9. Высокое Возрождение в Италии

Период Высокого Возрождения представляет собой высшую точку, кульминацию всей этой великой эпохи. Хронологическая протяженность этого периода невелика и охватывает всего лишь около трех десятилетий в конце 15-го и первой четверти 16 века, но эти десятилетия стоят иных веков.

Произведения этого периода, в отличие от предшествующего периода кватроченто, отличаются своими более крупными масштабами, появляются образы и сверхобычных масштабов, примерами которых могут служить «Давид» Микеланджело и его же огромные фигуры пророков и сивилл в росписи плафона Сикстинской капеллы. Новое понимание масштабности связано не только с размерами, даже небольшие полотна Леонардо и Рафаэля отличаются иным, более «крупным» видением, когда каждый образ несет на себе отпечаток особого величия. Умение увидеть во всем главное сказывается и в выборе темы, и в сюжетном построении, и в ясной группировке фигур, в обобщенной внешней и внутренней обрисовке героев. Стремление к синтезу, к обобщению сказывается и в том, что в произведениях мастеров Высокого Возрождения, в отличие от кватроченто, основное место занимает собирательный образ идеального, совершенного физически и духовно человека.

В ясных и гармоничных образах Высокого Возрождения ощущается огромная внутренняя сила человека, спокойное сознание своей значительности. Основным объектом художественного воплощения для мастеров Высокого Возрождения оказывается образ отдельной человеческой личности, поэтому в преобладающей части произведений число действующих лиц невелико, и даже в многофигурных композициях действующие лица воспринимаются скорее не как единый коллектив, а как совокупность отдельных характеров.

Большого подъема достигла в период Высокого Возрождения и художественная теория. Многие творцы этого периода писали научные трактаты о возможности каждого из видов искусства. «Трактат о живописи» Леонардо да Винчи стал настоящей энциклопедией теоретических представлений и практических знаний своего времени. В области скульптуры глубокие идеи относительно соотношения художественного образа и материала высказал Микеланджело. Им же выдвинута мысль о рисунке как о формообразующей основе всех трех видов пластических искусств — скульптуры, живописи и архитектуры.

Леонардо да Винчи, автопортрет.

Основоположниками искусства периода Высокого Возрождения, титанами этой эпохи можно назвать Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля и Тициана.

Леонардо да Винчи (годы жизни 1452-1519) - итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер, сложился как мастер, обучаясь у Андреа Верроккьо во Флоренции.

Леонардо да Винчи Витрувианский человек, 1490

В ранних произведениях художник, развивая традиции искусства Раннего Возрождения, подчеркивал плавную объемность форм мягкой светотенью, иногда оживлял лица еле уловимой улыбкой, добиваясь с её помощью передачи тонких душевных состояний. В споре искусств Леонардо да Винчи первое место отводил живописи, понимая ее как универсальный язык, способный воплотить все многообразные проявления разумного начала в природе.

Леонардо да Винчи можно назвать единственным примером великого художника, которому принадлежат крупнейшие открытия и идеи во всех областях знания и техники того времени.

В своих многочисленных анатомических рисунках Леонардо заложил основы современной научной иллюстрации, занимался также ботаникой и биологией.

Леонардо да Винчи.

Мадонна Бенуа. 1478 г.

«Мадонна с цветком» (или так называемая «Мадонна Бенуа») – одно из первых значительных произведений Леонардо да Винчи. В своей небольшой по размерам картине молодой Леонардо избрал один из самых популярных мотивов в живописи Возрождения — изображение мадонны интимно-лирического характера, когда тема материнства выражается без той сложности изобразительного замысла, свойственного крупным алтарным композициям.

Фигуры мадонны и младенца, заполняют почти всё пространство картины, вместо насыщенного деталями фона кватроченто — только предельно лаконичный в своей выразительности мотив: окно в темной стене, одновременно показывающее, что действие происходит в интерьере, н позволяющее увидеть за его стенами чистое голубое небо. Вводя в картину мотив игры юной матери и ребенка с цветком, Леонардо отнюдь не переходит грань, за которой начинается характерное для многих живописцев 15 в. мельчащее образ жанровое, бытовое правдоподобие. В самой живописи, не блещущей яркими красочными эффектами, вместо по-флорентийски разобщенных, пассивно сопоставленных цветовых пятен проскальзывает ощущение своеобразного единого тона.

Центральным произведением Леонардо да Винчи можно назвать фреску «Тайная вечеря», представляющую из себя огромную композицию во всю поперечную стену большого зала трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане. Леонардо воплотил в своей фреске всю драму человеческих чувств, выбрав для изображения момент, когда Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». Композиция фрески драматически точно выстроена, кажется, что действие развертывается у нас на глазах, и в этой трагедии одновременно содержится и момент высшего драматического порыва, выраженная в образах апостолов, и ее разрешение, которое представляет образ Христа, исполненного спокойного осознания неизбежности ожидающей его судьбы.

Леонардо да Винчи. Реставрационная копия фрески «Тайная вечеря». Центральный фрагмент. 1495-1498 гг.

Сообщив максимальной выразительности каждому из действующих лиц, Леонардо сохранил в многофигурной фреске ощущение целостности и единства, достигающееся главенством центрального образа Христа. Христос помещен в самом центре композиции, на фоне светлого проема двери, словно в одиночестве — его фигура отделена от апостолов пространственными интервалами, в то время как сами они объединены по трое в различные группы по обеим сторонам от Христа.

Фигура Христа представляет собой и центр пространственного построения фрески: при мысленном продолжении уходящих в перспективу линий стен и висящих на них ковров они сойдутся точно над головой Христа. Господствующее в цветовой гамме фрески сочетание синего и красного также наиболее интенсивно звучит в одеянии Христа; в ослабленном виде оно варьируется в разных оттенках в одеждах апостолов.

Леонардо учёл в перспективном построении фрески, в её масштабе, в расположении стола и фигур наиболее выгодные возможности для её восприятия. Не прибегая к приёмам иллюзионизма в переходах реального пространства в изображаемое, Леонардо да Винчи добился за счет мощной централизации композиционного построения эффекта, когда огромное помещение трапезной оказалось подчиненным самой фреске, увеличивая монументальность ее образов и силу ее воздействия.

Около 1503 г. Леонардо написал одно из своих самых знаменитых произведений - портрет Моны Лизы, более известный как «Джоконда».

Леонардо да Винчи.

Мона Лиза (Джоконда). 1503-1505 гг.

Портрет этот написан с поразительной художественной глубиной и обладает огромной притягательной силой.

Мона Лиза представлена сидящей в кресле на фоне почти фантастического пейзажа, её сильно приближенная к зрителю фигура в сопоставлении с видимым издалека ландшафтом сообщает образу Джоконды необыкновенное величие.

Образ Моны Лизы наполнен жизнью и необыкновенно привлекателен в каждой детали: ее необычный, словно неотрывно следящий за зрителем взгляд, едва уловимая ускользающая улыбка, нежная мягкость моделировки лица и прекрасных холеных рук. Для такой тончайшей пластической моделировки Леонардо да Винчи применял «сфумато» - едва уловимую дымку вокруг лица и фигуры, смягчающую контуры и тени. Леонардо сумел внести в образ Джоконды и ту степень обобщения, которая позволяет рассматривать этот портрет как образ ренессансного духовно гармоничного человека в целом.

Другие известные произведения Леонардо:

«Мадонна в гроте», «Дама с горностаем», «Иоанн Креститель», «Леда и лебедь», «Портрет музыканта».

Следующим за Леонардо да Винчи по времени начала своего творческого пути следовало назвать Микеланджело, однако логичней продолжить рассмотрение этого периода на примере искусства Рафаэля, так как его более единое по своему характеру творчество из-за кратковременности жизненного пути самого художника соответствует в целом более ранней фазе, чем искусство Микеланджело, пережившего Рафаэля почти на полвека.

Рафаэль Санти. Автопортрет

Рафаэль (Раффаэлло Санти, годы жизни 1483-1520) - итальянский живописец и архитектор, в чьём творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о совершенном физически и духовно человеке, живущем в гармонии с миром. Искусство Рафаэля оказало огромное влияние на европейскую живопись XVI-XIX и, частично, XX веков, и в течение столетий сохраняло для последующих художников значение непререкаемого художественного авторитета и образца.

Рафаэль Санти.

Мадонна Конестабиле. 1502-1504 гг.

Первое значительное произведение Рафаэля, созданное им в двадцатилетнем возрасте – небольшая картина в форме тондо «Мадонна Конестабиле».

Образ молодой прекрасной матери, столь популярный в эпоху Возрождения, особенно близок Рафаэлю. Позднее во Флоренции Рафаэль создаст цикл «Мадонн», свидетельствующий о наступлении нового этапа в его творчестве («Мадонна в зелени», «Мадонна с щеглёнком» и «Мадонна-садовница»).

В картине «Мадонна Конестабиле» Рафаэль представил Марию с младенцем за чтением книги на фоне прозрачного умбрийского пейзажа. Исполненные серьезности лица отличаются нежной, бережной моделировкой. Мария и младенец Христос взаимно объединяются действием - их взоры устремлены в книгу, и в композиции - в плавном обобщенном силуэте мадонны, в линиях фигуры младенца, следующих очертаниям картины, и сам круглый формат картины «Мадонна Конестабиле» придает образному замыслу характер особой завершенности.

Рафаэль Санти. Сикстинская мадонна. 1514-1515 гг.

Итогом и синтезом многолетних исканий Рафаэля в наиболее близкой ему теме можно назвать картину «Сикстинская мадонна», принадлежащую к числу наиболее прославленных произведений мирового искусства. Рафаэль мастерски использует здесь возможности монументальной алтарной композиции, вид на которую открывается в далекой перспективе церковного интерьера с момента вступления посетителя в храм. Композиция с раскрывающимся занавесом, за которым, словно видение, предстает ступающая по облакам мадонна с младенцем на руках, производит впечатление захватывающей силы. Эта композиция на первый взгляд кажется простой, но в действительности построение картины основано на необычайно тонких и строго выверенных объемных, линейных и живописных соотношениях. Равновесие «Сикстинской мадонны» лишено искусственности и схематизма и не стесняет естественности движений фигур. В сравнении с прежними работами Рафаэля картина «Сикстинская мадонна» обнаруживает важное новое качество - повышенный духовный контакт со зрителем: взгляд мадонны с широко раскрытыми глазами не фиксирован и трудноуловим, словно она смотрит не на зрителя, а мимо или сквозь, в нём ощущается оттенок тревоги и того выражения, которое появляется у человека, когда ему вдруг открывается его судьба. Мадонна Рафаэля провидит трагическую участь сына и всё-таки готова принести его в жертву. Драматизм образа матери проявляется в его единстве с образом младенца Христа, которого художник наделил недетской серьезностью и прозорливостью. При таком глубоком выражении чувств образ мадонны лишен и намека на преувеличение и экзальтацию, в нем сохранена его гармоническая основа, но, в отличие от прежних рафаэлевских созданий, она в большей мере обогащена оттенками сокровенных душевных движений.

Рафаэль Санти. Афинская школа. 1509 г.

После переезда в Рим в 1508 году Рафаэлю были поручены росписи апартаментов папы, так называемых станц. Тема росписи - четыре области духовной деятельности человека: богословие представляет фреска «Диспута», философию - «Афинская школа», поэзию - «Парнас», правосудие - «Мудрость, Умеренность и Сила». Лучшей фреской станц признают «Афинскую школу». Выразительность отдельных образов и групп в «Афинской школе» усилена композиционными средствами, центральные образы Платона и Аристотеля на втором плане среди множества других участников сцены выделяются благодаря тому, что наиболее удаленная из арок величественной анфилады охватывает только две эти фигуры, обе они изображены не стоящими на месте, а идущими вперед, прямо на зрителя. Их торжественная поступь, неразрывно связанная с движением архитектурных масс и арочных пролетов придает главным героям фрески функции динамического центра композиции и сообщает им повышенную силу образного воздействия. Начавшееся из глубины, это движение словно разрешается в плоскости, распространяясь вширь и гармонически завершаясь мощным арочным охватом полукруглого обрамления фрески.

Рафаэль Санти. Диспута. 1509 г.

Во фреске «Диспута», изображающей беседу о таинстве причастия, действие происходит в двух планах - на земле и на небесах. Внизу расположились по обе стороны от алтаря священнослужители, старцы и юноши, их фигуры написаны в живых пластических движениях с выразительными силуэтами. В верхней части фрески возникает олицетворение троицы: бог-отец, чуть ниже его Христос с богоматерью и Иоанном Крестителем, еще ниже, отмечая геометрический центр фрески, голубь в сфере, символ святого духа, по сторонам на парящих облаках восседают апостолы.

Фигуры в нижней части фрески размещены так естественно и свободно, что смягчают строгую упорядоченность верхней части. Как ведущий композиционный мотив сквозь всю фреску проходит тема взаимосвязанных огромных полукружий: уходящий в глубину полукруг свободно размещенных фигур в нижней части фрески и словно его идеальное отражение — более правильное полукружие апостолов на облаках, с которым замечательное по красоте сочетание образует полуциркульная арка люнета, охватывающая всю композицию грандиозной фрески.

Другие известные произведения Рафаэля:

«Три грации», «Мадонна Грандука», «Мадонна в зелени», «Дама в покрывале», «Триумф Галатеи», «Изведение апостола Петра из темницы».

Итальянское Возрождение дало миру немало прославленных мастеров, но сила творческого гения Микеланджело Буонарроти (годы жизни 1475 —1564) выделяет его даже среди величайших художников этой эпохи. Микеланджело был в одинаковой степени одарен как скульптор, живописец и архитектор, и именно ему было суждено создать во всех этих видах искусства произведения наиболее грандиозные по своим масштабам, с исключительной силой и яркостью выразившие содержание эпохи Возрождения. Почти семидесятипятилетний творческий путь Микеланджело можно назвать кульминацией и завершением эпохи Возрождения. Главными чертами творчества Микеланджело на всём его протяжении являлись монументальность и пластическая мощь, внутренняя напряженность и драматизм образов, благоговение перед человеческой красотой.

Микеланджело Буонаротти. Сотворение Адама. Сикстинская капелла, Ватикан. 1508-1512 гг.

Грандиозным живописным произведением Микеланджело можно назвать цикл росписей на своде Сикстинской капеллы в Ватикане, где художник создал величественную, торжественную, легко обозримую в целом и в деталях композицию, гимн физической и духовной красоте, утверждающий безграничные творческие возможности Бога и созданного по его подобию человека. В соответствии с архитектоникой капеллы Микеланджело расчленил перекрывающий ее свод на ряд полей, разместив в широком центральном поле девять композиций на сюжеты из Библии о сотворении мира и первых людях на земле: “Отделение света от тьмы”, “Сотворение Адама”, “Сотворение Евы”, “Грехопадение”, “Потоп”, “Опьянение Ноя” и другие.

Микеланджело Буонаротти.

Кумская сивилла. Сикстинская

капелла, Ватикан. 1508-1512 гг.

Изображения всей росписи распадаются на три основные группы: сцены из Книги Бытия, пророки и сивиллы и сцены в пазухах свода. Грандиозный ансамбль, включающий более трехсот фигур, представляется вдохновенным гимном красоте, мощи, разуму человека, прославлением его творческого гения и героических деяний.

Во фреске «Сотворение Адама» пробуждение человека к жизни истолковано Микеланджело как высвобождение дремлющих в нем сил в результате волевого импульса творца. Протягивая руку, Саваоф касается руки Адама, и это прикосновение вселяет в Адама жизнь, энергию, волю. Титаническая сила, интеллект, прозорливая мудрость и возвышенная красота характеризуют образы пророков: глубоко задумавшегося скорбного Иеремию, поэтически одухотворенного Исайю, могучую Кумскую сивиллу, прекрасную юную Дельфийскую сивиллу.

Микеланджело Буонаротти. Сикстинская капелла. 1508-1512 гг.

За 4 года Микеланджело собственноручно расписал 600 кв.м.

Микеланджело Буонаротти.

Давид. 1501-1504 гг.

Создаваемым Микеланджело характерам присуща огромная сила обобщения; для каждого персонажа он находит особую позу, поворот, движение, жест. Фрескам плафона Сикстинской капеллы, как и другим живописным произведениям Микеланджело, свойственны четкость пластической лепки, напряженная выразительность рисунка и композиции, преобладание в красочной гамме приглушенных изысканных цветов. Те же черты присущи и пластическим произведениям Микеланджело.

В 1504 году Микеланджело закончил работу над колоссальной (её высота составляет 547 см) статуей «Давида», одним из самых известных своих скульптурных произведений. В отличие от своих предшественников (Донателло и Верроккьо) Микеланджело изобразил Давида перед совершением подвига, прекрасное лицо юноши полно гнева, взгляд грозно устремлен на врага, рука сжимает пращу. Образно-композиционное построение «Давида» отличается ясностью и простотой: выразительный силуэт, четкий контур, ясные членения, отсутствие противоречивых элементов в трактовке движения и в скульптурной моделировке - все служит максимально отчетливому выражению концентрированной целеустремленной воли, образ героического человека приобретает здесь подлинно титанический характер.

Главные произведения Микеланджело во втором десятилетии 16 века связаны с работой над гробницей папы Юлия II, для которой скульптор выполнил в числе прочих статуи двух пленников (или рабов). В образах этих пленников («Умирающий раб» и «Скованный раб») Микеланджело решает тему конфликта человека и враждебных ему сил и переходит к показу образа в его изменении, что достигается введением сложных мотивов движения, рассчитанных на несколько сменяющихся

Микеланджело Буонаротти.

Скованный раб. 1512-1513 гг.

точек зрения, составляющих законченный многоплановый образ. При обходе статуи «Скованный раб» справа налево вначале возникает ощущение бессилия прикованного тела, движение закинутой назад головы выражает мучительное страдание. По мере же продолжения обхода тело раба начинает крепнуть, наливаться силой, мышцы напрягаются, в мощном движении его поднятой головы угадывается гордый вызов, кажется, что путы его сейчас неминуемо будут разорваны. Но продолжая двигаться влево напряжение вновь ослабевает, мышцы утрачивают крепость, и преобладающим снова оказывается выражение безысходного страдания.

Другие известные произведения Микеланджело Буонарроти:

«Страшный Суд», «Пьета», «Мадонна с младенцем», «Вакх», «Умирающий раб», «Флорентийская пьета».

Контрольные вопросы:

- общая характеристика итальянского искусства Высокого Возрождения;

- творчество Леонардо да Винчи;

- творчество Рафаэля Санти;

- творчество Микеланджело Буонаротти.

Вопросы для самостоятельной проработки

(возможные темы рефератов и семинаров):

- творчество Тициана

- особенности искусства Позднего Возрождения. Маньеризм.