1). Байрон, джордж гордон (1788–1824), один из величайших английских поэтов-романтиков. Родился 22 января 1788 в Лондоне.

Первым крупным произведением Байрона были две первые песни поэмы "Чайльд-Гарольд", появившиеся в печати в 1812 г. Это были путевые впечатления из путешествия Байрона по европейскому востоку, чисто внешним образом объединенные вокруг личности Чайльд-Гарольда. Основные черты этого образа повторялись в дальнейшем в центральных фигурах всех произведений Байрона, развивались и осложнялись, отражая на себе эволюцию душевной жизни самого поэта, и в целом создали образ носителя мировой скорби, "байронического" героя, господствовавший в европейской литературе первые три десятилетия XIX века. Сущность этого характера, как и всего европейского романтизма, составляет восходящий к Руссо протест человеческой личности против стесняющего ее общественного строя. Байрона отделяют от Руссо три десятилетия, заполненные величайшими событиями новой истории. За это время европейское общество пережило вместе с французской революцией эпоху грандиозных замыслов и пылких надежд и полосу самых горьких разочарований.

В произведениях, появившихся непосредственно за первыми песнями Чайльд Гарольда и также отразившими на себе впечатления востока, образы героев становятся все мрачнее. Они отягощены загадочным преступным прошлым, тяжело лежащим на их совести, и исповедуют мщение людям и судьбе. В духе этой "разбойничьей романтики" написаны герои "Гяура", "Корсара" и "Лары".

Байрон был легендой своего времени и остается таковым в наше время. Он был романтиком, однако в отличие от своих собратьев по перу его романтизм был окрашен в более прагматичные тона, поскольку поэт придерживался несколько иных взглядов на ту непреодолимую пропасть, которая разделяет наши идеалы и реальность. Герой Байрона презирает условности, его судьба предрешена, он страстен.

2).Павел Андреевич Федотов родился 22 июня (4 июля) 1815 года в Москве.

Работы периода службы в армии– это полковые жанровые сценки, портреты сослуживцев и женские головки в альбомы, шутливые и романтические сюжеты.

Позже он обратился к жанру, который называл для себя «нравственно-критическими сценами из современной жизни»

  Самостоятельно овладев живописной техникой, Федотов создает первые картины, сразу определившие особое место художника в искусстве. Увидев эти работы, К.П.Брюллов поздравил их автора, сказав: «я от вас ждал, всегда ждал, но вы меня обогнали». Особенных трудов стоило полотно «Свежий кавалер. Утро чиновника, получившего первый крестик»: «Это мой первый птенчик, которого я "нянчил" разными поправками около девяти месяцев»,– признавался художник. Композиция картины существенно отличается от сепии на тот же сюжет. Она стала более компактной, вертикальный формат позволил сосредоточить внимание на двух главных персонажах, исчезли многие лишние детали. «Где завелась дурная связь, там и великий праздник грязь»,– этими словами завершалась словесная программа картины, составленная художником. Изображаемая сцена – это наглядная и немудрёная иллюстрация мысли о нечистоплотности ничтожного мирка ничтожных людей. Чиновник, застыв в позе античного героя, величественным жестом показывает на грудь, с ловкостью римского патриция подхватывая складки рваного халата. Он мелочен и жалок в своей убогой жизни, в своих претензиях на важность и жажде самоутверждения. Окружающий его беспорядок представляется даже слишком фантастичным, чрезмерным, создавая впечатление безнадежной замусоренности жизненного пространства.

В картине «Сватовство майора», ставшей наиболее популярным произведением Федотова, он в полной мере проявил свои окрепшие силы. Найденный сюжет давал возможность показать героев в острой ситуации столкновения взаимных интересов: богатая, но не знатная невеста и жених из благородных, но без гроша. Типаж офицера был хорошо знаком Федотову по армейской жизни: уже немолодой, приуставший от службы, без состояния, без видов на хлебную статскую службу, нашедший простой и надежный выход – жениться на богатой купеческой дочке. Сваха уже провела с родителями невесты переговоры, и будущий жених наносит свой первый официальный визит. Долгожданный, судя по приготовлениям в доме, приход офицера производит полный переполох в купеческом семействе. Действие, словно в эстафете, передается от персонажа к персонажу, и в каждом из героев фиксируется определенное мгновение длящейся во времени сцены. В центре внимания – дочь и мать. Яркий свет выхватывает их фигуры, белое платье и порывистое движение девушки резко выделяют главную героиню среди прочих участников сцены. Фигура майора, хотя и отодвинута в сторону, четко вырисовывается в освещенном проеме двери. Отца невесты, спешащего встретить гостя, художник расположил в тени на втором плане, как фигуру, менее интересную зрителю. В самом дальнем углу – второстепенные, но красноречивые персонажи, типичные для любого купеческого дома: кухарка выставляет на стол горячую кулебяку, сиделец (помощник купца в лавке) у шкафчика возится с бутылками и сообщает новость высунувшейся из-за дверей приживалке. Для каждого из действующих лиц Федотов искал на улицах города свою, запоминающуюся физиономию, каждого персонажа рисовал по нескольку раз, не упуская ни единой мелочи.

Анкор, ещё Анкор!

Офицеру из бедных, вроде самого Федотова, и в столице не сладко. Все же в провинции тоскливее. А в деревне и того тяжелее: жизнь в избах по двое-трое, графинчик водки, постепенно осушаемый за день, вечерние сборища поочередно друг у друга или у полкового командира — с картами, белым ромом, пуншем или жженкой, от которой наутро нестерпимо болит голова, пустая болтовня, пересказывание былей и небылей, пьяные забавы, кровавые стычки, вплоть до небезызвестной «игры в кукушку» — со стрельбой в темноте на подаваемый голос. Все дурно, тягостно, оскорбительно для человеческого достоинства — хуже как будто некуда. Однако могло быть еще хуже — когда полк размещался не в одном месте, а по деревням, разбросанным на протяжении трехсот-четырехсот верст, когда батальонные штабы находились от полкового штаба за несколько десятков верст, а ротные дворы от батальонных штабов — за двадцать-тридцать верст, и едва ли не каждый офицер со своими солдатами оказывался один на целую деревню, совсем один среди мужиков, которых он не знал и не понимал, равно как и те не знали и не понимали его и были ему не ближе, чем полинезийцы какому-нибудь Джеймсу Куку, и жил так долгими месяцами, отделенный от ближайших своих товарищей непролазными русскими дорогами, и рад был бы чьей-то пьяной похвальбе и даже «игре в кукушку». Общества нет, занятий — тоже, к чтению надо иметь привычку, впрочем, и книг в деревне не отыщешь. Где еще, кроме России, человек может так безнадежно затеряться в пространстве и так ощущать безнадежность своей затерянности, где еще понятие глуши может быть так физически ощутимо! Два мира существуют одновременно в этой картине. В одном — яркость цвета и света, строгая гармония рациональной выстроенности и недвижимый торжественный покой. В другом — полутьма, хаос, глухая сонность и трудно различимое шевеление чего-то неясного, что оказывается людьми, людской жизнью. Не правда, будто в картине господствуют застой и недвижность. Как это было бы просто — и плоско! Движение, обозначенное в картине, — сильное, энергичное, но зряшное, без конца и без цели. Это круговорот, навсегда заключенный в четырех стенах и не вырывающийся из них; он бесконечен, подобно вихрю стенающих душ в Дантовом аде. Все несется вокруг стола, как на карусели, и не сдвигается с места ни на пядь, и даже само время остановилось, и хоть бейся головой о стену, хоть сойди с ума, застрелись, хоть весь мир провались в тартарары — все так же будет недвижен этот стол, все так же будет гореть свеча и светиться окошко над нею и все так же будет маятником носиться взад-вперед пудель. Вовсе не случайно на дворе стоит зима — самое глухое, неподвижное и беспросветное время года. Возникает особое ощущение отторженности от окружающего мира, которое возникает за плотно закрытыми дверями и оледенелыми стеклами,— ощущение тесноты, душности, даже угарности, которое так сильно в картине.

Билет № 9.

1). Карл Па́влович Брюлло́в (12 (23) декабря 1799, Санкт-Петербург — 11 (23) июня 1852, Манциана, Италия) — русский^[1]художник, живописец, монументалист, акварелист, рисовальщик, представитель академизма.

Член Миланской и Пармской академий, Академии Святого Луки в Риме, профессор Петербургской и Флорентийской академий художеств, почетный вольный сообщник Парижской академии искусств.

Брат Александра Брюллова, архитектора, представителя стиля романтизм.

Карл Брюллов родился 12 (23) декабря 1799 года в Санкт-Петербурге, в семье академика, резчика по дереву и гравёра французского происхождения Павла Ивановича Брюлло (Brulleau, 1760—1833) и его супруги Марии Ивановны Шредер (Schroeder), имевшей немецкие корни.

С 1809 по 1821 год занимался живописью в Академии художеств в Петербурге, был учеником Андрея Ивановича Иванова. Блестящий студент, получил золотую медаль по классу исторической живописи. К 1820 году относится его первая известная работа «Нарцисс».

В 1822 году Брюллов был откомандирован в Италию на средства Общества поощрения художников. Он посетил Дрезден, Мюнхен; обосновался в Риме. Жанровые картины: «Итальянское утро» (1823) и «Итальянский полдень» (1827). После копии с фрески Рафаэля «Афинская школа» Брюллов приступает к работе над большой картиной с историческим сюжетом — «Последний день Помпеи» (1827—33), заказанной ему Анатолием Николаевичем Демидовым. Замысел «Последнего дня…» связан с возникшей тогда модой на археологию и с актуальностью: в 1828 годупроизошло мини-извержение Везувия. Брюллов был в Помпеях и сделал на месте ряд эскизов: пейзажа, руин, окаменелых фигур.

К этому времени относится его знакомство с Юлией Самойловой, аристократкой из рода Скавронских, т. е. родственников Екатерины I. Портреты: «Ю. Самойловой, с воспитанницей и арапчонком», «Всадница» (1832), а также картина «Вирсавия» (1832) связаны с этим этапом жизни Брюллова.

В 1836 году, после путешествия по Греции и Турции, Брюллов возвращается вРоссию — через Одессу в Москву и через несколько месяцев — в Петербург. В Москве он знакомится с А. С. Пушкиным; пишет портреты поэта и драматурга А. К. Толстого и А. А. Перовского (писателя Антония Погорельского). В Петербурге его ожидает торжественный приём в Академии художеств и триумф «Последнего дня Помпеи»; картина успела побывать в Париже (Лувр, 1834), где была холодно принята парижской критикой: это была (уже!) эпоха Делакруа и французского романтизма. Картина подарена Демидовым Николаю I, который поместил её в императорский Эрмитаж, а затем подарил Академии художеств; в настоящее время она находится в Русском музее.

До 1849 года Брюллов живёт и работает в Петербурге. Он — профессор Академии художеств, модный портретист; расписывает лютеранскую церковь на Невском проспекте, Исаакиевский собор (1843—47), пишет большую картину «Осада Пскова» (1839—43; не окончена).

Многочисленные портреты: Нестора Кукольника (1836), В. А. Жуковского (1837—38), И. А. Крылова (1839); Ю. П. Самойловой с воспитанницей (1839); «Автопортрет», (1848).

Последние годы

В Петербурге здоровье Брюллова сильно пошатнулось. В 1849 году он покидает Россию и едет лечиться на остров Мадейру. Художник совершает поездку по Испании.

В 1850 году Брюллов возвращается в Италию. Наиболее важные работы этого периода — портреты членов семьи Титтони и «Портрет Микеланджело Ланчи».

Брюллов скончался 11 июня (23 июня по новому стилю)1852 года в местечке Манциана под Римом. Похоронен на Римском протестантском кладбище Тестаччо.

2). Даргомыжский вместе с Глинкой является основоположником русского классического романса. Камерная вокальная музыка была для композитора одним из главных жанров творчества.  Он сочинял романсы и песни в течение нескольких десятилетий, и если в ранних произведениях было много общего с сочинениями Алябьева, Варламова, Гурилева, Верстовского, Глинки, то поздние некоторыми чертами предвосхищают вокальное творчество Балакирева, Кюи и особенно Мусоргского. Именно Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем музыкальной правды». 

Даргомыжский создал более 100 романсов и песен. Среди них — все популярные вокальные жанры того времени — от «русской песни» до баллады. Вместе с тем Даргомыжский стал первым русским композитором, который воплотил в своем творчестве темы и образы, взятые из окружающей действительности, и создал новые жанры — лирико-психологические монологи («И скучно, и грустно», «Мне грустно» на слова Лермонтова), народно-бытовые сценки («Мельник» на слова Пушкина), сатирические песни («Червяк» на слова Пьера Беранже в переводе В. Курочкина, «Титулярный советник» на слова П. Вейнберга).  Несмотря на особую любовь Даргомыжского к творчеству Пушкина и Лермонтова, круг поэтов, к стихам которых обращался композитор, весьма разнообразен: это Жуковский, Дельвиг, Кольцов, Языков, Кукольник, поэты-искровцы Курочкин и Вейнберг и другие.  Вместе с тем композитор неизменно проявлял особую требовательность к поэтическому тексту будущего романса, тщательно отбирая лучшие стихотворения. При воплощении поэтического образа в музыке он по сравнению с Глинкой использовал иной творческий метод. Если для Глинки важным было передать общее настроение стихотворения, воссоздать в музыке основной поэтический образ, и для этого он использовал широкую песенную мелодию, то Даргомыжский следовал за каждым словом текста, воплощая свой ведущий творческий принцип: «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды». Поэтому наряду с песенно-ариозными чертами в его вокальных мелодиях так велика роль речевых интонаций, которые часто становятся декламационными.  Фортепианная партия в романсах Даргомыжского всегда подчинена общей задаче — последовательному воплощению слова в музыке; поэтому в ней часто присутствуют элементы изобразительности и живописности, она подчеркивает психологическую выразительность текста и отличается яркими гармоническими средствами.  «Шестнадцать лет» (слова А. Дельвига). В этом раннем лирическом романсе сильно проявилось влияние Глинки. Даргомыжский создает музыкальный портрет прелестной, грациозной девушки, используя изящный и гибкий ритм вальса. Краткое фортепианное вступление и заключение обрамляют романс и строятся на начальном мотиве вокальной мелодии с его выразительной восходящей секстой. В вокальной партии преобладает кантилена, хотя в некоторых фразах ясно слышны речитативные интонации. Романс построен в трехчастной форме. Со светлыми и радостными крайними разделами (до мажор) отчетливо контрастирует средний со сменой лада (ля минор), с более динамичной вокальной мелодией и взволнованной куль-минацией в конце раздела. Роль фортепианной партии состоит в гармонической поддержке мелодии, а по фактуре она представляет собой традиционный романсовый аккомпанемент. 

В драматической песне «Старый капрал» (слова П. Беранже в переводе Курочкина) композитор развивает жанр монолога: это уже драматический монолог-сцена, своеобраз-ная музыкальная драма, главный герой которой — старый наполеоновский солдат, осмелившийся ответить на оскорбление молодого офицера и осужденный за это на смерть. Волновавшая Даргомыжского тема «маленького человека» раскрывается здесь с необыкновенной психологической достоверностью; музыка рисует живой правдивый образ, полный благородства и человеческого достоинства.  Песня написана в варьированной куплетной форме с неизменяющимся припевом; именно суровый припев с его четким маршевым ритмом и настойчивыми триолями в вокальной партии становится ведущей темой произведения, главной характеристикой героя, его душевной стойкости и мужества.  Каждый из пяти куплетов по-разному раскрывает образ солдата, наполняя его все новыми чертами — то гневными и решительными (второй куплет), то нежными и сердечными (третий и четвертый куплеты).  Вокальная партия песни выдержана в речитативном стиле; ее гибкая декламация следует за каждой интонацией текста, достигая полного слияния со словом. Фортепианное сопровождение подчинено вокальной партии и своей строгой и скупой аккордовой фактурой подчеркивает ее выразительность при помощи пунктирного ритма, акцентов, динамики, ярких гармоний. Уменьшенный септаккорд в партии фортепиано — залп выстрела — обрывает жизнь старого капрала.  Подобно траурному послесловию звучит в ми-норе тема припева, как бы прощаясь с героем. Сатирическая песня «Титулярный советник» написана на слова поэта П. Вейнберга, который активно работал в «Искре». В этой миниатюре Даргомыжский в музыкальном творчестве развивает гоголевскую линию. Рассказывая о неудачной любви скромного чиновника к генеральской дочери, композитор рисует музыкальный портрет, родственный литературным образам «униженных и оскорбленных».  Меткие и лаконичные характеристики персонажи получают уже в первой части произведения (песня написана в двухчастной форме): бедный робкий чиновник обрисован осторожными секундовыми интонациями piаnо, а надменная и властная генеральская дочка — решительными квартовыми ходами fortе. Аккордовое сопровождение подчеркивает эти «портреты». Во второй части, описывая развитие событий после неудачного объяснения, Даргомыжский применяет простые, но очень точные выразительные средства: размер 2/4 (вместо 6/8) и стаккато фортепиано изображают неверную приплясывающую походку загулявшего героя, а восходящий, немного надрывный скачок на септиму в мелодии («и пьянствовал целую ночь») подчеркивает горькую кульминацию этой истории.

Билет № 14.

1).Огромное влияние на творчество Глинки, как и Пушкин, оказало народное творчество. Его слова «Создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем» вполне точно выражают творческое кредо композитора. Народ – творец для Глинки – это в первую очередь русский народ, чьими песнями он заслушивался с раннего детства, но не только. Глинка был необыкновенно чутким к народной музыке разных народов. Вероятно, и эта черта была заложена в нем изначально, ведь народная культура Смоленщины, где он рос, вобрала в себя, благодаря географическому положению местности, элементы украинского, белорусского, польского фольклора.

В стихотворении Пушкина «Я помню чудное мгновенье» нашло отражение, как известно, увлечение поэта юной очаровательной Анной Керн. Романс « Я помню чудное мгновенье» стал автобиографическим в жизни Глинки. Его вдохновила любовь к дочери Анны Керн, Екатерине. И хотя до Глинки уже были написаны романсы на этот пушкинский текст, только он сумел подняться до высот пушкинского стиха, вложив в нее трепетность, нежность и любовь. Они слышны в первых же тактах небольшого фортепианного вступления, где композитор использовал нисходящие задержания аккордов, паузы, тихий нюанс, готовящие появление голоса, а также в последующих разделах романса: спокойном экспозиционном монологе – воспоминании, мятежной середине, пронизанной пунктирной ритмикой, и страстной, взволнованной репризе.

Во многих отношениях Глинка имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин в русской поэзии. Оба великие таланты, оба – родоначальники нового русского художественного творчества, оба – глубоко национальные, черпавшие свои великие силы прямо из коренных элементов своего народа, оба создали новый русский язык – один в поэзии, другой – в музыке» - писал известный музыкальный критик прошлого века В.В.Стасов и с чем, конечно, нельзя не согласиться.

2). Окончив Училище, Шишкин в этом же году поступает в Академию художеств (в класс С.М.Воробьева). Тогда ему было уже двадцать пять лет. Годы обучения в Академии были годами формирования личности Шишкина. «Страшно представляться строгим профессорам Академии; здесь мне кажется все величавым, массивным...»- жалуется он родителям. Однако постепенно письма молодого художника начинают пропитываться критическим духом. Шишкин резко обрушивается на светскую знать, на николаевскую военщину, на чиновников (называет их «чиновничьей челядью»), иронически подчеркивает слово «чиновники» целыми сериями восклицательных знаков. Получив высшую награду и право стать пенсионером, он пишет Мокрицкому «о передряге в мыслях и чувствах». «Передряга» эта, несомненно, была глубока и серьезна. Шишкин признает бесполезной для себя поездку за границу для совершенствования. Шишкина тянет в самое сердце России, на Волгу, на Каму, в родную Елабугу, окруженную в то время густыми лесами.

Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму, национальности, современности обозначился в конце 50-х годов, вместе с революционной ситуацией в стране, с общественным возмужанием разночинной интеллигенции, с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина, с народолюбивой поэзией Некрасова. В “Очерках гоголевского периода” (в 1856 г.) Чернышевский писал: “Если живопись ныне находится вообще в довольно жалком положении, главною причиною того надобно считать отчуждение этого искусства от современных стремлений”. Эта же мысль приводилась во многих статьях журнала “Современник”.

Но живопись уже начинала приобщатся к современным стремлениям - раньше всего в Москве. Московское Училище и на десятою долю не пользовалось привилегиями петербургской Академии художеств, зато меньше зависело от ее укоренившихся догм, атмосфера была в нем более живая. Хотя преподаватели в Училище в основном академисты, но академисты второстепенные и колеблющиеся, - они не подавляли своим авторитетом так, как в Академии Ф. Бруни, столп старой школы, в свое время соперничавший с Брюлловым картиной “Медный змий”.

Билет № 10.

Франц Шуберт родился 31 января 1797 года в предместье Вены. Отец его был школьный учитель. В праздники в их семье собирался кружок музыкантов-любителей, сам отец учил Франца игре на скрипке, а один из братьев - на клавире. Теорию музыки Францу преподавал церковный регент, он же учил мальчике и игре на органе.

. Когда Шуберту исполнилось 11 лет, его отдали в церковно-певческую школу . Там был свой ученический оркестр, где вскоре Шуберт стал исполнять партию первой скрипки, а иногда даже дирижировать.

В 1810-м году Шуберт написал свое первое сочинение. Страсть к музыке охватывала его все больше и больше и постепенно вытеснила все остальные интересы. Шуберт вступает в самую интенсивную пору своего творчества (1814-1817 годы). К концу этого периода он уже автор пяти симфоний, семи сонат и трехсот песен, среди которых есть такие как "Маргарита за прялкой", "Лесной царь", "Форель", "Скиталец" - их знают, их поют.

В 1822 году Шуберт пишет одно из лучших своих произведений - седьмую "Неоконченную симфонию", а в следующем - шедевр вокальной лирики, цикл из 20 песен "Прекрасная мельничиха". Именно в этих произведениях с исчерпывающей полнотой выразилось новое направление в музыке - романтизм.

Центральное место в творчестве Шуберта занимает вокально-песенная лирика. Свыше 600 песен написал Шуберт на слова поэтов - как величайших (Гёте, Шиллера, Гейне), так и второстепенных (Майрхофера, Шобера и др.). Тема личности в песнях Шуберта сочетается с характерной для романтиков темой природы. Образы природы (ручей, лес, поле, цветы) нашли яркое художественное воплощение в их музыке. В песнях Шуберта господствует ясная, простая и очень задушевная мелодия. Фортепианное сопровождение зачастую носит изобразительный характер, но при этом изобразительность сочетается с глубокой психологической выразительностью. Фортепианная партия на равных правах с вокалом участвует в создании музыкально-поэтического образа. Шуберта по праву можно считать основоположником романтической вокальной лирики.

Велико значение и инструментальных сочинений Шуберта. Он может считаться родоначальником новых жанров романтической симфонии, сонаты

Не только песенные, но и жанрово-танцевальные образы пронизывают музыку Шуберта. Так, часто в ней звучат знакомые обороты старинного австрийского лендлера, из которого развился впоследствии вальс. Во всем этом обнаруживаются тесные связи творчества Шуберта с демократическим музыкальным бытом Вены, что делает его музыку не только мелодически богатой, но и подлинно народной по строю образов и по языку. Однако Шуберт не только великий мелодист; он чрезвычайно расширил и обогатил средства гармонической выразительности, оказав этим большое влияние на композиторов-романтиков следующих поколений.

Похоронили Шуберта в 1828 году на венском кладбище, выгравировав на скромном памятнике надпись:

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру.изображение всего реального, желание запечатлеть мимолетные влечения.

Истоки

В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя. Рубенс например не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов.

Переход живописи к импрессионизму подготовили английские живописцы.Клод Моне, Сислей и Писсарроотправились в Лондон, чтобы там изучить великих пейзажистов — Констебла, Бонингтона и Тёрнера.

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего.