1542 - Гробница приобрела окончательный вид.

Другой крупный скульптурный ансамбль был связан с Флоренцией.

Новая Сакристия в церкви Сан Лоренцо во Флоренции: Капелла Медичи, 1520-1534.

В этом памятнике происходит перелом в творчестве Микеланджело, знаменующий новую эпоху в истории итальянского Возрождения - Позднее Возрождение - время кризиса гуманистических идеалов. Микеланджело выступает здесь и как архитектор. В своем проекте капеллы он во многом близок к композиции Старой Сакристии Брунеллески (капелла Пацци). Однако Микеланджело в целом увеличивает высоту капеллы, вводя еще один ярус. Кроме того он усиливает выпуклость и выразительность архитектурного декора: переломленные на углах пилястры, слепые эдикулы. Скорее антиклассическое прочтение классического типа декора. Изначально в этом пространстве должны были разместиться четыре гробницы: Лоренцо Великолепного и его брата Джулиано, Лоренцо, герцога Урбинского (первый сын Лоренцо Великолепного) и Джулиано, герцога Немурского (третий сын Лоренцо Великолепного). Микеланджело предлагал различные решения, то склоняясь к мысли о пристенных гробницах, то предполагая поставить в центре капеллы небольшую четырехфасадную часовню. В окончательном варианте он делает сдвоенную гробницу для Великолепных, которая располагается параллельно алтарной стене и на которой помещены фигуры Мадонны и Косьмы и Дамиана. Для герцогов сделаны по бокам одиночные гробницы. Тему которых можно было бы определить как «время, снедающее все». Тема хрупкости и быстротечности человеческой жизни. Возможно программа этих гробниц восходила к идее Данте о дуге жизни, поднимающейся и опускающейся. Сами фигуры герцогов олицетворяют Жизнь активную и Жизнь созерцательную.

Гробница Лоренцо, сер. 1520-х.

Справа от алтаря. Фигура герцога помещена в нишу слишком неглубокую для его фигуры - затесненность. Тень от шлема падает на его лицо. Левая рука опирается локтем на шкатулку с изображением летучей мыши (атрибут времени и смерти). Палец у губ, словно он призывает к молчанию. Утро - полированная. Эффект движения вверх построен по принципу хиазма - опирается на правую руку и левую ногу. Движение вверх - начало дня и символ жизни. Но другая нога соскальзывает. Плат с головы, придавленный локтем, притягивает ее вниз. Утро, которое рождается и тут же умирает.

Вечер - символизирует угасание и сумерки человеческой жизни. Нога закинута за ногу. Руки как кольцо сковывают фигуру. Лицо не доработано, словно скрыто вуалью.

Гробница Джулиано, конец 1520-х - начало 1530-х.

Более свободная постановка фигуры. Ощущение сжатой пружины за счет низкой посадки.

Ночь - символ смерти. Под коленом у нее сидит сова. Под рукой - страшная маска с пустыми глазницами. Пропорции самой фигуры нарушены - она слишком вытянутая, кроме того она очень сильно закручена (figura serpentinata). Мучительная неестественность. Опущенная вниз голова - вечный сон.

Пьета ди Палестрина, ок. 1555.

Второй вариант. Уменьшает количество фигур. Интерес к диспропорциям форм.

Пьета Ронданини, 1552-1564.

Сначала работал над одной группой, близкой по композиции к Пьета ди Палестрина, но затем изменил композицию. Сползающее тело, поддерживаемое Богоматерью. Общий абрис напоминает волну. Ощущение, что он постепенно снимал все новые и новые слои камня, стремясь уничтожить материю и освободить душу. Скульптура, превращающаяся в тень. В одном из писем он писал о себе: «Плоть прекратила борьбу, уничтожив саму себя».

Таким образом можно следующим образом определить ход творческой эволюции Микеланджело: 1. Стремление к воспроизведению индивидуальных телесных форм на основе моделирования в античном духе, что позволяет достигнуть мощи человеческих образов. 2. Начиная с «Страшного суда» и Капеллы Медичи по определению Макса Дворжака в творчестве Микеланджело наступил «апофеоз формального художественного мастерства, одерживающего победу над природой и соперничающей с богами». 3. Позднее творчество отмечено распадом идеалов Возрождения, крушением представлений о человеке-титане.

В творчестве позднего Микеланджело, противопоставившего художественную спиритуализацию идеализму формы возрождения уже были заложены черты, которые определили такое течение позднего итальянского Возрождения как маньеризм. Сам термин очень условен. Долгое время искусство маньеристов рассматривалось как упадок искусства Возрождения. Однако. Это была особая эпоха, связанная с кризисом идей антропоцентризма. И в этом смысле маньеризм представляет собой достаточно органический всплеск, связанный с отрицанием классической гармонии. Ранний маньеризм (до 1540 г.) исходил из того, что делал Микеланджело, особенно из его рисунков, имевших широкое хождение и впоследствии переведенных в офорт Пармиджанино. Но в произведениях маньеристов нет духовной титанической напряженности. Есть усложненность рисунка и форм, их условность, некоторая расслабленность, холодность, аристократизм и утонченность, поэтому маньеризм хорошо приживался в патрицианских культурах - сначала во Флоренции, затем во Франции.

В преодолении маньеризма родится искусство барокко (торжество над субъективной личностью идеи Бога).

Школа Рафаэля - особое течение в маньеризме -

Джулио Романо. Роспись зала Гигантов в палаццо дель Те в Мантуе.

Идея иллюзорной архитектуры, разрушающей реальное пространство.

Андреа дель Сарто. Святое семейство, 1525.

Пропорции слишком тонкие. Подвижность и закрученность формы.

Якопо Понтормо.

Россо Фьорентино.

Аньоло Бронзино.

Корреджо.

Пармиджанино.

Венецианская школа живописи 16 века.

Традиция, рождается из наследия творчества Джованни Беллини. Главные фигуры - Джорджоне и Тициан.

Венеция представляла собой совершенно особенное государственное образование. Ничего не имея, он процветала благодаря посреднической торговле с Востоком, влияние которого отразилось на развитии художественной венецианской традиции. Отсутствие собственно природы во всем ее великолепии в Венеции обусловил развитие культа естествознания и особую окраску венецианского гуманизма, проявлявшего особый интерес к культу природы. Интерес к буколическим сочинениям.

Венецианская живопись отличается меньшей утонченностью по сравнению с римской и флорентийской традицией. Главная ее черта - это колоризм. Культура цвета, которая выделяет ее среди остальных северо-итальянских школ. Цвет делал живопись более эмоциональной и чувственной.