Часть I музыкальное творчество западноевропейских композиторов
Глава 1
Музыкальная культура Древнего мира
История музыки - это наука, так как по методу она связана с логикой исторического процесса. Каждое музыкальное явление рассматривается ею в пространстве и во времени. Лишь с этих позиций мы можем объективно оценить значимость творчества как отдельных композиторов, так и целых музыкальных направлений и стилей.
Эволюция музыкального искусства является ярким свидетельством эволюции человеческого духа. Благодаря своей глубине и непосредственности именно музыка является первичным выразителем тех духовных ценностей, которые позже находят свое выражение в словах, линиях, красках.
Историческое становление музыки как содержательного искусства можно условно разделить на четыре этапа.
Первый этап можно назвать магическим. Он характеризуется освоением и использованием в прикладных целях экстатической природы музыкального звука, способного приводить первобытного человека в состояние транса или экстаза. Этот наиболее древний вид звукотворчества дожил до наших дней и существует сейчас в практике современного шаманизма и музыкальных композициях отдельных рок-групп.
Второй этап можно условно назвать мистическим. Он характеризуется тем, что человек, уже вполне научившись различать отдельные элементы музыкального языка: соотношение тонов по высоте, пропорции интервалов, ритмические формулы напевов, стал рассматривать их как некие мистические аналоги глубинным тайнам Вселенной. Именно так воспринимали природу музыки жрецы в Древнем Египте и Вавилоне, в Индии и Китае.
Третий этап можно условно назвать этическим. Музыкальная деятельность в этот период рассматривалась как некая “гимнастика души”, способная развивать у человека то или иное нравственное начало. Наиболее последовательное и яркое воплощение этот этап получил в античной музыкальной культуре и песнопениях ранних христиан.
Наконец четвертый - эстетический этап становления музыкального искусства - связан с профессионализацией исполнительской и композиторской деятельности, когда музыка освобождается от прикладного использования и имеет целью лишь доставить слушателям эстетическое удовольствие. Исторически этот этап можно отнести к началу европейского Возрождения.
Разумеется, изложенная схема - всего лишь условность. В реальном музыкально-историческом процессе все обстояло гораздо сложнее и неоднозначнее. В одно и то же время могли сосуществовать черты нескольких этапов, но в различных пропорциях.
Первый серьезный вопрос - это вопрос о возникновении музыки. Разгадать тайну ее рождения пытались многие философы, исследователи и музыканты. Люди слагали легенды о музыке как о драгоценном даре богов.
Зачатки музыкального искусства более, чем зачатки других искусств, покрыты мраком. Мы не можем ответить на вопрос, сколько лет музыкальному искусству, но можем с уверенностью указать на несколько источников, из которых развились первичные элементы музыкальной выразительности. Их первоосновой является коллективная общественная деятельность древних людей во всем ее многообразии. Наскальные рисунки, относящиеся к первобытнообщинному строю, изображают сцены охоты и предшествующие ей ритуальные полудикие пляски под примитивные ударные инструменты. Разумеется, назвать эти ритуальные действа искусством нельзя. Лишь очень постепенно пантомимное воспроизведение трудового процесса отдаляется от своего прообраза и приобретает самостоятельный характер.
Для первобытных примитивных напевов характерно глиссандирование по тонам, тремолообразное звукоизвлечение. Это были еще даже и не мелодии, а попевки. Многократное повторение найденной интонации оказывало гипнотизирующее воздействие на соплеменников, подчиняло их воле поющего, позволяло сплотить и сконцентрировать усилия. Текст как таковой в этих напевах отсутствовал. Чаще всего это были нечленораздельные звуки. Главным элементом этой архаической музыки был ритм.
Общий рост благосостояния и культуры в рамках рабовладельческого общества приводит к тому, что появляются люди, имеющие время, возможность и желание заниматься художественным творчеством. Это сразу же приводит к бурному развитию искусства. Возникает разнообразный музыкальный инструментарий, совершенствуются методы игры и пения, почти что на профессиональной основе.
Теперь остановимся на географической стороне вопроса.
Существует мнение, что вся человеческая культура развилась из одного центра. Это неверно. В истории Древнего мира было пять очагов культуры, и в том числе музыкальной: Южно-Африканский, Индо-Китайский, Северо-Монгольский, Средиземноморский и Европейский. Эти очаги культуры достигали апогея своего развития в том порядке, как они перечислены. Немецкий философ Гегель полушутливо по этому поводу говорил: “История человечества движется с Востока на Запад”. И действительно, в этом была своя логика. Более благоприятные климатические условия породили и более ранний расцвет культуры народов Африки и Юго-Восточной Азии. Последовавший далее ледниковый период привел к тому, что в условиях борьбы за существование западно- и восточноевропейские племена догнали и перегнали в своем развитии Восток. Это сказалось и на характере музыкальной культуры.
Из всех древних цивилизаций наибольший вклад в мировое музыкальное искусство внесли Египет, Индия, Китай, Иудея, Древняя Греция.
О достижениях египтян в области музыкальной культуры свидетельствуют художественные росписи и литературные памятники.
ЕГИПЕТ
Народно-песенный эпос египтян связан с цикличностью разливов Нила - источника орашаемого земледелия. Страсти-мистерии были высшей формой древнеегипетского фольклора и создали художественную традицию, освоенную впоследствии через греков народами Европы. Персонажами мистерий были боги, олицетворявшие силы природы: Осирис - бог умирающей и воскрешающей природы, бог юности и плодородия; Исида - его сестра и супруга; Гор - их сын; Тот - бог Луны, мудрости, письма и счета, покровитель писцов, наук, колдовства. Любимым музыкально-драматическим жанром в мистериях были женские песни-плачи над умершим Осирисом.
Египет обладал и высокоразвитой музыкально-инстру-ментальной культурой, наиболее распространенным инструментом были арфы самых различных размеров. На некоторых можно было играть лишь став на высокую подставку. Струны арфы изготавливались из пальмового волокна, а играли на них специальными железными наконечниками - род медиаторов.
Ближе к нашей эре египетское искусство утрачивает свою самобытность, подчиняясь греческим влияниям. Александрия - египетский город, - с III века до н.э. после македонского завоевания стала культурным центром всего Античного мира.
ИНДИЯ
Музыкальная культура Индии одна из древнейших. Она насчитывает более 30 тысяч лет. Каждое из племен имело своих музыкантов, исполнявших гимны и прочие культовые ритуальные песнопения. Основными религиями в Индии были: брахманизм, буддизм, индуизм.
Первичные памятники древнеиндийской литературы - Веды. Так назывались сборники из мифологических легенд, религиозных поучений, гимнов.
Своеобразие индийской музыки определяется прежде всего ее ладовой основой (музыкальным строем). У индийцев октава делится не на 12 полутонов, как в европейской музыке, а на 23. Минимальное расстояние между соседними звуками получается менее чем в 1/4 тона. Эта звуковая система называется шрути. Европейцы эти микроинтервалы воспринимают как музыкальные вибрации, как тончайшие украшения мелодии. Линия основного напева в индийской музыке как бы обволакивается промежуточными и вспомогательными звуками. Это придает индийской музыке поэтическую зыбкость и утонченно-эмоциональную окраску.
Любое произведение индийской музыки строится на основе музыкально-поэтических прообразов - раг. Эти традиционные напевы усваиваются всеми индийцами с самого раннего детства. Теоретические трактаты описывают более 600 различных раг, способных вызывать у слушателя различные чувства и состояния: любовь, веселье, печаль, отвращение, страх и т.д. Исполнение раг приурочивалось к определенному времени года и суток. Исполнитель раг помимо вокального мастерства должен был обладать выразительной пластикой, мимикой, жестами. Имело значение все: положение пальцев рук, кистей, положение рук и ног по отношению к телу. Это делало исполнение раги не только музыкой для слуха, но и музыкой для зрителя. Такое органичное единство мелодии, текста, инструментального сопровождения и танца в индийской музыке обозначается словом сангит.
Строятся раги по законам классической трехчастной формы:
I часть - медленное изложение основной темы;
II часть - мелодико-ритмические вариации в сопровождении ударных;
III часть - кульминационное проведение темы с особо сложными украшениями.
Для индийской музыки характерна импровизационность. Некоторые композиции импровизировались исполнителями в течение нескольких часов.
Еще одна характерная черта индийской музыки - ее внутренняя сосредоточенность. Певцы и инструменталисты импровизируют музыку с закрытыми глазами, как бы отрешась от внешних впечатлений, способных нарушить цельность музыкального образа. Их музыкальным композициям свойственны глубокие волнообразные нарастания и спады, имеющие выразительное и символическое значение.
Характерная особенность индийской музыки состоит в ее стремлении к очень широкой и глубокой перспективе. Если для музыки Китая характерна высокая и светлая звучность, то для индийской - сравнительно низкие, темные регистры.
Наиболее часто в индийской музыке встречаются напевы с долгим и как бы задумчивым развертыванием темы. Всякий составляющий ее элемент, фраза, мотив или даже отдельный звук являются для индийцев выразителями определенных чувств или смысловых символических значений. Часто индийскую музыку называют философией в звуках.
У индийцев насчитывается более 300 оригинальных музыкальных инструментов. Среди них никогда не было струнных инструментов, у которых одна струна издавала бы лишь один звук, но имеется целый ряд инструментов с грифами. Из инструментов этого типа в Индии наиболее известны ситар и вина.
Ситар Вина
Оба инструмента представляют собой струнный щипковый плекторный инструмент с двумя резонаторами - один деревянный, другой из пустой высушенной тыквы. На грифе около 20 подвижных ладов, позволяющих исполнять музыку в системе шрути. Мелодия исполняется на пяти металлических струнах, расположенных над ладами. Три боковые струны служат дня аккомпанемента. Под основными струнами расположены 17 дополнительных струн, резонирующих основным тонам раги. Струны защипывают крючками-плекторами, надетыми на пальцы правой руки. Играют на вине и ситаре сидя, скрестив ноги в позе “лотоса”. Мягкий, богатый оттенками тембр, большие динамические возможности сделали вину и ситар наиболее популярными инструментами в индийской музыкальной культуре.
В XX веке, в эпоху массовой популярной музыки, эти инструменты эпизодически вводятся в состав различных рок-групп, сопрягая тем самым огромные временные рамки (“вечность в сиюминутном”) и создавая специфический колорит звучания.
Среди ударных инструментов наиболее распространены маленькие барабанчики в парной связке - табла. На них играют, ударяя ладонями. Культура их изготовления и исполнительское мастерство были необычайно высоки. Для европейца барабан - лишь примитивный ударный инструмент, подчеркивающий метро-ритмическую пульсацию. На Востоке же барабаны - это тончайшие музыкальные инструменты. С помощью барабана можно было передать все - от смерти целой армии до радости по поводу замужества единственной дочери или рождения ребенка.
Классиком индийской музыки является Робиндранат Тагор (1861-1941), оставивший в наследие более 2,5 тысяч музыкальных произведений. Тагору первому из индийцев удалось осуществить синтез традиционной музыки с достижениями европейской музыкальной классики.
В 50-70-е годы XX столетия сформировался относительно новый и самостоятельный жанр индийской музыки - киномузыка. Ее авторы идут по пути синтеза музыки Востока и Запада, вводя в состав оркестра европейские музыкальные инструменты и используя композиционные приемы европейской музыки.
КИТАЙ
Древнейшим письменным памятником китайского песенного фольклора является “Книга песен” (Ши-цзин), составленная в VI веке до н.э. Ее составление приписывают Конфуцию. В “Книгу песен” входило 305 текстов лирических песен. Исполнялись они одноголосно, без аккомпанемента в речитативно-декламационной манере.
Тембровый колорит китайской музыки отличается преобладанием высокого светлого регистра. Из певческих голосов наиболее ценились звонкие фальцеты.
Своеобразное звучание китайской музыки определяется соотношением звуков в октаве. Октава у китайцев делится не на 23 звука, как у индийцев, и не на 7, как у европейцев, а лишь на 5. Этот музыкальный строй называется бесполутоновой пентатоникой. Если на современном фортепиано перебирать лишь черные клавиши, то создается иллюзия китайской музыки. Эта пятиступенная гамма имела для китайцев мистический смысл. Основатель древнекитайской философии Фуси, живший в III тысячелетии до н.э., связывал с пятью тонами этой гаммы стихийные первоэлементы мира.
Образный строй китайской музыки отличался условностью символических образов, традиционной метафоричностью, иносказательностью значений.
Китайцы использовали музыку как средство воспитания и улучшения нравов. “Музыка - это благоуханный цветок добродетели. Если вы хотите узнать, как страна управляется и какова ее нравственность - прислушайтесь к ее музыке”, - говорил великий Конфуций в VI веке до н.э.
Из инструментов наиболее распространенными были продольные флейты из бамбука, китайская волынка, двухструнная скрипка и ударные - барабаны, гонги, колокольчики и цзен - набор отшлифованных каменных пластинок, на которых играли, ударяя деревянными палочками.
При императорском дворе состояли на службе инструментальные оркестры, певцы, жонглеры. Особенно значительным и оригинальным явлением китайской культуры стал музыкальный театр, который вполне сложился лишь к XIII веку н.э. Ничего подобного европейская культура не знает. Этот театр - в полной мере синтетическое действо музыки, разговора, танца, мимики, красок и пластики движения. Этот синтетический театр называется “Пекинская опера”.
В средневековый период китайская музыкальная культура обнаружила тенденцию к застыванию в достигнутой традиции. Причина этого, видимо, кроется как в особенностях национального характера, так и в обострившемся стремлении к самобытности. Следует отметить, что до ХIV века н.э. именно Китай был центром мировой культуры, а не Европа.
ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ
Из всех древних государств Средиземноморского очага культуры наибольшее значение для европейской культуры имела Древняя Греция.
Под словом “музыка” древние греки понимали искусство муз - “мусическое искусство”, то есть всякое занятие, находящееся под покровительством муз.
Мы не имеем полного и достоверного представления о характере музыки Древней Греции, о ее реальном звучании. Все рассуждения о характере античной музыки основываются на литературных источниках, философских трактатах, сочинениях по этике, воспитанию и религии, медицине, космологии и астрономии. Музыка в жизни древних греков была таким же необходимым компонентом, как дыхание, питание и так далее. Музыка входила в энциклопедический канон обучения, сложившийся в греческих гимназиях: грамматика, риторика, диалектика, арифметика, геометрия, астрономия и музыка. Греческие философы утверждали, что музыка должна доставлять свободнорожденному человеку “безвредную радость и интеллектуальное развлечение, но профессионально заниматься ею следует лишь рабам и несвободным ремесленникам”.
В начальный Крито-Микенский период становления греческой цивилизации (до XI века до н.э.) музыка понималась греками как элемент первобытной религии и магии и переживалась как явление магического свойства. Музыки как самостоятельного искусства в этот период еще не существовало. Она была синкретически связана с танцем (пляской), ритмикой и пантомимой.
Наиболее распространенными в Античной Греции были следующие танцевальные жанры: гимнопедии - воспроизведение ритмических телодвижений гимнастического характера; гипорхемы - хоровые танцевальные песни пантомимического характера; пиррихий - быстрый военный танец, подражающий тому, как человек спасается от ударов метательного оружия, бросается в сторону, отступает, прыгает вверх и пригибается к земле. Все эти танцы сопровождались пением и игрой на духовых инструментах.
Основные древнегреческие инструменты - лира и авлос. Греческая лира устроена просто: это деревянная фигурная рама, на которой вертикально натянуты струны. Кифара - более совершенная разновидность лиры, так как у нее уже имелся резонатор, а число струн доходило до восемнадцати. Авлос - язычковый деревянный духовой инструмент с резким сильным звуком. Греческий авлос можно считать прототипом современного гобоя и кларнета. Считалось, что звучание кифары пробуждало у слушателей возвышенные чувства, а звучание авлоса разжигало темперамент и чувственность. Помимо обычной флейты у греков была многоствольная флейта, состоявшая из нескольких связанных между собой трубок различной длины. Ее называли “флейтой Пана”. Согласно мифу, ее создал Пан - бог стад, лесов и полей.
|
Лира |
Авлос |
Кифара |
Флейта Пана |
В гомеровский период (Х-VIII вв. до н.э.) появляется первое высокое достижение греческой культуры - героический эпос. Возникает он из погребальных песен-плачей - элегий, из победных песен - эпикиний. На первых порах такие сказания исполняли под примитивный аккомпанемент сами герои-вожди. Позже их исполнение поручалось особым профессиональным певцам - аэдам.
Древнегреческие аэды состояли в особом цехе, называя себя гомеридами - продолжателями Гомера. Их ремесло передавалось из поколения в поколение. Будущего аэда учили с детства мерно декламировать звучным голосом, играть на кифаре, обучали правилам стихосложения и репертуару. Аэд обычно пел в конце пира. Начинал он с обращения к божеству или музе, затем переходил к самому сказанию. Излагая сюжет, аэд обычно его импровизационно дополнял и изменял.
Древнегреческая мифология погибла как целостное мировоззрение, но осталась в духовной культуре современного человека в виде отдельных элементов - сюжетов, образов, мотивов, понятий, представлений и т.д.
Быстрому развитию музыки в Классической Греции периода Афинской гегемонии (V-VI вв. до н.э.) способствовало то, что ей придавали государственное значение. Древнегреческий философ Платон строил свою систему государственного воспитания юношей на основе музыки и гимнастики. Гимнастика воспитывает в человеке мужественность, храбрость, силу. Музыка же воздействует на душу, размягчает ее.
Другой древнегреческий философ Пифагор ставил музыку в один ряд с медициной. Он предлагал при помощи определенных мелодий и ритмов восстанавливать душевные способности человека, врачевать его нравы и страсти. Пифагор полагал, что движения мелодий воссоздают в обобщенном виде психические движения души и что воздействие избранных мелодий будет особенно сильным, если соединить их с поэтическим словом и танцем.
Время жизни Пифагора относится к VI веку до н.э. Ему приписывают открытие математических отношений, лежащих в основе музыкальных интервалов и всего звукового музыкального строя. Пифагорейцы считали, что музыка есть порождение космоса, что движение небесных тел, их орбиты порождают прекрасную музыку. Они считали, что отношения между орбитами семи известных им планет солнечной системы соответствуют отношениям между интервалами музыкального строя. Это достаточно туманная и вместе с тем распространенная теория получила в истории человеческой цивилизации наименование “Учение о гармонии сфер”.
Большого развития в Древней Греции достигли соревнования самодеятельных художественных коллективов. Эти соревнования у греков назывались играми. Спортсмены соревновались на Олимпийских играх (с 776 года до н.э.), а музыканты состязались в Пифийских играх в честь Аполлона, победившего дракона Пифона. Игры эти происходили в городе Дельфах с 590 года до н.э. Они заключались в пении с инструментальным сопровождением, а позднее в исполнении самостоятельных произведений на кифаре и авлосе. Включение музыкальных состязаний в общественные игры способствовало дальнейшему развитию музыкально-поэтического искусства.
Античная музыка была, по преимуществу, вокальной. В ней отсутствовала полифония - многоголосие; мелодия и аккомпанемент в ней звучали в унисон. Такое распевание поэтических текстов под аккомпанемент какого-либо инструмента называлось у греков лирикой. “Лирический” у греков обозначало “музыкально-поэтический”. Лирика у греков подразделялась на хоровую и сольную.
Хоровая лирика достигла значительного подъема к VI веку до н.э. в Спарте у Пиндара и его современников в жанре оды. Пиндар создавал свои оды в честь победителей на Пифийских и прочих играх. Отсюда торжественность, приподнятость настроения оды. Строились оды обычно по трехчастной схеме: в центре - легендарное повествование, обрамленное воспеванием победителя или похвалой народному празднеству.
Отображение в музыкально-поэтическом искусстве индивидуальных переживаний приводит к формированию сольной лирики, близкой понятию лирики в современном смысле. Особое значение в развитии сольной лирики имела музыкально-поэтическая школа, образовавшаяся к началу VII века до н.э. на острове Лесбос во главе с Терпандром. В целом греческая лирика, лишенная субъективного психологизма, была жизнерадостна и оптимистична.
МУЗЫКА В ДРЕВНЕГРЕЧЕСКОЙ ТРАГЕДИИ
Музыка Древней Греции была связана со сценическим искусством, танцем, ритмикой и жестом. Музыка сопровождала сценические представления и включала в себя танец как необходимый составной компонент.
Условием бурного расцвета античной трагедии явился расцвет афинской демократии и относительное благосостояние общества.
В 472 году до н.э. в Афинах открылся театр Диониса, вмещавший 30 тысяч зрителей, открытый амфитеатр. Актеры играли на скении, надевали катурны (обувь на высокой платформе), на лицах - маски, изображающие ту или иную эмоцию (радость, горе, гнев и т.п.) и через особое приспособление (подобие рупора) усиливающие голос. Актеров было два, позже - три. Хор помещался на особой круглой площадке, называемой орхестра. Хор в трагедии изображал народ и давал морально-этическую оценку происходящим событиям. Хор мужской состоял из 15 человек. Его содержание и обучение считалось почетной обязанностью наиболее состоятельных граждан.
Действующими лицами греческих трагедий были цари, царицы, боги, богини, нимфы, титаны. Плебс допускался на сцену лишь эпизодически. Первоначально драматург был в одном лице и поэтом, и актером, и музыкантом, и режиссером. Позже эти функции разделились.
Музыкальные куски в драме:
Мелодрама - переход речи действующих лиц в напевную речитацию.
Стасимы - хоровое музыкально-танцевальное завершение эпизодов драмы.
Коммос - пение актера с хором.
Парод - сопровождающийся пением выход хора в начале драмы.
Музыка древнегреческих трагедий не сохранилась, но до нас дошли художественные идеи синтеза различных искусств в трагедии, органичной связи единства слова, музыки и драматургии. Воплощением этих идей на практике спустя тысячелетие стала опера.
Эти идеи питали в последующие эпохи развитие сценических искусств через Возрождение, классицизм до романтических опер Вагнера и до наших дней.