Shpargalka

31. Творчество С. Стравинского. Игорь Фёдорович Стравинский (1882–1971) — русский композитор, дирижёр.. Многие годы был дружен с С. П. Дягилевым. В «Русских сезонах» в Париже прошли премьеры балетов Стравинского «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913), принёсшие композитору мировую славу.. Вёл широкую концертную деятельность (дирижировал преимущественно собственными сочинениями, выступал и как пианист.Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В т. н. русский период (1908 — начало 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка — «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонического искусства и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла», балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симфонии (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) — не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 в. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (например, джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 в.Сочинения: Оперы — Соловей (1914, Париж), балеты — Жар-птица, Петрушка Весна священная, Свадебка Поцелуй Игра в карты; для солистов, хора и оркестра — кантаты Звездоликий (1912), Вавилон (1944), Плач пророка Иеремии (1958), Священное песнопение (1955), Заупокойные песнопения (1966) и др.; для хора и оркестра — Симфония псалмов концерты с оркестром — для скрипки (1931), для фортепиано и духовых инструментов (1924; 2-я редакция 1950); концерт для 2 фортепиано (1935), Чёрный концерт для кларнета и джаз-бэнда (1945); камерно-инструментальные ансамбли; пьесы для фортепиано; хоры a cappella; романсы, песни и др.

32. Музыкальная культура России ХХ в. Общая характеристика. Музыкальное искусство ХХ века наполнено новаторскими идеями. музыка часто служила источником отображения страшных эпохальных исторических событий, свидетелями и современниками которых были большинство великих композиторов этой эпохи, ставших новаторами и реформаторами. Знаменосцами этих новаторских направлений стали такие композиторы, как Арнольд Шенберг, Пауль Хиндемит, Оливье Мессиан, Пьер Булез, Антон Веберн, Карлхейнц Штокхаузен. Одной из особенностей музыкального языка 20-ых гг. нового века стало обращение к принципам музыкального мышления и жанрам, характерным для эпохи барокко, классицизма и позднего Возрождения. Неоклассицизм стал одним из противопоставлений романтической традиции ХТХ века, а также течениям, связанным с ней (импрессионизму, экспрессионизму, веризму и т. д.). Кроме того, усилился интерес к фольклору.Многие композиторы стремились в своем творчестве к продолжению романтических традиций прошлого (С. В. Рахманинов, Рихард Штраус) или искали вдохновение в эпохах классицизма и барокко (Морис Равель, Пауль Хиндемит, Жан Луи МартинеВоплощение новых идей в музыке не всегда воспринималось публикой с энтузиазмом.Несомненными предшественниками новых течений современной музыки были Рихард Вагнер, Густав Малер и Клод Дебюсси, заложившие в своем творчестве практически все основные принципы музыки ХХ века. Игорь Федорович Стравинский, Бела Барток и Арнольд Шенберг – вот триада композиторов-новаторов, чье творчество стало основой для всей музыкальной культуры столетия и в первую очередь для их учеников – Альбана Берга, Антона Веберна, С. С. Прокофьева, Д. Д.Шостаковича, Пауля Хиндемита.Поздний романтизм.Начало 20-го века (1900-1910-е гг.) прошло под знаком последнего расцвета и одновременно кризиса романтической музыкальной культуры. Признаки его особенно заметны в австро-немецкой культуре, историческом центре музыкального романтизма. Рихард Штраус .Густав Малер Прошедший век, несчастный и прекрасный, подверг человечество тяжелейшим испытаниям, но и одарил его потрясающими сокровищами. ХХ столетие – эпоха научно-технической революции. ХХ век – это также великолепный взлет искусства, блистательный расцвет многих национальных школ, целая плеяда гениальных художников.Важным фактором в развитии музыкальной культуры оказались величайшие завоевания технического прогресса. Некоторые из них – радио, кино, грамзапись - открыли богатейшие возможности для развития искусства и его широкого распространения в обществе.

33. Творчество С. Прокофьева. Сергей Сергеевич Прокофьев (1891–1953) — советский композитор, пианист, дирижёр. Народный артист РСФСР (1947). Музыка Прокофьева — крупнейшего композитора 20 в. — воплощает гармоничное и радостное ощущение жизни, проникнута духом деятельной энергии. Она разнообразна по содержанию, соединяющему в себе эпос и лирику, драматизм и юмор, характеристичность и психологизм. Прочно связанное с традициями прошлого, творчество Прокофьева раздвинуло границы музыкального искусства в области языка, содержания, средств выразительности, представляя собой передовое и новаторское явление современной эпохи. Оперное и балетное творчество Прокофьева, охватывающее широкий круг нетрадиционных сюжетов, новые принципы и приёмы музыкальной драматургии, принадлежит к числу реформаторских завоеваний музыкального театра (сотрудничал с С. П. Дягилевым, В. Э. Мейерхольдом, А. Я. Таировым). Уже в операх 1910–1920-х гг. («Игрок», «Любовь к трём апельсинам», «Огненный ангел») проявились особенности творческого метода Прокофьева — напряжённость и непрерывность музыкально-драматургического развития, лиризм в сочетании с острой характерностью, гибкость и точность вокальной декламации. От «Игрока» и «Огненного ангела», развивавших традиции русской речитативной оперы, тянутся нити к опере «Семён Котко» — народно-бытовой драме о событиях Опыт работы над национальной историко-героической тематикой в жанре киномузыки (кинофильм «Александр Невский», «Иван Грозный»,) оказал большое влияние на стиль композитора и подготовил патриотическую оперу-эпопею «Война и мир». Опера «Обручение в монастыре» завершила поиски Прокофьева в области современной комической оперы. Сюжетное и жанровое многообразие отличает балеты Прокофьева 20-х — начала 30-х гг. («Сказка про шута, семерых шутов перешутившего», «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре»). Балеты Прокофьева 2-й половины 30-х — начала 50-х гг. («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке») принесли советскому балетному театру мировую славу. Прокофьев создал современные классические образцы жанра. Не менее значительны достижения Прокофьева в других жанровых сферах. Таковы, прежде всего, его 7 симфоний, своеобразно синтезирующие и развивающие традиции эпического, драматического и лирико-жанрового симфонизма. 1-я симфония оригинально претворяет черты гайдновского симфонизма. 2-я симфония (2-частная) сочетает в себе драматическую напряжённость и жёсткость с красотой русского распева, подвергнутого изобретательному вариационному развитию. Тесно связаны с театральным творчеством лирико-драматическая 3-я (тематизм «Огненного ангела») и лирико-жанровая 4-я («Блудного сына») симфонии. Эпическая, насыщенная современным содержанием 5-я (по словам Прокофьева, «симфония величия человеческого духа») и лирико-драматическая 6-я симфонии навеяны событиями Великой Отечественной войны 1941–45. Ясностью и гармоничностью отличается музыкально-образный строй лирико-созерцательной, просветлённой 7-й симфонии. Самобытный стиль фортепианных сочинений Прокофьева (9 сонат и 5 концертов, циклы) с его ударной трактовкой инструмента и преломлением раннеклассицистских фактурных приёмов сыграл значительную роль в формировании нового пианизма в музыке 20 в. Музыка Прокофьева, завоевав огромную популярность во всём мире, оказала значительное влияние на творчество многих советских и зарубежных композиторов. Сочинения: Оперы — Маддалена, Огненный ангел, Война и мир; балеты — Сказка про шута, семерых шутов перешутившего (1921, Париж), Стальной скок (1927, Париж), Блудный сын (1929, там же), На Днепре (1932, там же), Ромео и Джульетта (Золушка (1945, Москва), Сказ о каменном цветке Ала и Лоллий (Скифская сюита, 1915), симфоническая сказка Петя и волк (1936), Два пушкинских вальса (1949), различные сюиты, поэмы, увертюры и др.;

34. Творчество Д.Шастаковича. Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906–1975) — советский композитор, пианист, педагог, музыкально-общественный деятель. Многоплановое, разнообразное по жанрам творчество Шостаковича стало классикой советской и мировой музыкальной культуры 20 в. Особенно велико значение Шостаковича-симфониста. В его 15 симфониях воплощены глубокие философские концепции, сложный мир человеческих переживаний, острые, трагические конфликты, звучит голос художника-гуманиста, борца против зла и социальной несправедливости. Шостакович создал свой неповторимо-индивидуальный стиль, черты которого (динамика развития, неожиданность контрастов и образных перевоплощений тематизма, тонкая лирика, нередко окрашенная юмором или иронией, полифонизация фактуры) проявились уже в 1-й симфонии (1925), принёсшей известность автору. Большой вклад внёс Шостакович в развитие музыкального театра. Однако его деятельность в этой области была грубо прервана появлением редакционных статей газеты «Правда» — «Сумбур вместо музыки» (28 января 1936) и «Балетная фальшь» (6 февраля 1936). Заметное влияние на сценические произведения Шостаковича оказал В. Э. Мейерхольд. Опера «Нос» — оригинальное музыкальное воплощение повести Н. В. Гоголя, отличается быстрым чередованием эпизодов, смелым употреблением сложных средств современной композиторской техники, многопланово-контрапунктическим строением массовых и ансамблевых сцен. Важнейшей вехой в творчестве Шостаковича и в истории оперного искусства стала опера «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова», по Н. С. Лескову, 1932), где сатирическая заострённость в обрисовке отрицательных персонажей сочетается с одухотворённой лирикой и суровым, возвышенным трагизмом. Правдивость и сочность музыкальных портретов, психологическая углублённость, обобщение народно-песенных интонаций, особенно в финале, в картине каторги, говорят о близости Шостаковича к искусству М. П. Мусоргского. Идейно-эстетические заветы и выразительные средства последнего нашли отражение в эпической широте вокально-симфонической поэмы «Казнь Степана Разина» (на слова Евтушенко, 1964), в раскрытии темы «маленького человека» в вокальном цикле «Из еврейской народной поэзии» (1948). Шостакович осуществил оркестровую редакцию опер «Борис Годунов» (1940) и «Хованщина» (1959), оркестровку вокального цикла «Песни и пляски смерти» (1962) Мусоргского. Крупными событиями советской музыкальной жизни было появление нескольких концертов для фортепиано, для скрипки, для виолончели с оркестром, многих камерных произведений Шостаковича: фортепианный квинтет, трио памяти И. И. Соллертинского, 15 струнных квартетов, 24 прелюдии и фуги для фортепиано (первый подобный цикл в отечественной музыке), циклы романсов на слова А. С. Пушкина, А. А. Блока, М. И. Цветаевой, Микеланджело Буонарроти. Нарочитая простота письма некоторых сочинений конца 40-х — начала 50-х гг. (оратория «Песнь о лесах», 1949; вокальный цикл на слова Долматовского, 1951; кантата «Над Родиной нашей солнце сияет», 1952) объясняется стремлением композитора ответить на обвинения в «антинародном формализме», выдвинутые тенденциозным постановлением ЦК ВКП(б) «Об опере „Великая дружба“ В. Мурадели» от 10 февраля 1948. Многолетняя работа Шостаковича в кино характеризуется созданием музыкальных образов, использованием городского фольклора и рабочей революционной массовой песни («Златые горы», 1931; «Встречный», 1932; трилогия о Максиме, 1935–39; «Человек с ружьём», 1938; «Молодая гвардия», 1948; «Овод», 1955), музыке более поздних кинофильмов присущи симфонизированные принципы развития («Гамлет», 1964; «Король Лир», 1971). Творчество Шостаковича, завоевавшее ныне всеобщее признание, оказало значительное воздействие на развитие советского и мирового музыкального искусства.Сочинения: Оперы — Нос Леди Макбет Мценского уезда Игроки балеты — Золотой век, Болт, Светлый ручей, музыкальная комедия Москва — Черёмушки И МН.ДР

35. Советская массовая песня. в широком смысле сольная или хор. песня, созданная профессио нальным композитором и рассчитанная на массовое распространение в общественной жизни или домашнем быту. М. п. имеет куплетное строение Муз. образ сконцентрирован в самостоятельной по значению вок. мелодии, обобщенно отражающей смысл слов и допускающей исполнение без инструментального сопровождения. Обще- значимость содержания М. п. в сочетании с простотой формы, поэтич. и муз. языка, использование певч. голосов в наиболее употребит. регистрах обусловливают ее максимальную доступность для всеобщего исполнения и восприятия. С сер. 20-х и до конца 50-х гг. 20 в. понятием "М. п." охватывалось все песенное творчество сов. композиторов. Позднее, с укоренением термина "советская песня", к М. п. стали относить лишь одну жанровую разновидность - хоровую песню на общественно-политич. темы, предназначенную для совместного исполнения большими массами людей. В отличие от др. разновидностей песни - эстрадной и бытовой, М. п. (в узком смысле) рассчитана на хор. звучание (без сопровождения), гл. обр. во время демонстрации, митингов, собраний и др. крупных обществ. событий. Реже М. п. исполняются в концертах, а в свою очередь эстрадные и бытовые песни звучат как массовые, что зависит от степени общезначимости их муз.-поэтич. образов и индивидуализации.Часто М. п. отличаются героич. характером и выдержаны в ритме марша. Поэтич. тексты обычно включают агитационные обращения - призывы, к-рым соответствуют лаконичные, четкие, броские муз. фразы-лозунги (чаще всего в припеве). М. п., как правило, связаны с социальной и нац.-освободительной борьбой народа, выражая ее идеи и являясь мощным средством организации и воспитания масс. Первыми образцами М. п. были боевые гимны Великой франц. революции ("Марсельеза" и др"Интернационал", "Варшавянка", "Красное знамя", "Бандьера росса", "Смело, товарищи, в ногу" и др

36. Музыкальная культура Беларуси XVIII в. прыватнавладницких городов (Несвиж, Гродно, Шклов). Духовное творчество белорусского народа в XIV-XVIII веках выявилось в значительной степени в развитии фольклора: песенного, музыкального, хореографического. В устном народном творчестве отразились важнейшие исторические факты, народные представления, социальный опыт. Значительное место и устном творчестве занимали традиционные жанры обрядового песенного искусства: календарные, семейные, религиозные песни. Тогда же возникла профессиональная музыкальная культура Беларуси. Центрами ее распространения стали религиозные православные братства, где одним из основных предметов преподавания была музыка. Выпускники таких школ прекрасно владели нотной грамотой и навыками ИС ношения сложных многоголосых произведений. В это же время получили распространение гимны на светскую и религиозную тематику — канты, отражавшие многие стороны жизни белорусского народа. Они постепенно приобрели популярность и стали неотъемлемой частью многих обрядов и праздников. В музыкальной культуре XVIII столетия значительное место занимали оркестры и капеллы, существовавшие при крепостных театрах. Их выступлениями сопровождались театральные постановки, церковные службы, парады, балы. Во второй половине XVIII столетия в среде магнатско-помещичьей верхушки Беларуси стал зарождаться интерес к европейскому театральному искусству. Это привело к созданию частновладельческих крепостных театров, наиболее известными из которых стали театры Радзивиллов в Несвиже и Слуцке, Шкловский театр Зорича, театры Сапегов в Ружанах, Дериче, Зельве. Они представляли собой балетно-оперно-драматические труппы, выступление которых сопровождали оркестры и капеллы. Большинство актеров и музыкантов таких театров были крепостными. Их готовили квалифицированные, приглашенные из-за рубежа, педагоги в специально созданных для этого школах. После смерти или разорения владельца театра бывшие актеры перекупались и часто блистали на профессиональных сценах Москвы и Петербурга. Так, к примеру, гродненская и слонимская труппы в конце XVIII века стали основой польского «Общества танцовщиков его королевского величества», а крепостные актеры графа С. Зорича были отобраны для работы на сцене санкт-петербургских императорских театров. Первый в Белоруссии крепостной театр был основан еще в 40-е г. XVIII в. в Несвиже. В нем действовали драматическая, оперная и балетная труппы. В 70-е годы XVIII в. главным центром театрально-музыкальной жизни в Белоруссии стал Слонимский двор великого литовского гетмана М.Огинского, дяди известного композитора Михаила Клеофоса Огинского. Крепостные театры существовали также при дворах Тизенгауза в Гродно, Сапег — в Ружанах и Деречине, Радзивиллов — в Слуцке, Зорича — в Шкло-ве, Чернышева — в Чечерске, Тышкевичей — в Свислочи. С 70-х годов XVIII в. в Гродно и Минске регулярно показывали свои представления польские профессиональные театры В.Богуславского, Д.Моравского и др.

37. Музыкальная культура Беларуси XIX в. Творчество Н. Орды, М.-К. Агиньскага, М. Ельского. узыкальное искусство. В XIX в. музыкальная жизнь в Беларуси развивалась главным образом в Минске, Бресте, Витебске, Могилеве, Гродно и других больших городах. Кроме того, как и ранее, она скрашивала быт некоторых панских усадеб. В частности, любители музыки собирались в Залесье (Сморгонский район) у М. Кл. Огиньского (далекого родственника М. Каз. Огиньского); в Городище под Минском у помещика Л. Ракитского, владельца профессионального оркестра; в имении Городец Могилевской области у композитора-любителя В. Костриет-Скандерюока, который держал крепостной квартет, считавшийся одним из лучших в России. В организации концертных вечеров и музыкальном просвещении населения важную роль сыграли минские музыканты братья Доминик и Викентий Стефановичи, с 1803 г. на протяжении нескольких десятилетий дирижировавшие городским оркестром. Музыку таких оркестров можно было послушать в городском саду, она звучала и на площадях, в частных домах, парках, на музыкально-танцевальных вечерах в дворянском кругу и гимназиях. В Гродно, Витебске, Слуцке проходили концерты духовых оркестров. Концертировали как местные музыканты, так и известные европейские гастролеры: один из лучших скрипачей того времени испанец П. Эскудера, бельгийский скрипач Ш. Мёзер, юная скрипачка Т. Юзефович (ее называли шутливо «Паганини в юбке»), знаменитый ксилофонист М. Гузиков, скрипач-виртуоз М. Ельский, композитор и исполнитель Ф. Милодовский, первоклассный гитарист М. Соколовский. Значительный вклад в развитие отечественного музыкального искусства, в первую очередь камерного, оперного и симфонического, внес белорусско-польский композитор, дирижер и педагог Станислав Монюшко (1819–1872). Он родился под Минском, жил в Минске, Вильно, а с 1858 г. – в Варшаве. Многие песни он писал, вдохновившись образами белорусской природы («Вилия», «К реке Неман»); сюжет его лучшей оперы «Галька» В Беларуси жили и творили другие видные деятели музыкальной культуры: А.К. Радзивилл, первым создавший оперу «Фауст». Свою лепту в отражение истории Беларуси и сопредельных территорий внес Наполеон Орда (1807–1883) – художник, музыкант, литератор. В наследство потомкам он оставил около 1000 зарисовок замков, культовых зданий, дворцов и других памятных мест Беларуси, Литвы, Польши, Украины. Многих изображенных им памятников архитектуры уже нет, и его картины являются своеобразными документами знаковых мест и объектов зодчества прошлого. Композитор и скрипач М. Ельский выпустил мемуары о накопленном в отечестве за текущее столетие музыкальном наследии. Среди других изданий увидели свет фольклорные сборники «Белорусские песни Минской губернии» Н. Янчука, «Песни белорусские» А. Черни, «Малороссийские и белорусские песни» П. Сокольского.

38.этапы становления и развития национальной композиторской школы Беларуси ХХ в. (Творчество композиторов В. Богатырева, И. Оловникова, Е. Глебова). Белорусская музыкальная культура XX век – время начала нового этапа в развитии профессиональной белорусской музыки. История развития белорусского музыкального искусства имеет глубокие корни, ее истоки уходят в далекое прошлое. 1- этап (20-40-е гг.). Формирование национальной композиторской школы.Начальная ступень развития профессиональной музыки в Беларуси связана с социальной, политической обстановкой в те годы.происходит внедрение белорусского языка в учебники, газеты, журналы. Обновляется и обстановка, в которой теперь звучит музыка. Возникает множество музыкальных кружков, обществ, самодеятельных хоров, частных музыкальных школ и училищ.Организовываются «вечеринки», на которых читаются стихи и звучат народные песни и танцы.1932 год – открытие Белорусской государственной консерватории в Минске. Первые ее выпускники-композиторы: А. Богатырев, М. Крошнер, П. Подковыров, В. Оловников, Л. Абелиович.Музыкальное искусство этого периода ориентировано на русскую классику. Основные черты в музыке:преобладание общественного над личным; оптимистичность;склонность к программности;опора на национальный мелодический материал.Основные жанры – опера, симфония, камерно-инструментальная, хоровая и сольная песня, обработки народных песен.2- этап (кон.40-нач. 60-х гг.). Период закрепления достигнутого профессионального уровня. ВОВ прервала стремительное восхождение и укрепление композиторской школы Беларуси. В 1941 году консерватория закрылась, а возобновила работу только через 11 лет.Несмотря на всю тревожность военной обстановки, музыкальная жизнь в Беларуси продолжала существовать. В творчестве белорусских композиторов в этом периоде выходит патриотическая тема борьбы народа против фашизма. После успешного окончания войны, общественная жизнь, как и культурная, стала возобновляться. Ожили концертные залы, театры, музыкальные учебные заведения. Активизировалась деятельность союза композиторов, куда теперь вошли молодые выпускники консерватории – Г. Вагнер, Э. Тырманд, Ю. Семеняко, Е. Глебов, Д. Смольский. Расширяется диапазон жанров – появился жанр инструментального концерты для цимбал, контрабаса.3-этап(1960-70-е гг.). Усиление творческой активности композиторов.Это время обновления традиций белорусской музыки. Черты нового:внимание к народному музыкальному творчеству. 4- этап (1980-90-е гг.). Сохранение и развитие предшествующих традиций.Много интересного было создано композиторами в этот период. Конец 20 столетия – это появление новых талантливых имен композиторов – выпускников Белорусской академии музыки Среди них – А. Бондаренко, В. Копытько, В. Кузнецов, Л. Мурашко, Е. Поплавский, В. Солтан и др. Анатолий Васильевич Богатырев (1913-2003).он окончил Белорусскую государственную консерваторию им. А.В.Луначарского по специальности "композиция" им написано много произведений разных жанров: оперы, симфонии, оратории, кантаты, концерты, многочисленные хоровые, камерно-вокальные и камерно-инструментальные композиции. Первые крупные произведения - кантата "Сказ о Медведихе" на стихи А.С.Пушкина и опера "В пущах Полесья" по повести "Дрыгва" Я.Коласа - принесли А.В.Богатыреву признание и широкую известность. создает кантаты "Белорусским партизанам", "Беларусь", "Ленинградцы".опера "Надежда Дурова", кантаты "Белорусские песни", "Рисунки родного края", "Юбилейная", оратория "Битва за Беларусь", Евгения Глебова, народного артиста СССР, народного артиста Белоруссии, основное творчество Евгения Глебова - это симфонические, балетные и программные сочинения. Поэма «Легенда», «Полесская сюита», баллада «Альпийская симфония», три сюты из балета «Избранница», три сюиты из балета «Тиль Уленшпигель», концерт для оркестра «Зов», шесть симфоний, две из которых программные - «Партизанская» и «К миру» Трудно назвать жанр, в котором не пробовал бы свои силы композитор Е.А.Глебов. Это лирическая опера «Твоя весна», оперетты, оратории и кантаты симфонии, произведения для симфонического и народного оркестра, хоры, камерные ансамбли, эстрадные пьесы, музыка к драматическим спектаклям и кинофильмам. Он автор первого белорусского балета «Мечта», балета «Альпийская баллада» по одноимённой повести В.Быкова, который был поставлен почти во всех ведущих театрах бывшего Советского Союза. Для своего творчества композитор использует первоклассные литературные источники, такие, как повести В.Быкова, поэма Янки Купалы «Избранница», «Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери, «Тиль Уленшпигель» Шарля де Костера. В музыке Глебова использовано множество народных мелодий Испании, Бельгии, Нидерландов.

39. Творчество белорусских композиторов половины ХХ в. (На выбор несколько композиторов, например, А. Мдивани, Г. Горелова). С именем крупнейшего композитора современности Андрея Мдивани связаны высокие достижения в области музыкального искусства. Он является автором сценических произведений, симфоний, ораторий, инструментальных и хоровых концертов, хоров, музыки для народного оркестра, камерных произведений . Во всемирно известном балете "Страсти (Рогнеда)", идущем с 1995 года на аншлагах в Национальном театре оперы и балета Беларуси и открывавшем Дни культуры Беларуси в Польше (Варшава, 1997), Декаду белорусского искусства и культуры в России (Москва, Большой театр, 2001), впервые в мире на высоком художественном уровне была решена тема Крещения Руси. он явился основоположником белорусского программного симфонизма, связанного с раскрытием темы истории славянских земель, с деяниями великих белорусских просветителей - Ефросинии Полоцкой, Симеона Полоцкого, Франциска Скорины, с литературными образами поэзии Данте, Овидия, Бальмонта, Янки Купалы, Лермонтова, Пушкина, Сологуба, Языкова, с философской прозой Бальзака. В его симфониях художественными средствами глубоко и оригинально раскрыты идея связи времен и устремления человеческого духа к красоте и гармонии. Особой известностью пользуется Шестая симфония "Полоцкие письмена", написанная в честь 1125-ия г. Полоцка. В области хорового и вокально-инструментального жанрах Мдивани насытил музыкальную ткань зримой, пластической выразительностью интонации, создав прецедент театрализации музыки, в собственно хоровом звучании - творчески преломил древнюю византийскую культуру распевания текстов и грузинскую манеру мужского пения, которые были оригинально воплощены в интонационном строе и гармоническом рельефе формы. Галина Горелова родилась в Минске. Окончила в 1977 г. Белорусскую государственную консерваторию по классу проф. Д. Смольского, продолжила учёбу в ассисентуре А. Богатырёва, мастер-классах Ю. Фортунатова. Преподаёт композицию и музыкально-теоретические дисциплины в Белорусской академии музыки. В 1992 за кантату "Anno mundi ardentis" на стихи поэтов 20 в. получила Государственную премию Республики Беларусь. Легенда" (США, Оклахома-Сити, 1992). Концерт для гобоя (Udine, Италия, 1991; Киев; Ташкент) "Снетогорские фрески" (Словения, фестиваль камерной музыки 1993). "Грустные песни" (Международный фестиваль "Музыка друзей", Москва, 1994) "Пейзажи" (Чехия, Корвино, 2000; Краков, 1998; Германия)."Прикосновения"(Междунар. фест. "Московская осень", 1997) В трех частях "Концерта для гитары, струнных и колоколов" последовательно проводится идея постепенной индивидуализации тихого голоса гитары (некоего индивидуума, некоего "я") в гуще энергичных движений и ритмов оркестра. В первой части этот "тихий голос" еще мало выделяется из общего архаического движения первозданных звуков природы. Вторая часть - "Прерванная серенада" - попытка быть услышанным при помощи жанровой узнавамости серенадных мотивов, постоянно прерываемых "издевательскими возгласами" оркестра. И лишь в третьей части -"Хорал" - "тихий голос", наконец, услышан, и гитара звучит как полновластное соло на фоне сдержанного и благородного хорала струнных и колоколов.