24 Особенности итальянского дизайна, стиль Оливетти.

Склонность итальянской художественной культуры к авангардным формам, выразившаяся в движении

футуристов, получила новый расцвет после второй мировой войны.

Известнейшими итальянскими послевоенными продуктами были «Веспа»-роллер и «Фиат-500». Вскоре

мебель и мода стали популярными итальянскими экспортными продуктами.

Особенно заметно взаимодействие становилось в мебельной промышленности художественной

креативности и традиций небольших гибких семейных предприятий, и "радость эксперимента" привела в

итоге к динамичным и индивидуальным формам. Абстрактные динамичные формы современного искусства

стали образцами дизайна кресел или столов

Выдающиеся примеры синтеза искусств создавал Карло Моллино, которого назвали "Итальянский Гауди".

Со своей экспрессивно волнообразной мебелью из гнутой фанеры он стал экстравагантным представителем

органического стиля в Италии. Его фантастические формы в стиле "туринского барокко" или

"аэродинамического сюрреализма" Наряду с мебелью Моллино проектировал самолеты и автобусы. Если

50-е годы были периодом экономического "взрыва", то в 60-е итальянское экономическое чудо достигло

своего апогея.. После восстановления экономики стремительное развитие получила техника. Число

электрических бытовых приборов, телевизоров, стереоаппаратуры и т. д. постоянно возрастало В отличие от

50-х, итальянский дизайн спустя десятилетие интенсивного экономического развития страны был уже не

столько направлен на искусство, сколько на науку, технику и современные методы производства.

В Италии, аналогично германской "хорошей форме" возникла концепция "Ве1 Оезщп" ("Красивый дизайн"),

которая так же, как и в свое время обтекаемая форма в США, принималась влиятельными производителями,

была рациональна и предметно ориентирована.. Предметы понимались как индивидуальные личности и

могли символизировать определенный статус. Вторым важным аспектом было понимание дизайна как

области культуры. Такие крупные предприятия, как "Оливетти" или "Фиат", сотрудничали с известными

дизайнерами. В Италии возникла профессия дизайнера-консультанта, которые активно и независимо

действовали в качестве советников и консультантов в различных фирмах. Идея фирменного стиля (СогрогаШ

Ыеппгу) получила в Италии широкий культурный размах.

Италия стала лидером новых начинаний в дизайне. Это доминирующее положение особенно проявилось на

выставке 1972 года "Италия. Новое внутреннее пространство", прошедшей в Музее современного искусства

в Нью-Йорке. На выставке можно было увидеть "майнстримдизайн" и "антидизайн", элегантность и

эксперимент, классику и провокацию. Выставка показала такие качества итальянского дизайна как

открытость и доступность, которые его характеризуют до сих пор.

Стиль Оливетти

Итальянская фирма "Оливетти", один из крупнейших производителей конторского оборудования в мире,

основана в 1908 году Камилл о Оливетти как фабрика печатных машинок. Первым изделием стала пишущая

машинка "М 1". Она была оценена как "крепкая и элегантная", отличающаяся быстрой скоростью каретки

плавным ходом клавиш [9, С. 405].

Оливетти особое внимание уделяла на формирование ярко выраженной "корпоративной

идентификации"(фир-менного стиля). Сюда относился дизайн продукции, архитектура, дизайн экспозиций,

реклама и графика. В послевоенные годы "Оливетти" стала одним из немногих предприятий в мире с

действительно современным имиджем. Это привело к тому, что "Оливетти" стала влия-тельнейшим

примером для других фирм в их корпоративной индентификации. Адриано Оливетти к работе над

выпусрекламу и постеры.

Особую известность фирма приобрела с приходом дизайнера Марчелло Ниццоли и с выпуском в конце

1940-х сенсационных по своим эстетическим качествам моделей пишущих машинок "Лексикон-80" и

"Леттера-22". Тогда же возникает выражение "Стиль Оливетти".

"Стиль Оливетти" в отличие, не был приверженностью каким-либо определенным пластическим формам и

приемам в оформлении, стремился не столько к формальному единству продукции, сколько к тому, чтобы

сделать любую продукцию обязательно красивой: все должно быть привлекательным, первосортным,

включая даже деловую корреспонденцию, исходящую от фирмы "Стиль Оливетти", как отмечают теоретики

современно дизайна, это особое орудие, которое позволяет фирме готовить, воспитывать потребителя для

своей продукции "Оливетти" и поныне остается в авангарде мирового дизайна.

25. Поп-дизайн

В 60-е годы вместе с расцветом общества происходят радикальные изменения во всех областях его жизни. Теория функционализма больше не могла дать ответов на происходящие перемены

В 60-е годы происходили радикальные изменения во всех областях жизни, включая и смену ценностных ориентиров. Задачи дизайна в обществе в начале 70-х представлялись уже по-новому: "вопрос о функции предмета в чисто техническом аспекте перерос в символический и социальный. Инициативы прибывали во многом из молодежных субкультур. Сначала в Англии, затем в Италии и Германии образовывались радикальные течения против функционализма Поп-дизайн - культура для молодых

Не смотря на то, что в поп-культуре мастера отталкивались от т.н. "низменного искусства", это совсем не означало, что стиль "поп" был стилем товаров повседневного потребления. В отличие от приверженцев "хорошего дизайна" дизайнеры стиля "поп" искали менее серьезный смысл в своих произведениях. Стиль "поп" был стилем для молодых. К 60-м годам идея производства добротных и долговечных товаров уходит на второй план, уступая место лозунгу "сегодня использовал - завтра выбросил". Это был настоящий прорыв в философии промышленного производства и дизайна. Пятнистый детский стул Петера Мурдока из гофрокартона, цветное пневматическое кресло из поливинилхлорида Ди Паса, Д'Урбино стали одними из выдающихся представителей легкодоступной и ши-рокораспространяющейся "культуры недолговечности". В сверкающих глянцем обложках модных журналов рекламировались оригинальные идеи платьев из бумаги.

В 60-х годах были созданы многие виды пластиков и освоены процессы их производства. Одним из первых, еще в 1959 году, с пластиком начал экспериментировать известный впоследствии дизайнер Энзо Мари, отличающийся радикальными взглядами. В результате его творческих поисков возникли многочисленные объекты высочайшего качества, выпущенные фабрикой "Оапезе": цилиндрическая подставка для зонтов (1962), ваза «Паго-Паго» (1969), модульная система для оборудования выставок (1965). Оп-арт

Направление Оп-арт, названное из-за увлечения его сторонников оптическими эффектами, с учетом физико-психологических особенностей зрительного восприятия. Художники этого направления были, в основном, заняты созданием оптических иллюзий. Новым в подходе оп-арта было то, что это искусство являлось строго беспредметным. Оно развилось частично из геометрической абстракции Из-за опоры оп-арта на науку и технику его возможности казались практически беспредельными. Однако достигнув своей зрелости в конце 60-х - начале 70-х оп-арт в дальнейшем затормозился в своем развитии. Главное затруднение было связано с тематикой произведений. Оп-арт выглядит откровенно рассудочным и чрезмерно систематическим течением, сходным скорее с науками, чем с гуманитарными профессиями. Главным теоретиком стиля оп-арт, как и его наиболее изобретательным практиком был французский художник Виктор... Вазарели. Большая часть его работ выполнена буквально в черно-белой гамме, например,

масштабное полотно "Вега", название которой происходит от самой яркой звезды в созвездии Лира. Это огромное поле из черно-белых клеток, правильность которых нарушается из-за изгибов линий, образующих квадраты. Картина побуждает нас двигаться взад-вперед, а когда мы делаем это, нам кажется, будто это само поле приходит в движение, то расширяясь, то изгибаясь, то сжимаясь. Поп-арте

В конце 50-х в обстановке процветающего "американского общества потребления" возникло новое течение в искусстве ""поп" (англ. - "сухой звук взрыва, удара, хлопка вылетающей из бутылки пробки). Большинство критиков, однако, считают, что речь идет скорее о словосочетании "популярное искусство" Считается, что первое произведение поп-арта принадлежит кисти английского художника Ричарда Хамилтона

Хамилтон утверждал, что "поп-арт" обращается к массовой, преимущественно молодежной публике и что ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство и превращения [4, С. 473]. Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, возвышая ее самые обыденные, ординарные предметы, которых фабрикуются миллионы Они черпали вдохновение из так называемого "низменного искусства". Тщательно изучая рекламу, мир средств массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляли в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские билеты. Взятые отдельно или вмонтированные в коллажи и в ассамбляжи, эти предметы словно насмехались над зрителем, сбивали его с толку своими порой чудовищными размерами, производя впечатление отстраненности, анонимности, свойственным новой городской культуре

|Самыми известными представителями поп-арта были Роберт Рашенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс и Джеймс Розенквист. Но бесспорным отцом поп-арта остается Энди Уорхол с его знаменитыми шелкографиями, прославляющими как Мерлин Монро, так и банк кэмпе-ловских супов.