3. Творчество м. Врубеля.

Врубель Михаил Александрович (Mikhail Vrubel, 1856–1910), русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Родился в Омске 5 (17) марта 1856 года. Учился Врубель в Петербургской Академии художеств (1880–1884) у Павла Петровича Чистякова; уроки акварели брал у Ильи Ефимовича Репина. Особое влияние на Врубеля оказали живопись венецианского Возрождения). Самобытная манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства. Приглашенный для реставрации Кирилловской церкви (12 век), Врубель в ряде случаев должен был исполнить новые композиции (в частности, "Сошествие Святого Духа", 1884); тогда же художник написал и икону "Богоматерь с младенцем" (Киевский музей русского искусства). После переезда в Москву Врубель становится одним из самых активных членов художественной группы Саввы Мамонтова. Здесь живописец пишет ряд лучших своих картин, работает в майолике – скульптуры Царь Берендей, Лель, Волхова. Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно " Принцесса Грёза", заказанном для Нижегородской ярмарки (1896, Третьяковская галерея).Атмосфера волшебной сказки, характерная для картин "Пан" (1899), "Царевна-Лебедь", "К ночи", "Сирень" (все 1900), пронизана характерным для символизма чувством темного хаоса, таящегося за внешними покровами мироздания. Экспрессивно-драматичны и портреты (К. Д. и М. И. Арцыбушевых, а также Саввы Мамонтова, все три 1897; все работы – в Третьяковской галерее). Подспудный трагизм достигает кульминации в тех врубелевских образах, которые восходят к его иллюстрациям к поэме Лермонтова "Демон" (акварель, белила, 1890–1891, Третьяковская галерея и Русский музей, Санкт-Петербург), – в картинах "Демон" (1890) и "Демон поверженный" (1902; обе работы – Третьяковская галерея). Влияние его искусства было универсальным: в той или иной мере его испытали практически все крупные мастера русского искусства 20 века.

4. Феномен объединения «Мир искусства».

Художественное объединение, созданное в Петербурге в 1898 г.

Предыстория «Мира искусств» началась с группы «Невские пиквикианцы», образованной в 1887 г. учащимися петербургской частной школы Карла Мая — А. Бенуа, В. Нувелем, Д. Философовым и К. Сомовым для изучения истории искусства, в первую очередь живописи и музыки. В последствии к кружку примкнул С. Дягилев и Л. Бакст.Под руководством Дягилева, ставшего главным идеологом группы, камерные «Невские пиквикианцы» превратились в экспансивный «Мир искусства». В объединение влились художники московской школы середины 1890-х годов (входившие в состав абрамцевского кружка) — К. Коровин, В. Серов, братья Васнецовы, М. Врубель, М. Нестеров. Именно их картины в начале 1898 г. были продемонстрированы на организованной Дягилевым и Философовым выставке русских и финских художников в Петербурге, а затем, летом того же года в Мюнхене, Дюссельдорфе, Кельне и Берлине.Движение издавало и одноименный журнал, первый номер которого вышел в ноябре 1898 г., впоследствии занявший ведущее место среди литературно-художественных изданий России того времени.Художественная ориентация «Мира искусства» была связана с модерном и символизмом. В противовес идеям передвижников художники «Мира искусства» провозгласили приоритет эстетического начала в искусстве. Члены «Мира искусства» утверждали, что искусство — прежде всего выражение личности художникаПолагая, что современная цивилизация антагонистична культуре, «мирискусники» искали идеал в искусстве прошлого. Художники и писатели, в своих картинах и на журнальных страницах, открыли российскому обществу тогда мало оцененную красоту средневековой архитектуры и русской древней иконописи, изящество классического Петербурга и окружающих его дворцов, заставляли задуматься о современном звучании древних цивилизаций и заново оценить собственное художественное и литературное наследие. В 1899 г. Дягилев устроил в Петербурге действительно международную выставку, на которой с произведениями русских художников были экспонированы картины 42 европейских художников, в том числе Бёклина, Моро, Уистлера, Пюви де Шаванна, Дега и Моне. В 1901 г. в Петербургской императорской академии художеств и в Строгановском институте в Москве прошли выставки, в которых, среди прочих, участвовали ближайшие друзья Дягилева — Бакст, Бенуа и Сомов. Выставки группы «Мира искусства» в Петербурге и Москве были устроены также и в ноябре 1903 г.Постепенно разногласия, царившие внутри группы привели к распаду и движения и журнала, который в конце 1904 г. прекратил свое существование. В 1910-х г.г., несмотря на то, что идеи «мирискусников» к тому времени в значительной степени утратили свою актуальность, объединение «Мир искусства» возродилось и выставки его продолжались вплоть до 1920-х г.г.

5. Творчество Бенуа

русский художник, историк искусства, художественный критик, основатель и главный идеолог объединения «Мир искусства».

родился в семье архитектора,рос в атмосфере почитания искусства, но художественного образования не получил. Обучался на юридическом факультете Петербургского университета самостоятельно изучал историю искусства, занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Написал главу о русском искусстве для третьего тома "Истории живописи в XIX веке" Р. Мутера, О нем заговорили как о талантливом искусствоведе. В 1897 г. по впечатлениям от поездок во Францию серия акварелей "Последние прогулки Людовика XIV", заявил о себе как о практике и теоретике искусства одновременно, сохранял это двуединство. активно участвовал в художественной жизни - в деятельности объединения "Мир искусства", был его идеологом и теоретиком в издании журнала "Мир искусства", издал в двух выпусках книгу"Русская живопись в XIX веке", начал выпускать серийные издания "Русская школа живописи" и "История живописи всех времен и народов" и журнал "Художественные сокровища России"; создал "Путеводитель по картинной галерее Эрмитажа". принимал участие в работе организаций, связанных с охраной памятников искусства и старины, стал заведовать Картинной галереей Эрмитажа. Им был разработан и успешно реализован новый план общей, экспозиции музея

В творчестве Бенуа-художника преобладала история. Две темы: "Петербург XVIII - начала XIX в." и "Франция Людовика XIV". обращался в первую очередь в своих исторических композициях - в двух "версальских сериях" (1897, 1905-06), в известных картинах "Парад при Павле I" (1907), "Выход Екатерины II в Царскосельском дворце" (1907) и др., воспроизводя с глубоким знанием и тонким ощущением стиля. Тем же темам, посвящены натурные пейзажи, которые он исполнял то в Петербурге и его пригородах, то в Версале (Бенуа регулярно ездил во Францию и подолгу жил там). Эти же темы господствовали в его книжных и театральных работах, которым он, как большинство "мирискусников", уделял не меньшевнимания, чем станковому творчеству. В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой "Азбука в картинах Александра Бенуа" (1905) и иллюстрациями к "Пиковой даме" А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к "Медному всаднику", трем вариантам которых посвятил 19 лет работы.

К работе в театре впервые в 1902 г., опера Р. Вагнера "Гибель богов" (Мариинский театр), исполнил эскизы декораций к балету Н. Н. Черепнина "Павильон Армиды" По инициативе Бенуа и при его участии -частная балетная труппа, (триумфальные выступления в Париже - "Русские сезоны") Бенуа( пост директора по художественной части)-оформление к нескольким спектаклям.

Одним из лучших-декорации к балету И. Ф. Стравинского "Петрушка.Зародилось сотрудничество художника с МХТ, удачно оформил два спектакля по Ж.-Б. Мольера (1913) и некоторое время участвовал в руководстве театром наряду с К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Данченко.

В 1926 г. уехал во Францию. работал в театрах: "Гранд-опера" в Париже, "Ла Скала" в Милане. Работал на прежнем уровне, но ничего нового не создал, довольствуясь варьированием старого.

6. Творчество Сомова

русский живописец и график, мастер портрета и пейзажа, иллюстратор, один из основателей общества «Мир искусства» и одноименного журнала.

Отец художника много лет-хранитель коллекций Эрмитажа. Дом наполняли картины и рисунки старых мастеров. Мать музыкант. В одном из первых рисунков Сомова-сестра и мать за мольбертами. В 1889 г. поступил в АХ, За этот период произошло преобразование старой педагогической системы АХ, и Сомов зачислен в мастерскую И. Е. Репина. Здесь он создал "Дама у пруда" и "Людмила в саду Черномора". В них-интерес к ретроспективизму, элегичность, изысканность - впоследствии стало манерой художника. отправился в Париж, занимался в частной студии Ф. Коларосси изучал памятники искусства. Познакомился с А. Н. Бенуа, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова и другие "мирискусники". влияние на творчество Сомова немецкой графики (О. Бердслей, Ш. Кондер, Т. Гейне), воздействие французской живописи XVIII в. (А. Ватто, Н. де Ларжильер), "малых голландцев" и русской живописи первой половины XIX в. Вернувшись в Россию-портреты (отца, Н. Ф. Обер ,А. Н. Бенуа). Вершиной творчества -портрет художницы Е. М. Мартыновой ("Дама в голубом) на фоне пейзажа с флейтистами. Утонченность и надломленность, одухотворенность и поэтичность образа. Особое место-графические портреты (карандашом с подцветкой акварелью, гуашью, цветными карандашами или белилами), отличаются виртуозной техникой, лаконизмом композиции, тонкостью колористического решения. (портреты поэтов В. И. Иванова, А. А. Блока, Е. Е. Лансере, М. В.и тд )Работал в области книжной иллюстрации. Оформление книги-единое целое. Принимал участие в графическом оформлении журналов "Мир искусства" и "Парижанка", "Художественные сокровища России" и др., оформил "Книгу маркизы" Ф. фон Блея (1918), используя характерный для XVIII в. черно-белый силуэт и стилизованные "китайские мотивы". Стилизацией, ориентированной на графику начала XIX в., отмечены и его рисунки на сюжет "Графа Нулина" А. С. Пушкина и выполненный в том же стилистическом ключе портрет самого А. С. Пушкина, "Мирискуснические" черты - ретроспективизм и интерес к мистификациям - прослеживаются и в иллюстрациях к повестям Н. В. Гоголя "Портрет" и "Невский проспект". Лейтмотивом обложек книг- концентрация замысла произведения(тихотворений К. Д. Бальмонта "Жар-птица, свирель славянина", титульный лист книги А. А. Блока "Театр")-строгость композиции и декоративная звучность колорита. Все творчество-интерес к пейзажу, будь то портрет, жанровая сцена или интерьер. ранние работы - "Сумерки в старом парке", "Конфиденции" ,"Поэты" ,"Купальщицы" (1899)-гармония цвета и игра фактуры, передающими идиллически-задумчивый, одухотворенный образ природы. Стилизованные пейзажные мотивы с ретроспективным оттенком XVIII в. ("Вечер" (1902)-ритм повторяющихся аркад и боскетов сочетается с плавными движениями дам в причудливых туалетах. Неподвижный пейзаж, плоскостный и декоративный( "Волшебство" (1920))-с ее томной и жеманной героиней. Любование и гротеск сопровождают настроение многих ретроспекций ("Эхо прошедшего времени", "Арлекин и смерть", "Осмеянный поцелуй", "Зима. Каток"). Работал в области мелкой пластики-фарфоровые композиции: "Граф Нулин", "Влюбленные"и др. Учавствовал: выставки "Мира искусства", персональная выставка в Петербурге, "Сецессион" (Берлин, Осенний Салон (Париж).Эмигрировал.

7. Творчество Лансере

Семейная традиция (отец - скульптор Е. А. Лансере, дядя - А. Н. Бенуа) Получив образование (Рисовальная школа общества поощрения художеств; индивидуально в Париже у Ф. Коларосси и Р. Жюлиана), он оказался членом объединения "Мир искусства" и сотрудником его журнала. Но остался не затронут характерным для его круга ностальгическим ретроспективизмом. Его работы в журналах ("Мир искусства", "Золотое руно", "Аполлон"), в книжной графике ("Венок Врангелю", "Царская охота на Руси", обе 1902; "Царское Село в царствование императрицы Елизаветы Петровны", 1910) и в сценографии (спектакли петербургского Старинного театра) утверждают принципы "нового стиля"; но в исторических стилизациях ("Петербург. У старого Никольского рынка", 1901; "Петербург начала XVIII века", 1906; "Ботик Петра I", 1906; "Корабли времен Петра I", 1911) нет печали об ушедшем, но есть радостное, романтически-взволнованное повествование, любование архитектурной и корабельной фактурой, декоративной красотой. Сатирические рисунки в журналах "Зритель", "Жупел" и "Адская почта" (после закрытия "Жупела" Лансере взял на себя издание "Адской почты"), а также участие в создании "Календаря русской революции" (1907, запрещен сразу же после выхода) тоже несколько выделяют художника из "мирискуснического" круга: сатира Лансере слишком конкретна, а политическая ориентированность очевидна.

В 1907—1908 годах стал одним из создателей «Старинного театра» . продолжил работу с театром в 1913—1914 годах. 1912—1915 — художественный руководитель фарфоровой фабрики и мастерских гравировки стекла в Санкт-Петербурге иЕкатеринбурге.Одни из лучших работ - иллюстрации к "Хаджи-Мурату" Л. Н. Толстого (в полном виде книга вышла в 1918 г.) Цикл к толстовским "Казакам" (1917-36).1914—1915 — военный художник-корреспондент на Кавказском фронте во время Первой мировой войны. 3 годапровел в Дагестане долго жил в Тбилиси - работал рисовальщиком в Музее этнографии, в Кавказском археологическом институте (выезжая в этнографические экспедиции), был профессором Тбилисской АХПереезд в Москву- новый этап его деятельности, связанный с театром ("Горе от ума" в Малом те атре, 1938), более всего с монументальной живописью (плафоны ресторана Казанского вокзала, гостиницы "Москва", зала Большого театра). Главный мотив росписей - праздничное ликование народов молодой строящейся страны. Дар перспективиста и декоративиста и органическая, без риторики, мажорность мироощущения. Одна из последних работ Лансере - серия гуашей "Трофеи русского оружия"

8. Творчество Добужинского

Биография: русский художник, мастер городского пейзажа, участник творческого объединения «Мир искусства», художественный критик, мемуарист.

родился в 1875 г. в Новгороде. отец служил в петербургском Михайловском артиллерийском училище (генерал-майор). мать, артистка, певица уехала. Рожители разошлись. Гимназию окончил в Вильне. Учился в Петербурге в Императорской школе общества поощрения художеств, в школе Антона Ажбе и у Ш. Холлоши (Мюнхен, 1899—1901).

Участвует в выставках с 1902. Член «Мир искусства». Первый директор Витебского художественного училища (1919). Работал над оформлением спектаклей БДТ в первые годы его работы. Преподавал в Петербурге в частных художественных школах, с 1922 г. был профессором АХ.

В 1924 году  уехал из России. В 1925 г. работал для Рижского театра, с 1926 по 1929 год — для парижского театра Н. Ф. Балиева «Летучая мышь». С 1929 году — ведущий художник литовского Государственного театра (Каунас). Преподавал в частной художественной школе, сотрудничал в литовских изданиях. В 1935 году с группой каунасского театра уехал в Англию.Был членом парижской масонской ложи 

Творчество: В начале (1902—1905) испытывал влияние югендстиля и художников Серебряного века — А. Н. Бенуа иК. А. Сомова. По стилю был близок к символистам. Дебютировал в графике - рисунками в журналах и книгах, городскими пейзажами(Петербург). Тема города одна из главных в его творчестве, он обращался к ней в пейзажных циклах, создаваемых по следам частых поездок по России и за границу; городской пейзаж- важный компонент многих произведений. Работал в области станковой и книжной графики (оформлял журналы «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон»), писал исторические картины («Пётр Великий в Голландии»). . наиболее весомыми были его работы в театре и в книжной графике. удачно оформил неск спектаклей в Старинном театре и Театре В. Ф. Комиссар-жевской (1907-08), МХТ пригласил-пьесы И. С. Тургенева "Месяц в деревне" (1909). Большой успех -ачало тесному сотрудничеству с этим театром. Вершиной-декорации к спектаклю "Николай Ставрогин" (1913) по Ф. М. Достоевского "Бесы". Острая экспрессивность редкий лаконизм новаторская работа-явление, предвосхитившее будущие открытия отечественной сценографии. Театр Добужинский не оставлял и в дальнейшем но в 1920-х гг. наибольших успехов в книжной графике. Отошёл от канонов "мирискуснической" книжной графики. Это было заметно уже в рисунках к "Свинопасу" Х.-К. Андерсена (1917), за которыми к "Бедной Лизе" Н. М. Карамзина и "Тупейному художнику" Н. С. Лескова (1922) и, наконец, к "Белым ночам" Ф. М. Достоевского -шедевры русской книжной графики. Движение к новому,союзник молодых художников-иллюстрации к "Веселой азбуке" Н. Павловой, "Примусу" О. Э. Мандельштама, "Бармалею" К. И. Чуковского. после революции проектировал праздничное убранство улиц, состоял одним из хранителей Эрмитажа, Эмигрировал. Каунасский театр-оформлял спектакли. Иллюстрации к "Трем толстякам" Ю. К. Олеши (1928), (еще по заказу из Москвы), к "Евгению Онегину"

9 Леон Бакст- российский художник, сценограф, книжный иллюстратор, мастер станковой живописи и театральной графики, один из виднейших деятелей объединения «Мир искусства» и театрально-художественных проектов С. П. Дягилева..

Родился в Гродно в 1866 году в семье мелкого коммерсанта. Учился в гимназии, был вольнослушателем в Академии Художеств, но, разочаровавшись в академической подготовке, покинул это заведение. Занимался живописью самостоятельно, подрабатывая иллюстратором детских книг и журналов.       Впервые представил свои работы на выставке в 1889 г., приняв в качестве псевдонима сокращенную фамилию бабушки по матери (Бакстер).       В начале 1890-х годов выставлял свои работы, в основном, пейзажи, в «Обществе акварелистов». С середины 1890-х примкнул к кружку писателей и художников, объединившихся вокруг С. Дягилева и А. Бенуа, и в дальнейшем стал одним из инициаторов создания «Мира искусства».       Именно графические работы для журнала «Мир искусства» принесли Баксту широкую известность. Бакст внес волнистую линию модерна и почти восточное пристрастие к плоскостному рисунку и ярким краскам в мир садов, архитектурных перспектив и развевающихся драпировок, излюбленный художниками, близких «Миру искусства».       Художник продолжал заниматься и станковой живописью, исполнив множество графических и живописных портретов известных писателей и художников — Ф. Малявина (1899), В. Розанова (1901), Андрея Белого (1905), З. Гиппиус (1906) и др.       По необходимости содержать семью, — овдовевшую мать и малолетних братьев и сестер, Бакст стал учителем рисования детей великого князя Владимира, а в 1902 г. получил от царя заказ — изобразить «Встречу русских моряков» в Париже.       Период с 1893 по 1899 г. провел в Париже, при этом часто наезжая в Петербург.       В 1898 году Бакст выставляется на первой выставке русских и финляндских художников, устроенной С. Дягилевым, а с 1899 года принимает постоянное и деятельное участие в выставках «Мира искусства», в выставках «Secession» в Мюнхене, до 1910 года — в выставках «Союза русских художников», а также различных художественных выставках в Праге, Венеции, Риме, Брюсселе, Берлине.       В годы первой русской революции сотрудничал с сатирическими журналами «Жупел», «Адская почта» и «Сатирикон», затем оформлял журналы «Золотое руно» и «Аполлон». Занимался книжной графикой и декоративным искусством, оформляя интерьеры и выставки.       К концу 1900-х г.г. Бакст ограничил себя работой в театре, благодаря которой и вошел и вошел в историю как выдающийся театральный художник. Дебютировал в театре он еще в 1902 г. Позднее художник делал театральные костюмы для артистов (например, для Анны Павловой).       Бакст стал ведущим художником «Русских сезонов» и «Русского балета С. Дягилева» и создал декорации и костюмы к таким балетным спектаклям как «Клеопатра» (1909), «Шехерезада» и «Карнавал» (1910), «Нарцисс» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912) и др., поражавшие зрителей своей фантазией, сказочной роскошью, утонченной изысканностью костюмов, новыми и смелыми сочетаниями красок.       Все эти годы Бакст проживал в Европе, что было вызвано необходимостью находиться возле балетной труппы, а также тем, что, как еврей, он не имел вида на жительство в Петербурге.       В 1914 г. Бакст был избран членом Императорской Санкт-Петербургской Академии Художеств.       Нараставшее напряжение в отношениях Бакста и Дягилева привели к тому, что в 1918 г. художник был вынужден покинуть труппу.       Умер 27 декабря 1924 г. в Париже от отека легких.

Ужин год: 1902 Жар-птица Зинаида Гиппиус, 1906

10 Александр Яковлевич Головин- русский художник, сценограф, народный артист РСФСР.

родился в Москве 1 марта  1863 года, в семье священника. Через три года семья переехала в Петровско-Разумовское.

Н. И. Железнов, выдающийся  русский ботаник и агроном, первым заметил талант будущего художника. С помощью академических профессоров, мальчик был определен в самые престижные учебные заведения Москвы. Он обучался в Катковском лицее, а после смерти отца,  в 1878 году он  перевелся в  Поливановскую гимназию.

Здесь обучались такие знаменитые поэты, как В. Брюсов, Андрей Белый, М. Волошин и многие другие. В гимназии Поливанова существовал некий культ Шекспира. Именно здесь  Головин влюбился  в театр. В 1881 году Головин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Вскоре он понял, что архитектура его не вдохновляет, и  вскоре он перевелся на живописное отделение.  В период обучения  в училище Головин познакомился с Левитаном, Коровиным, Архиповым, Остроуховым, Нестеровым. Именно Нестеров представил Головина Врубелю. Молодых художников сближало совместное участие в «рисовальных и акварельных» вечерах.

После смерти матери в 1884 году, молодой художник  остался без средств к существованию. В первые годы после окончания училища, он подрабатывал подмастерьем у декоратора А. Томашки, занимался росписью цветов на атласе под заказ. Художник, не стеснялся никакой работы.

В 1889 году он отправляется  в Париж на Всемирную выставку. Головин был покорен новейшей французской живописью. Некоторое время он занимался  во французской мастерской, где осознал, что все ранее сделанное им, это не то, что ему следовало сделать.

В сентябре 1897 года Головин женился на Марии Константиновне Котовой. Вскоре у них родились две дочери – Елена и Мария, а после сын Александр. Но, к сожалению, их союз оказался недолгим. Головин страдал. Страдания усугублялись потерей ближайшего друга и советчика — Е. Д. Поленовой.

Выйти из такого состояния ему помогло сильнейшее увлечение искусством. Он много и упорно трудился.

В 1898 году Головин был назначен на должность художника-декоратора Императорских театров. Он оформлял спектакли Большого театра в Москве, в частности оперы А. Н. Корещенко «Ледяной дом», Н. А. Римского-Корсакова «Псковитянка». В 1901  художник переезжает в Петербург. Там с 1902 года Головин занимал пост главного декоратора Императорских театров и консультанта дирекции по художественным вопросам. Свои работы он создавал  для Александринского и Мариинского театров.

Он придумывает эскизы костюмов и декораций к операм  «Орфей и Эвридика» К. В. Глюка; «Каменный гость» А. С. Даргомыжского; спектаклям «У врат царства»,  К. Гамсуна; «Гроза» А. Н. Островского, «Маскарад» М. Ю. Лермонтова; «Песнь соловья» И. Ф. Стравинского и многим другим.

С 1899 Головин был постоянным  участником  выставок  «Мира искусства, а с 1902 годы являлся  членом объединения  и одним из сотрудников журнала «Мир Искусства». В 1903 вступил в Союз русских художников.

В период с 1906 по 907 год художник создает цикл декораций к опере Ж.. Бизе «Кармен». Один из эскизов – к первому акту спектакля – дает полное представление о том, какой художник представлял себе Испанию. К опере художник также создал цикл портретов испанок, который стал скорее отдельным циклом работ художника, чем просто вариантами типажей и костюмов к конкретной театральной постановке. Его театральные пейзажи настолько реалистичны, что невольно становишься участником театрального представления.

С  1908 по 1917 год сотрудничал с В. Э. Мейерхольдом, оформлял постановки антрепризы Дягилева Русские сезоны в Париже. Совместно с Н. К. Рерихом и Д. С. Стеллецким создал костюмы и декорации к операм «Борис Годунов» М. П. Мусоргского, а также декорации к балету «Жар-птица» И. Ф. Стравинского.

В 1912 году Головин стал действительным членом Академии художеств. В это же время у него обнаружились первые признаки серьезной сердечной болезни, и врачи посоветовали художнику покинуть столицу. С 1913 года и до самой смерти Головин жил в Царском Селе.  После 1925 года Головин практически не выезжал из Царского Села. Но перед этим художник успел встретиться  со Станиславским в Одессе. Результатом этого стала совместная работа над «Женитьбой Фигаро» Бомарше.

В 1927 году в Художественном театре с оглушительным успехом прошла премьера спектакля. Сам же художник, по причине болезни, не смог попасть на премьеру.  В 1928 художник был удостоен звания «Народный артист РСФСР».

17 апреля 1930 года Александр Яковлевич умер

портрет шаляпина портрет мейерхольда испанка в черной шали

в роли бориса годунова

11 Рерих Николай Константинович- русский художник, философ, мистик, писатель, путешественник, археолог, общественный деятель, масон, поэт, педагог, родился 27 сентября 1874 года в Петербурге. Представители рода Рерихов со времён Петра Первого занимали видные военные и административные посты в России. Его отец — Константин Фёдорович — был известным нотариусом и общественным деятелем. Мать — Мария Васильевна Калашникова, происходила из купеческой семьи. Среди друзей семьи Рерихов были такие видные деятели, как Д. Менделеев, Н. Костомаров, М. Микешин, Л. Ивановский и многие другие.

С детских лет Николая Рериха привлекали живопись, археология, история и богатое культурное наследие Востока.[11]

В 1893 году по окончании гимназии Рерих одновременно поступает на юридический факультет Петербургского университета (закончил в 1898 году) и в Императорскую Академию художеств. С 1895 года занимается в студии знаменитого художника Архипа Ивановича Куинджи. В это время он тесно общается с известными деятелями культуры того времени — В. В. Стасовым, И. Е. Репиным, Н. А. Римским-Корсаковым, Д. В. Григоровичем, С. П. Дягилевым. С 1892 г. Рерих начал проводить самостоятельные археологические раскопки.

В 1897 году Н. К. Рерих окончил Петербургскую Академию художеств. Его дипломная картина «Гонец» была приобретена знаменитым собирателем произведений русского искусства П. М. Третьяковым.

Рерих много работает в историческом жанре. В раннем периоде творчества создаёт полотна:

«Сходятся старцы» (1898), «Строят ладьи» «Идолы» (1901)

, «Плач Ярославны» (1893), «Начало Руси. Славяне» (1896. В этих работах проявляются самобытный талант художника и новаторский поиск в искусстве. «Уже в первых картинах вырисовывается своеобразный стиль Рериха: его всеохватывающий подход к композиции, ясность линий и лаконизм, чистота цвета и музыкальность, великая простота выражения и правдивость. Картины художника построены на глубоком знании исторического материала, передают ощущение духа времени и насыщены философским содержанием.

В 24 года Н. К. Рерих становится помощником директора музея при Императорском обществе поощрения художеств и одновременно помощником редактора художественного журнала «Искусство и художественная промышленность». Через три года он занимает должность секретаря Императорского общества поощрения художеств.

В 1899 году он знакомится в поместье князя Путятина с Еленой Ивановной Шапошниковой. В октябре 1901 года состоялась их свадьба. Елена Ивановна стала для Николая Рериха верной спутницей и вдохновительницей, всю свою жизнь они пройдут рука об руку, творчески и духовно дополняя друг друга. В 1902 году у них родится сын Юрий, будущий учёный-востоковед, а в 1904 — Святослав, будущий художник и общественный деятель.

Летом 1903-1904 годов Рерих вместе с женой совершает путешествие по древнерусским городам, изучает архитектуру, живопись, прикладное искусство, знакомится с фольклором, народными танцами. Результатом поездки явилась живописная серия из девяноста полотен, на которых художник запечатлел памятники древнерусской архитектуры. Одновременно Рерих выступает в печати, популяризируя древнерусское искусство, призывая к охране памятников старины, представляющих огромное национальное достояние. Работает Рерих и в жанре монументальной живописи, выполняя эскизы к росписям гражданских построек и храмов. Наиболее оригинальна по замыслу и декоративной красоте-роспись церкви Св. духа в Талашкине (1911).

Многогранный талант Николая Рериха проявился также в его работах для театральных постановок: «Снегурочка», «Пер Гюнт», «Принцесса Мален», «Валькирия» и др. Он был в числе ведущих идеологов и создателей реконструктивного «Старинного театра» (1907—1908; 1913—1914) — заметного и уникального явления в культурной жизни России первой четверти XX века, причём участвовал Н. Рерих в этом историко-драматургическом мероприятии и в качестве создателя декорации, и как искусствовед. Во время знаменитых «Русских сезонов» С. Дягилева в Париже в оформлении Н. К. Рериха проходили «Половецкие пляски» из «Князя Игоря» Бородина, «Псковитянка» Римского-Корсакова, балет «Весна священная» на музыку Стравинского.

Эпоха Серебряного века, в которой начал свой творческий путь Н. К. Рерих, была эпохой духовного подъёма, что, несомненно, оказало влияние на формирование личности художника. Плеяда выдающихся мыслителей: В. С. Соловьёв, Е. Н. Трубецкой, В. В. Розанов, П. А. Флоренский, С. Н. Булгаков, Н. А. Бердяев и др. вносила в русскую культуру глубинную философскую мысль, насыщала её напряжёнными исканиями смысла жизни и нравственных идеалов. Особый интерес русская интеллигенция проявляла к культуре Востока. В поисках ценностей, имеющих общечеловеческое значение, Н. К. Рерих, помимо русской философии, также изучал философию Востока, труды выдающихся мыслителей Индии.

С 1906 по 1918 год Николай Рерих является директором Школы Императорского общества поощрения художеств, одновременно занимаясь преподавательской работой. С этого же времени художник постоянно участвует в зарубежных выставках. С его творчеством познакомились Париж, Венеция, Берлин, Рим, Брюссель, Вена, Лондон. Картины Рериха приобрели Римский национальный музей, Лувр и другие европейские музеи.

С 1910 года он возглавляет художественное объединение «Мир искусства», членами которого были А. Бенуа, Л. Бакст, И. Грабарь, В. Серов, К. Петров-Водкин, Б. Кустодиев, А. Остроумова-Лебедева, З. Серебрякова и др.

«Величайший интуитивист века», по определению А. М. Горького, Н. К. Рерих в символических образах выразил накануне Первой мировой войны свои тревожные предчувствия: картины «Пречистый град — врагам озлобление», «Ангел Последний», «Зарево», «Дела человеческие» и др. В них показана тема борьбы двух начал — света и тьмы, проходящая через все творчество художника, а также ответственность человека за свою судьбу и весь мир. Николай Рерих не только создаёт картины антивоенного характера, но и пишет статьи, посвящённые охране мира и культуры. Революцию художник встречает сочувственно. Рерих входит в состав комиссии по делам искусств, созданной в марте 1917 года по инициативе и под председательством А. М. Горького

В мае 1917 года, в связи с тяжелым заболеванием легких, художник вынужден уехать на Карельский перешеек. Весной следующего года при наступлении интервентов он оказался за рубежом.

В 1918 году Рерих совершает поездку по Финляндии, Норвегии, Дании, Англии с выставкой своих произведений, а в 1920 году едет в Америку, где его работы пользуются особенно большим успехом. Здесь мастер развивает широкую просветительную деятельность: пропагандирует русское искусство, организует Художественный университет, Союз художников, Международный художественный центр "Венец мира", цель которого - культурное сотрудничество народов разных стран. В 1923 году по инициативе поклонников таланта русского живописца создается Музей Н. К. Рериха. В том же году художник покидает Америку. Через Италию и Швейцарию он едет во Францию, а оттуда морским путем - на Восток, решив осуществить давнюю мечту - путешествие по Индии и Центральной Азии. Необычная экспедиция продолжалась в течение пяти лет. Группа Рериха перешла Гималаи, проследовала по малодоступным районам Центральной Азии. Путешественников подстерегало много опасностей, неоднократно чинились препятствия. Во время вынужденной зимовки на нагорье Тибета они едва не погибли от холода и голода. Но на протяжении всего пути Рерих продолжает работать даже в самых сложных условиях, в результате из экспедиции он привозит около пятисот полотен и эскизов. Огромны были и научные результаты: основательно изучены памятники искусства, древние рукописи, обряды и предания, религиозные культы. С целью обработки собранных материалов Рерих в 1928 году в долине Кулу (Западные Гималаи) организует Гималайский институт научных исследований. С 1930 года, после непродолжительной поездки в Америку, долина Кулу становится постоянным местом жительства семьи Рериха, и сюда к художнику приезжают видные писатели, государственные деятели Индии. Произведения Рериха, созданные в Индии, чрезвычайно разнообразны. В 20-е годы он работает над циклом, непосредственно связанным с изучением древней восточной философии и проблемой этики. Рерих создает образы тех, коих считал проповедниками печных норм нравственности - Магомета, Будды, Христа, философов Конфуция, Лао-Цзы и др. К этой серии близки религиозные картины - "Сострадание", "Мадонна труда". Особое место занимает полотно "Явление срока". Мастер изобразил гигантскую голову мудреца: черты лица обладают сходством с В. И. Лениным. С именем вождя русской революции художник связывал мысль об освобождении народов Востока.

Однако основные работы Рериха 20-40-х годов - это пейзажи. которые, как правило, характерны большим философским содержанием. В них Рерих воспевает величие, вечную возвышенную красоту природы, которая облагораживает человека. Восточным Гималаям живописец посвятил более шестисот произведений и создал красочную эпическую поэму об этих горных хребтах. Среди них такие полотна, как "Помни!" (1945, ГРМ). "Гималаи. Ледники" (1937, ГРМ), "Гималаи, Нанда-Деин" (1941, ГРМ). эти работы исполнены темперой. Рерих не ограничивается творческой деятельностью, он ведет большую общественную работу, является членом сорока культурных организаций мира. Одним из самых значительных начинаний художника был знаменитый "Пакт Рериха" - договор, по которому ценные памятники должны оставаться неприкосновенными в годы войны. Итогом борьбы за внедрение в жизнь "Пакта" явился заключительный акт Международной конвенции о защите культурных ценностей в случае вооруженного конфликта, подписанный в 1954 году в Гааге и ратифицированный тридцатью девятью странами.

Умер художник в Индии. На месте кремации в долине Кулу установлен памятник.

12 Феномен дягилевских «Русских сезонов» в Париже.

Ру́сский бале́т Дя́гилева,— балетная компания, основанная в 1911 году русским театральным деятелем и искусствоведом Сергеем Дягилевым. Выросшая из «Русских сезонов» 1908 года, функционировала на протяжении 20-ти сезонов до смерти Дягилева в 1929 году и пользовалась большим успехом за рубежом, особенно во Франции и Великобритании.

Антреприза Дягилева оказала большое влияние на развитие не только русского балета, но и мирового хореографического искусства в целом. Будучи талантливым организатором, Дягилев обладал чутьём на таланты. Пригласив в компанию целую плеяду одарённых танцовщиков и хореографов — Вацлава Нижинского, Леонида Мясина, Михаила Фокина, Сержа Лифаря, Джорджа Баланчина, он обеспечил возможность для совершенствовования уже признанным артистам. Над декорациями и костюмами дягилевских постановок работали его соратники по «Миру искусства» Леон Бакст и Александр Бенуа. Позднее Дягилев с его страстью к новаторству привлекал в качестве декораторов передовых художников Европы — Пабло Пикассо, Андре Дерена, Коко Шанель, Анри Матисса и многих других — и русских авангардистов — Наталью Гончарову, Михаила Ларионова, Наума Габо, Антуана Певзнера. Не менее плодотворным было сотрудничество Дягилева с известными композиторами тех лет — Рихардом Штраусом, Эриком Сати, Морисом Равелем, Сергеем Прокофьевым, Клодом Дебюсси, — и в особенности с открытым им Игорем Стравинским.

С самого начала основным направлением хореографии его сезонов стало стремление раздвинуть рамки классического балета. Эксперименты с танцевальными формами Нижинского опережали время и потому были не сразу приняты зрителями. Фокин добавил движениям «богатую пластику»^[1], а продолжатель заложенных им принципов Мясин обогатил хореографию «ломаными и вычурными формами»^[1]. Баланчин же окончательно отошёл от правил академического танца, придав своим балетам более стилизованное и экспрессионистское звучание.

Сезоны Дягилева — особенно первые, в программу которых входили балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная» — сыграли значительную роль в популяризации русской культуры в Европе и способствовали установлению моды на всё русское. Например, английские танцовщики Патрик Хили-Кей, Элис Маркс и Хильда Маннингс взяли русские псевдонимы (соответственно Антон Долин, Алисия Маркова и Лидия Соколова), под которыми и выступали в труппе Дягилева. Популярность его сезонов привела и к увлечению европейцев традиционным русским костюмом и породила новую моду — даже супруга короля Великобритании Георга VI выходила замуж в «платье, перефразирующем русские фольклорные традиции»^].

История

После грандиозного успеха выставки русских художников, которая прошла в 1906 году в парижском Осеннем салоне, Дягилев при покровительстве императорского двора России и влиятельных лиц в светских кругах Франции приступил к организации Русских сезонов — такое название получили ежегодные гастроли русских артистов в Париже. В 1907 году в рамках сезонов прошли Русские исторические концерты с участием Римского-Корсакова, Рахманинова, Глазунова и др. Затем в 1908 году состоялись оперные сезоны, во время которых французов покорило выступление Шаляпина в «Борисе Годунове».

Сезон 1909 года

Вернувшись в Петербург, Дягилев занялся подготовкой сезона 1909 года. На этот раз помимо оперы он решил организовать гастроли русского балета, и поначалу ничто не препятствовало его планам. Дягилеву была обещана крупная субсидия в размере 25 000 руб. и предоставлена возможность проводить репетиции в Эрмитаже.

Вместе с единомышленниками — художниками Александром Бенуа и Леоном Бакстом, композитором Николаем Черепниным, князем Аргутинским-Долгоруковым, балетным критиком Валерианом Светловым и другими — Дягилев приступил к работе, задавшись целью создать совершенно иной тип русского балета. Новаторский подход Дягилева отличало стремление достичь «единства художественного замысла и исполнения. В обсуждении будущего спектакля участвовали все задействованные в проекте лица — хореографы, художники, композиторы и др. — и сообща разрабатывали сюжет, придумывали характер музыки и танца, костюмов и декораций. Получившаяся в итоге постановка представляла собой гармоничный «синтез хореографии, музыки и живописи». Труппа балетных сезонов была набрана из ведущих танцовщиков Мариинского театра в Петербурге и Большого театра в Москве. Приглашение Дягилева приняли Анна Павлова, Михаил Фокин и его жена Вера Фокина, Тамара Карсавина, Ида Рубинштейн, Вацлав Нижинский, Александр Монахов, Матильда Кшесинская, солисты Большого театра Вера Каралли и Михаил Мордкин и другие.

В разгар подготовки правительство неожиданно прекратило поддержку сезонов, отняло субсидию и запретило репетировать в Эрмитаже, отказавшись, в довершение всего, предоставить костюмы и декорации Мариинского театра. Едва избежав провала, антреприза Дягилева воплотилась в жизнь только благодаря его друзьям — князю Аргутинскому-Долгорукову, Мизии Серт и графине Греффюль, — которые помогли собрать необходимые для организации сезонов средства.

В апреле 1909 года труппа Дягилева прибыла в Париж. Немедленно началась подготовка зарезервированного для сезонов театра Шатле — была увеличена сцена, на месте партера устроены ложи, обновлён интерьер. Одновременно с этим в напряжённом режиме проходили последние репетиции. Репертуар состоял из пяти балетов, поставленных Михаилом Фокиным — в то время он начинал свою карьеру хореографа. зрителю были представлены «Павильон Армиды», «Половецкие пляски» и «Пир», «Сильфиды» и «Клеопатра». Премьера балетных сезонов обернулась настоящим триумфом. Публика и критики восторженно отзывались о мастерстве русских танцовщиков, об уникальных декорациях и костюмах работы Рериха, Бакста и Бенуа, о музыке Римского-Корсакова, Мусоргского, Глинки, Аренского, Бородина и других композиторов, чьи произведения составили музыкальную основу балетов.

Сезон 1910 года

По окончании сезона Дягилев, помня о недавних проблемах, сделал своим компаньоном барона Дмитрия Гинцбурга и заручился его материальной поддержкой.

Первыми в репертуар вошли уже поставленные балеты «Жизель» и «Карнавал» на музыку Шумана, затем «Шехерезада» Римского-Корсакова. Кроме того, Дягилев задумал поставить балет «Жар-птица» на тему старинных русских сказок. Музыкальное сопровождение должно было быть созвучно традиционным русским мотивам, поэтому Дягилев заказал его Анатолию Лядову, но спустя несколько месяцев, когда тот нарушил сроки, обратился к молодому и малоизвестному в те времена композитору Игорю Стравинскому, выступление которого слышал в консерватории. Их сотрудничество оказалось как нельзя более плодотворным, и Стравинский впоследствии не единожды работал с Дягилевым. Пятым спектаклем репертуара стал дивертисмент «Ориенталии» на музыку Аренского.

Премьеры постановок прошли в роскошном зале парижского оперного театра Гранд-опера в мае и июне 1910 года. Наибольшим успехом пользовались «Шехерезада» и «Жар-птица», которую писатель Анри Геон назвал «чудом восхитительнейшего равновесия между движениями, звуками и формами». У этого успеха была и обратная сторона: некоторые артисты, прославившиеся благодаря дягилевским сезонам, ушли из труппы в заграничные театры. Дягилев решил набрать постоянную труппу. Городом, в котором базировалась компания Дягилева, где проходили репетиции и подготовка будущих постановок, стал Монте-Карло.

Сезон 1911 года

В Монте-Карло Дягилев вплотную занялся репертуаром 1911 года. Фокиным было поставлено пять новых балетов. Это были «Подводное царство» (из оперы «Садко»), «Нарцисс», «Призрак Розы», Все эти спектакли были представлены публике Монте-Карло и Парижа в июне 1911 года и снискали не меньшую популярность, чем балеты предыдущих сезонов. Кроме того, в ноябре, как и планировалась, Дягилев привёз в Лондон «Лебединое озеро».

Сезон 1912 года

С новым сезоном Дягилев начал менять характер своей антрепризы, всё больше отходя от традиционного представления о балете и двигаясь в сторону новых, экспериментальных форм. С 1912 года Дягилев начал обращаться к иностранцам. Над декорациями и костюмами в этом сезоне работал один лишь Бакст.

К сожалению, постановки сезона 1912 года не вызвали особых восторгов у парижского зрителя.

После неудачи в Париже, Дягилев показал свои постановки (плюс балеты из раннего репертуара) в Лондоне, Берлине, Вене и Будапеште, где публика восприняла их более благосклонно. На спектаклях в Великобритании присутствовали королева Александра и её сестра императрица Мария Федоровна, в Германии — император Вильгельм II, которого привела в восторг «Клеопатра».

Сезон 1913 года

1913 год стал переломным в антрепризе Дягилева, прежде всего по причине того, что в хореографии его сезонов наметился кризис. Из-за ухода Фокина в этом году было выпущено только три балета. Два из них — «Весну священную» Стравинского и «Игры» Дебюсси ставили Дягилев с Нижинским, а третий под названием «Трагедия Саломеи» — молодой балетмейстер Борис Романов.

Труд хореографа давался Нижинскому непросто. Будучи одарённым танцовщиком, он, занявшись постановкой балета, столкнулся с собственным неумением ясно выражать свои мысли и излагать коллегам-артистам своё видение. Поставить «Весну священную» стоило ему, равно как и Стравинскому с Дягилевым, немалого труда, что, впрочем, совершенно не оценила публика. Во время премьеры балета, которая состоялась 29 мая в театре Елисейских полей, зрители пришли в такое негодование от музыки Стравинского, что освистали балет и не уделили должного внимания оригинальности и сложности хореографии на тему языческих обрядов. В августе труппа Дягилева отбыла на гастроли в Южную Америку и снискала в Буэнос-Айресе крупный успех. Сам маэстро в последнюю минуту отказался от путешествия и остался в Европе. В его отсутствие Нижинский — долгое время он был любовником Дягилева, но в 1913 году они начали отдаляться друг от друга — женился на Ромоле. Узнав о его поступке, Дягилев отправил Нижинскому телеграмму с сообщением о том, что более не нуждается в его услугах. Тем не менее, какое-то время они продолжали работать вместе, но затем произошёл окончательный разрыв.

Сезон 1914 года

Дягилеву пришлось обратиться за помощью к Михаилу Фокину. Фокин поставил четыре новых балета: «Легенду об Иосифе», «Золотого петушка», «Мидаса» и «Бабочку». Однако — несмотря на привлечение к работе Мстислава Добужинского, соратника Дягилева по «Миру искусств», занимавшегося декорациями и костюмами наряду с Бакстом и Бенуа — реакция публики на эти балеты лишь напоминала о триумфе первых сезонов. Признание ждало лишь «Золотого петушка» — этот спектакль, явивший собой сочетание оперы и балета, получился очень эффектным. Его декоратором выступила русская художница-авангардистка Наталья Гончарова, которую Дягилеву посоветовал Бенуа. Впоследствии она и её супруг, художник Михаил Ларионов, не раз работали с Дягилевым.

Сезон 1915 года

Полноценного сезона в 1915 году не было. Началась Первая мировая война, и, как и следовало ожидать, интерес к искусству в Европе спал. Дягилеву пришлось ограничиться лишь благотворительными концертами в пользу Красного креста в Женеве — он показал проверенные временем балеты и одну новую постановку, «Полуночное солнце

Сезон 1916 года

Американские гастроли дягилевского балета продолжались с января до мая 1916 года и пользовались огромным успехом. Затем Дягилев с Мясиным отбыли в Испанию, где в конце лета представили в Сан-Себастьяне две новые постановки юного хореографа — «Кикимору» и «Менины»

Сезон 1917 года

Возвращение Дягилевских сезонов на былые позиции началось в 1917 году. Мясин поставил спектакли Стравинского «Фейерверк» и балеты «Женщины в хорошем настроении», «Русские сказки» на музыку Лядова с декорациями четы Гончарова-Ларионов и «Parade». Автор концепции и либретто балета Parade (букв. перевод: «Выступление зазывал») — Жан Кокто, хореограф и исполнитель одной из главных ролей — Леонид Мясин, композитор — Эрик Сати, а декоратором выступил Пикассо (к тому времени он уже давно покинул Испанию). По окончании сезона труппа уехала гастролировать в Южную Америку (без Дягилева и Мясина Обострившаяся политическая ситуация в Европе сделала невозможным и приезд во Францию, поэтому парижского сезона в 1918 году не было.

Сезон 1919 года

В сентябре 1918 года труппа Дягилева прибыла на гастроли в Великобританию и задержалась там на год. В Лондоне же в июле 1919 года были представлены публике два новых балета — «Волшебная лавка» и «Треуголка», декораторами которых соответственно выступили Андре Дерен и Пикассо. Успех этих постановок, особенно после тяжёлого 1918 года, воодушевил Дягилева, и в декабре-феврале он возобновил сезоны во Франции.

Сезон 1920 года

С 1920 года возобновились репетиции в Монте-Карло. Мясиным было поставлено три спектакля — «Пульчинелла» на музыку Стравинского в декорациях Пикассо, новая версия «Весны священной» и опера-балет «Женские причуды», — которые были прекрасно встречены зрителями в Лондоне и Париже. В этом году, однако, труппа снова осталась без хореографа — Дягилев рассорился с Мясиным, и тот уехал.

Сезон 1921 года

По причине разрыва с Мясиным в 1921 году была выпущена всего одна новая постановка — балет «Шут» на музыку Сергея Прокофьева. Михаил Ларионов уговорил Дягилева доверить ему не только декорации, но и хореографическую сторону балета, отчего постановка едва не провалилась. Кроме того, была представлена танцевальная сюита «Квадро фламенко» с декорациями Пикассо — восемь традиционных испанских танцев в исполнении приглашённых испанских артистов.

Осенью Дягилев привёз в Лондон «Спящую красавицу. Эту постановку прекрасно приняла публика, но Дягилев оказался на грани разорения, артисты начали разбегаться, и его антреприза едва не прекратила своего существования. К счастью, Коко Шанель пожертвовала на восстановление его труппы значительные средства. К тому времени из Киева эмигрировала Бронислава Нижинская, младшая сестра Нижинского, которую Дягилев решил сделать новым хореографом своих сезонов. Нижинская же предложила обновить состав труппы её киевскими учениками. В тот же период состоялось знакомство Дягилева с Борисом Кохно, ставшим его личным секретарём и автором либретто новых балетов.

Сезон 1922 года

Несмотря на приток новых творческих сил и уладившиеся денежные вопросы, сезон 1922 года пока нельзя было расценить как полноценное возрождение дягилевских сезонов

Сезон 1923 года

В январе 1923 года в Париж прибыли пятеро молодых танцовщиков из Киева (и в их числе Серж Лифарь, будущий фаворит Дягилева), которые вскоре приступили к репетициям в Монте-Карло. Программа этого года состояла преимущественно из старого репертуара, включавшего в себя только одну новинку — балет «Свадебка» на музыку Стравинского, — которая стала центром сезона и снискала бурные овации публики.

Сезон 1924 года

Сезон 1924 года вышел несоизмеримо более насыщенным. В конце предыдущего года Нижинская поставила сразу несколько новых балетов — «Искушение пастушки», «Лекарь поневоле», «Докучные», «Лани» и «Голубой экспресс», и этот сезон стал апогеем (и одновременно финалом) её деятельности в труппе Дягилева. Наиболее удачными получились две последние постановки, в особенности танцевальная оперетта «Голубой экспресс» на либретто Жана Кокто, над декорациями и костюмами которого работали Лоран, Пикассо и Шанель. Дягилев рассчитывал этим балетом начать «новую эпоху современного неореализма с претворением его в танце», однако Нижинская, по-видимому, не оправдала в полной мере его ожиданий и потому вскоре ушла из труппы.

Сезон 1925 года

Мясин поставил два новых балета — «Зефира и Флору» и «Матросов» на музыку Жоржа Орика. Усилиями Баланчина была обновлена постановка «Песни соловья» и создан комический балет «Барабо». По окончании парижского сезона труппа Дягилева вновь побывала с гастролями в Лондоне, где публика восторженно приняла «Барабо».

Сезон 1926 года

В начале 1926 года антреприза Дягилева снова столкнулась с трудностями — не хватало средств. В итоге Дягилев взял ссуду и, преодолев депрессию, занялся новым сезоном. По завершении сезона труппа Дягилева уехала в Лондон, где давала представления целых полтора месяца

Сезон 1927 года

В 1927 году Дягилев начал постепенно охладевать к балету, страстно увлёкшись коллекционированием книг. было создано два новых спектакля в экспериментальном ключе — «Кошки» и «Стальной скок» в постановке Мясина

Сезон 1928 года

В 1928 году была выпущена последняя работа Мясина в дягилевских сезонах — балет «Ода». Его хореография не была близка Дягилеву, и он даже сомневался, стоит ли вносить «Оду» в репертуар. Хотя в итоге зрители благожелательно встретили этот балет, его затмила самая удачная вещь сезона — постановка Баланчина «Аполлон Мусагет» на шедевральную по мнению Дягилева музыку Стравинского с декорациями Бошана и костюмами Коко Шанель.

Сезон 1929 года

В мае и июне 1929 года в Монте-Карло и Париже прошли премьеры «Бала», «Блудного сына» и «Лисы». Затем в конце июля и начале августа прошли короткие гастроли в Венеции. Там здоровье Дягилева внезапно ухудшилось — из-за обострения диабета у него случился удар (инсульт), от которого он и умер 19 августа 1929 года.

После смерти Дягилева его труппа распалась. Баланчин уехал в США, где стал реформатором американского балета. Мясин совместно с полковником де Базилем основал труппу «Русский балет Монте-Карло», которая сохранила репертуар «Русского балета Дягилева» и во многом продолжала его традиции. Лифарь остался во Франции и возглавил балетную труппу Гранд-опера, сделав огромный вклад в развитие французского балета.

13.

Ру́сский аванга́рд — одно из направлений модернизма в России в 1900-1930 гг., расцвет которого пришелся на 1914–1922 гг. Общим для русского авангарда был радикальный отказ от культурного наследия, полное отрицание преемственности в художественном творчестве и сочетание деструктивного и созидательного начал: духа нигилизма и революционной агрессии с творческой энергией, направленной на создание принципиально нового в искусстве и в иных сферах жизни

Модерни́зм («современный, недавний») — направление в искусстве XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля^.

Основными направлениями русского авангарда были:

1.Абстракционизм, Василий Кандинский

Абстракциони́зм -нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм вживописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Основоположники: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский ( завершивший в Германии переход к своим абстрактным композициям), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, основавшие в 1910—1912 гг. «лучизм», и создатель супрематизма как нового типа творчества Казимир Малевич, автор знаменитого «Чёрного квадрата».

Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо.

Казимир МалевичЧёрный квадрат (1915)

Тео ван ДусбургКомпозиция V (1924).

Некоторые течения в абстрактном искусстве

Лучизм

Неопластицизм

Орфизм

Супрематизм

Систематизм

Ташизм — стремление выразить стихийность, бессознательность творчества в динамике пятен или объёмов.

Абстрактный экспрессионизм

Геометрическая абстракция

Васи́лий Васи́льевич Канди́нский (4 (16) декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция) — русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателейгруппы «Синий всадник», преподавателем Баухауса.

Наиболее известные работы

«Колебание»

«Композиция»

«Москва»

«Восток».

2.Супрематизм, Казимир Малевич

Супремати́зм (от лат. supremus —наивысший) —направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг.К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. В беспредметных полотнах краска, по мысли К. С. Малевича, была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — супрематические картины стали первым шагом «чистого творчества», то есть акта, уравнивавшего творческую силу человека и Природы (Бога).

Казимир Малевич,

Супрематизм. 1915—1916 Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. Начиная с 1915 г., когда были выставлены первые абстрактные работы Малевича, в том числе «Чёрный квадрат», влияние супрематизма испытали такие художники как Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн,Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко и многие другие. В1919 г. Малевичем и его учениками была создана группа УНОВИС (Утвердители нового искусства), развивавшая идеи супрематизма.

В дальнейшем, даже в условиях гонений на авангардное искусство в СССР, эти идеи нашли свое воплощение в архитектуре, дизайне, сценографии.

Казими́р Севери́нович Мале́вич (11 (23) февраля 1879^[1], Киев — 15 мая 1935, Ленинград) — русский и советскийхудожник-авангардист, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — направления в абстрактном искусстве.

Знаменитые работы:

Чёрный квадрат

Чёрный круг

Красный квадрат

Скачет красная конница

Супрематическая композиция 

3.Конструктивизм, Владимир Татлин

Конструктиви́зм — советский авангардистский метод (направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — первой половине 1930 годов. Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. 

Влади́мир Евгра́фович Та́тлин (28 декабря 1885, Киев — 31 мая 1953, Москва) — русский и советский живописец, график,дизайнер и художник театра. Видный деятель таких художественных направлений, как футуризм и конструктивизм.

Известные работы

Башня Татлина, Рабочий и колхозница на марке 2000 года

Матрос (Автопортрет), 1911, Русский музей, Петербург

«Памятник III Коммунистического Интернационала» или «Башня Татлина» 1919—1920

«Летатлин», летающий аппарат (орнитоптер), 1930—1931, Музей истории авиации, Монино, Московская область

Череп на раскрытой книге, 1948—1953.

4.Кубофутуризм (Кубизм, Футуризм), Владимир Маяковский

Кубофутуризм — направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, в живописи соединившее в себе наработки итальянских футуристов (например, Боччони) и французскихкубистов (таких, как Брак).

Живопись

Кубофутуризм был особенно популярен в русском авангарде, как в живописи, так и в поэзии. В разные периоды своего творчества в стиле кубофутуризма работали художники Малевич, Бурлюк, Гончарова, Розанова, Попова, Удальцова, Экстер, Богомазов, и др.

Поэзия

Поэзия футуризма и живопись кубофутуризма (публично этот термин был озвучен в 1913 году Корнеем Чуковским) тесно переплетены в истории. В России «кубофутуризм» было также одним из самоназваний поэтической группы «Гилея», противопоставлявшим её эгофутуризму Игоря Северянина и его последователей (а впоследствии и другим футуристическим группировкам, таким как «Мезонин поэзии» и «Центрифуга»). К поэтам-кубофутуристам относились Велимир Хлебников, Елена Гуро, Давид и Николай Бурлюки, Василий Каменский, Владимир Маяковский, Алексей Кручёных, Бенедикт Лившиц. Многие из них выступали и как художники.

Влади́мир Влади́мирович Маяко́вский (7 (19) июля 1893, Багдади, Кутаисская губерния — 14 апреля 1930, Москва) — русский советский поэт, драматург, киносценарист, кинорежиссёр, киноактёр, художник, редактор журналов «ЛЕФ» («Левый Фронт»), «Новый ЛЕФ».

1. Деятельность объединения «Голубая роза».

объединение художников символистской направленности, возникшее в 1907 г. в Москве. Получило название от одноименной выставки, организованной в 1907 г. журналом "Золотое руно", издававшимся на средства любителя искусства и мецената Н.П.Рябушинского. Выставка «Голубая роза открылась 18 марта 1907 г. в Москве на Мясницкой улице в доме фабриканта фарфора М. Кузнецова.

В залах, декорированных серебристо-серыми и нежно-голубыми тканями, разместились живописные и графические работы четырнадцати художников — П. Кузнецова, П. Уткина, Н. Сапунова, М. Сарьяна, С. Судейкина, Н. Крымова, А. Арапова, А. Фонвизина, Н. и В. Милиоти, Н. Феофилактова, В. Дриттенпрейса, И. Кнабе и Н. Рябушинского. Здесь же располагались скульптурные работы А. Матвеева и П. Бромирского. В начале XX в. их объединило глубокое увлечение идеями символизма. Но самым сильным было влияние В. Э. Борисова-Мусатова. Именно отталкиваясь от его живописного стиля, молодые художники-символисты определили главную задачу своего творчества: погружение в мир тончайших, неуловимых чувств, затаённых и сложных внутренних ощущений, которые невозможно объяснить словами.

В отличие от других художественных группировок, для которых первая совместная выставка становилась началом пути, для московских символистов она оказалась итогом: вскоре после этого содружество начало распадаться. Однако стиль «Голубой розы» во многом определил дальнейшее творчество каждого из них. На выставке звучала музыка русских композиторов в исполнении лучших музыкантов, читали свои стихи Андрей Белый и В. Брюсов. Среди шестнадцати участников выставки особый интерес вызывает Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878—1968). До начала 10-х гг. XX в. творчество художника было близко манере его учителя Борисова-Мусатова и французских символистов группы «Наби». Пейзажи Кузнецова 1904—1905 гг., например «Фонтан», «Утро», выдержаны в холодных тонах: серо-голубом, бледно-сиреневом. Очертания предметов расплывчаты, изображение пространства тяготеет к декоративной условности. Огромное внимание мастер уделял своеобразной передаче света, сообщающего пейзажу ощущение мягкости и одновременно чувство пронзительной грусти.

Название выставки и объединения, а также стилистика работ участников тесно связаны с эстетикой символизма. Голубой цвет — цвет неба, воды, бесконечного пространства — как бы олицетворял поэтическую мечту и реальность, тоску и надежду. «Голубая роза» была групповой выставкой, сплоченной единой эстетической программой. Благодаря ее появлению прежние художественные объединения, включая «Мир искусства», потеряли прежнее значение. Продолжив начинания «Мира искусства», «Голубая роза», вместе с тем, противостояла мирискусническому стилизму и литературности и внесла принципиально новое в художественное сознание эпохи. Она явилась первым шагом русского искусства за пределы XIX века.

Исключительность «Голубой розы» состояла в том, что его художники смогли пластически выразить нематериальные категории — эмоции, настроения, душевные переживания. Сделав неопримитивизм своей неотъемлемой частью, «Голубая роза» явилась предтечей русского авангарда. Ее идеи были подхвачены и по-своему развиты в творчестве Н. Гончаровой, М. Ларионова, К. Малевича.

Выставку посетило более пяти тысяч человек.

Деятельность "Голубой Розы" была довольно длительной, хотя выставка с таким названием (1907) оказалась единственной. Название с той поры перешло к художественному движению, связанному с творчеством участвовавших в знаменитой выставке мастеров.

Замечательная страница в истории московского символизма - раннее творчество армянского живописца Мартироса Сергеевича Сарьяна (1880—1972). Он мог прекрасно демонстрировать тонкость ощущений и символистскую недоговорённость, как, например, в работе «Озеро фей» (1906 г.), которая построена на типичной для «Голубой розы» игре холодных тонов. Однако подлинная стихия художника — это мир Востока с его темпераментностью и обжигающей яркостью палитры. В таких картинах, как «Улица. Полдень. Константинополь» (1910 г.), «Финиковая пальма» (1911 г.), художник лепит форму сочными красками и энергичными мазками.

В работах Николая Николаевича Сапунова (1880—1912) переплетаются элементы символизма и примитивизма. Его полотно «Карусель» (1908 г.), казалось бы, типичная примитивистская «ярмарочная картинка». Однако лёгкие короткие мазки, сложные соединения чистых (т. е. не смешанных на палитре) красок заставляют вспомнить утончённую манеру французских мастеров. И это превращает балаганную сценку в символистское «видение».

Немалое значение для Сапунова имели образы ушедших эпох, что сближает его с петербургскими мастерами «Мира искусства». Такова картина «Бал» (1910 г.), воскрешающая в памяти сцену провинциального бала пушкинских времён.

Гораздо сильнее ностальгические настроения чувствуются в творчестве Сергея Юрьевича Судейкина (1882 —1946). Действие картин художника, в частности работы «В парке» (1907 г.), разворачивается, как правило, в английских парках, среди густой листвы и теряющихся в ней лёгких беседок. Уединяющиеся в лодках и в аллеях парка влюблённые пары словно растворяются в нежной воздушной дымке, их крошечные фигурки становятся органичной частью природы. Рассеянный сумрачный свет придаёт этим «сценам времён сентиментализма» ощущение мечтательности и острой тоски по несбыточному.

Вокруг журнала группировались московские поэты-символисты во главе с В.Я.Брюсовым, которому, предположительно, принадлежит и идея названия выставки. В объединение входили живописцы и графики П.В.Кузнецов, Н.П.Крымов, Н.Н.Сапунов, М.С.Сарьян, С.Ю.Судейкин, П.С.Уткин, Н.П.Феофилактов, братья В.Д. и Н.Д.Милиоти, А.В.Фонвизин и др. Ядро составляли участники саратовской выставки "Алая роза", проходившей в 1904 г.

Выставка «Голубая роза» не привела к созданию прочного художественного объединения московских символистов. Но её название позднее превратилось в метафору, определяющую основные черты их стиля: камерность, тягу к отражению тончайших ощущений, богатство и гибкость цветовой палитры, чуткое внимание к передаче света. Живопись этих художников создала особый мир мечтаний и видений, пронизанный мягкой, но хрупкой радостью, а порой столь же мягкой ностальгической грустью.

По мере развития символистская живопись приобретала большую силу экспрессии и активно включалась в стремительный поток авангардного движения в русском искусстве 1910-х годов. Из восторженных мечтателей художники "Голубой Розы" превратились в участников исполненной драматизма Жизни-Балагана. Главной цветовой тональностью их произведений стала глубокая густая синева, в которой особенно напряженно зазвучали интонации красного, желтого и оранжевого. Объединение прекратило свою деятельность в 1910 г. В 1925 г. в Москве состоялась ретроспективная выставка "Мастера "Голубой розы"".

 

15. «Бубновый валет».

«Бубновый валет» — название скандально известной выставки, открывшейся в Москве в декабре 1910 года, и возникшего вскоре художественного общества, ставшего самым крупным объединением раннего авангарда, — в России .Красочная энергия полотен «валетов» действительно казалась чем-то небывалым; особенно изумляло обилие «вульгарных», «простонародных» цветовых сочетаний. Машков вспоминал, что в те годы «красный цвет считался грубым, нехудожественным, мужицким». Но новое понимание цвета уже носилось в воздухе. Матисс как-то сказал: «Фовизм, это когда есть красный».

Художников «Бубнового валета» принято считать преимущественно создателями натюрмортов. Однако на выставке 1910 года этот жанр не преобладал даже количественно. Что же касается впечатления, произведенного на публику, то здесь первое место, несомненно, занял портрет. Рекордсменом стал Машков, чьи портреты имели, по словам Волошина, «с первого взгляда вид чудовищный и ужасающий». По шокирующему воздействию с ними могли сравняться только композиции на религиозные темы Гончаровой и Лентулова (они даже были сняты с выставки).

Портретная концепция бубнововалетцев состояла в полемическом переосмыслении традиций жанра и намеренном «снижении» образных характеристик. Закон жанра — слияние индивидуального сходства с элементом идеализации — Машков сознательно нарушает. Сходство он преувеличивает и обостряет; идеальное, образцовое переиначивает самым неожиданным образом.

Художники «Бубнового валета» отрицали традиции как академизма, так и реализма XIX века. Для их творчества характерны живописно-пластические решения в стиле П. Сезанна (постимпрессионизм), фовизма и кубизма, а также возврат к приёмам русского лубка и народной игрушки. Характерны деформация и обобщение форм.

Дальнейшая судьба объединения

В 1912 году откололся ряд художников, тяготевших к примитивизму, кубофутуризму и абстракционизму (В. Д. и Д. Д. Бурлюки, Н. С. Гончарова, М. Ф. Ларионов, К. С. Малевич и др), организовавших выставку под названием Ослиный хвост.

Объединение распалось в 1917 году, вскоре после того, как в 1916 году «Бубновый валет» покинули П. П. Кончаловский и И. И. Машков.

По инициативе бывших членов «Бубнового валета» в 1925 году было образовано объединение «Московские живописцы», в дальнейшем преобразованное в «Общество московских художников» (ОМХ).

А. Лентулов. Автопортрет

И. Машков. Натурщицы в мастерской

М. Ларионов. Портрет Н.Гончаровой.

• В. С. Барт

• В. Г. Бехтеев

• С. И. Бодуэн-де-Куртинэ

• В. Д. Бубнова^[2][3]

• В. Д. Бурлюк

• Д. Д. Бурлюк

• Н. С. Гончарова

• В. В. Кандинский

• П. П. Кончаловский

• Н. Е. Кузнецов

• А. В. Куприн

• М. Ф. Ларионов

• А. В. Лентулов

• С. И. Лобанов

• К. С. Малевич

• А. Т. Матвеев

• И. И. Машков

• А. И. Мильман

• А. А. Осмеркин

• В. В. Рождественский

• В. В. Савинков

• Р. Р. Фальк

• М. А. Фейгин

• А. В. Фонвизин

• Л. В. Шюрцваге (Сюрваж)

• А. А. Экстер

• А. Г. Явленский

• и др.

16. «Ослиный хвост».

Ослиный хвост— художественное объединение, организованное М.Ф. Ларионовым и Н.С. Гончаровой в 1912 году.

Объединение художников, отделившихся от «Бубнового валета» и организовавших в 1912 г. в Москве, в Училище живописи, ваяния и зодчества, одноименную выставку. Идейным вдохновителем «Ослиного хвоста» был М. Ларионов. В объединение входили Н. Гончарова, К. Малевич, В. Татлин и др. Название выставки связано с известным эпизодом художественной жизни Парижа: в 1910 г. в «Салоне независимых» группа мистификаторов выставили картину, якобы написанную ослом посредством хвостаПротивопоставляя себя «бубнововалетовцам», ориентировавшихся на современную французскую живопись, члены «Ослиного хвоста» попытались соединить в своем творчестве все современные достижения живописи с русским народным творчеством — лубком, иконописью, а также примитивизмомКак и выставка «валетов», скандалом сопровождалась и выставка «Ослиного хвоста», пользовавшаяся популярностью у публики не столько из любви к современному искусству, сколько из обывательского интереса.      К 1913 г. объединение «Ослиный хвост» фактически распалось.

Название группы напоминало о нашумевшей мистификации представителей парижской художнической богемы, выставивших в парижском Салоне Независимых (1910) абстрактную картину, написанную якобы ослиным хвостом, опущенным в жидкую краску. Эпатажное название призвано было подчеркнуть, что живопись участников выставки ещё более «левая» и авангардная, чем у бубнововалетцев   К. С. Малевич. «Полотёры».

Скандальную известность выставке обеспечила цензура, запретив ряд картин Гончаровой, представлявших лубочные изображения святых («Евангелисты», 1911), посчитав, что они не могут быть показаны на экспозиции с подобным названием. Участники «Ослиного хвоста» стремились соединить живописные достижения европейских мастеров с традициями русского народного искусства, крестьянской живописи,лубка, иконописи, искусства Востока, сближаясь тем самым с примитивизмом. На выставке были впервые показаны такие знаменитые впоследствии произведения, как «Отдыхающий солдат» и «Утро в казармах» М. Ф. Ларионова; «Крестьяне, собирающие яблоки» и «Прачки» Н. С. Гончаровой; «Полотёры» К. С. Малевича; «Продавец рыб» и «Матрос» В. Е. Татлина.  В отличие от «Бубнового валета», «Ослиный хвост», организационно не оформившись, распался уже в 1913 г.

17. Абстрактное искусство Абстракциони́зм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Основоположники: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были Василий Кандинский ( завершивший в Германии переход к своим абстрактным композициям), Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, основавшие в 1910—1912 гг. «лучизм», и создатель супрематизма как нового типа творчества Казимир Малевич, автор знаменитого «Чёрного квадрата».

Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо. Примеры работ: Казимир Малевич «Черный квадрат» (1915), Тео Ван Дусбург «Компазиция V» (1924)

18. Творчество К. Петрова-Водкина.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин - один из крупнейших русских художников XX столетия. Он был талантливым живописцем и графиком. Его творчество предстает перед нами как искусство большого масштаба, идущее от традиций древнерусской живописи, классического искусства, тенденций А. Иванова и живописи современных ему Серова, Врубеля. Он владел своеобразным, только ему присущим художественным языком, неожиданным и прекрасным. Он умел видеть дорогу к будущему искусству и открывал новые его дали. Своей творческой жизнью Петров-Водкин показал, что истинные достижения в искусстве возможны лишь в близости художника к истокам жизни своего народа и своего времени. Вопреки процессу дегуманизации, поразившему мировое искусство, Петров-Водкин четко придерживался принципов гуманизма. Художник по самому духу творчества сугубо национальный, он озабочен общечеловеческими, "планетарными" проблемами. Именно на этой основе и расцвело творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина, большого, философски мыслящего художника, новатора своего времени. Своим творчеством он связывает век нынешний с прошедшим и вместе с тем намечает пути в будущее. В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. С 1910-х годов он перешёл от аллегорических к целостным монументально-декоративным произведениям. Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, результатом чего считается разработка им сферической перспективы. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты. Натюрморты Петрова-Водкина програмны. В них он решал главнейшие вопросы, которые стояли перед ним в живописи: о существе предмета, его пространственном окружении, среде, движении, реализуемом в пространстве и времени, колористической системе трехцветия. Таковы почти все его натюрморты - "Селедка" (1918), "Розовый натюрморт. Ветка яблони" (1918), "Утренний натюрморт" (1918), "Скрипка" (1918), "Натюрморт с пепельницей на зеркале" (1920), "Натюрморт. Бокал и лимон" (1922), "Черемуха в стакане" (1932) и другие. Одновременно с большими композиционными произведениями в течение всех 20-х и 30-х годов Петров-Водкин работал над портретами. В портрете художником была создана своя, совершенно оригинальная концепция. Его портретные произведения монументальны и по замыслу, и в осуществлении. Первой картиной на этом пути стало его знаменитое "Купание красного коня" (1912). Центром ее стал пылающий, огнеподобный конь, вызывающий в памяти образы Георгия Победоносца на многих древнерусских иконах. В картине он прозвучал как символ могучей воли, благородства и энергии. Углубленная работа над натюрмортами позволила художнику приступить к большим композиционным произведениям, уже во многом отличающимся от предреволюционных картин. Первым таким произведением стала картина "1918 год в Петрограде" (1920). Женщина с ребенком, стоящая на балконе дома, изображена на фоне улицы со взбудораженными группами людей. Недаром картина имеет и второе название - "Петроградская мадонна".

19. Творчество В.В Кандинского

Творчество В.В Кандинского занимает особое место в истории не только русского, но и мирового искусства. Наследие художника принадлежит в равной степени к русской и немецкой художественной школе. Его считают родоначальником абстракции в изобразительном искусстве. Традиционно считается, что история абстрактного искусства началась в России с 1910 года, когда появились первые неизобразительные акварели В. Кандинского. Все абстрактные произведения Кандинского, по его собственным словам, разделяются на три группы (по степени отдаления от предмета): импрессии, импровизации и композиции. Если импрессия рождается как прямое впечатление от внешнего мира, то импровизация бессознательно выражает внутренние впечатления. Наконец, композиция — это высшая и самая последовательная форма абстрактной живописи. В ней нет прямых связей с реальностью. Цветовые пятна и линии образуют захватывающую дух стихию движения. Композиции Кандинского не имели индивидуальных названий — только номера (из десяти таких работ сохранилось семь). Лучшие из них созданы в начале 1910-х годов - в период наивысшего развития таланта художника. Вершиной творчества В. Кандинского считаются "Композиция VI" и "Композиция VII", написанные в 1913 году. "Композиции", над которыми В. Кандинский работал долго и напряженно, имеют свою живописно-пластическую драматургию. Художник исполнил много графических и живописных набросков и эскизов, он мыслил свои "Композиции" как некие новые миры, возникающие так же, как возник "космос" - "путем катастроф, подобно хаотическому реву оркестра, выливающемуся в конце концов в симфонию, имя которой - музыка сфер". В. Кандинский в своих "Композициях" творит новую реальность, не имеющую ничего общего с окружающим нас миром. Но в этой новой реальности ощутим весь сложный, исполненный великих потрясений духовный мир человека начала XX века. Эмигрировал в Германию, затем Францию, преподавал в Баухаус.

20. Творчество П. Филонова Совершенно самостоятельным вариантом экспрессионизма является творчество петербургского художника Павла Николаевича Филонова (1883–1941). Оно имело ярко выраженный национальный характер, что, в частности, проявилось в утверждении художником своей пророческой роли. Главный смысл творчества Филонова – в пророчестве. Он провозглашал свой аналитический метод, отстраняя все теории современников и предшественников. Он пытался предуказать пути в «мировой расцвет». Но дело даже не в тех словах, которые начертал художник в своих программах: пророчествовали тогда многие. Сами произведения Филонова наделены пророческим духом, приобретающим визионерский характер. Филонов не стремится к прямому воздействию на зрителя с помощью обнажения собственных чувств, а, напротив, замыкается в создаваемом им образе, погружается в анализ предмета. Но анализ этот не раскрывает предмет. Филонов как бы разлагает мир на составные элементы и, пропустив их сквозь увеличительное стекло своего анализирующего глаза, синтезирует в сложные образы. У него возникают картины мира, полные символического смысла и трагического напряжения. Реальный мир в этих картинах в какой-то мере зашифрован, они полны мистических символов. Предметы превращаются в знаки, которые надо разгадывать. Зритель приобщается к некой тайне филоновского пророчества. Во всём этом процессе постижения мира и его перевоплощения огромную роль играет филоновская способность доводить картину или акварель до последней степени отделанности. Эта «сделанность» есть свидетельство не только технического мастерства и способности к внешней законченности. Для художника процесс «отделки» есть одновременно процесс вживания в предмет, его объективного анализа. Это – анализ кистью, в его осуществлении нераздельны разум и рука художника.