Билет 15. Структура средневековой рукописной книги.

В средние века грамотным обязательно необходимо было быть лишь торговцам и священникам. Но торговые сделки, купеческие записки не требовали прочного долговечного материала для письма, и поэтому до нас они почти не дошли. Другое дело священные писания, над изготовлением которых трудились долго и тщательно. Материал для них выбирали прочный. Именно по таким священным рукописным книгам мы сегодня и изучаем культуру средневекового письма.

Вместо античного папируса в это время появляется пергаментный кодекс (тонко выделанная ослиная или телячья кожа). Листы были большого размера, однако вскоре поняли, что такие большие листы неудобны и стали их складывать вдвое. Такие сложенные вдвое листы получили название диплом. Когда дипломов набиралось много, их складывали и сшивать в кодексы. Так античная библиотека в виде корзин с папирусными свитками исчезла, а появились полки с книгами.

Размером кодексы были разные. Большие называли «ин фолио» - 30-50см. Чаще всего употреблялись четвертушечки большого листа, и поэтому называли их «ин гватро». Однако встречались и крошечные кодексы

4 \ 2,5см, которые шутливо называли «мальчик с пальчик». Фигуры на миниатюрах таких кодексов получалтсь с булавочную головку.

В 11 веке из Аравии стала проникать в Европу бумага.

В средние века существовало три типа орудия для письма:

• Стиль – сохранившийся с античной эпохи, представлял собой заостренную с одного конца металлическую палочку для письма на навощенной дощечке. Другим тупым концом стирали написанное.

• Калам – для письма чернилами европейцы позаимствовали на востоке – заостренную камышовую палочку.

• Перо – самый удобный для написания инструмент, гусиное, лебединое или павье.

Чернила чаще применяли черные. Для легкого смывания их готовили из смеси сажи и камеди (густой смолы деревьев). А для прочных – из чернильных дубовых орешков с той же камедью. Довольно редко применялись цветные чернила. С античности – красные, с 11 в. – красные и зеленые, а с 13в. – красные и синие.

Так как и пергамент, и бумага были дорогие, то пространство страницы экономили, старались плотнее вписывать строки. Страницу либо сплошь покрывали текстом, либо текст делили на два столбика.

Новы мысли в тексте всегда выделяли красной краской (отсюда выражение «красная строка»). Но рукопись еще украшал и инициал – большая заглавная буква. Её богато расписывали всевозможным орнаментом,

Сшивали двойные листы кодекса пергаментными ленточками, делая из них книги, и охватывали двумя деревянными дощечками, обтянутыми кожей. На переплеты особо важных книг часто добавляли украшения из золота, серебра и драгоценных камней.

Билет 17 Композиция картины. Основные композиционные фигуры.

Композиция – это составление, соединение различных деталей в целое, объединенных одной идеей. В изобразительном искусстве композиция – это построение художественного произведения. Слово «композиция» в качестве термина стало употребляться с эпохи Возрождения. От композиции зависит восприятие картины. Веками художники искали наиболее выразительные композиционные схемы, поэтому элементы изображения размещаются не хаотично, а образуют простые геометрические фигуры (треугольник, пирамиду, круг, овал, квадрат, прямоугольник и т.д.).

Для передачи неподвижного образа, подойдет замкнутая композиция, основанная на форме круга, квадрата, прямоугольника.

Для передачи панорамного пейзажа, простора, подойдет тип открытой композиции. Форма композиции – прямоугольная.

Композиция строится по определенным канонам. Основной замысел композиции может быть построен на контрастах (добро и зло, веселье и грусть, новое и старое, спокойное и динамичное, и др.) Контраст – помогает создать яркое и выразительное произведение. Леонардо да Винчи говорил о необходимости использования контрастов величин (высокий и низкий, большой – маленький, толстый – тонкий), фактур, материалов, объема, плоскости и др.

Тональный и цветовой контрасты используются в процессе создания произведения. Светлый объект лучше заметен, выразительнее на темном фоне и наоборот, темный – на светлом.

Для достижения цельности композиции следует выделить центр внимания, где будет расположено главное. Второстепенное на картине приглушается

Важная роль в композиции отводится фону или среде, в которой происходит действие. Окружение героев имеет огромное значение для раскрытия содержания картины.

Итак, целостность композиции зависит от способности художника подчинить второстепенное главному.

Можно выделить следующие композиционные правила:

1. Передача движения (динамика).

2. Передача покоя (статика).

3. Золотое сечение (одна треть).

К приемам композиции можно отнести: передачу ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра.

На восприятие композиции картины большое влияние оказывают ее формат и форма обрамляющей картины рама Формат картины тесно связан со всей внутренней структурой художественного произведения и часто при его анализе указывает верный путь к его пониманию. Чаще всего формат картины избирается художником до начала работы.

Средства композиции включают: формат, пространство, композиционный центр, равновесие, ритм, контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и ассиметрию, открытость и замкнутость, целостность. Таким образом, средства композиции – это все, что необходимо для ее создания, в том числе ее приемы и правила.

Билет 18

Скульптура - вид изобразительного искусства

Скульптура ( от лат. - вырезать, высекать, ваяние. пластика ) - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный трёхмерный объём. Сами эти произведения: статуи, бюсты, рельефы и т.п. - также называются скульптурой.

Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, и рельеф ( барельеф и горельеф ), в котором объёмные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по-своему назначению станковой, монументальной, монументально-декоративной. Отдельно выделяется скульптура малых форм.

По жанрам скульптура делится на портретную, бытовую ( жанровую ), анималистическую, историческую и др. С помощью скульптуры может быть воссозданы пейзаж и натюрморт. Но главным объектом для скульптуры является человек, который может быть воплощён в разнообразных формам ( голова, бюст, статуя, скульптурная группа ).

Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная. сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает своё произведение из твёрдого материала

( камень, дерево и др.) путём удаления лишней массы. Такой способ называется высекание. Другой процесс создания объёма - за счёт прибавления пластической массы ( пластилин, глина, воск, и др.). Такой способ называется - лепка или пластика. Скульпторы создают также своё произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из жидкого состояния ( гипс, бетон, пластмасса и т.п. ). Нерасплавленный металл для создания скульптуры обрабатывается путём ковки, чеканки, сварки и резки.

Скульптура - один из самых древних видов искусства. В первобытном обществе существовали женские фигурки и рельефы. При раскопках древних поселений находили небольшие скульптурки из обожженной глины, вырезанные из кости, дерева, камня. У народов Древнего Египта, Древнего Востока, Древней Америки были гигантские изваяния богов, люде и животных. Античная скульптура научилась передавать движение. В средние века скульптура передавала духовное, внутреннее и эмоциональное состояние человека. В эпоху Возрождения - интерес к человеку как прекраснейшему созданию природы. В 20 веке возникают новые методы и материалы ( проволока, надувные фигуры, зеркала и др.).

Цвет постоянно активно применялся в скульптуре. Особенно в эпоху античности, средние века, Возрождения. Используется для повышения художественной выразительности станковой скульптуры и в наши дни.

Немаловажным в скульптуре является постамент. Функция его заключается в том , чтобы продемонстрировать скульптуру с наиболее выгодного ракурса рассмотрения. Но в пастоменте есть одна закономерность: чем выше у скульптуры постомет, тем больше она воспринимается как символ.

Билет 19

Многогранность таланта Леонардо да Винчи.

Возрождение (Ренессанс – франц.) – это эпоха, охватывающая в Италии14-16века.Возникло Возрождение сначала как художественное движение, сплотившее философов, литераторов, музыкантов, архитекторов и художников вокруг центральной проблемы – гуманизма. Возрождение стало новым художественным мировоззрением, которое формировало: 1) буржуазно-личностные идеалы, 2) профессиональное искусство как идеальное оформление светского образа жизни, 3)европейскую национальную культуру.

Период наивысшего расцвета искусства в Италии в 16 веке называется Высоким Возрождением. Это «золотой век» искусства, представленный творчеством великих художников – Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана.

Один из основоположенников живописи этой эпохи явился Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, архитектор, инженер и ученый. Он учился в мастерской А.Веррокьо, работал во Флоренции, Милане, Риме, а также во Франции. Личность Леонардо была и одаренной, и загадочной. Он предугадал изобретение телевидения и летательных аппаратов, проектировал градостроительные сооружения; был одарен во всех видах искусства, включая музыку. Леонардо словно стремился постигнуть все возможности разума человека, понять его место в мироздании.

Главным предметом исследования Леонардо был человек. Он призывал художников к объективному изображению человека. Им была тщательно изучена особенность человека и его движений:

• возрастные особенности человеческих лиц и изменения черт лица, в соответствии с эмоциональным состоянием, с помощью знаменитой леонардовской дымчатой светотени «сфумато», например картина «Поклонение волхвов»;

• анатомия человека, «золотое сечение» в изображении человеческой фигуры, («Святой Иероним»);

• переосмысление горизонтальной композиции картины и попытка построить смысловую композицию, («Тайная вечеря»);

• единая эмоциональная связь между персонажами картины;

• ввел в искусство эстетики понятие безобразного («карикатура»);

• отказ от изображения природы как фона и наделяет ее смыслом, («Мадонна в скалах», «Джоконда»).

Леонардо была создана научная разработка теории живописи для преподавания в Миланской академии художеств. В ней на первое место в обучении он выдвигал искусство перспективы как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Таки образом он упорядочил закон перспективы Ф Брунеллески:

• чем дальше предмет, тем он меньше;

• отношение высоты предмета к его ширине на любом удалении сохраняется;

• чем глубже предмет на плоскости, тем короче его линия.

• две линии, идущие в глубину картины, пересекаются в одной точке на горизонте («точка схода»);

• «прямая перспектива» - это один вариант линейной перспективы с точкой схода в центре композиции.

Кроме этого Леонардо да Винчи были открыты законы тональной и воздушной перспективы:

• закон тональной перспективы – чем дальше предмет, тем «холоднее» тон (синеватый);

• закон воздушной перспективы – чем дальше предмет , тем расплывчатей его контур.

«Линия горизонта» у Леонардо – это место геометрического и тонального слияния линии земли и линии неба.

Среди шедевров мирового искусства – «Джоконда» («Монна Лиза») – самая загадочная картина. Она олицетворяет собой материнскую нежность. Картина совершенна, улыбка мадонны загадочна. Кульминация художественного творчества Леонардо – фреска «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта-Мария деле Грацие в Милане. Здесь изображен момент из «Евангелия», когда Христос произносит пророческие слова: «Один из вас предаст меня». Леонардо стремится через мимику, жесты, группировку фигур, их силуэты, пластику и колорит выразить происходящую на наших глазах драму Христа. Образ Христа спокоен и ясен. Иуда резко выделяется среди других апостолов. Стремясь усовершенствовать технику фрески, Леонардо прибег к смеси масла и темперы, но она плохо держалась на стене. Поэтому фреска начала стремительно разрушаться еще при жизни художника и дошла до нас благодаря многочисленным реставрациям.