Контрольные вопросы по теме
“Музыкальная культура европейского Средневековья”
Каковы временные рамки европейского Средневековья?
Чем отличались два этапа в развитии христианской музыкальной культуры?
Что такое “григорианский хорал”? Какова его эмоциональная атмосфера?
В чем состоит принцип антифонного пения?
Назовите формы и жанры православного богослужения.
Где и когда произошло зарождение полифонии?
Что означает слово “контрапункт”?
Когда в истории музыки появилась фигура композитора?
Кто и когда изобрел ноты?
Что собой представляли альбы?
Какую форму называют куплетной?
В чем отличие вагантов от трубадуров?
Кто сочинил студенческий гимн “Гаудеамус игитур”?
Глава 3 Музыкальная культура эпохи Возрождения
Возрождением или Ренессансом (фр.) называют переход от Средневековой культуры к культуре Нового времени.
Переход этот вызван развитием в европейских странах буржуазно-капиталистических отношений, перестройкой социальной структуры общества. На это время в европейской истории приходятся крестьянские восстания, мощное движение протестантизма, образование крупных централизованных государств, подъем науки, знаменитые географические открытия Хр. Колумба и Ф. Магеллана, расцвет всех видов искусства. Все это позволяет определить Возрождение как “величавший прогрессивный переворот из всех пережитых до этого человечеством” (Ф. Энгельс).
С эпохой Возрождения связана деятельность таких выдающихся мыслителей и художников, как Ян Гус, Мартин Лютер, Томазо Кампанелла, Джордано Бруно и Николай Коперник, Вильям Шекспир и Торквато Тассо, Лопе де Вега и Франсуа Рабле, Леонардо до Винчи и Рафаэль, Микеланджело и Тициан, Данте Алигьери, Петрарка, Боккаччо и Франсуа Вийон.
Социально-экономические перемены в европейском обществе существенно сократили всевластие церкви. В противоположность средневековому аскетизму на первый план выдвигается интерес к познанию мира и живой человеческой личности. Деятели Возрождения признавали человека высшей ценностью. Такое мировоззрение получило название “гуманизм”.
Идеал гармоничного человека гуманиста искали в античности, а древнегреческое и римское искусство служило им образцом для художественного творчества. Стремление “возродить” античную культуру дало имя целой эпохе - Возрождению.
Однозначно определить временные и географические границы эпохи Возрождения достаточно сложно. Европейские страны развивались экономически и культурно достаточно неравномерно и, следовательно, эту ступень своего развития прошли не сплошным потоком, а в разное время. Тем не менее можно условно обозначить границы европейского Возрождения: с ХIV по XVI век.
“Возрождение” отдельных видов искусств шло неравномерно. Наибольших успехов достигли скульптура, зодчество и особенно живопись. Для музыкантов следовать античным образцам было затруднительно в силу их простого отсутствия: ни механической, ни нотной записи музыки в эпоху античности не существовало. Поэтому можно с полной уверенностью сказать, что европейские музыканты того времени не столько “возрождали”, сколько создавали вполне самостоятельное и оригинальное искусство. Они лишь иногда использовали античные поэтические тексты и некоторые положения античной эстетики.
В известной мере искусство Возрождения можно условно разделить на три периода:
1. Арс Нова (новое искусство или Проторенессанс; в Италии употребляют также название “Треченто”, что означает ХIV век).
2. Ранний Ренессанс - ХV век.
3. Высокий Ренессанс - ХVI век.
Первый этап получил свое название от музыкально-теоретического трактата, написанного в 1325 году французским композитором Филиппом де Витри.
Основными центрами нового искусства стали Париж и Флоренция. Эти города привлекали к себе талантливейших композиторов и исполнителей. Их искусство получило здесь максимально возможную моральную и материальную оценку. Париж в то время был богатейшей столицей централизованного европейского государства, а Флоренция под управлением рода Медичи - одним из самых процветающих городов Италии. Флоренция была подобием древнегреческих городов-государств - полисов с демократическим республиканским самоуправлением и крупнейшим торговым центром, торговавшим со странами Западной Европы и особенно Ближнего Востока.
Во Флоренции находилась одна из крупнейших в Европе торгово-банковских компаний, основанная Козимо Старшим Медичи. Операции этой компании имели широкий международный характер. Промышленная, торговая и ростовщическая буржуазия наживала колоссальные состояния и могла позволить себе тратить часть своих средств на развитие культуры.
Одним из самых известных меценатов был Лоренцо Медичи, прозванный Великолепным. Он основал Платоновскую академию, в которой культивировался идеал древнегреческого искусства. Такие общества, объединявшие философов, поэтов, ученых, музыкантов, ставили своей целью развитие и поощрение искусств и науки.
Основными формами деятельности академий были диспуты и различного рода соревнования, концерты. В этом кругу можно было составить ансамбль певцов, исполнить с листа то или иное сочинение, дав тем самым повод к активной и заинтересованной творческой дискуссии.
* * *
Буржуазия и проживавшие в итальянских городах светские и духовные феодалы стремились создать роскошные и комфортабельные условия жизни и предъявляли большой спрос на произведения искусства. Появляется новый тип городской постройки - палаццо - предназначенный для приема большого количества гостей. Этот новый тип жилых помещений отличался не только удобством и практичностью, но и великолепием художественной отделки деталей.
Рядом с необычайно богатой итальянской буржуазией развивалась и многочисленная группа представителей умственного труда, занятых литературой и искусством - “мастера свободных искусств”, т.е. художники, скульпторы, архитекторы, музыканты. Зарождается новая социальная прослойка - интеллигенция. Ее представители и стали непосредственными деятелями новой культуры.
Постепенно в Италии складывается художественная среда, в основе которой лежало увлечение античностью, ее памятниками, эстетическими воззрениями.
Все Возрождение прошло под знаком античности. Ф. Энгельс писал: “В спасенных при падении Византии рукописях, в вырытых из развалин Рима античных статуях перед изумленным Западом предстал новый мир - греческая древность; перед её светлыми образами исчезли призраки средневековья. В Италии наступил невиданный расцвет искусства, который явился как бы отблеском классической древности, и которого уже больше не удавалось достичь” (ПСС. Т. 20, С. 345-346).
* * *
Как нам известно, профессиональные композиторы еще с эпохи средневековья сочиняли лишь церковную музыку. В их полифонических композициях роль основной темы играл григорианский хорал с медленно распетым латинские текстом. Если мелодии хорала не было хотя бы в одном из полифонических голосов, то все сочинение запрещалось к исполнению в католической церкви. Композиторы эпохи Возрождения, сочиняя для церкви, сочиняли в первую очередь для людей, для прихожан, они хотели быть услышанными и понятыми. Для этого был найден весьма оригинальный компромиссный вариант: оставляя григорианскую мелодию в одном из средних голосов, они дополняли, опевали ее свободно сочиненными мелодиями с народно-песенной основой. Бесчувственная отрешенность католического пения постепенно отступала перед народно-песенными интонациями.
Католическое церковное пение постепенно превращалось в церковную музыку, наполненную чувствами, понятными и близкими простым людям. Усилиями композиторов нового искусства прихожане очень медленно, но неотвратимо превращались в слушателей, в публику. Этот процесс станет особенно ощутимым с ХVII века.
Что касается техники сочинения музыкальных композиций, то и здесь композиторы эпохи Возрождения внесли немало нового. Если раньше они ориентировались на схематические умозрительные “божественные” правила, то теперь - на непосредственное восприятие их музыки человеческим ухом. Правильным в конце концов оказывалось то, что приятно и понятно человеческому слуху.
С середины ХV века мировое первенство в развитии полифонического искусства завоевывают Нидерланды. Они располагались на территории стран современного Бенилюкса и северо-восточной Франции.
Основателем нидерландской полифонической школы был Гийом Дюфэ (1400-1474). Школа эта была поистине всеевропейской, а не узко национальной. В её состав входили Жоскен Депре, Орландо Лассо, Жан Окегем, в разное время служившие при различных европейских дворах. Нидерландская школа была в то время общеевропейской академией полифонического искусства. Усилиями перечисленных композиторов техника сочинительства достигла предельного совершенства. Грандиозные полифонические конструкции составляли предмет гордости их авторов. Подобно Небесному Творцу, они на земле старались создать нечто подобное и в высшей степени разумное, прославить Творца достойным Его способом. Представьте себе мощное звучание восьми, десяти, а иногда дело доходило и до восемнадцати самостоятельных звуковых потоков, образующих единый гармонический сплав, устремленных под своды готических храмов. Такие музыкальные композиции подавляли прихожан своим величием и мощью. Однако человеческое ухо более пяти-шести одновременно звучащих мелодических линий отчетливо воспринимать не может. Хоровые голоса вступали в разное время и с разным текстом, одновременно распевая различные слоги, разобрать смысл которых для постороннего слушателя было практически невозможно. Музыкальные произведения становились абстрактно-умозрительными конструкциями. Назревал неизбежный кризис и упадок всей полифонической музыки. На смену ей придет новая музыка, основанная на выразительности одной мелодической линии, поддержанной аккордовым аккомпанементом. Этот качественный скачок в европейском музыкальном мышлении произойдет в рамках итальянской музыкальной культуры.
* * *
В эпоху Высокого Возрождения именно итальянская музыка заняла первенствующее положение среди европейских музыкальных культур, а сама Италия стала “землей обетованной” практически для всех европейских и русских композиторов вплоть до конца XIX века.
В итальянском искусстве того времени существовали две композиторские школы - римская и венецианская.
Величайшим представителем и признанным главою римской школы был Джованни Палестрина (1525-1594).
В Риме, центре мирового католичества, церковь была и остается основным заказчиком музыки. Лучшие композиторские силы выполняли заказы церкви, лучшие из певцов и инструменталистов исполняли их во время богослужения, помогая тем самым достичь максимума эмоционального воздействия на молящихся.
Ведущим жанром католического богослужения была и остается месса. В православной традиции мессе соответствует литургия.
Во время мессы совершается одно из главных христианских таинств - евхаристия: превращение хлеба и вина в Тело и Кровь Христа. Это таинство установил и заповедал христианской церкви сам Иисус Христос на Тайной вечери накануне собственного распятия и воскресения. Для большинства христиан месса - это воспоминание о страданиях, смерти на кресте и тридневном воскресении Спасителя.
Музыкальное оформление мессы сложилось одновременно с ее структурой лишь к ХIV веку. До этого момента песнопения часто подбирались из разных источников. Уже в творчестве нидерландских композиторов мессы стали создаваться как единое многочастное произведение, имеющее своего автора. Первый и тогда еще уникальный образец авторской мессы был написан еще в 1364 году Гийомом де Машо. Нормой такая практика стала лишь в эпоху Высокого Возрождения.
В музыкальном смысле месса превратилась в крупное циклическое, то есть состоящее из нескольких самостоятельных развернутых частей произведение для хора, написанное в полифонической манере. Позже в состав исполнителей ввели оркестр, орган и солистов.
Основных частей в мессе пять:
Кирие элейсон (Господи, помилуй).
Глория (Слава).
Кредо (Верую).
Санктус и бенедиктус (Свят и благословен).
Агнус Дей (Агнец Божий).
Иногда между этими частыми вставлялись дополнительные в зависимости от церковного праздника или иного события, к которому приурочивалось исполнение мессы.
Одной из разновидностей мессы является реквием - заупокойная месса. К перечисленным ранее частям добавляются следующие:
Диес ире (День гнева).
Туба мирум (Чудесная труба). “Зазвучит труба и мертвые воскреснут”.
Лакримоза (Слезная) и др.
Порядок частей мессы был строго узаконен. Церковь на протяжении многих сотен лет вырабатывала оптимальные драматургические приемы воздействия на слушателей в нужном ей эмоциональном плане. Основной объединяющей идеей мессы является настроение глубокой сосредоточенности, раскаяния, погруженности во внутренний мир, отрешенности от всего обыденного, чувственного, мелкого.
Текст каждой из частей был сведен до минимума, порой до двух-трех слов. Это объясняется тем, что латинский текст к тому времени уже не был понятен простому народу. Оторванный от бытовой разговорной речи, он не мог подчинить массовую аудиторию мистическому настроению молитвы. Это делала музыка. Текст же служил лишь вспомогательным средством, позволяющим направить восприятие музыки прихожанами в определенное русло.
Наивысшее претворение жанр католической мессы получил в творчестве Дж. Палестрины (1525-1594). Он их сочинил более ста. Палестрина более сорока лет безвыездно прожил в Риме, где служил капельмейстером в соборе св. Петра и носил официальное звание папского композитора. Стиль хорового письма Палестрины определяют как возвышенно-умиротворенный, лирико-поэтический, порой величаво-торжественный (Палестрину часто и справедливо сравнивают с Рафаэлем). Этими качествами характеризуется музыка наиболее известной мессы Палестрины “Месса папы Марчелло”. Его искусство музыканты справедливо считали образцовым, классическим. На произведениях Палестрины учились хоровому письму многие выдающиеся композиторы последующих поколений.
Одни и те же композиторы эпохи Возрождения наряду с церковной музыкой сочиняли и много светской, предназначенной для исполнения при дворе, в образованной аристократической среде. Здесь они не были связаны строгими церковными правилами и прямо обращались к народной песне как к тематическому источнику собственных полифонических вокальных произведений.
Во Франции излюбленным светским жанром была шансон - многоголосная куплетная песня, сочиненная на рифмованный текст; в Италии - мадригал (от лат. матрекале - “песня на родном языке”); качча - бытовая музыкальная сценка, нередко сопровождавшаяся круговой хороводной пляской; фроттола - четырехголосная карнавальная песня, буквально “песнь толпы”; английская баллада - песня повествовательного, иногда эпического или драматического характера.
Отличительной особенностью всех этих жанров было то, что их текст сочинялся не на традиционной латыни, а на одном из европейских наречий: италийском, тосканском, саксонском или прованском.
В светской вокальной музыке центральное место занял мадригал. Появившись в Италии еще в ХIV веке, к ХVI веку он как бы обрел второе рождение как в творчестве римских, так и венецианских композиторов. Сочинялись мадригалы также во Франции, Англии, Испании и других странах.
Основное содержание мадригалов составляла утонченная любовная лирика. Поэтический сюжет излагался, главным образом, в аллегорической форме, а непременным фоном служили картины природы. Большое влияние на развитие мадригала оказала поэзия Ф. Петрарки, в частности его сонеты.
Композиторы музыкальными средствами стремились тонко передать все оттенки поэтического текста. Некоторые ключевые слова или фразы многократно повторялись на разные лады, что делало музыкальную форму мадригала достаточно свободной и далекой от поэтической строфичности текста.
В классическом мадригале пять голосов смешанного состава, а все повествование ведется от первого лица. Такая условность жанра преодолевалась позднейшими переложениями многоголосных мадригалов для одного голоса с сопровождением. Это были первые образцы сольной лирики, послужившие в дальнейшем основой для возникновения оперных арий.
Музыкальный язык мадригалов основывался на народно-песенных интонациях. Мадригал был сугубо аристократическим жанром, так как для своего исполнения требовал высокой общей культуры и специальной вокальной выучки.
Художественного совершенства жанр мадригала достиг в творчестве Андреа Габриели, Дж. Палестрины, О. Лассо, Джезуальдо ди Веноза и Клаудио Монтеверди.
К концу ХVI столетия в Италии появилась разновидность мадригала - драматический мадригал. Его текст имел развитый драматический сюжет. Действующие в нем лица получали прямую речь, т.е. персонифицировались. Эти фрагменты прямой музыкальной речи представляли собой как бы маленькие ариозо. Именно из такого драматического мадригала к концу века родилась опера.
Светская музыкальная культура Высокого Возрождения была преимущественно вокальной. Однако в это же время завершается длительный исторический процесс освобождения инструментальной музыки от слова и жеста. Появляются самостоятельные композиторские школы инструментальной музыки. Наиболее распространенными инструментами того времени были орган, вирджиналь, лютня, гитара.
Лютня - самый распространенный струнный щипковый инструмент во многих западно-европейских странах эпохи Возрождения. Лютня приобрела господствующее положение как в профессиональном, так и в любительском исполнительстве. Живописцы того времени со знанием дела изображают лютню в руках молодых женщин и мужчин, в небольшом ансамбле, в интимном кругу, в избранной среде, на непринужденной пирушке и даже в руках музицирующих ангелов. На лютне играли Леонардо да Винчи, Бенвенуто Челлини, Караваджо. В музыкальном быту лютня занимала такое же место, какое сейчас занимает фортепиано.
П
о
внешнему виду лютня несколько напоминает
мандолину: овальный выпуклый корпус в
виде разрезанной груши, короткая и
широкая шейка с ладами, парные струны,
которые придают звучанию лютни особый
нежно-звенящий тембр.
Первоначально лютню использовали главным образом для аккомпанемента мелодиям нового песенного стиля. Позже лютня использовалась как сольный или ансамблевый инструмент. Для лютни сочинялись многочастные сюиты, в которых обработки песенных мелодий перемежались с танцами того времени: фроттолой, гальярдой, вольтой, паваной. Издавались и распространялись по всей Европе специальные сборники лютневых пьес. Для этого инструмента сочиняли Франческо да Милано, Винченцо Галилеи, англичанин Дауленд.
Лютневая музыка резко выделялась на фоне профессиональной полифонии того времени. Гомофонная, ритмически упругая, прозрачная по фактуре, легкая и свежая, она не утрачивает своей наивной прелести и в наши дни.
В католической церкви того времени царил орган - мощный, многокрасочный инструмент, позволяющий использовать самые различные виды композиторской и исполнительской техники. Во Флоренции и Венеции образовались целые органные школы. Более подробно об устройстве этого инструмента будет рассказано в следующей главе, посвященной музыкальной культуре немецкого барокко.
* * *
В Германии Возрождение прошло под знаком Реформации. Реформацией историки называют общественное движение в Европе против католической церкви, против ее богатств, против ее сложной иерархии и посредничеством между Богом и людьми. Основатель движения Реформации Мартин Лютер (1483-1546) считал, что необходима и реформа церковной музыки. Надо было сделать церковное пение близким и понятным простым прихожанам, заменить иностранную латынь на немецкий язык, создав тем самым условия для участия всех верующих в богослужении.
В 1522 году Лютер перевел Четвероевангелие на немецкий язык, что позволило проводить службы на немецком языке.
В поисках простых и выразительных мелодий реформаторы обратились к народным духовным и светским песням. Они-то и стали основой нового протестантского хорала.
Вместе с григорианским хоралом постепенно из протестантской церкви ушла и сложная полифония. Ее место занял четырехголосный гармонический склад с мелодией в верхнем голосе.
Первый печатный сборник таких хоралов появился в 1524 году.
С утверждением лютеранства в качестве официальной религии протестантский хорал становится основой богослужения. На протяжении двух столетий именно протестантский хорал сделался и основой профессионального музыкального творчества немецких композиторов вплоть до И.С. Баха. Именно Бах вернул церковной музыке былую многомерность и углубленность. Он сделал церковную музыку произведением искусства.