Поп-арт
Серьезное изучение поп-культуры началось лишь в 60-х годах, когда в молодежную культуру ворвалась британская поп-музыка (ливерпульский квартет «Битлз») и американское движение «хиппи», которые принесли язык формы «flower-power» (в переводе «сила цветов») – именно они повлияли на графический дизайн, моду и мебель в экспериментальном стиле. Игра ярких, почти кислотных цветов, запечатлелась на полотнах художников и старых постерах в стиле пин-ап. Вследствие этого появился «поп-арт» – новое течение в искусстве.
Как и многие ироничные течения в культурной жизни, поп-арт возник как реакция на высоколобое искусство, пытающееся быть умнее, чем есть на самом деле. В этой роли выступал абстрактный экспрессионизм, который под конец 50-х годов был самым модным увлечением в среде американских (и не только) художников и являл из себя концентрат из хаотичных мазков с большим трудом собирающихся в хоть какой-нибудь образ. Эти картины было принято называть ничего не значащими подписями (например, были названия наподобие «Автомобильный сок № 689») , возле этих картин надо было подолгу стоять и пытаться понять что изображено, за них просили огромные деньги – все это в конечном итоге спровоцировало появление поп-арта.
Одной из самых значимых фигур, работающих в этом жанре, является художник с мировым именем Энди Уорхол. Вот что думал о своем искусстве сам знаменитый художник: "Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, – это то, что я хочу делать". Он появился в 1962 со своими сенсационными работами «Зелёные бутылки кока-колы» и «Банки супа «Кэмпбелл», которые моментально сделали его центральной или, по крайней мере, самой обсуждаемой фигурой поп-арта. Впоследствии картины с Campbell (а всего их было 32 – по количеству добавок в супе) стали настоящим олицетворением всего поп-арта и ныне оцениваются в баснословные суммы: если в начале 60-х годов они стоили 250 долларов, то в 2007 году за одну из таких картин просили уже 71.7 миллионов фунтов стерлингов.
Coca-Cola и Campbell были выбраны не случайно: так как поп-арт есть не что иное, как тотальная ирония над массовой культурой, то самая популярная газировка и самый крупный производитель консервированных супов в данном случае лучшие объекты для издевки над сложившийся ситуацией. Принцип поп-арта был спровоцирован самим обществом потребления: если человек ни в чем не знает меры и уже не отличает красивое от некрасивого, то искусство будет таким же.
Поп-культура стала искусством, искусство стало поп-культурой: картины не создаются в единственном экземпляре, а издевательски тиражируются и продаются, словно, какие-нибудь товары с фабрики для массового потребителя. Сам Уорхол признавал, что самое главное в искусстве – его денежный эквивалент: «Успех в бизнесе – самый интересный вид искусства».
У Уорхола была своя «Фабрика» - так называлась культовая арт-студия в Манхэттене, получившая известность благодаря тянувшимся за ней длинному шлейфу из различных скандалов и слухов. В «Фабрике» Уорхол поставил на поток свое искусство: именно здесь он нарисовал многие из своих знаменитых работ выполненных в технике сериграфии. Здесь он делал свои знаменитые кислотные обработки портретов знаменитостей: Мерлин Монро, Мао Цзедуна, Муххамеда Али, Элвиса Пресли и других.
«Поп-революция» в Британии стала не просто выражением нового мироощущения молодежи, проявившегося в музыке, кино, театре, журналистике. Она затронула и материальную среду: интерьеры, моду, мебель. Особую роль играли так называемые артефакты — небольшие вкрапления в обычный интерьер, коренным образом изменяющие его: подносы и кофейные кружки, бесформенные кресла и пуфики, оптический орнамент интерьерных тканей и психоделическая графика. Пластмассовые изделия — часы, посуда, кухонная утварь — все это приобрело яркий, открытый цвет, броскую форму. Понятие «хороший дизайн» уходило в прошлое. Формировались новые критерии: забавно, ярко, быстротечно, экспрессивно.
На поп-арт в дизайне 1960-х гг. оказала влияние группа художников «Независимые», собиравшаяся время от времени в период 1952— 1955 гг. в лондонском Институте современного искусства. Они и считаются пионерами этого направления в Великобритании, первыми воплотившими оригинальные идеи организации среды.
Искусствовед Лоренс Эллоуэй, автор термина «поп-арт», пишет, что вначале термин относился скорее к поп-культуре, складывавшейся под воздействием масс медиа. В середине 1950-х гг., после ряда обсуждений и выставок «Независимых», сформировалось отношение к массовой культуре не как к развлечению или средству бегства от жизни, а как к нормальному объекту искусствоведческого анализа с точки зрения композиции, эстетики, содержания. Особенно большое впечатление произвела выставка «Человек-машина и движение», организованная в 1955 г. членом группы «Независимые» Ричардом Гамильтоном. Собственно, на этой выставке и родилась идея коллажа Гамильтона «И что же делает наши современные дома такими особенными, такими привлекательными?». Коллаж был представлен публике на выставке "This is tomorrow" ("Это завтра") в небольшой лондонской галерее «Уайтчепл» в 1956 году и считается первым произведением поп-арта. На фоне фотографии интерьера с белыми стенами, неоновыми рекламами за окном стоит культурист. В руке он держит, как теннисную ракетку, огромный леденец на палочке с надписью «Рор». На прямоугольном диване у телевизора полулежит вырезанная из какого-то журнала обнаженная девица. На голове — вместо шляпы абажур. В качестве символов поп-культуры в коллаж были вставлены фотографии портативного пленочного магнитофона, банки консервированной ветчины. В рамке на стене висела вырезанная из какого-то комикса сцена — прообраз будущих картин американца Роя Лихтенштейна. Рой родился в Нью-Йорке, учился в Студенческой Лиге искусств в Нью-Йорке, затем в университете Огайо (1940-1943 гг.). После периода абстрактного экспрессионизма, в 1961 году Лихтенштейн нашел тот стиль, который стал характерным для его творчества в целом. Он черпает свои темы в банальном стереотипном мире массового потребления, комиксов, рекламы; какая-либо деталь этих образов увеличивается, заботливо обрамляется и изображается вместе с огромной типографской сеткой, так называемой "Бен Дей". Лихтенштейн в своих работах не столько пытается перевести в сферу высокого искусства визуальные клише комиксов или рекламные способы выражения, сколько разоблачает механизм их действия, помещая в новый контекст. Лихтенштейн энергично отвергает ярлык "анти искусства": его работы - не простые воспроизведения: "я даю форму - вот что я делаю". Мощное увеличение и упрощение мотивов дает эффект демистификации, который побуждает зрителя изменить способ видения.
В задачи выставки 1956 г. «This is tomorrow» входила демонстрация синтеза абстрактного искусства и архитектуры. Однако наиболее интересными экспонатами оказались не отдельные произведения, а пространство инсталляций. Гамильтон участвовал в создании стенда в духе пародии на архитектуру. Внутреннее пространство было темным, с нарушенной перспективой, мягким полом. На наружных стенках наклеены вырезки на тему поп-культуры, различные фотографии, в том числе и Мэрилин Монро. Художники приняли индустриальную культуру и вводили ее аспекты в свои произведения. Эдуардо Паолоцци и Гамильтон даже преподавали в Королевском колледже искусств. «Внедрение» поп-арта в педагогику было связано не столько с инициативой дирекции, сколько с настроениями студентов. Также особым интересом пользовались Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург. Каждый из них развивал идеи поп-арта согласно своим представлениям о прекрасном: Том Вессельман активно рисовал обнаженные женские тела, Роберт Раушенберг нередко использовал в своих работах мусор, различные отбросы и т.п.
На волне поп-арта 1960-х гг. — времени мини-юбок и поп-музыки, появления дешевых товаров и услуг — в дизайне возникают новые концепции, новые материалы, новые принципы создания вещей. Большим спросом пользуются вещи-однодневки из бумаги, картона или пластмассы: одноразовая посуда, одноразовая скатерть, одноразовое платье. Характерен стул Питера Мердока из картона разнообразной расцветки, который продавался в сложенном виде.
В этот период начинается новый виток футурологических разработок. В начале 1960-х гг. формируется нонконформистская группа архитекторов, занимавшихся экспериментальным проектированием. В нее вошли Д. Грин, М. Вебб, Д. Кромптон, П. Кук, У. Чок, Р. Херрон. Название группе — «Аркигрэм» — дал одноименный журнал, рассчитанный на международную аудиторию единомышленников. Члены группы публиковали проекты планетарного масштаба — от поселений на Луне до системы «Plug-in-City» («Город, построенный по принципу электрической вилки, вставляемой в розетку»). Город представал как глобальная инфраструктура, в любой точке которой можно было получить жизненно необходимые услуги, а также подключиться к глобальной информационной сети радио и телевидения. «Будущее жилище рассматривается как сфера творческой и научной деятельности, духовного роста и общения между людьми», — писал, анализируя эти и другие подобные проекты из Италии, Японии и Австрии, архитектор А. В. Рябушин, занимавшийся во Всесоюзном научно-исследовательском институте технической эстетики в Москве футурологией жилища.
Открывшийся в 1964 г., магазин «Habitat» (условно это название можно перевести как «обитаемое пространство»), воплощал не только новый подход к организации розничной торговли. Теренс Конран, дизайнер-текстильщик, попытался выстроить целостные типы интерьеров. Здесь продавались не столько отдельные товары, сколько «стиль жизни». Идея предлагать потребителям целостные интерьеры, образ жилья принадлежит Уильяму Моррису. В своих салонах он продавал мебель вместе с гобеленами, изделиями из керамики. Конран подбирал по каталогам предметы, которые, по его представлению, подходили друг другу стилистически и эмоционально. Точно так же и в магазине «Habitat» посетитель мог выбрать наиболее соответствующий ему по вкусу, стоимости, пространству тип интерьера либо дополнять свое жилище понравившимися деталями. Этот тип магазина отражал одну важную мысль — понимание того, что не все люди одинаковы, что интерьер есть предметное продолжение личности человека.
«Наши потенциальные покупатели, — разъяснял Конран, — молодые люди, возможно, впервые заводящие свой дом, — образованная и интеллигентная прослойка общества. <...> Изделия должны быть функциональны, отличаться высокими технико-эстетическими качествами. Мы не стремимся к неким переворотам в дизайне, напротив — хотим создавать простые, отлично изготовленные изделия, сходные по цене. А поскольку все изделия проектируются одной дизайнерской группой, обеспечивается общее стилевое единство товаров, продаваемых в магазине».
Конран не только организовал дизайн-бюро для проектирования самых разнообразных товаров для дома, но и впервые ввел принцип организации торгового зала по типу открытого склада. Вся мебель продавалась в разобранном виде в компактных картонных упаковках. В 1995 г. «Habitat» вместе со всеми филиалами в Париже, Нью-Йорке и Токио купила фирма «IKEA». Теперь те же идеи торговли интерьерами, стилями, принцип открытого склада развиваются в рамках этой шведской фирмы.