Шпоры по театру

1. Театр как вид искусства. Специфика театрального искусства. Театр - вид искусства, художественно осваивающий мир через драматическое действие, осуществляемое творческим коллективом. Основа театра - драматургия. Произведение театрального искусства - спектакль - создается на основе драматического или музыкально-сценического произведения в соответствии с замыслом режиссера (в балете — балетмейстера и дирижера, а в опере и оперетте — режиссера и дирижера), совместными усилиями актеров, художника, композитора. Театральные постановки подразделяются по жанрам: Драма; Трагедия; Комедия; Мюзикл и т. д. Театральное искусство уходит своими корнями в глубокую древность. Истоки театра лежат в древних игрищах охотников, в массовых народных образах, тотемических плясках в копировании повадок животных. Театр - вид искусства, специфика которого заключена в сценическом действии, возникающем в процессе игры актеров перед зрителями (т. е. контакт между сценой и залом, взаимодействие и взаимозависимость актера и зрителя в процессе исполнения спектакля). Очевидно, что театральная ситуация в силу своей событийной уникальности и неповторимости представляет собой не только художественное, но и социальное событие, и проблема восприятия театрального спектакля напрямую связана с вопросами социального поведения. К специфическим особенностям театрального искусства относятся также двойственное положение актера. Смысл его деятельности одновременно жить и изображать, быть изображающим субъектом и изображенным объектом, самим собой и другим.	2. Театр Античной Греции. Построение театра. Античная трагедия и комедия. Древнегреческий театр один из древнейших театров на территории Европы. Он достиг своего расцвета в V в. до н. э. Древнегреческий театр сооружался на открытом воздухе и состоял из 3-х основных частей: орхестры, тэатрона и скены. Древнейшей из этих частей является орхестра — круглая площадка, на которой выступали хор и актёры. Передняя стена скены - проскений,имевшей обычно вид колонады, изображая фасад храма или дворца, приобрела со временем большое значение в оформлении спектакля. Между скеной и местами для зрителей, занимавшими несколько более половины круга, находились проходы - пароды , через которые вступали на орхестру хор и актёры, по ходу пьесы прибывавшие из города, гавани или из чужой страны. В V и IV вв. до н.э. греческие актёры играли на орхестре перед проскением. Рождение греческой драмы театра связано с обрядовыми играми мимического характера которые возникли у многих народов на ранней ступени развития и сохранялись на протяжении веков. Трагедия, по свидетельству Аристотеля, ведет свое начало от запевал дифирамба, комедия-от запевал фаллических песен (в фаллических песнях восхвалялись плодоносящие силы природы). К диалогу, который вели эти запевалы с хором, примешивались элементы актерской игры, и миф как бы оживал перед участниками праздника.	3. Театр Античного Рима. Организация театрального дела. Римский театр и драма берут свое начало в сельских празднествах по случаю сбора урожая. Еще в то время, когда латиняне жили небольшой общиной, после окончания жатвы они устраивали праздники. На народных гуляньях люди распевали веселые, немного непристойные песни с грубоватыми шутками и насмешками, которые назывались "фесциннины". В этом принимали участие обычно два полухория, между которыми, собственно, и происходил обмен язвительными колкостями. Также существовала еще одна форма представлений - сатура. Ее можно считать истоком римской драмы, которая испытала на себе влияние культуры этрусков. Сатуры представляли собой сценки бытового и комического характера, состоявшие из диалога, пения, музыки и танцев. Помимо сатур, в Риме существовал еще один вид комических представлений, который называли "ателлана". В римский театр такого рода комедии попали во время многолетней войны в Южной Италии. В ателлане имелось четыре постоянных персонажа, которых звали Макк, Буккон, Папп и Доссен. Это были комические персонажи. Текстов для ателланы не писали никогда, поэтому во время представления актеры могли импровизировать, как угодно. Исполнение арий из драм и трагедий было популярно в Римской империи до самых последних дней ее существования.
4. Театральные жанры эпохи Средневековья (литургическая и поллитургическая драма, мистерия, миракль, моралите, фарс). Феодализм Западной Европы пришел на смену рабовладению Римской империи. Возникли новые классы, постепенно оформилось крепостное право. Теперь борьба происходила между крепостными и феодалами. Поэтому театр Средневековья всей своей историей отражает столкновение народа и церковников. С театром церковь боролась потому, что не принимала любых стремлений человека к плотскому, радостному наслаждению жизнью. Одной из форм театрального искусства Средневековья стала церковная драма. Церковники стремились использовать театр в своих пропагандистских целях, поэтому боролись против античного театра. В связи с этим к IX веку возникла театрализованная месса, был разработан метод чтения в лицах легенды о погребении Иисуса Христа и его воскрешении. Из таких чтений родилась литургическая драма раннего периода. Церковь не хотела отказываться от театральных постановок, но стремилась подчинить себе театр. В связи с этим литургические драмы стали ставить не в храме, а на паперти. Таким образом, в середине XII века возникла полулитургическая драма. После этого церковный театр, несмотря на власть духовенства, попал под влияние толпы. Слово "миракль" в переводе с латинского означает "чудо". Все события, которые происходят в таких постановках, заканчиваются благополучно благодаря вмешательству высших сил. С течением времени в этих пьесах хоть и сохранилась религиозная подоплека, но все чаще стали появляться сюжеты, показывающие произвол феодалов и низменные страсти, которые владели знатными и власть предержащими людьми. Расцвет мистериального театра приходится на XV--XVI век, когда наступило время бурного развития городов. Мистерия стала отражением процветания средневекового города, развития его культуры. Данный жанр возник из древних мимических мистерий, т. е. городских шествий в честь религиозных праздников или торжественного въезда королей. Мистериальную драматургию можно подразделить на три периода: "ветхозаветный", использующий циклы библейских легенд; "новозаветный", повествующий о рождении и воскресении Христа; "апостольский", заимствующий сюжеты для пьес из "Жития святых" и мираклей о святых. Желание буржуа придать своему мировоззрению побольше святости и дало толчок созданию еще одного жанра средневекового театра - моралите. В пьесах моралите нет церковных сюжетов, т. к. морализация - это единственная цель таких постановок. Главные персонажи театра моралите - аллегорические герои, каждый из которых олицетворяет человеческие пороки и добродетели, силы природы и церковные догмы. Со времени своего возникновения и до второй половины XV века фарс был площадным, плебейским. "Фарс" переводится как "начинка". В особый тип можно выделить фарсовые представления, в которых создавались пародии на церковь и ее догматы. В основе практически всех фарсовых сюжетов лежат чисто бытовые истории.	5. Итальянский театр эпохи Возрождения. Комедия дель арте. Распад крепостнических отношений и развитие капитализма началось, прежде всего в Италии. Постепенно итальянские города становились все богаче и богаче. Генуя, Венеция и Флоренция, став крупными торговыми и промышленными центрами, стали налаживать экономические связи с другими странами как независимые города-государства. Бурное развитие капиталистических отношений в итальянских городах не могло не сказаться на политическом положении буржуазии, которая совместно с народом вела упорную борьбу с дворянством. Итальянская культура стала приобретать все более аристократичный характер, т. к. крупная буржуазия тоже аристократизировалась. Тем не менее антифеодальная направленность искусства развивалась, как правило, в придворных и ученых кругах, не ориентируясь на народные массы. Такое отдаление от народа, естественно, сказалось на гуманистическом театральном искусстве Италии. Комедии, трагедии и пасторали ставились не для широких слоев населения, а для избранной аристократической и ученой публики. Поскольку постановки осуществлялись силами любителей, спектакли не были систематическими. Но народ не остался без театральных зрелищ. Живой народный театр в Италии, который был напрямую связан с народным фарсом, а также городскими карнавальными игрищами, избрал для себя другой путь. Он был независим от литературной драмы и поэтому к середине XVI века тал театром импровизационной комедии, т. е. так называемой комедии дель арте. Комедия дель арте – это пик развития сценического искусства итальянского театра эпохи Возрождения. Этот жанр, развившись в Италии, оказал свое профессиональное влияние на все европейское искусство. Появилась комедия дель арте в середине XVI века, в те годы, когда в Европе был разгул реакции. Этот жанр выражал оппозиционный настрой, был пронизан жизнелюбием и свободомыслием демократических слоев итальянского общества. Весь критический настрой, имеющийся в спектаклях такого рода, был направлен против дворянства и буржуазии, против их паразитического образа жизни, непомерной алчности и скудоумия, против всего того, что толкало итальянское общество к вырождению. Итальянские драматурги впервые создали новый театральный жанр, который стал исходной точкой для возникновения и последующего развития европейской драмы. К таким типам драматургии относятся комедия, трагедия и пастораль.	6. Испанский театр эпохи Возрождения. Творчество испанских драматургов (Л. де Вега, М. Сервантес, П. Кальдерон). Испанские театры первоначально создавались в гостиничных дворах -- корралях, где сходились задние фасады нескольких домов. Окна служили ложами, перед самой сценой размещалось несколько рядов скамей для знати, а густая толпа простых зрителей теснилась во дворе. Сценический помост был широким. Занавес висел посередине сцены, разделяя ее на передний и задний планы. Балкон служил по ходу действия башней, окном или даже горным уступом. Спектакль начинался с пения под аккомпанемент гитары, затем произносился пролог, после чего разыгрывалась сама комедия, насыщенная горячими переживаниями и стремительным действием. В антракте показывали интермедии, сайнеты (пьески с музыкой и плясками) и танцевальные номера. Спектакль заканчивался мохигангой -- всеобщим танцем в масках, с куплетами и шутками, подхватываемыми зрителями. Герои и героини испанской комедии -- люди цельного и сильного характера. Начал национальную историю испанского театра Лопе де Руэда (ок. 1510 -- ок. 1565) -- человек, кровно связанный с народом и самоотверженно преданный театральному искусству. Сюжеты для своих пьес он брал из жизни. Он создал новый тип драматургии, поставившей испанский театр на первое место среди европейских сцен конца XVI в. Педро Кальдерона де ла Барка (1600 -- 1681) так же сыграл огромную роль как верный певец самой мрачной реакции. ВЕГА КАРПИО, ЛОПЕ ФЕЛИКС де (1562 г. - 1635 г. ) - испанский драматург, основоположник испанской национальной драматургии. Родился 25 октября 1562 в Мадриде, в семье ремесленника-вышивальщика. Учился в университете в Алькала-де-Энарес. Мигель де Сервантес Сааведра (29 сентября 1547, Алькала-де-Энарес -- 23 апреля 1616, Мадрид) -- всемирно известный испанский писатель и солдат. Прежде всего, известен как автор одного из величайших произведений мировой литературы -- романа "Дон Кихот". Литературная деятельность Мигеля началась довольно поздно, когда ему было 38 лет. За первым трудом, "Галатея" (1585), следует большое количество драматических пьес, пользовавшихся слабым успехом. С 1598 до 1603 гг. нет почти никаких известий о жизни Сервантеса. В 1603 г. он появляется в Вальядолиде, где занимается мелкими частными делами, дающими ему скудный заработок, а в 1604 г. выходит в свет первая часть романа "Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский". С этих пор до самой смерти литературная деятельность Сервантеса не прекращалась: в промежуток между 1604 и 1616 гг. появились вторая часть "Дон Кихота", все новеллы, многие драматические произведения, поэма "Путешествие на Парнас" и был написан напечатанный уже после кончины автора роман "Персилес и Сихизмунда". За несколько дней до смерти он постригся в монахи. 23 апреля 1616 г. окончилась жизнь. КАЛЬДЕРОН де ла БАРКА Педро [1600--1681] -- один из крупнейших драматургов Испании XVII в. Р. в Мадриде, в знатной семье. Отец его был помощником министра при Филиппах II и III. К. воспитывался в иезуитской коллегии, затем учился в университете в Саламанке, где проходил курс теологии, математики и права. Затем поступил на военную службу и участвовал в походах в Италии и Фландрии. После смерти Лопе де Вега [1635] получил звание придворного драматурга, в 1637 -- рыцаря ордена Сант-Яго. Кальдерону принадлежит около ста двадцати пьес и восемьдесят ауто сакраменталь.
7. Английский театр эпохи Возрождения. Основные драматические жанры. Построение сцены. Театр английского Возрождения родился и развивался на рыночной площади, что определило его национальный британский колорит и демократичность. Наиболее популярными жанрами на площадных сценах являлись моралите и фарсы. Во время царствования Елизаветы Тюдор были запрещены мистерии. С начала XVI века английское театральное искусство подошло к новому этапу - началу развития гуманистической драмы. Добавив в моралите социальной тематики, он заложил основу драматургии в жанре исторической хроники. Новый театр родился из средневекового фарса. Придворный поэт, музыкант Джон Гейвуд дал развитие фарсу, написав сатирические интерлюдии. В них он высмеивал мошенничество монахов и продавцов индульгенций. Сатирические интерлюдии начала XVI века стали связующим звеном между средневековым фарсовым театром и зарождавшимся драматическим театром. Приобщение английского народа к итальянской культуре и искусству способствовало активному восприятию и популяризации античной культуры. При королевском дворе в качестве увеселительных зрелищных мероприятий были введены маскарады. Первые образцы национальной комедии и трагедии на театральных подмостках появились в середине XVI века. Николас Юдол - автор первой английской комедии "Ральф Ройстер Дойстер" Предшественник У. Шекспира - известный английский драматург Джон Лили (ок. 1554--1606) - был придворным поэтом. В наиболее интересной своей комедии "Александр и Кампаспа" (1584), написанной по рассказу греческого историка Плиния, он показывал великодушие Александра Македонского, который, видя любовь своего друга, художника Апеллеса, к пленнице Кампаспе, уступил ее другу. Джон Лили заложил основы романтической комедии. Он ввел лирическую стихию в драматическое действие, придав прозаической речи яркий поэтический колорит. Родоначальником английской ренессансной драмы был Кристофер Марло (1564--1593), известный драматург, автор произведений философского и атеистического содержания. В 1599 году был выстроен театр "Глобус", в котором работал У. Шекспир. Здание имело восьмигранную форму, сцена - трапецеидальный вид, ее основание выдавалось в зрительный зал. Функциональное пространство было разделено на три части: передняя часть сцены - просцениум; задняя, которая была отделена двумя колоннами, удерживавшими соломенный навес; верхняя - балкон над задней сценой. Завершала эту сложную конструкцию небольшая башенка, на которой во время представления вывешивался флаг. Здание первого театра "Глобус" было уничтожено пожаром в 1613 году. После восстановления он просуществовал до 1645 года. Королевский указ приравнивал артистов к бездомным бродягам и предусматривал наказание труппам, которые не имели богатых покровителей. Форма организации театральных трупп в то время была двух видов: паевое товарищество актеров с самоуправлением и частное предприятие во главе с антрепренером, владевшим реквизитом и покупавшим права на постановку пьесы у драматургов. Труппа, которой руководили У. Шекспир и его друг, известный актер Ричард Бёрбедж , именовалась "Слуги лорда-камергера". В конце XVII - начале XVIII века в английской философии ведущим направлением стал либертинаж, или свободомыслие, которое во многом повлияло на драматургию и театр. Позднее это направление приняло специфическую форму и стало называться остроумием.	8. Творчество У. Шекспира ШЕКСПИР УИЛЬЯМ (Shakespeare, William) (1564–1616), английский поэт, драматург, актер. Родился в Стратфорде-на-Эйвоне (графство Уорикшир). До 1593 Шекспир ничего не издавал; в 1593 он выпустил в свет поэму Венера и Адонис (Venus and Adonis); следом Шекспир выпустил более длинную и серьезную поэму – Лукреция (Lucrece, 1594)/ В "Грейз Инн" 28 декабря была представлена Комедия ошибок (Comedy of Errors); В 1597–1598 популярность Шекспира резко выросла: до тех пор была напечатана (в 1594) лишь одна его пьеса, Тит Андроник (Titus Andronicus), и то без имени автора на титульном листе; а в 1597–1598 были изданы не менее пяти пьес, чтобы удовлетворить спрос на печатные издания его сочинений. В 1603 король Яков взял труппу Шекспира под прямое покровительство – она стала называться "Слуги его величества короля", и актеры считалась такими же придворными, как камердинеры. "Слуг его величества" особенно любили при дворе, труппа выступала там часто и за хорошее вознаграждение, долю которого, безусловно, получал и Шекспир. Рост доходов позволил ему широко вкладывать деньги в откупа и недвижимость и в Лондоне, и в Стратфорде. Он понемногу отдалялся от театра и конец жизни провел в Стратфорде.	9. Театр французского классицизма. Творчество Мольера Классицизм (от лат. classicus — образцовый) сложился в XVII веке во Франции, а в XVIII веке он превратился в международное явление, включив в свою орбиту, по мере распространения идей Просвещения, практически все европейские страны. Обращение к античному наследию как некой норме и идеальному образцу происходило в Европе не единожды. Очередная попытка могла ничем не завершиться, если бы ностальгия по великому прошлому не упала на подготовленную рационалистической философией почву. Основываясь на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, классицизм стремился к выражению возвышенных идеалов, к симметрии и строгой организованности, логичным и ясным пропорциям, наконец, к гармонии формы и содержания литературного, живописного или музыкального произведения. Иными словами, классицизм стремился все разложить по полочкам, для всего определить место и роль. Не случайно эстетическая программа классицизма устанавливала иерархию жанров — "высоких" (трагедия, эпопея, ода, история, мифология, религиозная картина и т. д. ) и "низких" (комедия, сатира, басня, жанровая картина и т. д. ). В наибольшей степени принципы классицизма выражены в трагедиях П. Корнеля, Ж. Расина и Вольтера, комедиях Ж. Б. Мольера, сатире Н. Буало, баснях Ж. Лафонтена, прозе Ф. Ларошфуко (Франция), в творчестве И. В. Гете и Ф. Шиллера (Германия), одах М. В. Ломоносова и Г. Р. Державина, трагедиях А. П. Сумарокова и Я. Б. Княжнина (Россия). Для театрального искусства классицизма характерны торжественный, статичный строй спектаклей, размеренное чтение стихов. Часто XVIII столетие вообще называют "золотым веком" театра. Основоположником европейской классической комедии является французский комедиограф, актер и театральный деятель, реформатор сценического искусства Мольер (наст, имя Жан-Батист Поклен) (1622—1673). Долгое время Мольер путешествовал с театральной труппой по провинции, где знакомился со сценической техникой и вкусами публики. В 1658 г. он получил разрешение короля играть со своей труппой в придворном театре в Париже. Опираясь на традиции народного театра и достижения классицизма, он создал жанр социально-бытовой комедии, в которой буффонада и плебейский юмор сочетались с изяществом и артистизмом. Преодолевая схематизм итальянских комедий дель арте (ит. commedia dell'arte — комедия масок; основные маски — Арлекин, Пульчинелла, старик купец Панталоне и др. ), Мольер создал жизненно достоверные образы. Он высмеивал сословные предрассудки аристократов, ограниченность буржуа, ханжество дворян ("Мещанин во дворянстве", 1670).
10. Французский театр эпохи Просветительства (Вольтер, Д. Дидро, П. Бомарше) В эпоху Просвещения завершился переход к современной культуре. Складывался новый образ жизни и мышления, а значит, изменялось и художественное самосознание нового типа культуры. Название "Просвещение" хорошо характеризует общий дух этого течения в области культурной и духовной жизни, ставящего себе целью заменить воззрения, основанные на религиозных или политических авторитетах, такими, которые вытекают из требований человеческого разума. XVIII в. дал мировой культуре таких замечательных художников и теоретиков искусства театра, как Шеридан – в Англии, Вольтер, Дидро, Бомарше – во Франции, Лессинг, Гете, Шиллер – в Германии, Гольдони – в Италии. Другой просветитель и драматург – Дени Дидро (1713-1784) защищал правду и естественность на сцене. Кроме ряда пьес ("Побочный сын", "Отец семейства" и др. ), Дидро написал трактат "Парадокс об актере", где развил теорию актерского искусства. В просветительской, бунтарской, революционной литературе Франции XVIII столетия комедии Бомарше заняли одно из главных мест по силе влияния на массы. В комедии "Севильский цирюльник" Бомарше вывел впервые образ находчивого плебея Фигаро, простого слуги, неутомимого обличителя феодальных порядков. Во второй его комедии – "Женитьба Фигаро" в конфликте с дворянином ловкий Фигаро выходит победителем. Никогда еще с французской сцены не раздавались такие дерзкие речи о существовавшем общественном режиме. В центре обеих комедий – деятельный, остроумный человек из народа, борьба которого за своё личное и гражданское достоинство была ярким проявлением критического отношения масс к социальному произволу, моральной распущенности дворянского общества в канун революции. В век Просвещения сюжеты арлекинад черпались в пьесах А. Р. Лесажа, с чьим именем связан расцвет ярмарочного театра. С развитием капитализма ярмарочный театр пришел в упадок. На почве народного французского театра с середины 18 в. возникли театры бульваров, игравшие жанровые бытовые пьесы на современном материале, часто развлекательного характера, с любовной интригой, обязательно общепонятные и рассчитанные на широкого зрителя. Первые такие театры построены антрепренерами ярмарочных театров (Ж. Б. Николе на бульваре Тампль, 1759, театр "Фонамбюль", где с 1819 работал мим Ж. Г. Б. Дебюро). Однако именно ярмарочные и бульварные сцены подготовили ряд новых жанров, которые затем способствовали развитию театра в эпоху Великой французской революции 1789 -1793 гг.	11. Итальянский театр эпохи Просветительства. К. Гоцци и К. Гольдони Несмотря на экономическую и политическую отсталость, Италия отличалась богатством и разнообразием театральной жизни. К XVIII в. Италия обладала лучшим в мире музыкальным театром, в котором различались два вида – серьезная опера и комическая опера (опера буфф). Существовал театр кукольный, повсеместно давались спектакли комедии дель арте. Однако реформа драматического театра назревала давно. В век Просвещения импровизированная комедия уже не отвечала требованиям времени. Нужен был новый, серьезный, литературный театр. Комедия масок в прежнем виде существовать не могла, но ее достижения надо было сохранить и бережно перенести в новый театр. Проникновение идей просветителей в итальянский театр сопровождалось длительной борьбой против формализма и безыдейности на театральной сцене. Новатором в Италии явился замечательный драматург Карло Гольдони (1707 -1793). Он создал новую комедию характеров. Вместо импровизации в основу спектакля был положен литературный текст. Он начал вводить в свои пьесы, полностью написанные и литературно отделанные тексты отдельных ролей и диалогов, и венецианская публика приняла его новшество с энтузиазмом. Впервые он применил этот метод в комедии Момоло, душа общества (1738). Гольдони создал театр характеров, отказавшись от масок, от сценария и в целом от импровизации.	12. Немецкий театр эпохи Просветительства. Творчество немецких драматургов-просветителей. Драматургия Ф. Шиллера, И. В. Гете, И. Лессинго Подлинным творцом немецкого национального театра был виднейший немецкий писатель-просветитель Готхольд-Эфраим Лессинг (1729 -1781). Он создал первую немецкую национальную комедию "Минна фон Барнхольм", антифеодальную трагедию "Эмилия Галотти" и ряд других драматических произведени. Г. Э. Лессинг – создатель социальной драмы, национальной комедии и просветительской трагедии, теоретик театра, основоположник реалистического направления в немецком театре XVIII в. В конце XVIII в. развитие немецкого театра связано с деятельностью великих немецких драматургов И. В. Гете и Ф. Шиллера в Веймарском театре. Здесь впервые в Германии ставились крупнейшие произведения мировой классической драматургии (Гете, Шиллера, Лессинга, Вольтера и др. ), были заложены основы режиссерского искусства, осуществлялся принцип актерского ансамбля, подчиненного единому художественному замыслу. Гете в своей теоретической программе и художественной практике утверждал принципы создания монументального театра, отвечавшего строгим нормам античного искусства. "Веймарская школа" актерской игры была противоположна мангеймской и сближалась с классицистской.
13. Творчество итальянских актеров XIX-нач. XX вв. Томмазо Сальвини и Элеоноры Дузе Основоположником новой школы актерского мастерства стал знаменитый итальянский актер и педагог Густаво Модена (1803— 1861). Героическое, романтически приподнятое искусство Модены сложилось под влиянием идей национально-освободительного движения, в котором он сам принимал непосредственное участие. Среди его учеников великие итальянские актеры Эрнесто Росси (1827—1896) и Томмазо Сальвини (1829—1915). Мировую славу Сальвини принесло исполнение заглавных ролей в великих трагедиях У. Шекспира — "Отелло", "Гамлет", "Макбет", "Король Лир". В написанных написанных специально для него пьесах "Гражданская смерть" Паоло Джакометти и "Самсон" Д'Асте с блеском исполнял роли Коррадо и Самсона. Искусство Томмазо Сальвини считается высшим достижением итальянского и, более того, всего западноевропейского театра XIX века. Романтическую приподнятость, страстность и героический пафос, характерные для школы Густаво Модены, Сальвини сочетал с глубоким психологизмом, собственно, его искусству был присущ скорее реализм. Самой крупной трагической актрисой рубежа веков была легендарная Элеонора Дузе (1858—1924), чье искусство казалось чем-то большим, чем искусство перевоплощения. Она родилась в Ломбардии, в известной актерской семье, а впервые вышла на сцену в 4 года. Актриса покорила не только всю Италию, но и Париж, исполнив главную роль в "Даме с камелиями" А. Дюма-сына. Лучшие роли были сыграны актрисой в современных пьесах. Это Тереза Ракен ("Тереза Ракен" Золя), Маргарита Готье ("Дама с камелиями" Дюма-сына), Анна ("Мертвый город"), Сильвия ("Джоконда") Д'Аннунцио, Нора ("Кукольный дом"), Гедда Габлер ("Гедда Габлер"), Фру Альвинг ("Привидения") Ибсена и др.	14. Творчество французской актрисы XIX в. Сары Бернар Сара Бернар (22 октября 1844, Париж — 26 марта 1923, там же, урождённая Генриетт Розин Бернар — легендарная французская актриса еврейского происхождения, которую в начале XX века называли "самой знаменитой актрисой за всю историю". Закончила драматический класс Высшей национальной консерватории драматического искусства (1862). Работала в театрах "Комеди Франсез", "Жимниз", "Порт-Сен-Мартен", "Одеон". В 1893 приобрела театр "Ренессанс" (англ. ), в 1898 театр на площади Шатле, который получил название "Театра Сары Бернар". Многие выдающиеся деятели театра, например К. С. Станиславский, считали искусство Бернар образцом технического совершенства. Однако виртуозное мастерство, изощрённая техника, художественный вкус сочетались у Бернар с нарочитой эффектностью, некоторой искусственностью игры. Среди лучших ролей: донья Соль ("Эрнани" Гюго), Маргарита Готье ("Дама с камелиями" Дюма-сына), Теодора (одноимённая пьеса Сарду), принцесса Грёза, герцог Рейхштадтский (в одноимённой пьесе и "Орлёнке" Ростана), Гамлет (одноимённая трагедия Шекспира), Лорензаччо (одноимённая пьеса Мюссе). С 1880-х гг. Бернар гастролировала во многих странах Европы и Америки, выступала в России (1881, 1892, 1908-09) в стенах Михайловского театра и в провинции. В 1922 оставила сценическую деятельность.	15. Становление натуралистического театра в европейских странах в концы XIX-нач. XX вв. Движение "свободных театров" (А. Антуан, О. Брам) Главное требование, которое предъявлял к актеру натуралистический театр, заключалось в том, чтобы его переживания были правдивы, искренни и естественны, а для этого ему раньше всего надлежало забыть, что он на сцене, забыть, что он актер. Натуралистический театр, по существу, и не был подлинным театром и никогда не давал законченного произведения сценического искусства. Натуралистическая драма — вторая половина XIX века в наиболее экономически развитых странах Европы отмечена бурным ростом и укреплением капитализма, завладевающего решительно всеми отраслями хозяйства Во Франции натуралистическое направление наиболее полно проявлялось в инсценировках романов Эмиль Золя (1840—1902) и в его пьесе "Тереза Ракен". Андре Антуан (1858—1943) — французский режиссёр театра и кино, теоретик театра. Крупнейший представитель "театрального натурализма", создатель и руководитель "Свободного театра" и "Театра Антуана", воспитатель плеяды талантливых актёров.
16. Эстетика символистского театра. Драматургия, эстетичные взгляды и театральная деятельность М. Метерлинка Символизм (франц. symbolisme, от греч. sýmbolon — знак, символ), европейское литературно-художественное направление конца 19 — начала 20 вв. Оформилось в связи с общим кризисом буржуазной гуманитарной культуры, а также в связи с позитивистской компрометацией реалистических принципов художественного образа у парнасцев, натуралистов и в беллетристическом романе 2-й половины 19 в. Метерлинк родился в 1862 г. в Генте, в зажиточной фламандской семье. Его отец был нотариусом, а мать – дочерью богатого юриста. Семья была франкоговорящей, поэтому Метерлинк позже написал большую часть своих произведений на французском языке. До двенадцати лет Мориса обучали домашние учителя. С 1874 по 1881 г. Метерлинк посещал иезуитский колледж. Мальчик интересовался поэзией, литературой, однако родители настояли, чтобы он изучал право в Гентском университете. Получив в 1885 г. диплом, Метерлинк едет в Париж где знакомится с поэтами-символистами Стефаном Мал и Вилье де Лиль-Аданом. По возвращении в Гент Метерлинк работает юристом, продолжает заниматься литературой. В 1889 г. он выпускает поэтический сборник "Теплицы" и пьесу-сказку "Принцесса Мален". В 1911 г. Метерлинку была присуждена Нобелевская премия "за многогранную литературную деятельность, в особенности за драматические произведения, отмеченные богатством воображения и поэтической фантазией". В 1919 г. Метерлинк женится на актрисе Рене Даон. В последние годы жизни в творчестве Метерлинка преобладают философские эссе и статьи; с 1927 по 1942 г. вышло 12 томов его сочинений, наиболее интересным из которых является "Жизнь термитов" (1926), иносказательное осуждение коммунизма и тоталитаризма. В 1932 году король Бельгии пожаловал писателю титул графа. B 1939 г., когда нацистская Германия угрожала Европе, Метерлинк переехал в Португалию, а затем в Соединенные Штаты, где он прожил всю войну и вернулся в Ниццу в свой особняк "Пчельник" в 1947 г. Метерлинк умер 6 мая 1949 г. от сердечного приступа.	17. Эпический театр Б. Брехта Бертольт Брехт (1898–1956) родился в Аугсбурге, в семье директора фабрики, учился в гимназии, занимался медициной в Мюнхене и был призван в армию как санитар. Песни и стихотворения молодого санитара привлекали внимание духом ненависти к войне, к прусской военщине, к немецкому империализму. В 20–е годы Брехт обращается к театру. В Мюнхене он становится режиссером, а затем и драматургом городского театра. В 1924 г. Брехт переселяется в Берлин, где работает в театре. Он выступает одновременно как драматург и как теоретик — реформатор театра. Уже в эти годы в своих решающих чертах сложилась эстетика Брехта, его новаторский взгляд на задачи драматургии и театра. Свои теоретические взгляды на искусство Брехт изложил в 20–е годы в отдельных статьях и выступлениях, позднее объединенных в сборник "Против театральной рутины" и "На пути к современному театру". Позднее, в 30–е годы, Брехт систематизировал свою театральную теорию, уточняя и развивая ее, в трактатах "О неаристотелевской драме", "Новые принципы актерского искусства", "Малый органон для театра", "Покупка меди" и некоторых других. Новаторство Брехта проявилось и в том, что он сумел сплавить в нерасторжимое гармоническое целое традиционные, опосредованные приемы раскрытия эстетического содержания (характеры, конфликты, фабула) с отвлеченным рефлексирующим началом. Что же придает удивительную художественную цельность, казалось бы, противоречивому соединению фабулы и комментария?	18. Русский театр I половины XIX в. А. С. Пушкин и театр Русский театр I половины XIX в. Начало XIX в. — это годы героической борьбы русского народа с армиями Наполеона. На русской сцене того времени с огромным успехом идут пьесы, зовущие на борьбу за отечество, прославляющие подвиги героев во имя Родины. Наибольшей популярностью пользовались трагедии В. А. Озерова. А. С. Пушкин и театр. Пушкин в театре А. С. Пушкин внес огромный вклад в русскую литературу, особенно в поэзию, возможно, ему просто не хватило времени, чтобы вплотную заняться драматургией. В распоряжении театрального режиссера имеются только Борис Годунов (1825) и Маленькие трагедии (1830), а также 2 незаконченные работы - Русалка (1832) и Сцены из рыцарских времен (1835). Однако эту несправедливость по отношению к великому поэту исправили русские композиторы и либреттисты. Одно из самых удачных воплощений поэзии Пушкина в русской музыке 20 века мы находим у Г. Свиридова в хоровом цикле Пушкинский венок.
19. М. В. Гоголь и театр Николай Васильевич Гоголь (фамилия при рождении Яновский, с 1821 года Гоголь-Яновский; 20 марта (1 апреля) 1809, Большие Сорочинцы, Полтавская губерния — 21 февраля (4 марта) 1852, Москва) — великий русский писатель, драматург, поэт, критик, публицист. Постановки Гоголя. Первая постановка "Женитьбы" в Александринском театре в 1842 году закончилась шиканьем. "Мертвые души" получили по преимуществу отрицательную оценку критики, но понравились зрителям. Сначала Гоголь и его друзья очень долго не могли добиться разрешения на постановку "Ревизора". Жуковский убеждал царя, что "в комедии нет ничего неблагонадежного, что это только веселая насмешка над плохими провинциальными чиновниками".. Реакция на "Ревизора" была очень разной. Но при этом у большинства зрителей она вызывала недоумение. Огорчила Гоголя "немая сцена". "Она совершенно не вышла. Занавес закрывается в какую-то смутную минуту, и пьеса, кажется, как будто не кончена". Но главная причина недовольства Гоголя заключалась даже не в фарсовом характере спектакля – стремлении рассмешить публику, - а в том, что при карикатурной манере игры сидящие в зале воспринимали происходящее на сцене без применения к себе, так как персонажи были утрированно смешны. Между тем замысел Гоголя был рассчитан как раз на противоположное восприятие: вовлечь зрителя в спектакль, дать почувствовать, что город, обозначенный в комедии, существует, не где-то далеко, а в той или иной мере в любом месте России. Гоголь обращается ко всем и каждому. В этом заключено громадное общественное значение "Ревизора". В этом и смысл знаменитой реплики городничего: "Чему смеётесь? Над собой смеётесь!" - обращенной именно к залу, потому что на сцене в это время никто не смеётся.	20. Творчество актеров Московского Малого театра П. Мочалава и Н. Щепкина Малый театр, старейший русский драматический театр в Москве, сыгравший выдающуюся роль в развитии национальной культуры. Но подлинный взлет сценического искусства Малого театра связан с творчеством П. С. Мочалова и М. С. Щепкина – корифеев московской сцены. МОЧАЛОВ, ПАВЕЛ СТЕПАНОВИЧ (1800–1848), актер Московского Малого театра, русский трагик романтического направления. Родился 3 октября 1800 в Москве. Родители сначала были актерами крепостного театра, затем отец стал премьером Московского театра и в 1806 вся семья была выкуплена на волю. Шестнадцатилетним юношей обнаружил "необыкновенный талант, бездну огня и чувства" (по словам С. Т. Аксакова). Дебют состоялся в 1817 в роли Полиника в трагедии Эдип в Афинах В. Озерова. Это была пьеса с четкими канонами классицизма, еще сохранявшего свои позиции на русской сцене. Актер сполна отдал дань этому направлению, сыграв в трагедиях Танкред М. Вольтера, Фингала в одноименной пьесе В. Озерова и других пьесах. Но именно Мочалову предстояло полностью преодолеть эти устаревающие каноны. ЩЕПКИН, МИХАИЛ СЕМЕНОВИЧ (1788–1863), русский актер. Родился 6 ноября 1788 в с. Красное Обоянского уезда Курской губернии в семье крепостных графа Г. С. Волькенштейна. В 1800 году во время учебы в Судженском народном училище (1799–1801) Щепкин исполнил роль слуги Розмарина в комедии А. П. Сумарокова Вздорщица, в 1801–1802 играл на домашнем театре графа Волькенштейна, в том числе Актера (роль "с трансформацией") в комедии Н. Р. Судовщикова Опыт искусства, Степана-сбитенщика и помещика-галломана Фирюлина в комических операх Я. Б. Княжнина Сбитенщик и Несчастье от кареты. В 1822 Щепкин с семьей был освобожден от крепостной зависимости. Богатейшие жизненные наблюдения Щепкина нашли отражение в русской литературе: его устные рассказы были учтены Гоголем, Герценом, Сухово-Кобылиным, Н. А. Некрасовым и др. Традиции актерской игры и отношения к театру и театральному искусству, заложенные Щепкиным, имели огромное значение для развития искусства Малого театра, за которым утвердилось неофициальное наименование "Дом Щепкина". Вплоть до середины 20 в. в нем играли прямые потомки М. С. Щепкина. Имя Щепкина носит театральная школа при Малом театре. Умер Щепкин в Ялте 11 (23) августа 1863.	21. Русский театр и драматургия II половины XIX ст. А. Островский и театр Александр Николаевич Островский (31 марта (12 апреля) 1823 — 2 (14) июня 1886) — русский драматург, член-корреспондент Петербургской Академии наук. Пьесы Островского не сходят со сцены. Многие его произведения были экранизированы или послужили основой создания кино- и телесценариев. К числу экранизаций, наиболее популярных в России, относится комедия Константина Воинова "Женитьба Бальзаминова" (1964, в главной роли — Г. Вицин). Большую популярность завоевал кинофильм "Жестокий романс", снятый Эльдаром Рязановым по мотивам "Бесприданницы" (1984). В 2005 году режиссёр Евгений Гинзбург получил главный приз (Гран-при "Гранатовый браслет") одиннадцатого Российского фестиваля "Литература и кино" (Гатчина) "за невероятную до изумления трактовку великой пьесы А. Н. Островского "Без вины виноватые" в фильме "Анна" (2005, сценарий Г. Данелия и Рустама Ибрагимбекова; в главной роли — оперная певица Любовь Казарновская). С появлением на сцене пьес великого русского драматурга А. Н. Островского в истории русского театра наступает новая эпоха.
22. Актерское мастерство XIX - нач. XX вв. Династия Садовских, Н. Ермолова (Московский Малый театр) Садовские, семья русских актёров, внёсшая большой вклад в развитие русского сценического реализма, неразрывно связанная со становлением и развитием его нового этапа, определяемого появлением драматургии А. Н. Островского. Пров Михайлович Садовский (настоящая фамилия — Ермилов) [11(23). 10. 1818, Ливны, — 16(28). 7. 1872, Москва]. После смерти отца воспитывался братьями матери, видными провинциальными актёрами — Г. В. и Д. В. Садовскими (отсюда псевдоним Садовские. Ольга Осиповна Садовская (урожденная Лазарева) [13(25). 6. 1849, Москва, — 8. 12. 1919, там же], жена Михаила Прововича Садовского. Елизавета Михайловна Садовская [23. 4(5. 5). 1872, Москва, — 4. 6. 1934, там же], дочь Ольги Осиповны и Михаила Прововича Садовских. По сцене (при жизни матери) Садовская 2-я. В 1894, по окончании драматических курсов при Московском театральном училище, была принята в Малый театр. Пров Михайлович Садовский [9(21). 8. 1874, Москва, — 4. 5. 1947, народный артист СССР (1937). Сын Ольги Осиповны и Михаила Прововича Садовских. Окончил драматические курсы Московского театрального училища (учителя — А. П. Ленский и М. П. Садовский), с 1895 в труппе Малого театраВ Малом театре сейчас играют (1975): сын Прова Михайловича Садовская Пров Провович Садовский (р. 1926) и племянник Прова Михайловича — заслуженный артист РСФСР (1949) Михаил Михайлович Садовский. Мария Николаевна Ермолова (1853 — 1928) — русская актриса. Заслуженная артистка Императорских театров (1902). Народная артистка Республики (1920). Герой труда (1924). Муж - Николай Петрович Шубинский(1853 — 1921) —депутат Государственной Думы III и IV созывов, известный московский присяжный Мария Ермолова родилась в Москве 3 (15) июля 1853 года в семье суфлёра Малого театра Н. А. Ермолова; дед Алексей Семенович Ермолов был в свое время крепостным скрипачом князей Волконских, получив вольную, поступил в театр гардеробмейстером. Увлекшись театральным искусством, он и своих детей устроил на то же поприще. Его сын Николай Алексеевич, прежде чем стать суфлёром, был драматическим артистом и автором нескольких водевилей, шедших на сценах Московской императорской труппы, однако известно, что особым талантом его творчество не отмечалось. В 1862 году Мария поступила в балетный класс Московского театрального училища. Однако способностей к балету она не обнаружила. В то же время, участвуя в массовых сценах балетов, опер и драматических спектаклей, Ермолова становилась свидетельницей творчества крупнейших мастеров сцены. В свободные вечера ученицы училища разыгрывали спектакли, в которых раскрывалось большое драматическое дарование Ермоловой.	23. Творчество М. Совиной и В. Комиссаржевской Великая русская актриса М. Г. Савина родилась 30 марта (11 апреля) 1854 года в городе Каменец-Подольске в семье учителя Г. Н. Подраменцева, который впоследствии стал посредственным провинциальным актером и выступал под сценическим псевдонимом Стремлянов. Этот же псевдоним использовала и ее мать, также актриса, М. П. Подраменцева (Стремлянова). Восприимчивая к музыке, пластике, ритму Савина вдохновенно пела и танцевала в опереттах Оффенбаха, водевилях, играла в незатейливых комедиях скромных девушек в ситцевых платьях и платочках, органично перекочевавших с провинциальных подмостков на сцену Александринского театра. Для императорского столичного театра того времени, находившегося в кризисе, Савина оказалась находкой. Актриса рассматривала современную героиню, как женщину расчета и позы, эгоистических страстей и надлома. В 1880-1890 годах Савина сыграла в нескольких современных пьесах: Ольгу Ранцеву (Б. М. Маркевич "Чад жизни"), Елену Протич (М. И. Чайковский "Симфония"), Нину Волынцеву (А. И. Сумбатов-Южин "Цепи"), Татьяну Репину (А. В. Суворин "Татьяна Репина"). В. Комиссаржевская. Вера Фёдоровна Комиссарже́вская (27 октября (8 ноября) 1864 - 10 (23) февраля 1910) — русская актриса. Вера Фёдоровна Комиссаржевская (до революции её фамилию писали Коммиссаржевская) родилась в Петербурге 8 ноября (27 октября по старому стилю) 1864 года в семье русского артиста оперы и музыкального педагога Ф. П. Коммисаржевского. В 1891 году в Санкт-Петербурге Комиссаржевская впервые выступила на любительской сцене в Морском собрании Флотского экипажа в роли Зины (пьеса "Горящие письма" П. П. Гнедича). Весной 1908 Вера Комиссаржевская совершила гастрольную поездку в Америку. Несмотря на успех этих гастролей, актрису не покидают сомнения, неудовлетворенность, доходящая до отчаяния. 8 февраля 1909 Комиссаржевская, в последний раз выступив перед петербургской публикой, отправилась в длительное турне по России. 10 ноября в письме из Ташкента, обращенном к труппе, объявила о своем уходе из театра. Там же заразилась черной оспой, ставшей причиной ее смерти. Она скончалась 23 февраля 1910 года. Умерла Комиссаржевская в Ташкентеот оспы во время своих гастролей 10 февраля (23 февраля по новому стилю) 1910 года. Творчеству Веры Фёдоровны посвящён фильм "Я — актриса" (1980, режиссёр Виктор Соколов).	24. Русский театр на границе XIX - XX вв. А. П. Чехов и театр Для театра 19 века были характерны громкие, полные страсти монологи, эффектные положения, подготавливающие театральные уходы, то есть эффектно завершив свою сцену актер подчеркнуто театрально удалялся вызывая рукоплескание зала. Два великих события в театральной жизни знаменуют собой конец 19 века – рождение драматургии Антона Павловича Чехова и создание Художественного театра. В первой же пьесе Чехова "Иванов" обнаружились новые черты: отсутствие деления персонажей на героев и злодеев, неспешный ритм действия при огромной внутренней напряженности. В 1895 году Чеховым была написана большая пьеса "Чайка". Однако спектакль, поставленный по этой пьесе Александрийским театром провалился. Чехов нередко зарекался писать для театра, но он не мог не возвращаться к нему. Характерно также и то, что жанр водевиля он предпочитал "высоким" жанрам театра. Известно: "Вишневый сад" Чехов задумал как четырехкратный водевиль, где "черт будет ходить ходуном". Сегодняшний театр переживает настоящий чеховский бум. Нет, наверное, такой сцены, где не шли бы "Три сестры", "Чайка", "Вишневый сад", "Дядя Ваня". Чехов абсолютно органичен сознанию человека начала XXI столетия. Бесчисленные театральные и киношные трактовки, чеховские фестивали, мучительные поиски образов — таков новый Чехов сегодня. Не менее новый и не менее сложный, чем при жизни. Его камерные, дачные сюжеты и разговоры оказались интересны и актуальны. Он все терпит: любые подмостки, любых актеров и режиссеров — все, кроме дурного вкуса.
25. Русский театр II половины XIX - начала XX вв. Режиссёрская деятельность К. Станиславского и В. Немировича-Данченко Новое столетие для русского театра началось раньше календарного. 22 июня 1897 г. в московском ресторане "Славянский базар" встретились два человека. Никто даже не мог предположить, что это событие откроет новую эру в искусстве сцены. Драматург и театральный критик Владимир Иванович Немирович Данченко (1858-1943) написал короткую записку. Послание адресовалось сыну одного из наиболее влиятельных московских купцов - Константину Сергеевичу Алексееву (псевдоним Станиславский, 1863- 1938). Ключевыми понятиями в работе над ролью и спектаклем стали определения "действенного анализа", "сквозного действия" (и "контрсквозного действия", опирающегося на конфликт, как основополагающую видовую особенность театрального искусства), а также "сверхзадачи". Действенный анализ роли означает выстраивание последовательной линии комплекса психофизических действий актера на протяжении спектакля, основанный не просто на сюжете пьесы, но на сближении и взаимопроникновении индивидуальностей актера и персонажа ("я в предлагаемых обстоятельствах"). Сквозное действие – логическая цепочка, непрерывное действие в смысловой перспективе спектакля. Контрсквозное действие (или контрдействие) осуществляется либо в столкновении персонажей, либо в преодолении героем своих внутренних противоречий.	26. Московский Художественный театр (организация и первое десятилетие театра) Создан в 1898 г. К. С. Станиславским и Вл. И. Немировичем-Данченко под названием Московский Художественный театр (МХТ), с 1919 г. — академический (МХАТ). Открылся 14 октября 1898 спектаклем "Царь Фёдор Иоаннович" А. К. Толстого в здании театра "Эрмитаж" (Каретный ряд, 3). С 1902 располагался в Камергерском переулке, в здании бывшего Лианозовского театра, перестроенного в том же году (архитектор Ф. О. Шехтель). Началом Художественного театра считают встречу его основателей Константина Сергеевича Станиславского и Владимира Ивановича Немировича-Данченко в ресторане "Славянский базар" 19 июня 1897 года. Имя "Художественно-Общедоступного" театр носил недолго: уже в 1901 году из названия было убрано слово "общедоступный", хотя ориентация на демократического зрителя оставалась одним из принципов МХТ. В 2001 году была открыта третья — Новая — сцена театра, предназначенная специально для экспериментальных постановок. В 2004 году театр вернулся к первоначальному названию — Московский Художественный театр (МХТ), исключив из наименования слово Академический.	27. Режиссерская деятельность В. Мейерхольда. Концепция "условного театра" Всеволод Эмильевич Мейерхольд (28 января (9 февраля) 1874, Пенза — 2 февраля 1940, Москва) — российский и советский режиссёр и актёр, народный артист Республики (1923), представитель символизма. Настоящее имя — Карл Казимир Теодор Майергольд. В 1898 году окончил училище и вместе с другими выпускниками (О. Л. Книппер, И. М. Москвин) вступил в труппу создаваемого Московского художественного театра. УСЛОВНЫЙ ТЕАТР, термин, обозначающий художественное направление в театральном творчестве, возникшее на рубеже 19–20 вв. – в противовес реалистическому и особенно – натуралистическому театру. Рубеж 19–20 вв. – время особенно бурного развития театрального искусства – как его практики, так и теории. Театр стоял на принципиальном переломе своей художественной деятельности: появилась и проходила этап своего становления новая театральная профессия – режиссер. Театр как вид искусства, приобретал нового автора своих произведений; автора, в 20 в. занявшего место лидера, объединяющего и формирующего все многочисленные компоненты спектакля. Театр Мейерхольда (по определению советского театроведа Б. Алперса – "театр социальной маски") полностью базировался на его постоянно развивающейся концепции условного театра. Знаковость символистского обобщения органично обернулась публицистическим, агитационно-политическим наплавлением его постановок – собственно, здесь поменялась идеологическая, но не эстетическая составляющая спектаклей (Мистерия-Буфф, позже – Клоп и Баня Маяковского; Зори Верхарна; Земля дыбом Подгаецкого; Д. Е. Мартине и Третьякова; Командарм 2 Сельвинского и др. ). В подобных спектаклях Мейерхольд по-прежнему добивался гротескного заострения, гиперболизации, яркости сценических метафор – основополагающих средств выразительности условного театра.
28. Творчество Е. Вахтангова Евгений Багратионович Вахтангов (1 (13) февраля 1883(18830213), Владикавказ — 29 мая 1922, Москва) — советский актёр, режиссёр театра, основатель и руководитель (с 1913 года) Студенческой драматической (в дальнейшем "Мансуровской") студии, которая в 1921 году стала 3-й Студией МХТ, а с 1926 года — Театром им. Евгения Вахтангова. Евгений Багратионович был глубоко захвачен теми безграничными перспективами, какие раскрывали перед ним великие учителя – Станиславский и Немирович-Данченко. В 1919 году Вахтангов возглавил режиссёрскую секцию Театрального отдела (Тео) Наркомпроса. Метод его работы раскрепощал творческие индивидуальности молодых актеров и создавал тем самым атмосферу для коллективного творчества	29. Советский театр 1920-х гг. Театры им. Е. Вахтангова, им. У. Маяковского, им. Моссовета В Большом театре появились оперы и балеты на исключительно советские сюжеты; была создана высококлассная школа классического балета; шли интересные пьесы талантливых советских авторов на драматических сценах; новые имена актеров, режиссеров, танцоров, балетсейстеров, певцов, эстрадных исполнителей заняли высокое место в истории русского театра; появилась советская театральная аналитика, театроведение, стал выходить журнал "Театр". В конце 1913 года группа совсем молодых московских студентов организовала Студенческую драматическую студию, решив заниматься театральным искусством по системе Станиславского. Руководить занятиями согласился Евгений Багратионович Вахтангов, тридцатилетний актер и режиссер Художественного театра, уже составивший себе репутацию лучшего педагога по "системе" Станиславского. Начать решили сразу со спектакля — выбрали пьесу Б. Зайцева "Усадьба Ланиных", написанную в мягких, чеховских тонах. Осенью 1914 года Студия уже обосновалась в небольшой квартире в Мансуровском переулке на Остоженке (тогда и стали называть ее — "Мансуровской").	30. Советский театр II половины ХХ в. Театры "Современник", "Ленком", Театр на Таганке и др. Становление и развитие советского театрального искусства, как составляющего элемента духовной сферы жизни общества является отражением социальных и политических процессов, которые происходили в первые десятилетия советской власти. Революционные преобразования, затронувшие все сферы общественной жизни, отразились и на социальных функциях театрального искусства. Из вида самостоятельного искусства театр превратился в орудие массового идеологического воспитания, стал мощным фактором формирования и распространения в массах нового социалистического мировоззрения. Советский театр II половины ХХ в. , формируясь как дополнительное средство пропаганды советско-партийной идеологии, в ходе своего развития в первые десятилетия советской власти, претерпел ряд существенных изменений, коснувшихся как его структурной организации, так и художественных форм. Театр на Таганке – знаменитый российский театр. Годом рождения театра можно считать 1964 год, когда в Московский театр драмы был назначен главным режиссером Юрий Петрович Любимов. Визитной карточкой нового театра стал спектакль "Добрый человек из Сезуана". Зрителей привлекала атмосфера открытости, честности, острое дыхание современности. Лучшие актеры Таганки того периода – яркие, неординарные личности. Это Владимир Высоцкий, Валерий Золотухин, Алла Демидова. Театр знакомил зрителя с лучшими произведениями мировой драматургии, а каждый спектакль становился праздником. Но главными уроками Таганки были уроки внутренней свободы. У Таганки была трудная судьба. Власти пытались давить на Любимова, чтобы принудить его к большей лояльности. Режиссёр вынужден был уехать за границу. Вернулся он в начале перестройки. Главным делом жизни для него стало возрождение любимого детища. Он добился возвращения в репертуар ранее запрещенных спектаклей "Борис Годунов", "Живой", "Владимир Высоцкий", сумел вернуть театру былую славу. Сейчас Любимов полон творческих планов. Его окружает молодежь, способная воплотить в жизнь самые смелые режиссерские идеи. Ленком на Малой Дмитровке – любимый многими театр, прославившийся великими драматургами, талантливыми актерами, смелыми постановками и неиссякаемым творчеством. Ленком находится в здании, построенном ещё в 1909 году. Но театр прочно обосновался здесь лишь в 1938 году. Сначала он назывался Театром имени Ленинского комсомола и был переименован в Ленком в 1990 году. Его художественным руководителем стал Марк Анатольевич Захаров. Свою историю Ленком ведёт от созданного в 1927 году ТРАМа (Театр рабочей молодежи).
31. Народные истоки белорусского театра (театральные элементы в играх, обрядах, игрищах; скоморохи, вертеп, народная драма).Белорусское сценическое искусство зародилось в то время, когда человек начал осознавать свое место в окружающем мире. Истоками послужили на родные верования, ритуалы, обряды. Сначала в обрядах, хороводах, народных играх принимали участие все, без разделения на актеров и зрителей. Разделение началось с достижения определенного уровня цивилизации, когда возникла необходимость в опытных мастерах, специалистах своего дела. Первыми профессиональными белорусскими актерами были скоморохи, которые до XI века назывались по-разному: гудцы, плясцы. В их творчестве синтезировались все виды сценического искусства - драматическое, музыкальное, вокальное, танцевальное, цирковое, эстрадное. Традиции скоморохов, которые выступали в разных формах фольклорного театра, дожили до XX века. Широкое распространение с начала XVI века получил школьный театр. Многогранной выдалась театральная жизнь в XVIII веке. В этот период были основаны многие частные, городские и крепостные театры. 13 июня 1746 года в Альбе под Несвижем была сыграна комедия В. Радивила "Дасцiпнае каханне", ровно на десять лет раньше, чем появился первый спектакль в Ярославле "отце русского театра" Ф. Волкова. стилистические интерпретации, обогащалась образная палитра спектаклей. В 90-х годах возможность самовыражения переросла в создание альтернативных театров. Сегодня в Беларуси систематично проводятся фестивали, конкурсы, смотры сценического искусства. В Гомеле фестиваль "Славянскiя тэатральныя сустрэчы" из регионального перерос в международный. Международный фестиваль "Белая вежа" проводится в Бресте. Показ спектаклей малых форм проходит в Молодечно на фестивале "Маладзечанская сакавiца". В Минске периодически организовываются международные фестивали кукольных театров, а также драматических моноспектаклей. Вместе с этим белорусские коллективы все чаще участвуют в фестивалях, которые проводятся в Англии, Германии, Польше, Испании.	32. Школьный театр Беларуси В 17 веке Беларусь занала только один тип театральных зрелищ — школьные. Они сохраняются и в 18 веке. В Минской губернии возник театр при иезуитском коллегиуме. Он был польского происхождения и стал средством борьбы католицизма против православья и лютеранства. Сюжеты для театра заимствовались из Библии и Евангелия, а спектакли ставились исключительно на религиозные темы. Они проходили на торжественных школьных актах или по случаю политических праздников. Школьные религиозные драмы-моралите и комедии ставились в Несвиже, Новогрудке, Минске, Бресте, Забелах, Жировичах, Жодишках и других городах и местечка Беларуси. Однако со второй половины 16 века начинается упадок школьного театра. Вместе с закрытием иезуитских колледжей (1773) остановились иезуитские школьные зрелища. В бедных пиарских и базилианских колледжах представления устраивались редко. В конце 18 века в Беларуси существовал только одни школьный театр — в доминиканском колледже в Забелах (под Полоцком), где местные авторы (К. Марашевский, М. Тетерский, И. Юревич) писали для учеников трагедии, комедии, оперетты и орации на польском и белорусском языках.	33. Деятельность частнособственнических театров ХVІІІ ст. в Несвиже, Слуцке, Слониме, Гродно, Шклове С середины 18 века, на волне Просвещения начинают бурно развиваться частнособственнические (предворные) театры (Гродно, Несвиж, Слуцк, Слоним, Ружаны, Шклов, Чечерск и др. ). На их сценах выступали как профессиональные актеры (французские, итальянские, польские, немецкие), так и местные любители (из кадетов, слуг), дети крепостных крестьян, которые проходили основательную подготовку под руководством зарубежных специалистов (в гродненской театрально-художественной школе А. Тизенгауза преподавались французский и итальянский языки). Потом крепостные актеры с успехом выступали на петербургской, варшавской, гродненской и львовской сценах. Рядом с театром находились флигели, в которых жили "артисты оперы, комедии и оркестра, с танцмайстерами и танцовщицами, которых выучил тут из моих крепостных пан Путини, итальянец". Кроме того, в Слуцке был "портативный, переносной театр, в котором играли марионетки (куклы — Авт. ), но так натурально, что выглядели не куклами, а живыми существами, очень богато одетыми". В 1759 году в "комедихаузе" устроили богатые представления в связи с приездом польского королевича. Однако это были последние дни слуцкого театра. В 1760 году его ограбили, содрали даже бархат с лавок, а в следующем году, после смерти князя, декорации ("кони, львы, слоны, корабли и трон") перевезли, прикрыв дерюжками, в Несвиж.
34. Белорусский театр ХІХ в. Драматургия и театр В. Дунина-Марцинкевича Винцент Дунин-Марцинкевич (4 февраля 1808, фольварк Панюшковичи, Бобруйский уезд, Минская губерния — 21 декабря 1884, д. Люцинка, Минский уезд, Минская губерния) — белорусский писатель и драматург, классик белорусской литературы. Дунин-Марцинкевич писал на польском и белорусском языке. В центре его художественных зарисовок стоит белорусская деревня, ее быт. Отсюда его внимание к белорусскому фольклору; поэт красочно воспроизводит белорусские обряды (купальская ночь, дожинки, "дзяды", свадьба и т. п. ). Театр Дунина-Марцинкевича - первый белорусский национальный театр современного типа, который объединил все виды сценического искусства - драматический, музыкальный, вокальный и танцевальный. Он был центром демократической культуры и наследовал традиции народного сценического искусства. Подготовительная работа по его созданию велась с 1840 года. Организован театр Винцентом Дуниным-Марцинкевичем. Существовал он в 40-50-е годы XIX века. Открылся Театр Дунина-Марцинкевича 9 февраля 1852 года спектаклем "Селянка", после первого показа этого спектакля деятельность коллектива была запрещена царскими властями, и до 1856 года он работал фактически нелегально. В труппу театра входили сам писатель Викентий Иванович, члены его семьи, соседи, знакомые, участвовали ученики его школы и крестьяне. Театр пробуждал национальное самосознание зрителей, оставил значительный след в истории белорусского сценического искусства, содействовал становлению и развитию профессионального театрального искусства в Беларуси.	35. Первая белорусская труппа И. Буйницкого Театральная жизнь в Беларуси в начале XX века была связана с деятельностью Первой белорусской труппы Игната Буйницкого. Первоначально театр был создан как любительский в родном селе, где проводились "белорусские вечеринки", а позднее он превратился в профессиональный, а сам Буйницкий считается создателем ("бацькам") белорусского профессионального театра. Гастроли театра, в том числе в Вильне, Варшаве, Петербурге, пользовались у зрителей большим успехом. Также в Вильне на любительских основах действовал Игнат Буйницкий – выдающийся самородок на ниве белорусского искусства. В своей музыкально-театральной деятельности он продолжал развивать на более высоком профессиональном уровне традиции театра В. Дунина-Марцинкевича. Он широко пропагандировал музыкальное творчество народа, его песни и танцы, стремился к созданию синтетического театра, в котором, кроме драматического искусства, были бы представлены хоровое пение и народная хореография. В репертуар театра И. Буйницкого входили популярные пьесы белорусских и украинских драматургов. С большим успехом театр показывал произведения М. Крапивницкого "По ревизии" и "Пошились в дурни", Э. Ожешко "Хам" и "В зимний вечер", К. Каганца "Модный шляхтич".	36. Творчество В. Голубка - драматурга, актера, режиссера Голубок Владислав Иосифович, также известен под фамилиями Голуб, Голубев (3 (15) мая 1882 — 1937) — советский актёр, режиссёр, белорусский писатель, крупный театральный деятель, драматург, художник, декоратор, пейзажист, первый народный артист Белорусской ССР, один из основателей белорусского национального театра, художественный руководитель и директор Белорусского государственного театра. С 1906 занимался литературной деятельностью. В 1917—20 актёр и режиссёр "Первого товарищества белорусской драмы и комедии". В 1920 создал театр, называвшийся "Труппой Голубка", в задачу которого входило художественное обслуживание районов республики (впоследствии Белорусский передвижной театр, 1926—32, 3-й Белорусский государственный театр, 1932—37). В. Голубка автор сборника "Рассказы" (1913), ок. 40 драм и комедий на исторические, историко-революционные и бытовые темы, ставившихся в белорусских театрах: "Последняя встреча", "Писаревы именины" (обе поставлены в 1917), "Невинная кровь" (1918), "Безродный" (1919), "Ганка" (1921), "Суд" (1920), "Душегубы" (1921), "Пан Сурынта", "Плотогоны" (обе в 1923), "Пинская мадонна" (1927) и др. Был ярким исполнителем драматических и характерных ролей: Овечка ("Суд"), Сурынта ("Пан Сурынта"), Гусак ("Диктатура" Микитенко), Андрон ("Мой друг" Погодина) и др. Ставил и оформлял как художник все свои пьесы в возглавляемом им театре. Драматургическое, режиссёрское и актёрское творчество его является связующим звеном между дореволюционным и советским белорусским театром. Воспитал многих белорусских актёров: (В. И. Дедюшко, А. А. Згировский, К. Ф. Былич и др. ).
37. Я. Купала и белорусский театр Янка Купала (настоящее имя Ива́н Домини́кович Луце́вич, белор. Іва́н Даміні́кавіч Луцэ́віч) (1882—1942), белорусский советский поэт, драматург, публицист. Классик белорусской литературы (в том числе и белорусской советской). Народный поэт БССР (1925). Академик АН БССР (1928) и АН УССР (1929). Лауреат Сталинской премии первой степени. Первые произведения Купалы — несколько лирических стихотворений на польском языке, опубликованы в 1903—1904 годах в журнале "Ziarno" ("Зерно") под псевдонимом "К-а". Первое стихотворение на белорусском языке — "Мая доля" (датируется 15 июля 1904 года) в газете "Северо-Западный край". После этой публикации Купала начал систематически появляться в печати; стихотворение "Мужик", опубликованное в этом же году, можно считать его успешным литературным дебютом и началом восхождения на литературный белорусский олимп. Его ранние стихи типичны для фольклора в белорусской поэзии XIX века.	38. Национальный академический театр имени Я. Купала Национальный академический театр имени Янки Купалы, старейший театр Беларуси, по праву является Первой сценой республики. Торжественное открытие первого в стране государственного театра состоялось 14 сентября 1920 года. Ещё более давнюю историю имеет здание Минского губернского театра, построенное по проекту архитекторов Караля Козловского и Константина Уведенского в 1890 году с помощью пожертвований граждан. Широкая репертуарная палитра театра имени Янки Купалы включает в себя современные пьесы, жанровые постановки, русскую и зарубежную классику. Особую роль играет национальная драматургия, на основе которой созданы лучшие спектакли: "Павлинка" Янки Купалы, поставленный в 1944 году и являющийся визитной карточкой Купаловского театра, "Сымон-музыка" Якуба Колоса, "Черная панна Несвижа" и "Вечер" Алексея Дударева, "Дикая охота короля Стаха" Владимира Короткевича, "Баллада о любви" по повести Василя Быкова "Альпийская баллада и многие другие. Сегодня Национальный академический театр имени Янки Купалы - символ белорусской театральной культуры, источник национальной драматургии и смелого художественного поиска, сокровищница театральных талантов.	39. Творчество актеров Национального театра имени Я. Купала (по выбору) На сцене театра работают ведущие мастера белорусской сцены, гордость театрального искусства: народные артисты СССР, Лауреаты Государственных премий СССР, БССР и Республики Беларусь, народные и заслуженные артисты Беларуси. Третью часть купаловской труппы складывает талантливая молодежь. Рассмотрим: Адамчиков Павел Геннадьевич. Родился 3. 2. 1970. Работает в театре с 2002 года. Первые роли: Пэк ("Сон в чародейную ночь посредине лета" В. Шекспира), Сэмуэл ("Удивительная миссис Сэвидж" Дж. Патрика), Ратник ("Князь Витовт" А. Дударева), Солдат ("Здешние" Я. Купола).
40. Современный белорусский театр. Анализ деятельности и репертуара белорусских театров (по выбору) Белорусский профессиональный театр развился из древних народных обрядов, творчества бродячих музыкантов, придворных трупп белорусских магнатов, деятельности любительских коллективов рубежа XIX–XX вв. В настоящее время в стране работает 28 государственных театров, большое количество самодеятельных народных коллективов, в т. ч.: кукольные театры, драматические театры, музыкальные театры. Самым прославленным театром республики является Национальный академический театр им. Янки Купалы. Национальный академический театр им. Янки Купалы (далее театр им. Янки Купалы) — старейший белорусский театр. Здание театра было заложено в 1888 году, прародителем труппы стало Первое белорусское общество драмы и комедии, созданное Флорианом Ждановичем. Официальное открытие Белорусского государственного театра прошло 14 сентября 1920 года.