Контрольные вопросы по теме

“Творчество Л. ван Бетховена”

1. С кем из скульпторов сравнивают Бетховена?

2. Какую тему в искусстве создал Бетховен?

3. Для кого сочинял свою музыку Бетховен?

4. Сколько симфоний у Бетховена? В чем особенность последней?

5. Назовите произведения Бетховена для сцены.

6. Как выглядит общепринятая периодизация творчества Бетховена?

7. В каком возрасте Бетховен решил сделать музыку своей профессией?

8. Каким было детство Бетховена?

9. Кому посвящена “Лунная” соната? Кто дал ей такое название?

10. В каком возрасте Бетховен почувствовал первые признаки глухоты?

11. К кому обращался Бетховен в своем Гейлингенштадском завещании?

12. Кому посвящена Третья симфония?

13. Кто такой Эгмонт?

14. Как называется 23 соната Бетховена для фортепиано?

15. Расскажите о личной жизни великого композитора.

16. Какие философские и социальные идеи питали творчество Бетховена?

Глава 6 Музыка эпохи романтизма

Классицизм, господствовавший в музыке XVIII века, уступает место романтизму. Смена художественных направлений была следствием социальных перемен в жизни Европы на рубеже двух веков, глубокого разочарования широких общественных слоев результатами Великой Французской революции 1789 года. Буржуазный строй, пришедший на смену феодально-абсолютистской монархии, отличался еще более беспощадными формами эксплуатации. Принципы “свободы”, “равенства и братства” на деле оказались утопической мечтой, Идеальное царство разума потерпело полное крушение. Наступил новый мир, в котором главной ценностью стали деньги. Обманутые в лучших надеждах и не способные примириться с действительностью, художники нового времени объективно выражали свой протест по отношению к новому порядку вещей. Так сложилось новое художественное направление - романтизм.

В литературе золотым веком романтизма принято считать период с 1796 по 1830 год. В музыке романтизм формируется лишь к 20-м годам XIX века в творчестве К.М. Вебера (1786-1826), Ф. Шуберта (1797-1828), Г. Берлиоза (1803-1869). Расцвета музыкальный романтизм достигает в 30-40-е годы XIX века в творчестве Ф. Шопена (1810-1849), Р. Шумана (1810-1856). В 50-е годы романтизм получает дальнейшее развитие у Ф. Листа (1811-1886) и Р. Вагнера (1813-1883).

Не принимая окружающую действительность на словах, на деле романтики познавали ее глубже, полнее и конкретнее, чем классики.

Музыка была объявлена романтиками идеальным видом искусства. “Музыка начинается там, где кончается слово”, - писал немецкий поэт Генрих Гейне. Первенство чувства над разумом - аксиома романтизма. Один из самых ярких композиторов романтиков Г. Берлиоз говорил: “Мысль ниже чувства и страсти”. Это высказывание могло бы стать творческим кредо многих романтиков.

Главная черта романтической музыки заключается в повышенной эмоциональной выразительности, в особой степени взволнованности, приподнятости, красочности.

Критика нового образа жизни, наметившаяся еще у синтементалистов, проявилась у романтиков в полную силу. Мир представлялся им заведомо неразумным, полным таинственного, непостижимого и враждебного человеку смысла. Для романтиков высокие духовные устремления были несовместимы с окружающим миром.

Трагический разлад героя с окружающей его средой - вот одна из ключевых тем романтического искусства. Эта тема конкретно преломляется как мотив о недосягаемо прекрасном мире (грезы), как восхищение стихийным совершенством природы, как тема странствий, скитальчества, одинокой непонятой личности. Художник-романтик как бы говорит: “Жизнь хороша, но как трудно жить”.

Низменности и пошлости реального времени романтики противопоставляли религию, природу, фантастические вымыслы, народное творчество, но более всего - вторую реальность - свой внутренний духовный мир. Представления о нем романтики обогатили чрезвычайно.

Романтизм открыл в искусстве новую культуру чувств. В литературе и музыкальном искусстве особенное значение приобрела тема лирической исповеди героя - молодого человека, современника, обладающего совершенно особым складом чувств. Разработка такого героя была далека от классицистской типологизации. Романтики нашли новый метод воплощения этой неповторимой индивидуальности героя - через его биографию. На это указывает появление многочисленных романов, хроник, саг, новелл, листков из альбома, страничек дневника, всего того, чего мы никогда не встретим в искусстве классицизма. Романтизм утверждал искусство, не предусмотренное образцами, но творимое свободной волей художника, воплощающего свой внутренний мир. Музыка уподоблялась романтиками субъективно текущему внутреннему процессу, всякий раз неповторимо индивидуальному, отраженному в музыке вне всяких традиционных правил и композиционных норм.

Новая образность и новая культура чувств при попытке их музыкального воплощения потребовали от композитора прибегнуть к помощи слова. Надо было направить слушателя в нужном композитору направлению, конкретизировать музыкальную образность. Слово могло быть и названием произведения (“Порыв” Р. Шумана), и развернутым литературным изложением сюжета (программа “Фантастической симфонии” Г. Берлиоза). Романтизм - время расцвета программной музыки.

Общей тенденцией романтического искусства становится и повышенный интерес к национальному фольклору. Глубокое освоение и изучение в деталях национального фольклора расширило круг художественных образов, пополнив его малоизвестными до тех пор образами героического эпоса, старинных легенд, языческой поэзии и пантеистического восприятия природы. Для музыки это имело последствия огромного значения. Именно на период романтизма в европейском искусстве приходится расцвет таких национальных музыкальных школ, как польская во главе с Ф. Шопеном, венгерская во главе с Ф. Листом, русская во главе с М. Глинкой, чешская во главе с Б. Сметаной.

Серьезное влияние на процесс формирования романтической музыки оказала городская среда. До социальных перемен, вызванных буржуазной революцией, основным местом приложения композиторских сил была церковь или придворная среда. Теперь их место занял город с его концертными залами, учебными заведениями, салонами, издательствами.

Были у городской музыкальной среды и свои минусы. Обывательские вкусы мелкой буржуазии - основных потребителей и заказчиков художественного творчества - были в то время весьма далеки от идеала. Повсеместно насаждалась развлекательная эстрада, оперетта, сентиментальные романсы.

В романтической музыке XIX века симфония и соната отошли на второй план. Ведущими жанрами стали романс и фортепианная миниатюра. Они выросли из культуры бытового музицирования, и именно в них раньше всего проявились типичные черты и особенности стиля романтизма.

Жанр фортепианной миниатюры в романтической музыке чрезвычайно разнообразен. Это - прелюдия, этюд, фантазия, ноктюрн, экспромт, музыкальный момент.

С бытовой городской музыкой связан и расцвет танцевальной фортепианной миниатюры в творчестве композиторов-романтиков. Вальсы Шуберта, мазурки, полонезы и вальсы Шопена стали высшими достижениями в поэтизации городского музыкального быта.

Повышенный эмоциональный тонус требовал от композиторов и новых выразительных средств, и новой техники исполнительства. Виртуозными инструментами в романтической музыке стали фортепиано и скрипка. Романтическая музыка дала миру таких виртуозов-исполнителей, как Н. Паганини, Ф. Лист, Ф. Шопен. Виртуозные технические приемы никогда не были у них самоцелью, но средством создания особой художественной образности.

В истории скрипичного искусства новую эпоху открыл Николо Паганини (1782-1840). Как исполнитель и композитор он был художником типично романтического склада. Личность Паганини была окружена фантастическими легендами, чему способствовали своеобразие его “демонического” облика и романтические эпизоды биографии. Его игра производила на публику неотразимое впечатление сочетанием огромной виртуозности с огненной фантазией и страстностью. Многие произведения Паганини до сих пор остаются непревзойденными образцами виртуозной скрипичной музыки. Они оказали огромное влияние на композиторский и исполнительский стиль крупнейших представителей романтического пианизма - Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Листа.

Паганини первым из скрипачей стал исполнять концертные программы наизусть.

Инструмент пиано-форте возник почти одновременно в трех странах: Италии, Франции, Германии. Возможность получать широкую гамму динамических и колористических (педаль) нюансов, огромный диапазон, сильный протяженный и приближенный к человеческому голосу звук, сделали фортепиано ведущим инструментом музыки XIX века. Если XVII век - это век органа, XVIII век - это век симфонического оркестра, то XIX век - это век фортепиано.

Романтизм открыл новую эру в искусстве балета. Одной из предпосылок к тому стало развитие во Франции техники классического танца. В романтических балетах (Ф. Тальони “Сильфида”, 1832) действие обычно разворачивалось параллельно в мире реальном и фантастическом. Фантастика способствовала освобождению танца от бытовых подробностей и подражательства и открывала простор для использования накопившихся технических возможностей: прыжков, поддержек и т.д. Возникли новые композиционные формы классического танца, поднялась роль унисонного кардабалетного танца. Возросла роль ведущей балерины (М. Тальони). Появился тюник как постоянный костюм танцовщицы. Повысилась роль музыки, до того зачастую сборной, началась симфонизация танцевального действия. Вершина романтического балета - “Жизель” (1841), поставленная Коралли и Жюлем Перро. Этот спектакль нового типа в большой мере опирался на литературный первоисточник и, соответственно, больше драматизировался танец, увеличилась роль действенных сцен. Тип романтического балетного спектакля продолжал существовать до конца XIX века.

Франц Шуберт (1797-1828)

Первым музыкальным романтиком был австрийский композитор Франц Шуберт. Шуберт унаследовал лучшие традиции Венской классической школы. Бетховен - ее последний представитель - жил и творил в Вене одновременно с Шубертом. Однако эти два музыкальных гения по-разному воспринимали и отражали в звуках окружающий мир. Шуберт пережил Бетховена лишь на один год, но по стилистической направленности опередил его на полстолетия. Шуберт принадлежал к числу музыкальных гениев, открывающих в искусстве новые пути. Практически Шуберт пользовался теми же средствами музыкальной выразительности, что и Бетховен, но звучание его музыки всегда неповторимо своеобразно. Иногда Шуберта называют предтечей музыкального романтизма или “романтическим классиком”.

Расцвет творчества Шуберта пришелся на годы тяжелейшей реакции в Европе, наступившей после наполеоновских войн. Напуганная аристократия превратила Австрию в полицейское государство, где душился в зародыше всякий росток свободного чувства и мысли.

Шуберт не видел в современном ему обществе положительного идеала и пришел к мысли, что именно искусство должно восполнить этот недостаток, вселяя в людей веру в лучшее будущее. В некоторых искусствоведческих трудах это называют “уходом от действительности”.

Шуберт насаждал новую культуру чувства. Герой сочинений Шуберта “не гражданин мира”, как у Бетховена, а отдельная человеческая личность, чаще всего сам композитор. Этим определяется простота, задушевность, открытость его музыки.

Шуберт не писал ни о политике, ни о вселенском братстве; он писал о тайнах человеческого сердца, об извечных проблемах любви, ревности, одиночества и счастья обладания. Эта направленность его творчества - залог бессмертия.

Для Шуберта жизнь - как сказка, пусть и с печальным концом, а в сказке все должно быть волшебным, необычным. Отсюда - преобладание музыкальной красочности над логикой развития, необычные оркестровые эффекты, своеобразное обращение со временем и пространством в музыке.

Если у музыкальных классиков центральное место в творчестве занимали инструментальные жанры (соната, симфония, концерт), понятные слушателю без слов; то в силу необычности своих замыслов, и в то же время острого желания быть понятым Шуберту приходилось использовать доходчивость слова.

Важнейшее место в его творчестве заняла песня для голоса и фортепиано. Силой своего гения Шуберт поднял этот жанр с второстепенного, бытового уровня, в один ряд с симфонической музыкой. Этого невозможно было бы сделать в принципе, не будь в то время таких поэтов-романтиков как, И.В. Гете, Г. Гейне, В. Мюллер. На основе их стихов Шуберт создал оригинальные музыкально-поэтические образы более чем 600 песен, которые вот уже более 150 лет впечатляют слушателей.

Иногда песни Шуберт складывал в вокальные повести со своими героями и второстепенными действующими лицами, сквозным повествовательным сюжетом и необходимой “сменой декораций”. Таковы песенные циклы “Прекрасная мельничиха” (1823) и “Зимний путь”, сочиненный за год до смерти, в 1827 году. Оба цикла написаны на стихи немецкого поэта Вильгельма Мюллера. Оба цикла - монологи героя, рассказывающего о своей любовной драме. В первом цикле это молодой странствующий мельник-подмастерье, бодро и радостно вступающий в жизнь. Во втором цикле любовная драма оказывается причиной бесконечных скитаний героя - надломленного человека, у которого все в прошлом, - тщетной попыткой убежать от самого себя и от своих проблем. “Зимний путь” - это хождение по мукам и лирического героя, и самого автора. Подобного рода автобиографичность является неотъемлемой чертой творчества практически всех композиторов-романтиков.

Последний цикл “Лебединая песня” был составлен уже после смерти композитора его друзьями как ему нерукотворный памятник.

* * *

Инструментальное творчество Шуберта представлено двумя разномасштабными жанрами:

• один - крупные симфонические циклы (9 симфоний), из которых наибольшую известность получила “Неоконченная” двухчастная симфония си минор. К сожалению, Шуберт так и не услышал, как исполняет ее оркестр, как не услышал он и других своих симфоний. “Неоконченная” впервые прозвучала лишь в 1875 году. Свое название она получила из-за того, что состояла всего лишь из двух частей, вместо традиционных четырех. Считали, что недостающие части утеряны, однако это не так. В клавирном наброске симфонии уже была третья часть, но в законченную партитуру автор ее не включил, полагая, что двух частей вполне достаточно для воплощения замысла симфонии;

• другой - огромное количество малых бытовых музыкальных форм. В основном, это танцы - лендлеры, вальсы, экоссезы, менуэты, музыкальные моменты, экспромты. Шуберт их не сочинял, а импровизировал на танцевальных вечерах, а после записывал по памяти. Экспромты и музыкальные моменты - типично романтические музыкальные жанры. Они призваны были запечатлеть порыв, вдохновение, сиюминутное состояние души художника.

* * *

Вот основные вехи жизненного и творческого пути Франца Шуберта.

31 января 1797 года в семье школьного учителя начальных классов родился будущий великий музыкант. Музыкальные способности проявились очень рано. В 11 лет Шуберта определяют в конвикт - род закрытого лицея, дававшего общее и музыкальное образование. Благодаря выдающимся музыкальным способностям, Шуберт обратил на себя внимание знаменитого композитора и педагога Сальери, который больше года бесплатно занимался с ним теорией музыки и композицией. По общим предметам Шуберт имел неудовлетворительные оценки, полагая в недалеком будущем сделать карьеру музыканта. Мутация голоса и не самое примерное поведение приводят к тому, что в 1813 году Шуберта отчисляют из конвикта. К этому же году относится и сочинение им Первой симфонии.

Следующие три года Шуберт вынужден был служить помощником учителя начальных классов. Если бы Шуберт не стал учителем, его забрали бы в армию. Служба в австрийской армии длилась 14 лет. Должность учителя освобождала от воинской повинности, но при этом преподавать нужно было не менее трех лет. За свой труд в школе Шуберт получал мизерное вознаграждение - оплата одного рабочего дня равнялась стоимости одной буханки хлеба. Сам Шуберт называл это “школьной каторгой”.

В то же время именно на эти годы приходится один из пиков его творческой активности. За четыре года были созданы около 150 песен, две симфонии, две мессы и множество мелких фортепианных сочинений. Среди песен, созданных в этот период, наиболее известны “Маргарита за прялкой” и “Лесной царь”. Обе они созданы на стихи И. Гете. Шуберт с дарственной надписью отправил ноты этих шедевров своему “заочному соавтору”, но действительный тайный советник даже не откликнулся.

Осенью 1817 года закончился третий год пребывания Шуберта в должности помощника учителя. Желание отца сделать из сына учителя с маленьким, но надежным заработком потерпело неудачу. Уход из школы привел к окончательному разрыву с отцом.

Вся недолгая последующая жизнь Шуберта представляла собой цепь творческих озарений и бесконечных забот о хлебе насущном. Шуберт ежедневно с шести часов утра садился за письменными стол и сочинял без перерыва до часу дня, однако материальное положение его оставалось тем же. “Меня бы должно содержать государство, чтобы я мог сочинять свободно и без хлопот”, - говорил он друзьям. Но государству не было до него никакого дела. Многочисленные прошения о зачислении его на музыкальную должность оставались безрезультатными. Не имея собственного угла, Шуберт.

Не имея собственного угла, Шуберт был вынужден жить то у одного, то у другого из своих товарищей. Среди них были художники, искусствоведы, певцы и поэты. Они-то и оставили описание внешнего облика Шуберта.

Шуберт был маленького роста, плотный, коренастый, с вьющимися каштановыми волосами и очень близорукий. Говорят, что с очками он не расставался даже во сне, чтобы иметь возможность сразу же записывать на нотную бумагу пришедшую в голову музыкальную мысль.

Шуберт не имел возможности издавать свои сочинения. Песни - главное в творчестве Шуберта, считались в то время пригодными лишь для домашнего музицирования, а не для исполнения в публичном концерте (“песенки” не причислялись к важным музыкальным жанрам).

В ту пору в Вене музыка исполнялась главным образом в домашних салонах. Шуберт часто сопровождал своего друга певца Фогеля на такие вечера, где исполнял свои произведения. Эти вечера назывались Шубертиадали. Одна из самых популярных песен, предназначенных для таких вечеров, называлась “Аве, Мария”. Написана она не на текст католической молитвы, а на стихи В. Скотта “Девушка у озера”. Героиня Вальтера Скотта, дочь шотландского дворянина-изгнанника, вынуждена идти замуж за нелюбимого человека и умоляет Деву Марию о помощи. Позже эта мелодия Шуберта неоднократно перетекстовывалась.

Ни одна из опер и девяти симфоний не были публично исполнены при жизни композитора. Рукописи многих сочинений Шуберта были найдены лишь спустя много лет после смерти их автора. Шуберт не имел возможности заботиться о своем архиве, так как сочинять порой ему приходилось в самых неподходящих для этого местах.

Шуберт был, наряду с Моцартом, одним из величайших мелодистов. Современники начали осознавать ценность шубертовского творчества лишь в последний период его недолгой жизни.

Первый и единственный прижизненный концерт, составленный целиком из произведений Шуберта, состоялся в Вене 26 марта 1828 года в день годовщины смерти Бетховена. Успех был колоссальный. На деньги, вырученные от продажи билетов, Шуберт смог наконец-то приобрести собственный рояль. Его планы на будущее стали более радужными, но силы были уже подорванными.

Шуберт умер истощенным и физически, и душевно, ощущая непримиримость конфликта его творческого “я” и всей окружающей жизни. Непосредственной причиной смерти было заболевание тифом.

Шуберта похоронили недалеко от могилы Бетховена. На скромном надгробном памятнике друзья сделали надпись: “Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но еще более прекрасные надежды”.

Он умер, как и жил, очень бедным и очень молодым - ему был всего лишь 31 год.