История кино / Микеланджело Антониони

Фильм Ран / Смута по сути является экранизацией шекспировского Короля Лира. Действие фильма перенес в феодальное прошлое Страны Восходящего Солнца и поставил как грандиозное эпическое полотно, необходимое для создания этого масштабного трагического произведения. Этот фильм вызвал настоящий фурор у западной кинообщественности и был представлен к соисканию «Оскаров» в номинациях «режиссура», оператор, художник-постановщик, но был удостоен только одной статуэтки – за костюмы.

Стивен Спилберг спродюсировал фильм Сны, состоящий из восьми новелл. В одной из них роль Ван Гога исполнил Мартин Скорсезе. В марте 1990 Куросава удостоился почетного «Оскара» с формулировкой «за достижения, которые вдохновили и оказали огромное влияние на кинематографистов всего мира». В 1991 он снял Августовскую рапсодию, медитативный, тонкий и удивительно красивый фильм о прямых и косвенных последствиях, которые оказала на жизнь одной японской семьи бомбардировка Хиросимы. В 1993 Куросава поставил кинокартину Нет, еще нет / Мададайо, об отношениях престарелого преподавателя университета и его учеников. Название фильму дала фраза одного из персонажей: «Готов ли ты перейти в мир иной? Нет, еще нет». Мададайо стал последним фильмом величайшего художника и гуманиста, вклад которого в мировое искусство, как это банально не звучит, переоценить невозможно.

Умер Куросава в Токио 6 сентября 1998.

ФИЛЬМОГРАФИЯ

Конь (Horse, 1941, часть сцен – не заявлен в титрах);

Сугата Санзиро (Sugata Sanchiro, 1943);

Самая красивая (Ichiban Utsukushiki, 1944);

Сугата Санзиро 2 (Zoku Sugata Sanshiro, 1945);

Те, кто вцепился в хвост тигру (Tora no o fumu otokotachi, 1945);

Те, кто будет жить завтра (Asu o tsukuru hitobito, 1946);

Чудесное воскресенье (Subarashiki nichiyobi, 1947); Пьяный ангел (Yoidore tenshi, 1948);

Молчаливая дуэль (Shizukanaru ketto, 1949);

Соломенный пес (Nora inu, 1949); Скандал (Shubun, 1950);

Расемон (Rashomon, 1950); Идиот (Hakushi, 1951); Жить / Икиру (Ikiru, 1952);

Семь самураев (Shichinin no samurai, 1954);

Я живу в страхе (Ikimono no kiroku, 1955);

Трон в крови / Замок паутины (Kumonosu jo, 1957);

На дне (Donzoko, 1957);

Затаенная крепость (Kakushi toride no san akunin, 1958);

Злые спят спокойно (Warui yatsu hodo yoku nemuru, 1960);

Телохранитель / Юджимбо (Yojimbo, 1961);

Сандзюро (Tsubaki Sanjuro, 1962);

Рай и Ад (Tengoku to jigoku, 1963);

Красная Борода (Akahige, 1965);

Додескаден (Dodesukaden, 1970);

Дерсу Узала (Dersu Uzala, 1974);

Тень воина/Кагемуша (Kagemusha, 1980);

Смута / Ран (Ran, 1985);

Сны (Yume/Akira Kurosawa's Dreams, 1990);

Августовская рапсодия (Hachigatsu no rapusody / Rhapsody in August, 1991);

Мададайо (Madadayo, 1993).

Михаил Водопьянов

Кира Георгиевна Муратова - один из немногих режиссеров в постсоветском пространстве, кто, не будучи в свое время обласкан советской властью, добился признания и упорно продолжает снимать свое кино. Кто-то называет его авторским, кто-то использует расплывчатое выражение "кино не для всех", мне же куда ближе и проще называть ее фильмы искусством.

Становление и характер

Она родилась в 1934 году на территории нынешней Молдавии, в Сороках, так называют это место. До замужества носила фамилию попроще - Короткова. Проучившись всего один курс на филологическом факультете МГУ, все-таки ушла во ВГИК на режиссерский, где под руководством своих мастеров - С.А. Герасимова и Т.Ф. Макаровой проучилась вплоть до 1959 года. С 1962 года работала на Одесской киностудии режиссером-постановщиком...

Ее кино стало доходить до зрителя только в конце восьмидесятых, хотя первый свой фильм "У крутого яра" она сняла еще в 1961 году совместно со своим мужем А.И. Муратовым. "Зрительскую судьбу своих фильмов я не знаю, - говорила она. - В какой-то момент даже решила так: ну и ладно, я для архива снимаю".

Она не любит работать со звездами, потому что, по ее словам, "с ними нужно вести себя как с кошками, подстраиваться под них" и это излишнее внимание проступает потом на пленке цветными пятнами эксгибиционизма той звезды, которую снимаешь. Наверно, по этой причине Муратова предпочитает работать с актерами малоизвестными или вообще любителями.

И все же, несмотря на это, она открыла множество дарований, которые теперь считаются настоящими звездами. Первыми, конечно же, на ум приходят Нина Русланова, Рената Литвинова и Зинаида Шарко (возможно, сыгранная ею героиня "Долгих проводов" - самая сильная женская роль в советском кино: фильм снят в 1971-м, выпущен в 1987-м). Кстати, Литвинова сделала вообще, казалось бы, невозможное: помогала Муратовой как сценарист аж в двух картинах - в "Увлечениях" и "Трех историях", где и сама сыграла роль в одной из новелл, ставшей впоследствии ее "визитной карточкой". Обычно Муратова не терпит "инородного" вмешательства в свои фильмы: сама снимает, сама сценарии пишет, актеров подбирает и даже пленку монтирует - все сама. Такая вот самостоятельная женщина. Она не любит общаться с журналистами, хотя им-то она как раз очень интересна: ее имидж русской женщины-тайны, которая знает, в чем истина, притягивает к себе внимание. Отказ только усиливает интерес: получается такой невольный самопиар. Ей, например, не нравится, когда ее кино начинают разбирать по полочкам многоумные критики и рецензенты: "Только не открывайте меня, как консервную банку, а то порежете пальчики". "Что вы, что вы, Кира Георгиевна, ни в коем случае, мы только позволим себе немного рефлексии на эту тему".

Итак, Муратова и

признание зрителей

Вообще все ее кино - о людях немного странных, на первый взгляд бездушных, трогательных, иногда пустых и оттого нервных. Но именно в этом мрачном наборе она и находит черты современного человека, говорящего по-русски. "Я предпочитаю снимать на русском языке где бы то ни было", - говорит она.

Она по-хорошему заряжает зрителя и кадром, и драматизмом и проблематикой. Ее кино - это постоянный конфликт между пленкой и реальностью, между актером и его персонажем, между волей автора и самим кино. Это некий метафизический сдвиг, это интересно, это то, что нужно продвинутому зрителю.

Хотя она никогда не идет на поводу у публики. Зритель в таких случаях обвиняет ее в нелюбви к людям, в мрачности и безысходности. Муратовой лишь остается стоически улыбаться или разводить руками: так уж оно и есть в жизни, я же, мол, не вру вам, вы сами, по большому счету, мало что любите, кроме самих себя...

Ее картины - постоянные участники и лауреаты международных и отечественных кинофестивалей. Ее творчество отмечают с завидной регулярностью (например, приз Fipressi на МКФ в Локарно за фильм "Долгие проводы" в 1987 году, приз "Серебряный медведь" на Берлинском МКФ за "Астенический синдром" в 1990-м и множество призов на отечественных кинофестивалях, в том числе и на последнем Выборгском фестивале "Окно в Европу" ей был вручен приз "За лучшую режиссуру" - за фильм "Чеховские мотивы"), причем иногда попадаются призы с прозрачными формулировками: "За вклад в искусство", например приз Берлинской академии искусств в 1999 году. Дело тут, видимо, не только в режиссерской самобытности. В ее картинах европейский зритель находит то, что ищет: мрачную, мокрую, холодную страну с гордым названием Россия, где живут сильные нервные женщины и их пьющие мужья, роковые медсестры-блондинки и прочие фрики. Загадка. Тайна. Рок. То, чего нет в их собственной, буржуазной жизни.

Что говорит о ее творчестве бесспорно положительно, так это то, что кино Муратовой всегда максимально отдалено от каких-то политических или идеологических высказываний, мотиваций. Если таковые и встречаются, то они весьма косвенны и не оттягивают на себя внимание зрителя. Вообще художник должен всегда быть в стороне от суеты, его дело лишь рассказывать о том, что он чувствует, как видит, а такие вопросы, "как жить народу" и т.п., не в его компетенции.

Неписаный закон техники безопасности творческого человека: не переходи грань вкуса, и тогда все будет хорошо. Муратова это понимает и заслуживает уважения хотя бы за это. Всякий, кто начинал переступать эту черту, неизменно терял чувство меры, и в картинах сразу селилась пошлость. Зато приходили деньги на кино, слава и снисходительность власти. Муратова сделала свой выбор в пользу чистого творчества, руководствуясь принципом "искусство ради искусства".

Сама Муратова божится в любви к Дэвиду Линчу и Паоло Пазолини, но в ее кино (и это хорошо) вы не найдете и тени какого-то влияния или подражания этим двум действительно великим режиссерам. Она по-настоящему самобытна, а значит, свободна в своем творчестве, что же может быть лучше? Вопрос чисто риторический.

Она не пытается окультурить или отфильтровать реальность, но и не снимает то, что видит сама. Именно в этой золотой середине она находит столь важный компонент, который мы называем художественностью. Поэтому мы вправе говорить о гармонии в фильмах Киры Муратовой, никогда не работающей с податливой фактурой, никогда не ищущей легких путей и характеров. Темы ее сложны, а задачи туманны для всех остальных участников съемочной группы. Она любит красоту и стремится к ней, но при этом широко использует рецепт: "в одну бочку меда добавляем ложку дегтя, тщательно перемешиваем - получаем жизненность". Очень даже может быть, что это неверный подход, но наше дело лишь выделить момент, суть, а не давать оценку происходящему.

Муратова и женское

творческое начало

И все-таки нужно сказать о главном свойстве ее творчества - о его женственности. Это больная тема многих творческих женщин, но без пары слов на эту тему мы никак сегодня не обойдемся.

Женственность кинематографа Муратовой - это не половой признак, а знак другого мировоззрения. Многие говорят о том, что нет мужского или женского творчества, что есть искусство, и оно существует само по себе, у него нет пола. А все-таки всегда видно, где мужик снимал, а где нет. Не в смысле, что женщины делают кино хуже (глупо вообще так рассуждать), но они делают его иначе, и не замечать этого может только человек, никогда не понимавший кино. Один мой знакомый хорошо сказал на эту тему: "Разум женщины - измененное состояние мужского сознания", правда, он имел в виду термин "измененное состояние сознания" в его сугубо психологическом смысле - и никакой метафизики.

Взгляд Муратовой пытается углубиться в каждый момент экранного времени, изучить его и если не выставить балл, то хотя бы прочувствовать каждый сантиметр этой кинореальности. Красота, умеренная натуралистичность, постоянная рефлексия по любому поводу и размытость формы - вот истоки женственности ее кино.

Кира Георгиевна пытается передать, если можно так выразиться, своеобразное пятое измерение - душу, что ли, духовность, наши ощущения, Божий мир или хаос, - как вам больше нравится. Поэтому нам и кажется ее кино таким странным: это не просто люди, не просто природа, это другой язык - киноязык чувств и ассоциаций, на котором она пытается достучаться не до нашего разума ("вот это цитата отсюда, здесь я это хочу сказать, вы поняли?" и т.п.), а до нашего сердца, которому хоть и чужды красивости и нелепые метафоры, но которое, как ни пафосно это звучит, все больше становится в наше смутное время твердым и холодным...

Муратова и

"Чеховские мотивы"

Такой мы знали Киру Муратову до сегодняшнего дня, и в картине "Чеховские мотивы" она не изменила себе. Для нее по-прежнему важны именно морально-философские проблемы человеческого бытия.

В основу фильма легли два произведения незабвенного классика. Особенно в картине угадывается сюжет пьесы "Татьяна Репина". Для фильма Муратова выбрала черно-белую пленку, что весьма точно передает атмосферу позднего мастера.

Это фильм о России примерно пятилетней свежести. Две стороны современной русской жизни: бедные и богатые объединены общим героем и местом действия, глухой деревушкой, где-то в N-ской области. Бедные, то есть middle class - интеллигентская многодетная семья. Отец - тихий эгоист, мать - забитая русская женщина, дочь-подросток - толстая и некрасивая, старший сын - как он себя называет, "неимущий студент", он же главный герой (его играет Филипп Панов). Всех их очень жалко, они добрые, но неустроенные и оттого несчастные - все, как у Чехова. Все. Но...

Новых русских, естественно, не жалко, они соответствуют своим анекдотичным аналогам, то есть тупые, безвкусные и в то же время по-черному смешные и даже забавные. Тоже весьма по-чеховски (в их роли задействованы участники "Маски-шоу").

Тема убожества современной жизни, от которой пытается убежать главный герой, - одна из ведущих в картине - подана прямо в лоб. Герои бессильны, унижены, "раздеты". Но постепенно, когда становится совсем уж тоскливо, начинает мелькать пунктир мотива перерождения затравленных своими страстишками героев в людей более совершенных.

"Чеховские мотивы" - изысканная черно-белая трагикомедия обывательской жизни, где в море язвительной иронии попадаются искры настоящей, неподдельной нежности.

Кстати, сцена венчания новых русских, конечно, кому-то может показаться спорной, но многие уже оценили оригинальное и отважное решение Муратовой передать его в режиме реал-тайм.

Особенно впечатляет концовка, содержание которой в интересах зрителя раскрывать не стоит. Как и содержание "Чеховских мотивов" Муратовой. Чеховские, но по-муратовски. И в этом суть.

Петр АЛЕКСАНДРОВИЧ

Франсуа Oзон.

Франсуа Oзон - молодой европейский режиссер. Родился во Франции 15 ноября 1967 году.

В юные годы Франсуа снимал короткометражные фильмы в домашних условиях, вовлекая в творческий процесс близких людей. Вероятно, любимой игрой мальчика было Кино, и все что с ним связано. Эта страсть зарождалась у ребенка под влиянием рассказов отца и его показов бытовых фильмов о путешествиях.

Озон, закончил курсы съемки на домашнюю видеокамеру.

В 23 года Франсуа поступил в институт кинематографии.

Зрители увидели его первый полнометражный фильм только в 1998 году, и сразу возник интерес к его творчеству. Сегодня его уже можно назвать культовым режиссером.

Бесспорно, что молодой режиссер снимает элитарное кино, которое принято называть "не для всех". Его кино сюрреалистично.

Участник берлинского фестиваля. Приз "Тедди", медвежонок, был присужден экранизации юношеской пьесы Райнера Вернера Фассбиндера "Капли воды на раскаленные камни".

Несомненно на мировозрение и творчество Француа Озона огромный отпечаток наложили фильмы Фасбиндера, Бунюэля, и других гениальных режиссеров. Его фильмы энергичны, смешны и пугающи, откровенны и эмоциональны. Как страшная сказка, рассказанная детям на ночь. Он обнажает в своих картинах свои чувства и восприятие окружающего мира, наполняя их извращенными сексуальными фантазиями, гомосексуализмом и насилием. Но, несмотря на это они вызывают эстетическое наслаждение и странным образом притягивают к себе, оказывая магическое, для неподготовленного зрителя даже шокирующее, действие. Инцест, самоубийство, садомазохизм и извращения в фильмах Oзона выглядят весьма эстетично.

Режиссер уже успел побывать на фестивале в Петербурге, после которого посетил Москву. Правда, петербуржцам повезло больше, чем москвичам: им были показаны не только 3 полнометражных фильма, но и короткометражные работы режиссера.

http://omen.ru/cinema/main/rezhiser/ozon.htm

--------------------------------------------------------------------------------

Биографическая справка:

Франсуа Озон родился 15 ноября 1967 года в Париже (Франция). Получив диплом кинематографической школы в Сорбонне, в 1990 году он поступил на постановочный факультет FEMIS. Своими учителями режиссер называет Луиса Бунюэля, Алена Рене, Пьера Паоло Пазолини,Франсуа Трюффо, Райнера Вернера Фассбиндера. В восемнадцать лет Франсуа Озон увлекся кино и за четыре года снял множество фильмов, причем в самых разных форматах – от супер-8, 16 и 35 мм до видео. Снятые им короткометражки демонстрировались главным образом на международных кинофестивалях, а бюджет их составлял, как правило, примерно 300 франков. Фильм "Маленькая смерть", созданный в 1995 году, ознаменовал начало сотрудничества Озона с обществом "Fidelite Production" и переход от экспериментов к "большому" кино. В том же году Франсуа Озон снял документальный фильм о Лионеле Жоспене для его предвыборной президентской кампании. В 1996 году картина "Une robe d'ete" получила на фестивале в Локарно приз "Леопард будущего". Первый полнометражный фильм режиссера, "Крысятник" ("Sitcom"), получил в 1998 году признание на международной Неделе критики на Каннском кинофестивале. В 1999 году вышли два фильма Озона - детективный триллер "Криминальные любовники" и "Капли дождя на раскаленных скалах", поставленный по ранней пьесе 19-летнего Райнера Вернера Фассбиндера. Последний получил специальный приз "Teddy" Берлинского кинофестиваля и был тепло встречен европейскими кинокритиками. Реакция американских специалистов была намного более сдержанной, но несмотря на отдельные недостатки картины, по единодушному мнению Озон был признан одним из самых многообещающих молодых европейских режиссеров. Вышедший в 2000 году фильм "Под песком" кардинально отличался от предыдущих работ Озона - психологическая драма, повествующая о последних днях совместной жизни немолодой пары, стал самым значительным кинособытием во Франции и был номинирован на национальную премию "Cesar". Последовавший за ним "8 женщин" с участием звезд французского кинематографа Катрин Денев, Изабель Юппер, Фанни Ардан и Эммануэль соединил воедино детектив, комедию и ретро-мюзикл и завоевал премию Берлинского кинофестиваля "Серебряный медведь" за лучшую актерскую игру

Франсуа Озон: Биография

Режиссёру Франсуа Озону 33 года. Он хорош собой и не расстаётся с улыбкой. Свой первый фильм снял два года назад, но Европа уже приняла его, как новую звезду интеллектуального кино. Можно не воспринимать славу Озона всерьёз - пока самый главный его трофей - это плюшевый медвежонок Тэдди, которого дарят в ходе Берлинского кинопросмотра за лучший фильм с гомосексуальной тематикой. И всё же на Озона смотрят с надеждой, как на любимого ребёнка. Этот молодой ещё человек напоминает своими фильмами старожилам о величии фестивального движения 50х-70х годов, когда имена Бунюэля, Годара, Фассбиндера произносились с манерным придыханием, как марка дорогой одежды или название французских духов. Несмотря на молодость, Озон старомоден: он снимает нонконформистские фильмы-памфлеты, тягу к которым перенял всё у тех же Бунюэля, Годара, Фассбиндера. Франсуа Озон родился 15 ноября 1967 года в Париже, в семье преподавателей. Между 18 и 22 годами он снял около 30 короткометражных фильмов в формате супер-8, располагая всего лишь бюджетом в 300 франков на фильм (стоимость плёнки), и заставляя играть там своих родных, друзей, таким образом научившись обходиться самым необходимым. Эти фильмы были сняты под влиянием тех, которые всю жизнь снимал его отец о своей семье и о своих путешествиях в Индию. Его отец рассказывал разные истории по ходу фильма, и образы дохлых коров и бегемотов, плывущих по Гангу, произвели сильное впечатление на юного Озона. Он понял, что для того, чтобы рассказать историю, передать чувства, эмоции, сделать фильм - нужно совсем немного. Он купил камеру и стал снимать. Озон проходил курсы Жозефа Модера в Сен-Шарле. В 1990 он поступил в FEMIS (институт кинематографии) на режиссёрское отделение. Многие из фильмов, снятые им в этот период, демонстрировались на международных фестивалях. Его заметили, и в 1995 году он стал сотрудничать с компанией "Фиделите Продуксьон", в том же году снял документальный фильм о Лионелле Жоспеле для его президентской избирательной компании, а в 1996м его фильм "Летнее платье" получил приз на фестивале в Локарно. Его первый полнометражный фильм "Крысятник" был представлен в Каннах в 1998 году. К нему окончательно пришёл успех. Излюбленными мотивами его творчества считаются чёрный юмор, гомосексуализм, убийство. Самое главное - философия, его необычные произведения заставляют задуматься. Направление - постмодернизм. Учителя: Бунюэль, Ален Рене, Пьер Паоло Пазолини, Франсуа Трюффо, Райнер Вернер Фассбиндер

Краткая биография:

Настоящее имя - Томас Штрасслер. Родился в городе Злин, Чехословакия. В юности вместе с родителями вернулся в Англию. Работал репортером, писал сценарии радио- и телепостановок, а в 1966 году неожиданно для себя проснулся знаменитым - в этом году былапоставлена знаменитая пьеса "Розенкранц и Гильденстерн мертвы". С той поры входит в число ведущих британских драматургов. К числу наиболее известных пьес Стоппарда относятся "Подлинный инспектор Хаунд" (1968), "Травести" (1974), "Ночь и день" (1979), "Настоящее" (1982) и "Родной штат" (1991). Кроме того, в том же 1966 г. был опубликован единственный на сегодняшний день роман Стоппарда "Лорд Мальквист и мистер Мун". Том Стоппард - автор сценария весьма известных фильмов - "Бразилия", "Индиана Джонси последний крестовый поход" (в титрах не указан), "Билли Батгейт" и "Влюбленный Шекспир". Кроме того, выступал как режиссер ("Розенкранц и Гильденстерн мертвы"), в 1999 году снялся в эпизодической роли в фильме "Poodle Springs".

http://www.kinoexpert.ru/index.asp?comm=5&kw=14322

--------------------------------------------------------------------------------

- английский драматург и сценарист.

___ Родился в городе Злин, Чехословакия. В юности вместе с родителями вернулся в Англию. Работал репортером, писал сценарии радио- и телепостановок, а в 1966 году неожиданно для себя проснулся знаменитым - в этом году была поставлена знаменитая пьеса "Розенкранц и Гильденстерн мертвы". парафразом шекспировского "Гамлета", в центре которого оказываются незадачливые "друзья" Гамлета, "маленькие люди" XX столетия. Пьесе присущи типично экзистенциальные мотивы: страха перед окружающей действительностью, невозможности познать ее, использование приема "театр в театре", с помощью которого автор размывает грани между реальностью и фантазией, выдумкой, игрой. С той поры входит в число ведущих британских драматургов.

___ Мотив непознаваемости человеческой личности, ее двойственности, "зыбкости", "ускользаемости" присущ Стоппарду и в дальнейшем ("Настоящий инспектор Хаунд" (1968), где он решается в жанре детективной комедии - также весьма характерном для Стоппарда; "После Магритта" (1971). Для Стоппарда также характерен прием сочетания несочетаемого: пьесы "Прыгуны" (1972), где автор сводит в одном сюжете философов и акробатов; "Пародии" (1975), действие которой происходит в Цюрихе времен первой мировой войны и где сведены в рамках одного сюжета Ленин, Джойс и Тристан Тцара. В этих, как и в последующих пьесах, Стоппард выступает как блестящий мастер театрального парадокса, продолжатель традиций английского фарса. Однако, во всех них за внешним комедийно-буффонадным фоном скрываются серьезные и вполне здравые мысли - в частности, об искусстве, о миссии художника. Эти размышления Стоппард сформулировал в радиопьесах "Мост Альберта" (1969), "Художники" (1973), "Отражения" (1983). Полемизируя в них с обывателем, либо же с художником бесталанным (своеобразный парафраз конфликта Моцарта и Сальери), Стоппард провозглашает мысль об избранничестве художника, его особом месте в обществе. Споры об искусстве, о позиции художника имеют для Стоппарда не только чисто эстетическое, но и политическое значение: отсюда его пьесы с отчетливым политическим "адресом": "Хороший парень стоит доброго отношения" (1978), действие которой происходит в советской "психушке" и героем которой является диссидент; пьеса "Закодированный Гамлет и Макбет" (1979), написанная на материале чешских событий; телепьеса "Квадратный круг" (1984), действие которой происходит в Польше (в пьесе принимают участие реальные политические фигуры, в том числе Лех Валенса). Стоппард является автором сценария фильма "Отчаяние", поставленного по роману Вл.Набокова (1977, ред. Р.В.Фассбиндер). Сенсацией лондонского сезона 1993/94 гг. стала пьеса Стоппарда "Аркадия" - хитроумная театрально-интеллектуальная игра, в которой все привычные стоппардовские мотивы и приемы сошлись в рамках одного сюжета. К числу наиболее известных пьес Стоппарда относятся "Подлинный инспектор Хаунд" (1968), "Травести" (1974), "Ночь и день" (1979), "Настоящее" (1982) и "Родной штат" (1991). Кроме того, в том же 1966 г. был опубликован единственный на сегодняшний день роман Стоппарда "Лорд Мальквист и мистер Мун". Том Стоппард - автор сценария весьма известных фильмов - "Бразилия", "Индиана Джонс и последний крестовый поход" (в титрах не указан), "Билли Батгейт" и "Влюбленный Шекспир". Кроме того, выступал как режиссер ("Розенкранц и Гильденстерн мертвы"), в 1999 году снялся в эпизодической роли в фильме "Poodle Springs".

Том Стоппард. Розенкранц и Гильденстерн мертвы.

Глеб Шульпяков

СПб.: Азбука, 2000

Том Стоппард. Классик современной английской драматургии. Наполовину чех. Дебютировал в 66-м на театральном фестивале в Эдинбурге — вывернул наизнанку "Гамлета". Тридцать лет спустя получил "Оскара" примерно за то же самое — см. сценарий к голливудской "клюкве" "Влюбленный Шекспир". В общем, построил карьеру на творчестве своего предшественника, который занимался примерно тем же — см. пьесы Шекспира, "перепертые в основном с итальянского", как говорят в пьесе того же Стоппарда.

Книжечка Стоппарда вышла на русском впервые, хотя пьесы его печатались в периодике постоянно. В книгу вошли дебютный "Розенкранц и Гильденстерн мертвы", "Входит свободный человек" (реверанс в сторону Теннеси Уильямса) и две малогабаритные пьески "Настоящий инспектор Хаунд" и "После Магрита". Это пьесы о театральности, сюжет которых построен на том, как эфемерные фразы цепляются друг за друга и какой эффект получается в результате. Или не получается.

Что сказать нам о хрестоматийном уже "Розенкранце"? Что события увидены здесь глазами двух второстепенных героев. Что перевел эту пьесу Иосиф Бродский еще в дремучие советские годы и даже не вспомнил об этом, когда "Иностранка" предложила пьесу напечатать. Что автор перевел подводные лейтмотивы "Гамлета" на диалоги двух придворных. Двух шпионов. Двух маленьких людей, которым история приготовила большие роли из чужой, в общем-то, "пьесы". С ролями они не справляются и отчаливают в Англию, где с ними сами знаете что произошло.