II. Художественная культура начала XIX века. Искусство неоклассицизма.
Искусство Италии в XIX столетие вступает в русле неоклассицизма, последнего эпохального стиля, близкого по универсальности стилям классической поры, но при этом имевшем свою специфику. Зародившись в культуре XVIII века, неоклассицизм совпадает с периодом исторического размежевания двух пограничных эпох, когда позднее Просвещение, Великая французская революция, наполеоновская кампания, Реставрация последовательно сменяют друг друга, но при этом нередко совмещаются и живут рядом в одном духовном пространстве. Таким образом, это определило богатство и противоречивость в мироощущение современников.
Итак, неоклассицизм. Это прямое следование традиций классики или нечто другое?
Неоклассицизм нельзя считать простым восстановлением классики. Отличие его кроется в том, что это осознание невозможности возвращения классики как периода в историческом развитии, восприятие настоящего как пустоты.
Как в этико-политическом плане признается необходимость свободы человека, так и в эстетическом – необходимость свободы в искусстве. Художник должен заниматься искусством и только искусством, отказавшись от остальных дел. Художник больше не связывает художественный замысел с мастерством, творческий процесс ассимилируется с философией. Искусство выступает как результат возвышения истории, отказавшись от идеи антиисторизма. Таким образом, неоклассицизм – поэтика возвышенного в отместку опытности XVIII века.
Что касается архитектуры, то на ее развитие в этот период значительное влияние оказали архитектурные идеи эпохи Просвещения. Главная особенность – размах градостроительства и при этом отсутствие шедевров. Теперь задача архитектуры – служить обществу. Но жизнь людей меняется очень быстро, а следовательно было необходимо следовать все новым требованиям и новым типам зданий. Нужно было строить не только церковь или дворец, но прежде всего дом среднего достатка, больницу, школу, музей, порт и прочие общественно полезные здания. То есть происходит отказ от здания-памятника и переход к зданию, имеющему определенную социальную функцию. Город представляется нам живым организмом, а его структура – координация функций различных объектов. Все это основано на принципах разумности, рационализма. Превалирует идея взаимосвязи человека и природы, которая находит свое выражение в большом количестве зеленых зон, парков и скверов.
Сведение задач архитектуры только к выполнению задач градостроительства приводит к типизации и упрощению форм. Так, Джакомо Кваренги был одним из первых художников, решительно упростившим традиционные типы зданий. Его линию продолжил венецианец Антонио Сельва. Его планы всегда отличались многофункциональностью и математической ясностью. Маленькая церковь Сан-Маурицио с прекрасными барельефами на фронте и на стенах является собой красоту математической формулы.
Работы превосходного чистого стилиста, без амбиций на создание масштабных творений, можно наблюдать в Риме. Джузеппе Валадье лучший итальянский архитектор того времени, для которого высший смысл его творчества – достижение отточенной формы и совершенного вкуса. Когда он приводил в порядок Пьяцца дель Пополо, то был озабочен не достижением грандиозных эффектов, а стремлением увязать с помощью лестниц и проспектов архитектурные и природные элементы. Его идеал – спокойное равновесие, без помпезности. Это и можно заметить в фасаде церкви Сан-Рокко, где легко и превосходно соединяются центральная, возвышенная части и колонны.
В скульптуре неоклассицизм выразился в творчестве Антонио Кановы. Его творчество отражало потребности аристократической феодальной верхушки общества в изящном. Надо было создать иллюзию гармонии и благополучия, сгладить все «неровности» жизни. Известна фраза Кановы – «Искусства — прислужницы прекрасного, принуждать их к изображению безобразного значит распинать их…» Это был призыв к своеобразному изменению реальности.
К концу XVIII века итальянская скульптура изжила себя, поэтому с большим восторгом были встречены в Венеции первые произведения Антонио Кановы — парные статуи «Орфей» и «Эвридика» и особенно «Дедал и Икар», в которых новым было отсутствие вычурности и нарочитой помпезности. В группе «Дедал и Икар» ясно выступал темпераментный и даровитый подход к натуре. Переселившись в Рим, Канова постепенно под влиянием теоретиков классицизма отходит от природы в сторону все большей идеализации.
Обладая высоким мастерством в обработке мрамора, он умел придать «изящество» своим фигурам из античной мифологии. Так, широко стали известны два его произведения: «Амур, слетающий к Психее» и «Амур и Психея, любующиеся бабочкой». Произведения Кановы были различными по характеру. Его прогремевший «Персей с головой Медузы» является довольно безжизненным подражанием Аполлону Бельведерскому, а статуя «Геракл и Лихас» достаточно натуралистична.
Черты итальянского искусства этого, столь заметные в скульптуре и архитектуре, проявились также и в живописи, но с той разницей, что итальянская живопись эпохи неоклассицизма не создала крупных явлений, как, например, Канова. При этом была решительно порвана связь с традициями прошлого.
Так, Андреа Аппиани сложился в Миланской Академии. В росписях Королевского дворца в Милане он прославляет Наполеона в виде «Юпитера — владыки земного шара». Самая известная его работа – «Аполлон на Парнасе среди муз»; искусно сгруппированные фигуры оживляются контрастами движений и ракурсов, но при этом образы безжизненны, оставляют впечатление холода.
Большим успехом в свое время пользовался Винченцо Камуччини. Наиболее известной его картиной является «Смерть Юлия Цезаря». Композиция ее театральна, эффектное сочетание групп и поз интересуют художника.
При всей очевидности главенства музыки в художественной культуре Италии XIX века ее развитие было полно различного рода противоречий. Одним из проявлений кризисы итальянской музыки XIX века стала практически полная концентрация на таком жанре, как опера. Это было связано с особенностями, которые ярко характеризовали итальянское художественное видение в целом. Так, искусству Италии XIX века было свойственно стремление к особым формам монументальности, к созданию нового художественного образа – наполненного переживаниями и в то же время отлученного от бытовых подробностей. Другой аспект это приверженности – тяга к зрелищности, нарядности, яркой праздничности, ведущие происхождение из древних романских традиций.
В расцвете оперного искусства в Италии «повинен» Джоаккино Россини. Россини вывел музыкальный театр из кризисного состояния, в котором он пребывал к концу XVIII века. Его сочинения полны чарующей легкостью, юмора, блеска и движения. Порой Россини упрекают в поверхностности, в изображении в основном только светлых сторон жизни. Но это явление замечательно тем, что Россини создавал свои произведения в тягостные годы итальянской истории. Например, его знаменитый «Севильский цирюльник» был написан в 1816 году, сразу после Венского конгресса. Можно представить, как радовались люди этому лучику солнца в тяжелые времена после наполеоновской эпопеи.
Россини создал около сорока опер, в которых выразил чувство патриотизма и стремление к вольности. Во всех своих произведениях он стремился к единству музыкальной линии и цельность драматического образа.
Следующий «лидер» итальянской оперы – Гаэтано Доницетти. Театральный темперамент, сильный драматизм (местами даже мелодраматизм), вокальная виртуозность, легкая мелодика – все это обеспечило успех многих его опер, к числу которых можно отнести «Любовный напиток», «Лючия де Ламмермур», «Дон Паскуале»и другие.