с мастерством жанриста, преобразует русский исторический жанр, погружая мотивы Средневековья в атмосферу поэтической легенды или сказки. Началом новой идейно-художественной направленности творчества художника является полотно «Витязь на распутье» (1882г.). В.М. Васнецова привлекает сюжет «Слова о полку Игореве». Находясь под впечатлением этой гениальной поэмы, художник создает эскиз картины «После побоища Игоря Святославовича с половцами» (1880г.), написанный с огромной патриотической силой. Эскиз был создан художником в год русско-турецкой войны. В.М.Васнецов активно работает над введением фольклора в русскую живопись, отражает стороны русского национального характера: «Ковер-самолет» (1880г.). В своих картинах на сказочные сюжеты художник соединяет фольклорную фантастичность с религиозным учением и научным взглядом на мир. Тема мужественности и героизма проходит в его творчестве совместно с поисками идеала женской красоты. Художник пишет триптих «Три царевны подземного царства» (1881г.). Второй вариант триптиха В.М. Васнецов создаёт в 1884 году. Художник называл эту работу одной из самых ценных работ, в которой он связывал сказочный мотив с декоративностью формы, типичной для модерна. Одновременно с «Тремя царевнами» в 1881 году художник создает картину «Аленушка», в которой отразил духовную связь человека и природы и обнаружил дарование тонкого пейзажиста. Эта картина - одно из самых проникновенных творений художника. В.М. Васнецов никогда не придерживался в картине точного содержания той или иной сказки, никогда не создавал «комментарий» к истории, выбор сюжета скорее определялся задачей с наибольшей полнотой раскрыть смысл и эмоциональный характер фольклорного образа. Босоногая девочка в оборванном платьице сидит на берегу пруда и выплакивает своё сиротское горе. Весь её облик – воплощение печали и страдания. И сама природа словно вторит грустным причитаниям девчушки.

Летом 1881 года В.М.Васнецов вместе с В.Д.Поленовым, И.Е.Репиным, С.И.

Мамонтовым принимал активное участие в строительстве церкви Спаса Нерукотворного (1881-1882гг.) в Абрамцеве. При постройке церкви В.М.Васнецов был не только архитектором, но и создателем целостного решения ансамбля, он писал для церкви иконы, сочинял орнаменты, расписывал клиросы. В Абрамцеве художник построил «Избушку на курьих ножках» (1883г.), в которой проявился дух народного творчества. В 1885 году В.М. Васнецов создал серию рисунков для постановки в Московской частной русской опере С.И.Мамонтова оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка», созданной по лирической сказке А.Н. Островского. В этих рисунках художник соединил сказочную страну с наблюдениями деревенской жизни, языческую древность и современное ему народное творчество. В этих эскизах проявился одушевленный характер «васнецовской природы». В постановке «Снегурочки» художник впервые утвердил творческое равноправие художника-оформителя с драматургом и композитором. «Снегурочка» стала стимулом новых художественных явлений в русском театре. В первом пятилетии 1880-х годов В.М.Васнецов увлекся монументальной живописью. Осенью 1882 года художник получил приглашение от известного археолога А.С.Уварова (1824-1884гг.) написать картины монументально-декоративного плана для Исторического музея в Москве. Осмысление росписи как особого вида искусства живописи В.М.Васнецов начал с фриза «Каменный век» (1882-1885гг.), который был с восхищением принят современниками. В 1885 году историк искусства А. В. Прахов (1846-1916гг.) предложил художнику работу по декорированию Владимирского собора в Киеве (1885-1896гг.). Это стало исполнением желаний художника. В.М.Васнецов трудился над росписью собора более десяти лет. Эта грандиозная работа, не имеющая аналогов в русском искусстве XIX века, стала его самым значительным монументально-декоративным свершением. При создании церковной росписи М.В. Васнецов стремился обновить византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало, воплощая в ряде мозаик и фресок фольклорные образы, в которых явственно проявляется народный дух жизнеутверждения и пантеистичесой тайны. Возрождая монументальное искусство, художник создал свой «васнецовский стиль». По возвращении в Москву В.М.Васнецов обратился в своём творчестве к личности Ивана Грозного и в 1897 году художник создал станковое полотно «Царь Иван Васильевич Грозный», в котором он воплотил идею создания национального стиля, сочетающего современную живопись с поэтикой русского искусства допетровской поры. Художник считал, что в исторических портретах необходима стилизация, но к портретам современников он подходил с другой точки зрения. В портретных работах В.М. Васнецова (1883-1884гг.) прослеживается лирико-поэтическая тенденция (портреты Н. А. и Т. А. Мамонтовых). В 1889 году художник обращается к фольклору и создает картину «Иван-царевич на Сером волке», наполненную могучей силой природы. В этой работе «васнецовский пейзаж» окончательно обрел одно из своих самых ярких воплощений. Своим гражданским долгом художник считал написание полотна «Богатыри», наброски к которому он исполнил еще в 1871 году. Эта картина, венчающая героический цикл работ В.М. Васнецова, была написана в 1898 году. Следует отметить, что после «Богатырей» В.М. Васнецов постоянно находился в поиске пластических решений для синтеза «нового стиля» и языка народного творчества. К 100-летию А. С. Пушкина он оформляет пушкинское произведение «Песнь о Вещем Олеге», полностью проиллюстрировав текст. Заставки, концовки, заглавные буквицы, иллюстрации - все подчинено одному решению. Такой подход к оформлению книги впоследствии был развит И.Я. Билибиным и художниками «Мира искусства». В 1899 году В.М.Васнецовым была написана небольшая картина «Гусляры». В конце XIX - начале XX веков художник выполнил ряд архитектурных проектов. В.М. Васнецов автор проекта своего дома в Москве (1894г.). Художник становится автором проекта павильона Всемирной выставке в Париже (1898г.). Он был автором проекта Грановитой палаты, Красного крыльца, также автором проекта перехода из Оружейной палаты в Кремлевский дворец (1901г.). В.М. Васнецов создаёт проект дома И. Е. Цветкова на берегу Москвы-реки (1901-1903гг.), его авторству принадлежат проекты орнаментального оформления Большого Кремлевского дворца (1901-1903гг.). В.М.Васнецов был одним из участников устройства экспозиции Третьяковской галереи, переданной в дар Москве в 1904 году, для которой он оформил фасад и спроектировал деревянные витрины для показа икон. В Кремле В.М.Васнецовым был создан памятный крест в 1905году, на месте убийства великого князя Сергея Александровича Романова (четвёртого сына убитого императора АлександраII). В 1918 году крест-памятник был уничтожен по приказу советской власти, а в 1929 году был разрушен и Чудов монастырь. Однако в 1986 году при проведении в Кремле ремонтных работ был обнаружен сохранившийся склеп с захоронением Великого Князя Сергея Александровича Романова. На государственном уровне было принято решение перенести останки Великого Князя в возрожденный Новоспасский монастырь и захоронить в родовой усыпальнице бояр Романовых. Перенесение останков сопровождалось отданием воинских почестей. В 1998 году был воссоздан и установлен в Новоспасском монастыре крест-памятник, точная копия уничтоженного. Теперь каждый, приходящий в Обитель, может поклониться этому кресту и сотворить молитву о Великом Князе Сергее Александровиче – выдающемся государственном деятеле, человеке глубокой веры и твердого духа.

В 1910 году художник написал картину «Баян», вернувшись в этой работе к теме мотива песнопения, которая была затронута еще в «Нищих певцах». Эта же тема прослеживается и в полотнах «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали» и «Гамаюн птица вещая». В картинах последних лет В.М. Васнецов обращается к лирическим мотивам, но фольклор «не отпускает» его, и он создает картины «Царевна-лягушка» (1901-1918гг.), «Несмеяна-царевна» (1916-1926гг.), «Сказка о спящей царевне» (1900-1926гг.), «Бой Добрыни Никитича со Змеем Горынычем» (1913 -1918гг.). В.М. Васнецов стал первопроходцем, возглавив в русском искусстве эпоху «искания Руси». Художник принёс новые начинания, идеи и веяния, которые коренным образом изменили русское искусство конца XIX - начала XX вв.

Виктор Михайлович Васнецов выдающийся русский художник умер 23 июля 1926 года в Москве.

Причудливая фантазия, завораживающий колорит, мощный темперамент живописи был присущ удивительному русскому художнику М.А. Врубелю.

Врубель Михаил Александрович (1856-1910гг.) – русский художник, представитель символизма, родился 5 марта 1856 года в Омске, в семье строевого офицера. Предки его отца были выходцами из прусской Польши. По службе отец М.А. Врубеля должен был часто переезжать: Омск, Астрахань, Петербург, Одесса. В Одессе закончил Ришельевскую классическую гимназию.

С начала января 1864 по апрель 1867 год семья Врубелей жила в Саратове, где отец будущего художника был командиром Саратовского губернского батальона. В эти годы юный М.А. Врубель занимался у известного в Саратове художника, выпускника Академии Художеств А.С.Година. Предметы гимназического курса ему преподавал Н.А. Песков, который был исключён из Казанского университета «за участие в студенческих беспорядках». В мае 1867 года семья М.А. Врубеля вновь переезжает в Петербург. Окончив в 1874 году Одесскую классическую гимназию, он поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Поскольку отец М.А.Врубеля был военным юристом, он желал для своего сына надёжного и обеспеченного будущего, успешной карьеры, и потому после одесской гимназии М.А.Врубель попадает на юридический факультет Петербургского Университета. Он был совершенно равнодушен к юридическим наукам. Все его интересы остаются за университетскими стенами. Он всерьёз увлекается философией Канта, влюбляется в оперных актрис, спорит об искусстве, всегда оставаясь при этом сторонником так называемого «чистого искусства», и много рисует. От университетских лет сохранились его иллюстрации к Тургеневу и Толстому, и среди них — знаменитая сцена свидания Карениной с сыном — изящная и красивая, но в которой Анна получилась больше похожей на роковую и демоническую женщину, чем на простую и милую Анну Л.Н. Толстого. С поступлением в Академию художеств после окончания университета и коротенькой ничем не примечательной службы М.А. Врубель резко меняется до неузнаваемости. Из рассеянного и легкомысленного студента он превращается в фанатика своей работы. «Надо работать и работать». Наравне с В.А. Серовым, он один из самых преданных и один из самых отличаемых учеников известного профессора Чистякова, который надолго становится его кумиром. Именно от него он унаследовал любовь к натуре, к рисунку, к обнажению формы и к классике. Михаил Александрович посещал в Академии художеств вечерний класс П. П. Чистякова, который учил В.Д. Поленова и В.А. Серова, И.Е. Репина и В.И.Сурикова. По окончании юридического факультета М.А. Врубель отбыл воинскую повинность и отправился работать в главном военно-судном управлении. Однако призвание напоминало о себе, и в 1880 году М.А. Врубель стал студентом Российской Академии художеств, где сразу начал выделяться среди прочих студентов необычностью стиля и оригинальным взглядом на классические сюжеты, достаточно посмотреть на его первые акварели: «Введение во храм» и «Пирующие римляне» (1880-1881гг.). С 1884 по 1889 г. М.А.Врубель по приглашению профессора А.В. Прахова работал в Киеве, преимущественно создавая изображения на религиозные темы. К этому периоду относятся иконы и стенные росписи для Кирилловской церкви, также эскизы неосуществленной росписи для Владимирского собора - их не позволили осуществить по причине «нерелигиозности». Следует отметить, что здесь же художник пишет знаменитый портрет «Девочка на фоне персидского ковра» (1886г.). В этой картине художник определяет тему переизбыточности роскоши, которая и является аллегорией тленности, печали и неизбежности конца. М.А.Врубель во многом был новатором для своего времени. Художник рвёт с академическими принципами изобразительного искусства XIX века. Его творчество отличает непременное изображение движения и присутствие интриги. Молчание и тайна становятся полноправными персонажами в изобразительном искусстве. М.А.Врубель доказывает это в своём творчестве такими шедеврами, как «Гамлет и Офелия» (1883г.), «Демон сидящий» (1890г.). Любовь и смерть - любимые темы художника, которые открываются зрителю под разными символами. Идея смерти прослеживается в «Гадалке» (1895г.). Русская тема у Врубеля нашла ёмкое отображение в таких работах, как «Богатырь» (1898г.), «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890г.), «Микула Селянинович» (1895-1896г.). В 1889 году М.А. Врубель переехал в Москву. С этого времени начался период его творческого расцвета. М.А. Врубель работает как театральный художник, занимается книжной иллюстрацией, монументально-декоративным искусством. Мощная, темпераментная живопись художника завораживает выразительностью образов, необыкновенным колоритом и причудливой фантазией, нашедшей выход в сказочных персонажах: «Пан» (1899г.) а также прекрасная «Царевна-Лебедь» (1900г.), образы, связанные с языческим очеловечиванием природы. Центральной в творчестве М.А. Врубеля стала тема Демона, человека в образе духа небес, мучимого противоречивыми стремлениями, как «Демон поверженный» (1902г.), в которой наиболее ярко выразилось мироощущение художника, отмеченное печатью надломленности. В этой картине художник раскрывает одну из главных в своём творчестве «Демоническую» тему». Работы «Демон сидящий» (1890г.), «Демон летящий» (1899г.) и «Демон поверженный» (1902г.) сложились в серию, отобразившую разные ипостаси героя. В отличие от лермонтовского, Демон М.А. Врубеля – дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, олицетворяющий вечную борьбу мятущегося человеческого духа, образ, в котором слились воедино тоска по земной красоте, надежда и мечта о недоступном счастье. Этим надеждам и мечтам не суждено сбыться, и в «Демоне поверженном» герой предстаёт в момент поражения, когда он, восстав против Бога и установленных Богом законов, низвергнут с небес и раздавлен. Яростью и ненавистью наполнен его образ, он сопротивляется до последнего мгновения, гибнет, но не смиряется. Известно, М.А. Врубель предполагал назвать картину «Ikone». Кисти М.А. Врубеля принадлежит несколько портретов: «Портрет сына художника» (1902г.), «Портрет жены Надежды Забелы-Врубель» (1904г.). Необычайные по исполнению, картины глубоки и очень выразительны, особо одухотворены и порой драматичны. Участие художника в выставочной деятельности «Мир искусства» и в ряде международных выставок принесло М.А. Врубелю европейскую известность.

В 1901 г у М.А. Врубеля появились признаки душевного расстройства, у него очень ухудшилось зрение. С 1902 года М.А. Врубель находится под наблюденением врачей. Болезнь прогрессировала, лишь изредка позволяла художнику вернуться к работе. Последние годы жизни М.А. Врубеля омрачились еще одним недугом – у него почти пропало зрение. Выдающийся художник окончил свои дни в больнице для душевнобольных. К. Петров-Водкин, характеризуя творчество М.А. Врубеля, писал, что «Врубель был нашей эпохой».

Врубель скончался 1 апреля 1910 г в Санкт-Петербурге и похоронен на Новодевичьем кладбище.

Выдающимся русским художником, создавшим пейзаж настроения, в котором образ русской природы одухотворён человеческими чувствами и размышлениями, был И.И. Левитан.

Левитан Исаак Ильич (1860-1900гг.) - живописец, один из основоположников лирического пейзажа.

И.И. Левитан родился в августе 1860 года в местечке Кибарты (литовский Kybartai) Ковенской губернии в образованной еврейской семье. Отец художника - Илья Левитан был сыном раввина, закончил иешиву. Иешиìва (ивр. יְשִׁיבָה‎, буквально «сидение, заседание»; множественное число יְשִׁיבוֹת, иешивот; в русской традиции - ешибот), в еврейской истории — название института, являющегося высшим религиозным учебным заведением, предназначенным для изучения Устного Закона, главным образом Талмуда. В определённые эпохи иешива выполняла также законодательные и судебные функции, служила для подготовки учёных к званию раввина. Отец Левитана И.И очень много занимался самообразованием, самостоятельно овладел французским и немецким языками. В Ковно он преподавал эти языки, а затем работал переводчиком во время постройки железнодорожного моста, которой занималась французская компания. Имя матери не дошло до нашего времени. Левитан И.И. никогда не называл его. Почти нет сведений о детстве художника. Отец И.И.Левитана становится служащим, поселившись с семьей в Москве, он стремился дать сыновьям хорошее образование. Вероятно, в выборе жизненного пути Исаака Левитана решающую роль сыграл его старший брат Авель Левитан, который был художником. Он часто брал мальчика с собой на этюды, на художественные выставки. Когда Исааку исполнилось 13 лет, он был принят в число учеников Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Годы обучения в Московском училище стали для И.И. Левитана временем тяжелых испытаний, так как его родители к тому времени умерли, а помощи ждать было не от кого. Но уже в стенах Московского училища молодой художник не только обнаружил огромные способности, но и сумел сказать новое слово в русском пейзаже. Учителями Левитана И.И. были А.К. Саврасов и В.Д. Поленов. Будучи прекрасным художником, А.К. Саврасов обладал и замечательными качествами педагога. Не случайно наряду с И.И.Левитаном именно в его мастерской и под его влиянием сформировалась целая плеяда замечательных художников-пейзажистов: К. А. и С. А. Коровины, М. В. Нестеров, С. И. Светославский, А. С. Степанов и другие замечательные художники. Все друзья отмечали, что Левитану давалось все легко, но, тем не менее, работал он всегда упорно, с большой выдержкой и терпением. С 18-ти лет И.И. Левитан начал выставлять свои картины, вскоре обратившие на себя всеобщее внимание. Жил художник преимущественно в Москве. Художник плодотворно работал в Останкино (1880-1883гг.), а также в различных местах Московской, Тверской губерний. Затем художник работал в Крыму (1886-1899гг.), на Волге (1887-1890гг.). И.И. Левитан был членом «Товарищества передвижников». Художнику удалось преодолеть сценические условности классико-романтического пейзажа. «Пейзажи настроения» Левитана И.И. обрели особую психологическую насыщенность, выражая жизнь человеческой души, вглядывающейся в природу как в средоточие тайн бытия (недаром его любимым философом был А. Шопенгауэр). Чутко восприняв новации импрессионизма, Левитан И.И. тем не менее никогда не отдавался чистой, радостной игре света и цвета. Художник всегда пребывал в кругу своих образов, овеянных «мировой тоской». Ранние работы художника удивительно лиричны: «Осенний день. Сокольники» (1879г.). После окончания училища И.И. Левитан участвовал в передвижных выставках, расписывал декорации для Частной оперы С.И. Мамонтова, преподавал. Решающим этапом его творческого стиля стала поездка в Париж в 1889 году на Всемирную выставку. После поездки Левитан И.И. создаёт «Березовую рощу» (1885 -1889гг.), в которой как мастер пейзажа-картины сумел превратить простой мотив в типический образ России. Художник, путешествуя по Волге, создаёт картины «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой Плёс» (1889г.), «После дождя. Плёс» (1889г.), а также тематически примыкающая к ним картина «Свежий ветер. Волга» (1891-1895гг.), где наблюдается мировосприятие художника, близкое к импрессионизму. Период начала 1890-х годов у Левитана И.И. отмечен стремлением к созданию эпического образа природы. В картине «Владимирка» (1892г.) раскрыт сюжет, где на дороге, по которой конвоировали арестантов в Сибирь, видна (в характерной для мастера манере сводить реальное человеческое присутствие к минимуму либо вообще к нулю) лишь крошечная фигурка странника близ придорожной иконки. Картина «У омута» (1892 г.) наполнена печалью и полна таинственности. Следует отметить, что уже в этот период солнечные полотна часто уступают место пейзажам, проникнутым трагическим ощущением одиночества, тоски. В этот период Левитан И.И. был тяжело болен и его не покидала мысль о близкой смерти. Врачи направляют художника в Италию, но вот что пишет Левитан И.И. своему другу А.М. Васнецову: «Чувствую себя немного лучше, хотя все-таки неважно. В Италию не еду, а через неделю-две еду в Париж посмотреть выставки, воображаю, какая прелесть теперь у нас на Руси, - реки разлились, оживает все... Нет лучше страны, чем Россия! Только в России может быть настоящий пейзажист». Особенно сильное впечатление произвели на Левитана И.И. староверческие скиты над рекой и древний город Свияжск. Далекий уголок русской земли, суровая северная природа подсказали художнику тему его знаменитой картины «Над вечным покоем» (1893-1894гг.). Начиная работу над её композицией, художник обращается к этюдам заброшенного погоста. Левитану И.И. в этой картине удалось сохранить реальный ландшафт и придать ему величественность и глубину, где заволжские дали исчезают в лиловых полосах вечернего неба. Художнику в своей работе «Над вечным покоем» удается передать ощущение простора, воздушной легкости, радости созерцания природы одними красками пейзажа. Левитан И.И. говорил: «Я весь в этой картине». Пейзажи Левитана И.И. поражают тонкостью и глубиной, предельным лаконизмом изображения. Художник стремится передать всё красочное богатство русской природы. В картине «Весна. Большая вода» (1897г.) - природа молода и радостна. В другой картине сверкает золотом опадающих листьев, и в этом падении слышится своеобразный гимн прощания с цветущей природой - «Золотая осень» (1895год), а в картине «Март» (1895г.) наполнена блеском и звуками тающего звенящего снега, гимном возрождения природы. В пейзажах Левитана И.И. природа одухотворена незримым присутствием человека, его настроениями и мыслями, о существовании которого напоминают церкви, мостики, избы, могилы. Лебединой песней Левитана И.И. стала картина «Озеро (Русь)» (18991900гг.), поэма о России, её красоте и величии. В 1896 году в Одессе состоялась совместная выставка картин Исаака Левитана, Виктора Симова и Александра Попова. Левитан И.И. на несколько недель ездил в Финляндию, где написал картины: «Крепость. Финляндия» (крепость Олавинлинна в Савонлинне), «Скалы, Финляндия», «Море. Финляндия», «Пунка-Харью.Финляндия» (Пункахарью, в частном собрании). В течение 1897 года художник закончил картину «Остатки бывалого. Сумерки. Финляндия». Однако в 1896 году, после вторично перенесенного тифа, усилились симптомы и прежде дававшей о себе знать болезни сердца (аневризма сердца). Вскоре стала очевидной и мера тяжести, неизлечимость болезни. В начале марта 1897 года в одном из писем А.П. Чехова появились строки: «Выслушивал Левитана. Дело плохо. Сердце у него не стучит, а дует. Вместо звука тук-тук слышится пф-тук...». В 1898 году Левитану И.И. присвоили звание академика пейзажной живописи. Он начал преподавать в училище, в котором учился сам. Художник мечтал создать «Дом пейзажей» - большую мастерскую, в которой могли бы работать все русские пейзажисты.

Зимой 1899 года врачи послали Левитана И.И. в Ялту. В то время в Ялте жил А.П. Чехов. Старые друзья встретились, постаревшими и отчуждёнными. Левитан И.И. ходил, тяжело опираясь на палку, задыхался, всё говорил о своей близкой смерти. Он её откровенно боялся и не скрывал этого, сердце болело уже почти непрерывно. После Ялты Левитан И.И. вернулся в Москву и почти не выходил из своего дома в Трехсвятительском переулке. 8-17 мая 1900 года А.П.Чехов навестил, тяжело больного Левитана И.И.. Всё лето с июня в русском отделе Всемирной выставки в Париже экспонировались картины Левитана И.И..

22 июля 1900 год в 8 часов 35 минут утра Исаак Левитан умер. В его мастерской осталось около 40 неоконченных картин и около 300 этюдов. Последняя работа - «Озеро (Русь)» осталось незаконченной. А.П. Чехов близкий друг художника, писал о нём: «До такой изумительной простоты и ясности мотива, до которых дошёл в последнее время Левитан, никто не доходил, да и не знаю, дойдёт ли кто и после». Исаак Левитан был похоронен 25 июля на старом еврейском кладбище, по соседству с Дорогомиловским кладбищем. На похоронах были художники В.А. Серов (приехавший на похороны из-за границы), А.М. Васнецов, К.А. Коровин, И.С. Остроухов, Н.А. Касаткин, Л.О. Пастернак, В.В. Переплетчиков, К.Ф. Юон, В.К. Бялыницкий-Бируля, художественный критик П.Д. Эттингер, ученики, знакомые, почитатели таланта художника. В 1901 году прошла посмертная выставка произведений Левитана в Петербурге и Москве. Кроме ранее экспонировавшихся произведений, многие работы были выставлены впервые, среди них - неоконченная картина «Озеро (Русь)» (1900г.). Через два года, в 1902 году, Авель Левитан установил памятник на могиле своего младшего брата. 22 апреля 1941 года прах художника был перенесён на Новодевичье кладбище. С тех пор могила Исаака Левитана находится в непосредственной близости от могил близких его друзей - М. В.Нестерова и А.П.Чехова.

Первым портретистом своего времени, первооткрывателем света и воздуха (пленера) в живописных работах, был художник В.А. Серов,

Серов Валентин Александрович (1865-1911) – русский художник, график, рисовальщик, мастер портрета, родился в Петербурге в 1865 году. Его отец -Александр Николаевич Серов был известным композитором и выдающимся музыкальным критиком, мать, пережившая сына, - пианисткой и композитором. Отец умел к тому же рисовать, даже мечтал когда-то стать живописцем. В их доме часто собирались «петербургские знаменитости». После смерти отца в 1871 году мальчик стал чувствовать себя одиноким. Мать, увлеченная музыкой, не очень баловала его своим вниманием. Зато о будущем сына она позаботилась очень хорошо. Заметив его страсть к рисованию, она из Мюнхена, где они тогда жили, поехала в Париж, к знакомому ей И.Е. Репину и всю зиму 1874 -1875 года Валентин брал уроки у автора «Бурлаков». Занятия И.Е.Репина с В.А.Серовым продолжались потом и в Москве и приобретали всё более систематический и серьёзный характер. В конце концов В.А. Серов даже поселился у И.Е. Репина, став членом семьи. Они вместе рисовали и писали натурщиков, вместе ходили на этюды в Абрамцево летом 1879 года, вместе совершили и поездку в Запорожье. Это была великолепная школа для юного В.А. Серова. Когда же В.А.Серов выполнил мастерский этюд с горбуна - того самого, который позировал И.Е. Репину для картины «Крестный ход в Курской губернии» - И.Е.Репин сказал ему: «Ну, Антон (близкие звали Валентина Антоном), пора поступать в Академию». И с рекомендательным письмом И.Е.Репина к художнику и педагогу, мастеру исторической, жанровой и портретной живописи Павлу Петровичу Чистякову (1832-1919гг.). В.А. Серов едет осенью 1880 года в Петербург, блестяще выдерживает экзамен, становится учеником Академии художеств. В 1885 году В.А. Серов уходит из Академии. Ему уже нечему было в ней учиться, а к академическим наградам и диплому он был равнодушен. В.А.Серова влечет свободная творческая работа. Он уже почувствовал себя вполне самостоятельным художником. Осенью 1885 года художник выполняет этюдного характера картину «Волы». Простая по сюжетному мотиву и по композиции, она отличается свежестью живописи и благородством общего тона. «В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное», — говорит В.А. Серов два года спустя. И он создает такие два шедевра русской школы живописи, как «Девочка с персиками» (1887г.) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888г.). В «Девочке с персиками» изображена дочь С. И. Мамонтова - Вера. В.А. Серов подсмотрел в жизни естественно-непринужденную позу присевшей на мгновение за стол с персиками девочки, о чем-то вдруг неожиданно задумавшейся. Картина вся овеяна безмятежной радостью весенней поры в жизни человека. В ореоле струящегося света мягко вырисовывается «девочка в розовом» с приколотой к черному банту красной гвоздикой. Еле уловимая полуулыбка делает особенно привлекательным её смуглое и нежное лицо с быстрым взглядом живых карих глаз. Поэзия юности, выраженная поэзией света и цвета, - вот, в сущности, тема картины. И никто ещё из русских художников, даже самых прославленных, не передавал этой поэзии юности с такой пленительной свежестью, с таким изящным, тонким мастерством. «Девочка с персиками» - лирическая поэма о светлой юности, созданная талантом и молодостью двадцатидвухлетнего художника, безмерно влюбленного в жизнь и лучшее её порождение - человека. В «Девушке, освещенной солнцем» нет уже такой непосредственной поэтичности, хотя она также проникнута тихой радостью бытия. Вместо скрытно-порывистой позы «Девочки с персиками» и живого блеска брошенного в сторону взгляда, перед нами спокойно сидящая, прислонившись к стволу дерева, девушка со спокойно положенными на колени руками. Доверчиво смотрит она на нас широко открытыми светло-серыми глазами; невозмутим её душевный мир, ясный, как этот солнечный день под липами старого парка. Обе эти картины имели сенсационный успех и были восприняты как новое слово в искусстве, до сих пор считаются жемчужинами отечественной живописи.

Красоту утонченно-нервного облика И.И. Левитана, его высокую интеллигентность, утомленно-печальный взгляд затененных на бледном лице глаз запечатлел В.А.Серов в портрете И. И. Левитана 1893 года. Изящно проста его поза, портретно выразительна рука, устало положенная на спинку соломенного кресла. Прост и красив колорит портрета, решенный в мягком созвучии темно-серых тонов фона, темно-синего костюма, золотисто-охристого кресла и смугло-бледного лица и рук, оттененных белоснежной полоской воротника и пятном манжет. Самому Левитану портрет очень понравился, а В.А. Серову — не очень. Больше В.А. Серов был удовлетворен портретом писателя Н. С. Лескова, написанного в 1894 году, предельно простым по композиции и сильным по колориту. С 1894 года В.А. Серов становится членом товарищества передвижных художественных выставок, а с 1897 по 1909 годы художник преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Воспитал целую плеяду будущих художников-новаторов: Н. Н. Сапунова, И. И. Машкова, П. В. Кузнецова, Н. П. Крымова, К. С. Петрова-Водкина, С. Ю. Судейкина, Н. Н. Сапунова, М. С. Сарьяна, Н. П. Ульянова, К. Ф. Юона. Работает В.А.Серов в 90-е годы также и над пейзажем, придя и в нем к новым стилевым особенностям и скупой гамме серебристо-серых тонов, появившихся после его поездки летом 1894 года на север с Константином Коровиным, оказавшим на него сильное воздействие. Однако художник сохраняет своеобразие своей творческой индивидуальности и в 1895 году пишет чудесную картину «Октябрь» (1895г.). Тишиной и покоем веет от этого типично русского пейзажа с бедной деревенькой на заднем плане и мирно пасущимися лошадьми и овцами на скошенном поле. Крошечная фигурка мальчика-пастушка в отцовском картузе «держит» всю композицию картины. И эта повседневная незамысловатая картина сельской жизни вдруг захватывает нас красотой живописи, поэтичностью настроения, острой характерностью пейзажного жанрового изображения русской деревни. Так же проста и поэтична пастель В.А. Серова «В деревне. Баба с лошадью» (1898г.). В этой картине художник объединил свои дарования портретиста, анималиста (когда животное является героем картины) и пейзажиста в живой сценке, выхваченной из деревенской жизни. В.А. Серов прямо на улице, на морозе, рисовал цветными мелками смеющуюся краснощекую бабу с кудлатой лошадью, а обступившие его мужики ахали от восхищения. Больше всего мужиков восхищала простота выполнения: «взял бы вот эти цветные палочки и сам сейчас все так и написал».

В двадцатый век В.А.Серов вступает в расцвете своего таланта. Это выдающийся своеобразный художник-артист, ищущий непроторенные пути в искусстве. Именно В.А. Серову с его врожденной чуткостью к процессам, происходившим в мировой живописи на рубеже ХIХ и ХХ веков, суждено было стать связующим звеном между классической живописью ХIХ века и новациями серебряного в начале ХХ века. Многообразны искания художника. На рубеже нового века он создает в рисунке кистью необыкновенно правдивый и поэтический образ А.С.Пушкина, одиноко сидящего среди шороха осенних листьев. В 1899 году он пишет прелестный натурный этюд своих детей на побережье моря, а в 1901 году - портрет Мики Морозова, очаровательного в своей детской непосредственности и пылкости темперамента.

В 1900-1901гг. в тонко стилизованной манере В.А. Серов изображает «Выезд императора Петра II и цесаревны Елизаветы Петровны на охоту». В этот же период художник своей броской кистью запечатлевает, как стирают бельё деревенские бабы. В 1907 году он завершает превосходную историческую картину «Петр I» (1907г.) и блистательный «Портрет Г.Л. Гиршман» (1907г.) в ее изысканно-модном будуаре. Художник создаёт прекрасные декорации для постановки оперы своего отца А.Н. Серова «Юдифь» (1907г.).

Диапазон возможностей талантливого художника был широк - от уникальной техники рисования углем «Портрет Ф. И. Шаляпина» (1995г.), до крохотных изображений, исполненных графитным карандашом (зарисовки с В. И. Качалова, 1908г. и Т. П. Карсавиной, 1909г.). С 1895 до самой смерти В.А. Серов трудился над громадной (более 150 листов) серией иллюстраций к басням И. А. Крылова. Художник также испробовал свои творческие силы в театральной афише, он создал для «Русских сезонов» подлинный шедевр — лист с изображением танцующей А. П. Павловой.

В картине «Похищение Европы» (1910) раскрыта тема античного мифа о похищении Европы - дочери финикийского царя - богом Зевсом, превратившегося для этого в быка. Женственно изящен образ кокетливой, изысканно хрупкой Европы. Царственно красив могучий бык с лирообразно изогнутыми рогами и человеческим взглядом. Стремительны прыжки взлетающих над волной дельфинов, очерченных с виртуозной простотой, как бы одним взмахом кисти. И за этой картиной, покоряющей своим совершенным мастерством, встает образ умного, добродушно иронического В.А. Серова, воссоздающего древний миф с тонкой улыбкой человека двадцатого столетия.

В произведениях В.А. Серова последних лет его жизни велики не только сюжетно-тематические, но и стилевые различия. Художник создал прекрасные декорации в Мариинском театре, к балету «Шехерезада» (1911г.) на музыку Н. Римского-Корсакова. Для «Русских сезонов» в Париже. В.А. Серов написал огромную галерею портретов людей разных профессий и сословий, членов царской фамилии и удивительные детские образы, заслуженно считавшиеся вершиной творчества художника.

Один из самых необычных портретов В.А. Серова - «Портрет Иды Рубинштейн» (1911г.) был написан в Париже, незадолго до его смерти. «Жизнь напоказ» - сквозная тема творчества художника, находит завершающее воплощение в этой работе. Раскрытию замысла помогает образ Иды Рубинштейн – знаменитой актрисы и танцовщицы, жизнь которой проходит перед тысячами глаз. В работе над портретом художник использует новые изобразительные средства, близкие модерну. Следует отметить, что работа была плохо принята современниками и товарищами по искусству, и лишь после смерти художника портрет оценили по достоинству.

Скончался В.А. Серов 22 ноября 1911 года в Москве от сердечного приступа. Художник похоронен на столичном Новодевичьем кладбище. Именем художника в 1922 г. названа улица в посёлке художников «Сокол» в Москве.