Шпоры по дизайну

Творчество Д. Смольского. Дмитрий Смольский - народный артист Беларуси, лауреат Государственной премии РБ, профессор Белорусской государственной академии музыки, член союза композиторов. В 1960 окончил Белорусскую государственную консерваторию по классу композиции профессора Богатырева, в 1967 - аспирантуру под руководством профессора Московской государственной консерватории Пейко. Творчество Смольского – яркий образец развития белорусской профессиональной музыки и эволюции стиля: в 60-хгг. – начало творческого пути, время увлечения композиторскими техниками ХХ в., в частности додекафонией, сонористикой; со 2-й половины 70-хгг. – появление произведений, для которых характерны утонченно-интеллектуальные образы, неторопливый тон повествования, экспрессивная музыкальная речь. Творчество Смольского тесно связано с различными направлениями современного музыкального искусства. Его оперы, симфонии, оратории отличаются яркой индивидуальностью стиля, оригинальностью творческих замыслов. Творчеству композитора присущи психологизация и драматизация образов и, одновременно, стремление к философскому обобщению. Наследие композитора многожанрово. Но именно симфонический жанр стал ведущим в его творчестве. Симфонии Смольского принадлежат к тем образцам музыкальных «летописей», которые определили одну из ведущих линий белорусской симфонической музыки в ХХ в. Каждая симфония имеет оригинальное жанровое решение: 1-я симфония – лирико-драматическая; 2-я – полистилестическая; ряд других симфоний – жанр симфонии для солирующего инструмента и оркестар: 3-я для ф-но, 4-я для скрипки, 10-я для альта, 9-я для электрогитары. Яркая образность, тяготение к экспрессивности оркестрового письма, тонкая мотивная работа, оригинальное использование народных мелодий, постоянные поиски в области жанра – характерные черты его композиторского стиля. Творчество А. Мдивани. Андрей Мдивани - композитор, заслуженный деятель искусств Беларуси, лауреат двух Государственных премий Беларуси в области литературы и искусства, член Союза композиторов СССР и Беларуси, член Белорусского союза музыкальных деятелей, член Белорусского союза театральных деятелей. Лауреат специальной премии Президента РБ в номинации "Музыкальное искусство" за 2008 год. Мдивани родился в Тбилиси. В 1969 окончил Белорусскую консерваторию по классу композиции Богатырева, в 1972 - здесь же аспирантуру (руководители – Богатырев и Пейко). Заведующий музыкальной частью в драматических театрах Смоленска, Дзержинска, Кирова. В 1964 концертмейстер педагогического училища в Смоленске. С 1969 преподаватель Минского музыкального училища и Белорусской консерватории. С 1972 заведующий музыкальной частью театра имени Купалы в Минске, с 1984 - доцент, с 1993 по настоящее время - профессор кафедры композиции Белорусской государственной академии музыки. Мдивани начал заниматься музыкой рано, в 4 года, профессиональный же интерес сформировался поздно, в 24 года. Каков результат этого опоздания? Оперы, балет, симфонии, инструментальные и хоровые концерты, оратории, хоры, камерные сочинения, музыка к драматическим спектаклям. Первыми произведениями стали пьесы для фортепиано и опера (по Бомарше). С именем Мдивани связана одна из интереснейших страниц современного музыкального искусства Беларуси. Творчество композитора характеризуется воплощением философских идей и концепций, а также важнейших тем истории и современности, отражением национальной проблематики. Содержательность и яркая эмоциональность сочетаются в музыке композитора с рельефной образностью и красотой музыкального интонирования. В его произведениях всегда присутствует свой неповторимый колорит – итог своеобразного синтеза западной и славянской интонаций, тесно связанных с красочностью хора и тембральностью оркестра. Среди семантических приоритетов творчества композитора выделяются историческая тема, образы нетленной Красоты и Гармонии. За успехи в области музыкального искусства ему были присуждены две Государственные премии РБ(за симфонии "Память земли" и "Полоцкие письмена"; за балет "Страсти") и звание "Заслуженного деятеля искусств". Творчество С. Кортеса. Род. в Чили, а в Беларуси стал легендой национальной музыки и театра. Музыкой начал заниматься поздно — в 13 лет. В 1962 окончил Белорус. конс. по кл. композиции Аладова и Богатырева, в 1969—там же аспирантуру (Пейко). С 1973 главный музыкальный редактор киностудии «Беларусьфильм». Директор Минского государственно театра Оперы и Балета с 1991 по 2002, с 2005 — преподаватель кафедры композиции Минской консерватории. За годы творчества Кортес пробовал себя в разных жанрах и в разных должностях. Был главным музыкальным редактором киностудии «Беларусьфильм», писал музыку к фильмам, более десяти лет руководил Театром оперы и балета. Словом, личность многогранная, известная не только в Беларуси, но и за рубежом. В знаменитом Московском камерном музыкальном театре им. Покровского состоялись премьеры опер Сергея Кортеса на сюжеты Чехова – «Юбилей» и «Медведь». Новая опера «Ладдзя роспачы» по Короткевичу. Латиноамериканская культура, которую он впитал с детства, несомненно, накладывает отпечаток на творчество. Во многих сочинениях заметны латиноамериканские, испанские мотивы. И работать над таким материалом ему любопытно, как было, к примеру, интересно написать балет «Последний Инка» по заказу кубинского театра. Но точно так же ему близки и европейская, и славянская культуры. Соч.: опера Джордано Бруно; для солистов, хора и симф. орк. — оратории: Песня о Кубе, Памяти поэта, Бай придумал; хореографич. картины — Первые чайки, Вьетнам; для симф. орк. — Баллада, Фантазия на белорус. темы; для ф-п. и симф. орк. — Концерт; для голоса и симф. орк. — поэма Пепел; для кам. орк. — Музыка для струнных; для дух. орк. — Маленькая увертюра; для скр. и ф-п. — Ноктюрн; для трубы и ф-п. — Юмореска; для цимбал и ф-п. — Сюита; для ф-п. — Вариации на тему Моцарта, Соната, сюиты: Сказки, Падуена и Сальтарелла; для голоса и ф-п. — монолог Уходят матери, баллада Охота на лошадей, диптих Поклонись им по-русски, 4 поэмы на сл. Вертинского, 2 романса на сл. Гарсиа Лорки, романсы и песни на сл. Шекспира, Беранже, Маршака, Друниной, Александровича и др.; для хора — Будзе Навальница. Постмодернизм. Постмодеонизм — широкое культурное течение, в чью орбиту в последние два десятилетия попадают философия, эстетика, искусство, наука. Термин «Постмодернизм» появился в период Первой мировой войны в работе Панвица «Кризис европейской культуры». Искусствоведы рассматривают Постмодернизм как новый художественный стиль, отличающийся от неоавангарда возвратом к красоте как к реальности, повествовательности, сюжету, мелодии, гармонии. Популярность термин «Постмодернизм» обрел благодаря Дженксу (в книге «Язык архитектуры постмодернизма»). В 60-е впервые заговорил о постмодернизме Фидлер в своей книге «Засыпая и пересекая рвы». В постмодернизме все смешивается. Одна из полных характеристик дана Хассаном: 1)неопределенность, культ неясности, ошибок, пропусков; 2)фрагментарность, принцип монтажа; 3)деконанизация, борьба с традиционными ценностными центрами (т.е. сакральное в культуре, человек, этнос, авторский приоритет); 4)все происходит на поверхности; 5)молчание – отказ от мимесиса и изобразительного начала; 6)положительная ирония; 7)смешение жанров, высокого и низкого, стилевой синкретизм; 8)театральность; 9)имманентность, срастание сознания со средствами коммуникации, способность срастаться и рефлексировать над ними. Понятие постмодернизма трактуется очень широко. Во многом постмодернизм не стал тотальным отрицанием. Главная черта – дистанция зрителя. Принципы в литературе: стилистический эклектизм, вторичность, интертекстуальность, неполнота дискурса, внесистемность, повторы, перегруженность аллюзиями. Постмодернизм стал отражением беспомощности искусства. Запрет на серьезность и содержательность в постмодернизме. В современном искусстве творческая интенция проявляет себя деструктивно. Прорыв деструктивного начала. Постмодернизм обнажил стерилизующую моду в искусстве. Идея преобразования мира. Выход в новые области знания (феноменология, структурализм). Появление метоэстетики. Метоэстетика – эстетика постмодернизма, которая вышла за рамки. Неоэкспрессионизм в ИЗО. Неоэкспрессионизм - направление в современном искусстве, возникшее в конце 70-х и занимавшее доминирующее положении на рынке живописи до середины 80-х. Связано с течением лирической абстракции в Америке, живописью нового образа, и возникло как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 70-х. Неоэксперссионисты возвращались к изображению узнаваемых объектов, но с использованием приемов абстрактной живописи. Несмотря на большое разнообразие внешней формы, живопись в стиле неоэекспрессионизма имеет некоторые общие черты. Например: отрицание традиционных стандартов композиции и дизайна; двойственное и острое эмоциональное настроение в отражении современной жизни и ценностей; отсутствие изобразительной идеализации; использование ярких и резких сочетаний цветов; примитивистская манера в изображении объектов. К художникам этого направления относят: Иммендорфа, Пенка, Феттинга, Конелли, Бланшара, Хокни. Новые дикие – течение немецкого постмодернизма в живописи. Возникло на волне новой моды на экспрессионизм и фовизм в кон. 70-х XXв. в Германии. Тяготели к импульсивной эмоциональности самовыражения, противостоящей концептуальному искусству или гиперреализму. Живопись, графика и скульптура "новых диких" (Базелиц, Кифер, Пенк в Германии, Борофский, Шнабель в США) обычно сохраняя фигуративность, отличаются своеобразным "варварским лиризмом", включает массу загадочных знаков, поэтому в Италии работы мастеров этого плана (Клементе, Кукки, Палладино) обозначают обычно как "искусство-шифр". Нередко смыкается со стилем граффити. Дистанцируясь от концептуализма и минимализма, «Новые дикие» возвращаются к фигуративности, цвету, экспрессивности, спонтанным методам создания произведений, апеллируют к фовизму. Одной из его первых акций стала организация выставки «Новый дух в живописи». Целью выставки был новый взгляд на искусство живописцев старшего поколения, соответствующий постмодернистской установке на творческое освоение художественного наследия прошлого. Эту линию продолжила следующая выставка — «Дух времени», чьей целью было освещение актуальных эстетических, теоретических и психологических проблем на материале живописи прошлого и настоящего. Сверхзадача «Новых диких» — обновление художественного видения в духе новой фигуративности, порой посредством эстетического шока. Базелиц при экспонировании переворачивает свои полотна ради дестабилизации привычного зрительского взгляда на картину, выявления ее глубинной структуры. Используя данные теории информации, Пенк создает авторские знаки исторического развития человечества. Тематика картин Кифера, Иммендорфа, связана со спецификой исторической, политической и культурной жизни Германии (роль мифов и истории в немецком национальном сознании). В 1987 г. от «Новых диких» отделилось новое направление — «После природы», основателями которого стали Докупил и Класхорст. "Лондонская школа" живописи - яркое явление в художественной культуре XXв. Это условное название было дано группе из пяти британских художников, в которую входили Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Коссов, Ауэрбах, Эндрюс. Впервые работы всех пятерых художников были собраны вместе в 1976 г. на выставке "Человеческая глина". Работы были отобраны художником Рональдом Китаем - он же впервые и употребил название "Лондонская школа" по отношению к группе несравнимых по стилистике лондонских художников, единственной точкой соприкосновения которых была их стойкая привязанность к изображению человеческих форм. Название прижилось - идея наконец-то объединить пятерых ярких представителей британской послевоенной фигуративности под одним названием привлекала критиков. Главной чертой, связывающей их, был тот факт, что основой их творчества было возрождение интереса к изображению человека и его месту в окружающей среде - начиная от их собственных мастерских, заканчивая грязными городскими улицами, а также вера в силу живописи как таковой и интерес к её практической стороне, в то время, котороё часто характеризуется абсолютным равнодушием к старомодной живописи маслом. Их творчество не испытало на себе ни малейшего влияния современных и успешных направлений в искусстве послевоенных лет. Творчество русских режиссеров. Марк Захаров- советский и российский режиссёр театра и кино, сценарист, педагог, профессор, художественный руководитель Московского театра «Ленком». Окончил актёрский факультет РАТИ. С осени 1955 г. — актёр Пермского областного драматического театра. Режиссурой начал заниматься в 1956 г. С 1965 г. режиссёр Московского театра сатиры, с 1973 г. — главный режиссёр Московского театра имени Ленинского комсомола. В 70-е и 80-е активно снимает кино, экранизировал ряд пьес Шварца и Горина в жанре фантастической притчи. Работу в театре Захаров уже много лет сочетает с преподавательской деятельностью. В настоящее время Захаров — профессор кафедры режиссуры РАТИ. Захаров — автор многих статей по вопросам театра и политики, а также книг «Контакты на разных уровнях» и «Суперпрофессия», посвящённых проблемам современной режиссуры. На сцене театра «Ленком» Захаров поставил спектакли: «В списках не значился», «Ясновидящий», «Мои надежды», «Революционный этюд», «Жестокие игры», «Люди и птицы», «Чинарский манифест», «Оптимистическая трагедия», «Проводим эксперимент», «Диктатура совести», «Мудрец», «Школа для эмигрантов». Значительное место в творческой деятельности Захарова занимает работа в кинематографе и на телевидении. Все созданные им фильмы широко известны и популярны. Многие режиссерские работы Захарова вошли в историю российской режиссуры: «Тиль», «“Юнона” и “Авось”», «Три девушки в голубом», «Поминальная молитва», «Безумный день, или Женитьба Фигаро», «Чайка», «Королевские игры», «Варвар и еретик», «Мистификация», «Шут Балакирев», «Плач палача», «Ва-банк». Анатолий Васильев -театральный режиссер и педагог. В 1968 г. поступил на режиссерский факультет ГИТИСа. В 1972 г. в учебном театре ГИТИСа выпустил спектакль "Сказки старого Арбата". После окончания института в 1973 г. Васильев пришел в труппу МХАТа. В начале своей режиссерской карьеры осуществил несколько постановок в провинции: "Женщина за зеленой дверью" и мюзикл "Хэлло, Долли!". В 1977-1982 г. режиссер театра им. Станиславского. Поставил спектакли "Первый вариант "Вассы Железновой"  и "Взрослая дочь молодого человека". В 1987 г. Васильев возглавил собственный театр "Школа драматического искусства", который открылся постановкой пьесы  "Шесть персонажей в поисках автора". Под руководством Васильева в ШДИ были выпущены спектакли "Дюма", "Визави", "Бесы", "Мопассан", "Диалоги об искусстве", "Дон Жуан или "Каменный гость" и другие стихи", "Медея. Материал", "Из путешествия Онегина", "Илиада. Песнь двадцать третья". В ШДИ были продемонстрированы представления "Каждый по своему", "Фьоренца", "Евгений Онегин". В апреле 2006 г. после конфликта с московскими властями Васильев был уволен с поста художественного руководителя театра "Школа драматического искусства". В 2007 г. он подал заявление о прекращении сотрудничества с ШДИ и покинул страну. В течение многих лет Васильев занимался педагогической деятельностью. С 2004 г. – руководитель режиссерского курса в Высшей национальной школе театральных искусств в Лионе. Романа Виктюк - народный артист РФ, народный артист Украины, основатель и художественный руководитель Театра Романа Виктюка. Будучи школьником, пробовал ставить небольшие спектакли, в которых были задействованы одноклассники и друзья. В 1956 г. окончил ГИТИС. После университета работал режиссером во Львовском и Киевском ТЮЗах, преподавал в студии при Киевском театре им. Франко, в Государственном училище циркового и эстрадного искусства в Москве. В 1971-1975 Виктюк был режиссером в Русском драматическом театре Литовской ССР. С середины 70-х гг. работал режиссером в ведущих театрах Москвы, в числе которых МХАТ, Театр имени Чехова, Театр имени Вахтангова, Театр имени Моссовета и другие. Ставил спектакли в Студенческом театре МГУ. В 80-х гг. работал в театре-студии "Москворечье" и студии ДК "Знамя революции". Выступил в роли режиссера ряда телеспектаклей на Центральном телевидении: "Игроки", "Девочка, где ты живешь?". В 1988 г. Виктюк поставил спектакль "Служанки". В 1991 г. режиссер создал частный Театр Романа Виктюка. Всего на счету Романа Виктюка более 200 спектаклей, среди которых: "Семья", "Украденное счастье", "Татуированная роза", "До свидания, мальчики", "Фабричные девчонки", "Лжец", "Взрослая дочь молодого человека", "Уроки музыки", "Мастер и Маргарита", "М. Баттерфляй", "Философия в будуаре", "Рогатка", "Осенние скрипки". О творчестве Виктюка сняты документально-игровой фильм "Баттерфляй" и документальный фильм "Роман-любовь". Эймунтас Някрошюс – современный литовский театральный режиссер. Создал театр самобытной сценической метафоры, в котором минимум текста и актеров, а главную роль играют оформление, светорежиссура, музыка. Отличительный стиль – стихии огня, воды. В 1970 г. поступил в Вильнюсскую государственную консерваторию, а через год перевелся на курс Гончарова режиссерского отделения ГИТИСа в Москве. После института работал в драматическом театре Каунаса, а с 1978 по 1992 г. – в вильнюсском молодежном театре. С 1994 по 1998 г. сотрудничал с театром при вильнюсском международном фестивале «Лайф», где поставил спектакли «Маленькие трагедии» и «Три сестры». В 1998 г. в Вильнюсе создал и возглавил театр Meno Fortas. Широкую известность получили постановки режиссера «Гамлет», «Макбет», «Отелло», «Чайка», «Вишневый сад». В Большом театре осуществил постановку «Макбета». Ведущие драматурги советского театра. Эдвард Радзинский - советский и российский телеведущий, писатель, сценарист, драматург. В 1958 г. на сцене Московского театра юного зрителя была поставлена первая пьеса писателя — «Мечта моя… Индия». Широкая известность пришла к Радзинскому после того, как Эфрос поставил в Театре имени Ленинского Комсомола его пьесу «104 страницы про любовь». По пьесе был поставлен фильм «Ещё раз про любовь». С этого момента практически все пьесы Радзинского получали широкую известность. Их часто ставили в театрах СССР и за рубежом. Наиболее известны исторические пьесы «Лунин, или смерть Жака», «Беседы с Сократом» и «Театр времён Нерона и Сенеки». Также Радзинский писал киносценарии, в 80-е гг. начал работать на телевидении. В 90-е г. Радзинский стал Драматургия США XXв.(2). один прекрасный день, по собственному признанию, он решил «прекратить делать некоторые ужасные вещи» и сосредоточится на писательстве, которое в перспективе могло принести ему достаточный доход. Кроме романов, Уильямс пишет также сценарии для кино и телевидения и книги комиксов. Миллер - американский драматург и прозаик. В 1938 г. окончил Мичиганский университет. После начала Второй мировой войны Миллер начинает работать репортёром на военной верфи в нью-йоркском Бруклине, посещая военные гарнизоны. В 1947 г. вышла драма Миллера «Все мои сыновья», которая принесла ему известность. В 1949 г. поставлена пьеса «Смерть коммивояжера», считающаяся одним из лучших произведений драматурга. В 1953 г. выходит драма «Суровое испытание». Олби - американский драматург, представитель 'театра абсурда'. Немотивированные столкновения персонажей и натуралистичные сценические эффекты передают в пьесах Олби бессмысленность современной жизни. В них заметно влияние Ионеско. Творчество Олби говорит об одиночестве людей и их неспособности к взаимопониманию. В остроумных, живых диалогах писатель изображает человеческое общение как борьбу за самоутверждение. Наиболее ярко она воплощена в пьесе "Кто боится Вирджинии Вулф?". Многообразие творческой манеры Олби выявляют такие разные пьесы, как метафизическая аллегория "Крошка Алиса", отвечающая требованиям сюжетной драмы, и "Ящик и цитаты из председателя Мао". Кроме перечисленных, Олби написал также пьесы "Что случилось в зоопарке", "Смерть Бесси Смит", "Фэм и Йем", "Американская мечта". Ему принадлежат инсценировки "Баллада о невеселом кабачке", "Малькольм", "Завтрак у Тиффани". Последнее произведение Олби "Пьеса про младенца" было поставлено в Нью-Йорке в 2001. Театр США XXв. в американском театре не было экстравагантных направлений. До 60-х – классическая манера. Сам феномен классического театра складывается в XIXв. Влияние английского театра на американский. Становление коммерческого театра и создание системы звезд. Хобкинс – один из 1-х режиссеров (стремился чтобы спектакли были коммерчески успешными). Как режиссер опирается на деятельность и творчество американских актеров. В основном шекспировский репертуар. Маклинтик – режиссер, современник Хобкинса. Работает практически в том же направлении; активно развивает актерскую линию. Легольен – режиссер, актриса, продюсер. Пытается создать литературный театр. В основном работает с репертуаром новой европейской драмы. Пытается открыть репертуарный театр. Появление бродвейских театров. Основной характеристикой является то, что театром владеют далекие от искусства люди. Основной репертуар – мюзикл. Появление 2-х знаковых театров: «Гилд» (Лангнер основатель; собрание единомышленников. Широкий репертуар. Этот театр был более профессиональной направленности) и «Провенстаунс плейрс» (Кук создатель. Возник для постановки американских драматургов. 1-й драматург этого театра О’Нил. В этом театре впервые появляются чернокожие актеры). 30-е были суровыми для Америки – кризис. Театр «Групп» - Страсберг основатель. Отличительная особенность театра – заостренность социального конфликта. В 1931 основан, а в 1939 закрыт. Появление государственных театров, а как только кризис минул, все государственные театры были закрыты. С деятельность государственных театров был связан Орсон Уэлс. 2-я половина XXв. – процесс обновления театра связан с появлением новых литературных деятелей. 2 театральных коллектива: 1)театр «Круг в квадрате» - режиссер Кинтера; 2)театр «Орена Стэйдж» - режиссер Шнайдер. В начале 60-х в Америке началось движение 3-х театров или «Оф, оф Бродвей» («Открытый театр» Чайкина, «Театр сельскохозяйственных рабочих» Вальдеса, «Передвижной театр» Паппо).Чаще всего ставят пьесы без литературной основы, имели политический, остросоциальный уклон. К 70-м к авангардным театрам пропадает. Уилсон начинает свою деятельность как художник, но постепенно уходит в режиссерскую деятельность. «Жизнь и время», «Эйнштейн на пляже». Актер практически исчезает из постановки, минималистический язык. Творчество П. Брука. Питер Брук - английский режиссер театра и кино. Спектакли «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Король Лир», «МаратСад», «Сон в летнюю ночь», «Вишневый сад», «Трагедия Кармен», «Махабхарата». Брук был активным участником любительского театра. Его спектакль «Адская машина» привлек внимание крупнейшего режиссера Джексона, который предложил двадцатилетнему Бруку поставить в Бирмингемском репертуарном театре труднейшую пьесу Шоу «Человек и сверхчеловек» и познакомил его с молодым актером Скофилдом.  Бруку был двадцать один год, когда Джексон, взявшийся обновить Шекспировский Мемориальный театр, пригласил его в числе других молодых режиссеров в Стрэтфорд-на-Эйвоне. Питер поставил целый ряд пьес Шекспира. Настоящей сенсацией стал спектакль «Ромео и Джульетта», вызвавший оживленные споры в английской театральной критике. Молодой Брук впервые использовал свою идею «пустого пространства», выкинув со сцены за полчаса до премьеры многие декорации. В 50-х г. Брук работает не только в английских театрах, но и за границей. В 1963 г. вместе с ассистентом Маровицем он занялся опытами в сфере «театра жестокости». Специально набранная труппа три месяца репетировала программу, состоявшую из пьесы Жене «Ширмы» о войне в Алжире, сюрреалистического наброска Арто «Кровяной фонтан», пьесы Ардена «Жизнь коротка, искусство вечно» и некоторых других вещей. В январе 1964 г. эта программа без особого успеха прошла в одном из лондонских театров.  После этого Брук поставил на основе той же техники еще один спектакль «МаратСад». В 1968 г., собрав по предложению Барро группу актеров из разных стран, Брук показал представление по мотивам шекспировской «Бури». В 1970 г. Брук поставил праздничный, легкий «Сон в летнюю ночь». Брук использовал приемы зрелищ разных народов и времен — комедию дель арте и восточный цирк, мейерхольдовскую биомеханику и уличный театр 60-х г. В его спектакле актеры летали на цирковых трапециях. К 1971 г. Брук поставил пятьдесят семь драматических спектаклей, семь опер, семь фильмов, пять телеспектаклей.  В поисках средств обновления театра режиссер обращается к формам

Творчество В. Мартынова. Владимир Мартынов - композитор, мыслитель, писатель, историк, знаток древней и современной музыки. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции в 1970 г. (у Сидельникова) и по фортепиано в 1971 г. (у Межмулова). Еще в студенческие годы Мартынов заявил о себе как яркая композиторская личность. Мартынов начал как представитель авангарда. Додекафонно-серийные композиции первой половины 70-х гг. демонстрируют утонченную музыкальность, рафинированную технику, интеллектуальный артистизм. Творческий облик Мартынова складывается в сложной эволюции, которая отражает его многосторонние интересы. Он изучает музыку XX в. - Западного Средневековья и Возрождения. Собиратель и исследователь фольклора. В 1973 г. начал работать в Московской экспериментальной студии электронной музыки. Увлечение электроникой совпало с углубленным изучением восточных религий и культур, христианской философии Запада и Востока. В Электронной студии Мартынов реализовал ряд электронных композиций, порывающих с авангардом и отражающих выход к новым эстетическим, этическим и духовным ориентирам. Период 1976-1978 гг. - продуктивный и крайне важный в творческой эволюции композитора. Поворот от гиперконструктивности авангарда к «новой простоте» означал переход к минималистской композиции, к ее ритуальности в музыке, к религиозной теме. В 1975-1976 гг. Мартынов участвует в концертах ансамбля старинной музыки (блок-флейта), исполняющего произведения XIII-XIV в. Италии, Франции, Испании. В 1976-1977 г. выступает в составе Московского ансамбля солистов (фортепиано, электронные клавишные), исполнявшего авангардную, электронную и минималистскую музыку. 1977-78 гг. - создал свою рок-группу «Форпост». Концерты, акции, фестивали. В 1978 г. Мартынов отходит от композиторской деятельности и посвящает себя религиозному служению. Преподает в духовной академии Троице-Сергиевой Лавры. Занимается расшифровкой и реставрацией памятников древнерусского богослужебного пения, изучением древних певческих рукописей в ряде монастырей. Создает музыку для богослужения по древним канонам. В 1984 г. возвращается к композиции. Канонический тип творчества. Постмодерн. Минимализм. Техника бриколажа. Мартынов пишет книги и статьи, выступает на научных конференциях. Крупнейшие произведения «Come in!», Плач Иеремии, Апокалипсис, Ночь в Галиции, Магнификат, Реквием, Упражнения и танцы Гвидо. Ведущие режиссеры поставили ряд спектаклей на его музыку. Творчество В. Сильвестрова. Валентин Сильвестров советский и украинский композитор. Род. в Киеве.  Учиться музыке начал лишь в 15 лет. В 1956 г. стал студентом Киевского инженерно-строительного института, а в 1958 г. - поступил в Киевскую консерваторию в класс Лятошинского. В 1961 году написал свое первое серийное произведение — «Пять пьес для фортепиано». Уже в эти годы началось последовательное освоение всевозможных стилей, композиторской техники, становление собственного, впоследствии ставшего абсолютно узнаваемым почерка. Уже в ранних сочинениях определяются практически все стороны композиторской индивидуальности Сильвестрова, по которым далее будет развиваться его творчество. Начало - своеобразный неоклассицизм, где главное не формулы и стилизация, а вчувствование, осмысление той чистоты, света, духовности, которое несет в себе музыка высокого барокко, классицизма и раннего романтизма ("Сонатина", "Классическая соната" для фортепиано, позднее "Музыка в старинном стиле").  Огромное внимание в ранних сочинениях уделялось новым техническим средствам (додекафония, алеаторика, пуантилизм, сонористика), применению необычных приемов исполнения на традиционных инструментах, современной графической записи. Этапными можно назвать "Триаду" для фортепиано, "Мистерию" для альтовой флейты и ударных, Монодию для фортепиано с оркестром, Третью симфонию, "Драму" для скрипки, виолончели и фортепиано с ее хеппенингом, жестовостью. Не случайно в самых авангардистских с точки зрения техники произведениях высвечивается и искреннейший лиризм (в мягкой, "ослабленной", по выражению самого композитора, музыке насквозь сериальной 2 части Первой симфонии), и рождаются глубокие философские концепции, которые приведут к высшему проявлению Духа в Четвертой и Пятой симфониях. Здесь возникает и одна из главнейших стилевых черт творчества Сильвестрова - медитативность. Началом нового стиля - "простого, мелодического" - можно назвать "Медитацию" для виолончели и камерного оркестра. Отсюда начинаются постоянные размышления о времени, о личности, о Космосе. Они присутствуют практически во всех последующих сочинениях Сильвестрова (Четвертая и Пятая симфонии, "Тихие песни", Кантата для хора a cappella на ст. Шевченко, "Лесная музыка" на ст. Айги, "Простые песни", Четыре песни на ст. Мандельштама). Жанровый спектр творчества Сильвестрова достаточно широк. Его постоянно влечет слово, высочайшая поэзия. Именно в вокальных жанрах с наибольшей силой проявился дар Сильвестрова-мелодиста. Сильвестрову принадлежат семь симфоний, два струнных квартета, вокальные и хоровые сочинения. Он также работал в кино — среди прочего, им написана музыка к фильмам Муратовой «Чеховские мотивы» и «Настройщик». Тесно и сложно связанное с музыкальной традицией, особенно — немецким романтизмом, со звучащим поэтическим словом, творчество Сильвестрова — один из наиболее глубоких образцов современного, пост-авангардного мелодического языка. Творчество А. Тертеряна. Авет Тертерян — армянский советский композитор, педагог. Народный артист СССР. Род. в Баку, в семье, где ценили домашнее музицирование и оперное искусство. В 1948—1951 гг. учился в Бакинском музыкальном училище. В 1951 г. семья переехала в Ереван, где продолжил музыкальное образование в Музыкальном училище им. Меликяна. В 1957 окончил Ереванскую консерваторию у Мирзояна, в 1967 - у него же аспирантуру. Широкое признание как композитор получил в 80-х гг., когда его новаторские симфонии, отмеченные философской нетрадиционностью мышления и глубоким национальным колоритом, стали исполнять выдающиеся дирижеры. В 90-е г. установились тесные творческие связи Тертеряна с немецкой музыкальной культурой. Музыка Тертеряна остродраматична, экспрессивна. В его соч. широко используются традиции древней армянской монодичной музыки (шараканы). Поисками новых симф. форм и приёмов развития отмечены его 8 симфоний. Творчество Тертеряна развивалось динамично. Каждые два-три года – новая симфония. В творчестве Тертеряна категории “пространство” и “время” занимают важное место. Новаторское мышление Тертеряна позволило ему соединить, казалось бы, несоединимые и абсолютно противоречивые вещи: инструменты традиционного европейского симфонического Творчество Ф.Бэкона. Фрэ́нсис Бэ́кон - английский художник-экспрессионист, мастер фигуративной живописи. Основной темой его работ является человеческое тело – искаженное, вытянутое, заключенное в геометрические фигуры, на лишенном предметов фоне. Триптих – излюбленная форма в творчестве художника. Сохранилось 28 триптихов разных размеров, а несколько других было уничтожено самим Бэконом: он очень критично подходил к своим работам. В молодости Бэкон не получил художественного образования и долгое время находился в неведении относительно своей будущей профессии, экспериментируя с различными родами деятельности, поэтому его стиль – особое смешение его собственного восприятия и ярких заимствованных образов, которые прослеживаются во многих работах художника. Переломный момент в его творчестве наступил в 1944 г. с триптихом «Три этюда к фигурам у подножия распятия», который получил высокие оценки критиков, и Бэкона стали считать одним из ведущих британских художников XX в. Не имея никакого профессионального образования, Бэкон долго выбирал подходящий род деятельности. Он экспериментировал со стилями и жанрами живописи в 30-х г., однако сохранилось всего 15 работ того периода. Значительное влияние на его творчество оказали покровители, такие как де Мейстр и Холл. Бэкон часто использовал заимствованные образы в своих работах. Некоторые образы постоянно встречаются в творчестве Бэкона. Крик, как утверждает сам художник, явился образом-катализатором для его творчества. Бэкон обратил внимание на этот сюжет, увидев фильм Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» и прочитав книгу о болезнях ротовой полости. Впоследствии он изобразил крик в таких работах, как триптих "Три этюда к фигурам у подножия распятия" и серия картин "Кричащие папы". Образ распятия присутствует в большинстве картин Бэкона, начиная с самых ранних, являясь важным принципом работ, тем, что образует основной порядок изображенного. Примерами использования этого образа являются такие картины, как "Распятие", «Фрагмент распятия», "Три этюда к распятию". Ранние работы Бэкона преимущественно тёмных тонов, но в дальнейшем полотна становятся более интенсивными по колориту. Бэкон никогда не писал с натуры, а использовал в качестве основы фотографии. Зачастую Бэкон использовал работы Дикина, а также фотографии Мейбриджа, известного американского фотографа XIXв. По фотографиям Дикина Бэкон создал серию портретов своих друзей: Люсьена Фрейда, Генриетты Мораес, Изабеллы Роусторн. Основные работы: триптих «Три этюда к фигурам у подножия распятия»; «Картина»; «Этюд к портрету папы Иннокентия X»; триптих «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда»; Черные триптихи. Творчество Д. Хокни. Дэвид Хокни - английский художник, график и фотограф, считается одним из влиятельнейших художников XX столетия. Совместно с физиком Фалько разработал тезис о влиянии оптических приборов на реалистическую технику изображения в классическом европейском искусстве. В своем творчестве он обращается к самым разным стилям, как традиционным, так и новейшим. Хокни род. в Бредфорде, получил образование в Бредфордском художественном колледже и Королевском художественном колледже. Выставки его работ, проходившие в США, Лондоне и других европейских странах, создали Хокни репутацию наиболее популярного современного английского художника. Многие свои произведения Хокни создавал в знак преклонения перед мастерами прошлого. Например, в композиции Художник и модель сам обнаженный Хокни сидит перед Пикассо в качестве модели, напряженно вглядываясь в мастера; в композиции Рассматривая картины на экране изображен музейный хранитель и художественный критик Гелдцалер, изучающий воспроизведение четырех картин на экране. В 1982 выставка «Дэвид Хокни – фотограф» в Центре Жоржа Помпиду в Париже и книга ДэвидХокни: фотографии принесли ему славу ведущего мастера современной фотографии. Большая ретроспективная выставка произведений художника демонстрировалась в 1998 в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. Хокни опубликовал два тома мемуаров: Дэвид Хокни и Именно таким образом я все это вижу Живописный стиль Хокни сложился под воздействием двух источников — "наивного" искусства (графитти, детский рисунок) и имиджей массовой культуры, что предопределило его близость поп-арту (серии Чай и Любовь). Пребывание в США вызвало пристальный интерес художника к современному индустриальному окружению и городскому быту. Картины с изображениями бассейнов, людей под душем строятся на контрасте неподвижной геометрии зданий и живых всплесков воды, гибких очертаний человеческих тел (Человек, принимающий душ в Беверли-Хиллз; Большой всплеск). Хокни занимался также книжной и журнальной графикой, фотографией, театральной декорацией. Гиперманьеризм в ИЗО. Гиперманьеризм (анахронизм)  - одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Гиперманьеризм возник в Италии в конце 70-х, а в начале 80-х — во Франции. Его важнейшим идейным источником стало творчество де Кирико. Гиперманьеристы вдохновляются искусством мастеров прошлого (Возрождения, маньеризма, барокко), которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры. По сути своей, гиперманьеристы — стилизаторы, обратившиеся к анализу искусства прошлого. Идея, концепция, цитата — основа диалога художника с прошлым. Гиперманьеризм — парадоксальное сочетание «возврата к живописности» с концептуальным проектированием творчества; его результатом явились полистилистика, полижанровость, сложное переплетение живописного и литературного, кинематографического языков (широко применяется в кинемотаграфии). Цитата, центон — основа личностного диалога с прошлым, в результате которого возникают индивидуальные художественные миры, «персональные» стили Абате, Бартолини, Галлиани, Мариани, Гаруста и других гиперманьеристов (Онтани, ди Стасио, Гаруй). Гиперреализм в ИЗО. Гиперреализм (фотореализм) — художественное течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографическом воспроизведении (копировании) действительности. Направление в изобразительном искусстве последней трети XX в, сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Гиперреализм возник в США в конце 60-х г. и стал заметным событием в мировом изобразительном искусстве. В 1973 Брахот предложил термин "гиперреализм". Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной Ведущие драматурги советского театра(2). писать научно-популярные произведения о трагических периодах русской и мировой истории, о знаменитых исторических личностях. Он также делал телепередачи из цикла «Загадки истории», которые называет просветительскими. В последние годы Радзинский увеличил свою известность как автор популярных историко-публицистических книг. Исидор Шток - советский драматург, актёр. Родился в семье хормейстера и дирижёра. В сентябре 1917 семья переехала в Харьков. Окончив школу в Харькове, Шток перебрался в Москву, где занимался в театральной студии при Театре Революции, затем был актёром Передвижного театра Пролеткульта. В 1927 была поставлена его первая пьеса «Комсомол как таковой». Следующую пьесу, «Земля держит», поставили в 1931 в Магнитогорске, где Шток работал журналистом. После войны начал писать сатирические пьесы-сказки, имевшие большой успех. Автор пьес, сценариев к кинофильмам. Пьесы: Комсомол как таковой; Земля держит; Победители ночи; Чёртова мельница; Караван; Вечное перо; Якорная площадь; Ленинградский проспект; Объяснение в ненависти; Божественная комедия; Земля Замоскворецкая; Рейс; Это я — ваш секретарь; Туман над заливом; Старая дева; Золотые костры; Петровский парк; Старый адмирал; Дом номер пять; Ноев ковчег. Проза: Рассказы о драматургах; Премьера. Рассказы. Александр Штейн- русский советский писатель, драматург, сценарист. Род. в Самарканде в семье служащего. Учился в Ленинградском университете на филологическом факультете. В 1920—1923 гг. работал в газете «Правда Востока», в 1924—1929 гг. — в газете «Ленинградская правда». В 1930—1939 гг. работал редактором журнала «Рабочий и театр» и заместителем редактора газеты «Литературный Ленинград». В 1941—1946 гг. служил офицером на Балтийском флоте. Был редактором газеты линкора «Октябрьская революция», корреспондентом и начальником отдела культуры газеты «Красный флот». Литературной деятельностью занимается с 1929 г., когда в соавторстве с братьями Тур и Горевым появились его первые пьесы. В пьесу «Пролог» Штейн первоначально вставил сцену с участием Сталина, но при переработке в 1955 убрал её. Пьеса «Закон чести» разоблачает космополитизм в академической среде. Пьеса «Между ливнями» подверглась критике в «Правде» за то, что Ленин в ней изображён авторитарным руководителем. Написал также ряд очерков, статей и рецензий. Литературное творчество: «Талант»; «Закон чести»; «Персональное дело»; «Жил-был я»; «Черный гардемарин»; «У времени в плену»; «Версия»; Драматургия: Утопия; Талант; Весна двадцать первого; Крестовый остров: «Добро пожаловать»; Проза: Второй антракт; Небо в алмазах; Наедине со зрителем; И не только о нем…; ФИЛЬМОГРАФИЯ: Подводная лодка Т-9; Морской батальон; Суд чести; Адмирал Ушаков; Корабли штурмуют бастионы; Пролог; Спасённое поколение; Океан. Александр Вампилов - русский драматург, прозаик, публицист. По окончании школы Вампилов поступил на историко-филологический факультет Иркутского университета, который окончил в 1960. В годы учебы публиковал в университетской и областной газетах очерки и фельетоны под псевдонимом Санин. Под этим же псевдонимом вышла его первая книга юмористических рассказов «Стечение обстоятельств». В начале 60-х гг. написал свои первые драматургические произведения – одноактные пьесы-шутки «Ангел», «Воронья роща», «Дом окнами в поле». Ранние произведения Вампилова были основаны на странных, порой смешных происшествиях, анекдотах. Герои рассказов и сценок, попадая в эти странные ситуации, приходили к переоценке своих взглядов. В 1970 Вампилов написал пьесу «История с метранпажем». В 1965 окончил Высшие литературные курсы при Литературном институте им. Горького в Москве. Во время учебы написал комедию «Ярмарка». Наличие в мире высшей силы было постоянной темой творчества Вампилова. Вернувшись в Иркутск, Вампилов продолжал работать как драматург. Его пьесы публиковались в журналах «Театр», «Современная драматургия», «Театральная жизнь», входили в репертуар лучших театров страны. В 1967 Вампилов написал пьесы «Старший сын» и «Утиная охота», в которых в полной мере воплотилась трагическая составляющая его драматургии. «Утиная охота» стала пьесой-символом драматургии конца 60-х г. В драме «Прошлым летом в Чулимске» Вампилов создал свой лучший женский образ – юной работницы провинциальной чайной Валентины. Творчество Вампилова оборвала трагическая случайность. Вампилов утонул в озере Байкал. Творчество Ю. Любимова (Таганка). Теа́тр на Тага́нке (Московский театр драмы и комедии на Таганке) — московский драматический театр, основанный в 1946 г., преобразованный в 1964-м Любимовым. Главным режиссёром стал Плотников, труппу составили воспитанники московских театральных студий. Первой премьерой нового коллектива стал спектакль «Народ бессмертен». В начале 60-х г. Театр драмы и комедии оказался одним из наименее посещаемых театров столицы, — в январе 1964 г. Плотникову пришлось уйти в отставку, новым главным режиссёром был назначен Любимов. Любимов значительно обновил труппу, произведя дополнительный набор молодых артистов, и в дальнейшем Любимов постоянно пополнял труппу молодыми актёрами, преимущественно выпускниками Щукинского училища. Любимова увлекли идеи «эпического театра» Брехта. Под руководством Любимова «Таганка» сразу же приобрела репутацию самого авангардного театра страны. В спектаклях активно применялись пантомима, теневой театр, по-брехтовски использовалась музыка. В 80-х г. театр пережил ряд кризисов, вызванных отъездом за границу главного режиссёра Любимова и последовавшим лишением его гражданства СССР. В 1992 г. театр распался надвое. Часть труппы под руководством Губенко образовала новый театр «Содружество актёров Таганки» и заняла новое здание театра на Таганке, оставшаяся часть труппы во главе с Любимовым осталась в старом здании. В 2011 г. в результате конфликта с актёрами Любимов покинул театр. Юрий Любимов — актер, театральный режиссер, создатель и художественный руководитель Театра на Таганке. Первые театральные впечатления Любимова связаны с «Синей птицей» и «Горем от ума» во МХАТе, видел он и знаменитые спектакли Мейерхольда «Лес», «Ревизор», а затем и «Даму с камелиями». В 1934 г. Любимов был принят в студию при МХАТ-2. Уже через год на сцене этого театра в спектакле «Мольба о жизни» сыграл свою первую, пока эпизодическую роль. В 1936 г. Любимов поступил в училище при Театре им. Вахтангова и сразу же был введен на одну из эпизодических ролей в легендарную «Принцессу Турандот». В 1939 г., сыграв роль Пекаря в дипломном спектакле «Мещане», Любимов окончил театральное училище и был призван в армию. После демобилизации Творчество П. Брука(2). народного зрелища, возрождает традиции старинного театра, как европейского, так и восточного. В 1985 г. состоялась премьера инсценировки древнеиндийского эпоса «Махабхарата». Брук читал лекции, проводил эксперименты, творческие мастерские. Постоянные размышления режиссера о законах и природе театра, неустанный поиск «живого театра» отразились в его книгах, изданных в разные годы «Пустое пространство», «Блуждающая точка», «Секретов нет. Мысли об актерском искусстве и театре». В 1998 г. выходит книга воспоминаний «Нити времени».  В 2000 г. Брук снова поставил «Гамлета». 2003 г. Брук представил премьеру пьесы «Моя рука в твоей руке». Абсурдистская драматургия Англии XXв. Гарольд Пинтер - английский драматург, поэт, режиссёр, актёр. Один из самых влиятельных британских драматургов своего времени. Начиная с его первой пьесы «Комната» литературная карьера Пинтера продолжалась более 50 лет и включила в себя 29 пьес, 27 сценариев, большое количество скетчей, радио- и телепостановок, стихов, один роман, рассказы, эссе, речи, письма, фарсы. Его актёрская карьера началась в 1951 г. в Ирландии, в старомодной странствующей театральной труппе под руководством Максмастера. Через два года Пинтер перешёл в труппу Вульфита, которая отдавала предпочтение классическому репертуару. Первую пьесу молодого автора — «Комната» — поставили в мае 1957 г. студенты факультета драмы Бристольского университета. В конце 50-х г. о Пинтере заговорили как о талантливом драматурге. Хотя внешние приметы драматургии Пинтера соответствуют реалистическому театру, однако отношения между персонажами и развитие диалога и событий непредсказуемы и нетипичны, допуская различные толкования. Имя Пинтера даже дало название литературному определению «пинтеризм», отражающий специфическую писательскую манеру драматурга. По его же сценарию был поставлен фильм «Последний магнат» по роману  Фицджеральда. Еще одна знаменитая картина по сценарию Пинтера — «Любовница французского лейтенанта» по роману Фаулза. В 1990 г. Пинтер адаптировал для экрана роман  Этвуд «История служанки», в 1996 г. участвовал в экранизации романа Кафки «Процесс». В 2003 г. драматург издал сборник стихов «Война», в котором выразил свое осуждение американо-британского вторжения в Ирак. Весной 2005 г. 74-летний писатель объявил о том, что больше не намерен писать пьесы, однако будет продолжать работать в других жанрах, прежде всего в поэзии. Том Сто́ппард – британский драматург, режиссер, киносценарист и критик. В своих пьесах зрелого периода Стоппард поднимает философские вопросы морали и свободы личности с элементами сюрреализма. Пьесы Стоппарда долгое время были основой репертуара Государственного театра в Лондоне. 1966 г. — «Розенкранц и Гильденстерн мертвы». Пьеса, которая принесла Стоппарду известность. В 70-х г. начинается международная политическая активность Стоппарда. 2007 г. в Российском Академическом Молодёжном Театре состоялась премьера пьесы Тома «Берег Утопии», написанной им в 2002 г. Драматургия Англии XXв. «Рассерженные молодые люди»— обозначение группы писателей критического направления в литературе Великобритании, сложившегося в 50-е г. Этот термин впервые был использован в рецензии на пьесу Осборна «Оглянись во гневе» и распространился на всю группу английских прозаиков и драматургов, поднимавших в своём творчестве схожие темы в этот же период. Основной темой творчества «сердитых молодых людей» был протест героя — как правило, из рабочего или среднего класса — против окружающей его действительности 50-х г. в Великобритании. «Сердитые молодые люди», не возвещая о себе как о литературном направлении, не выпускали манифестов и программ и не соглашались с попытками критиков объединить их, хотя пьесы их ставились на одной сценической площадке, а выступления нередко скреплялись одним переплетом. Произведения «сердитых молодых людей» не отличались эстетической новизной. Они возрождали традиции реализма с заметным тяготением к натурализму. Наиболее заметную роль они сыграли в обновлении языка драмы после господства на сцене салонных и поэтических пьес. Джон О́сборн — английский драматург и сценарист, один из лидеров литературного движения «Рассерженные молодые люди». Известность Осборну принесла пьеса «Оглянись во гневе», которая вызвала сильнейший общественный резонанс и «навсегда изменила лицо британского театра».  Осборн — автор нескольких киносценариев, в том числе к фильмам «Оглянись во гневе» и «Комедиант», а также «Том Джонс». К сильным сторонам творчества Осборна относится умение сотворить живые, запоминающиеся характеры и яркие диалоги. В центре большинства его пьес персона, не удовлетворенная положением дел в обществе и выплескивающая тотальное разочарование и гнев на окружающих в пространных, полных горечи монологах. Другие пьесы Осборна: Эпитафия Джорджу Диллону, Род Бамбергсов, Рядовое семейство, Предмет скандала и волнений, Почетная связь, Время действия – настоящее, К западу от Суэца и Конец моей старой сигары. Им написаны ещё два тома автобиографии – Человек высшего разряда и Почти джентльмен. Бре́ндан Биэ́н — ирландский писатель, журналист, писал на ирландском и английском языках. Очень рано начал писать: его «Ответ малолетки автору проанглийских стихов» был опубликован в 1931. Пьесы Биэна, близкие к драматургии рассерженных молодых людей шли в постановках леворадикальных режиссёров Великобритании, в ФРГ их ставил Цадек. Успехом пользовались и его автобиографические повести. Пьесу «Говоря о верёвке» перевёл на русский  Бродский, на немецкий язык пьесы Биэна переводил Бёлль. Театр Англии XXв. На основе творчества Шоу начинают появляться экспериментальные театры. 1904 театр Харли Гренвил-Баркера (открылся постановкой Шоу «Кандида»; Шоу становится репертуарным драматургом в этом театре).Один из самых знаменитых – Берменгемский репертуарный театр – основатель Джексон (в 1925 поставлен «Гамлет»). Театр «Олдвик» (дом Шекспира): в 1914 руководство театром переходит к Бейтс. В 1929 был приглашен Гилгут, который становится ведущим актером и режиссером. Мемориальный театр, который преобразуется в Королевский шекспировский театр. В 50-е новый виток в драматургии (появляется новый литературный материал): «молодые рассерженные» (Осборн, Арденн, Уэскер, Дилени, Биэн). Основа их драматургии – критическое отношение к действительности. Персонажи – молодые люди из соц. низов. Действие пьес происходит на кухне или кабачке. В 60-х развивается абсурдистская драма.

Творчество А. Тертеряна (2). оркестра и раритетные инструменты и приемы древнейших восточных культур. Он реализовал идею, исходящую из армянского фольклора. Используя инструменты симфонического оркестра, Тертерян концентрирует их возможности на создании удивительно эффектной музыкальной структуры — “темброзвука” или “тембропространства”.  Автор оперы «Огненное кольцо», балета «Ричард III», вок.-симф. цикла «Родина», сонаты для виолончели и ф-но, струн. квартета. Творчество Г. Канчели. Ги́я Канче́ли— советский грузинский композитор, педагог. Биография композитора не слишком богата внешними событиями. Родился в Тбилиси, в семье врача. Окончил музыкальную школу, затем геологический факультет Тбилисского университета  и лишь потом поступил в Тбилисскую консерваторию, которую окончил в 1963 г. по классу композиции Туския. С 1970 г. преподавал в Тбилисской консерватории (класс инструментовки). С 1971 г. — заведующий музыкальной частью Тбилисского театра им. Руставели. Уже в студенческие годы музыка Канчели оказалась в центре критических дискуссий, не прекращавшихся вплоть до присуждения композитору в 1976 г. Государственной премии СССР, а затем вспыхнувших с новой силой. Правда, если поначалу Канчели упрекали в эклектизме, в недостаточно ярком выражении собственной индивидуальности и национального духа, то позднее, когда авторский стиль полностью сформировался, заговорили о самоповторении. В каждом очередном сочинении Канчели, по его признанию, стремится "найти для себя хотя бы одну ступеньку, ведущую вверх, а не вниз". Поэтому и работает медленно, тратит по нескольку лет на отделку одного сочинения. Зато среди немногочисленных сочинений Канчели не найти экспериментальных или проходных, тем более неудачных. Семь его симфоний - это как бы семь заново прожитых жизней, семь глав эпопеи об извечной борьбе добра со злом, о трудной судьбе красоты. Каждая симфония - законченное художественное целое. Вторая симфония, носящая подзаголовок "Песнопения", - самое светлое из произведений Канчели, утверждающее гармонию человека с природой и историей, незыблемость духовных заветов народа. Третья подобна стройному храму во славу гениальных анонимов - создателей грузинской хоровой полифонии. Четвертая симфония, посвященная памяти Микеланджело. Пятая симфония посвящена памяти родителей композитора. Здесь, пожалуй впервые у Канчели, тема времени, неумолимого и милосердного, полагающего предел человеческим стремлениям н надеждам, окрашивается глубоко личной болью. В Шестой симфонии вновь возникает эпический образ вечности, музыкальное дыхание становится шире, контрасты укрупняются. В середине 60-х гг. начинается сотрудничество Канчели с крупными режиссерами драматического театра и кино. К настоящему времени им написана музыка к более чем 40 кинофильмам (в основном режиссеров Шенгелая, Данелия, Гогоберидзе, Чхеидзе) и к почти 30 спектаклям. Канчели — автор симфонической и камерной музыки. Написал музыку ко многим драматическим спектаклям, десяткам кинофильмов, в том числе таким популярным, как «Мимино» и «Кин-дза-дза!».Важен образ и движение времени. Для музыки характерно медленное движение. Динамическая статика – характерный термин для его творчества. Тоска по идеалу, стремление к свету, красоте – образы в музыке. Новая религиозность употребляет как эпитет к музыке. Творчество С. Губайдулиной. София Губайдулина — российский композитор. Автор более 100 симфонических произведений, сочинений для солистов, хора и оркестра, инструментальных ансамблей, музыки для театра, кино и мультфильмов. В 1954 г. окончила Казанскую консерваторию по классу фортепиано Когана. В 1954-1959 гг. училась в Московской консерватории у Пейко (композиция); в 1960-1963 совершенствовалась в аспирантуре у Шебалина. В музыкальной жизни СССР 60-80-х гг. занимала независимую позицию. До начала 80-х камерная и симфоническая музыка Губайдулиной редко звучала в СССР и была почти неизвестна за границей. Мировое признание принес Губайдулиной скрипичный концерт «Жертвоприношение». Ее известность укрепилась после 1985, когда она начала выезжать на Запад и получать заказы из разных стран. Подобно другим советским «авангардистам» ее поколения, в 60-х годах Губайдулина пробовала свои силы в серийной технике (кантата «Ночь в Мемфисе» для меццо-сопрано, мужского хора и оркестра на тексты из древнеегипетской лирики), пользовалась различными новыми методами организации звукового материала, заимствованными из опыта западных коллег. Однако уже тогда сложился ее глубоко индивидуальный стиль, не имеющий параллелей в современной музыке. В основе большинства партитур Губайдулиной лежит идея взаимодействия и столкновения антитез. Она отражена в заглавиях ряда ее произведений: «Шум и тишина» для клавесина и ударных; «Светлое и темное» для органа; «Сад радости и печали» для флейты, арфы и альта; «Слышу... умолкло...» для большого оркестра; «Чет и нечет» для ударных и клавесина; «Два пути (посвящение Марии и Марфе)» для двух альтов и оркестра. Фундаментальное значение для Губайдулиной имеет противопоставление «земного» (развивающегося, материального) и «небесного» (статичного, идеального) начал. Центральный символ, вокруг которого строится весь художественный мир Губайдулиной, — распятие, сочетающее в себе вертикаль вечного Божественного смысла и горизонталь реального времени; непосредственно образом Креста вдохновлены некоторые из ее лучших опусов, в том числе «На Кресте» для виолончели и органа, «Семь слов Спасителя на Кресте» для виолончели, баяна и струнных. В поисках новых средств и форм для воплощения религиозно-мистических идей Губайдулина много экспериментирует с нетрадиционными приемами игры, необычными сочетаниями инструментов, числовыми структурами, в которых она также усматривает глубокий символический смысл. Губайдулина писала также музыку для кино. Всего она написала музыку к 25 фильмам, включая «Вертикаль», «Маугли», «Человек и его птица» и «Чучело». Губайдулина — один из самых крупных и глубоких композиторов второй половины XX в. Её творчество — стремление к органичному объединению свойств искусства Запада и Востока, воздействие представлений духовно-религиозного порядка. Через веру она приходит и к смыслу творчества. Наряду с Шнитке и  Денисовым Губайдулина входила в так называемую «троицу» московских композиторов авангардного направления. Гиперреализм в ИЗО (2). фиксации, документализм. Гиперреализм акцентирует механический, “технологичный” характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий; цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма — реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографический портрет “человека с улицы”, создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности. К примеру, молодой британский художник Мартин который работает в жанре гиперреализма и изображает рутинные объекты которые нас окружают, в основном - продукты питания. Коттон его работы имеют очень необычный характер, и очень узнаваемы в художественных кругах, из-за неоднозначной концепции. Еще один, знаменитый художник, работающий в этом направлении живописи Торренс. В его работах очевидна и жесткая контурность и многозначительность образов, которые всегда являлись знаками испанского реализма. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Художники, работающие в жанре и стилистике гиперреализма: Торренс, Рамос, Прайор, Коттон, Боден, Кампус, Клоуз, Эно, Мьюек, Бернарди, Албертони, Спенс. Творчество Г. Рихтера. Герхард Рихтер — немецкий художник, один из самых известных мастеров современной живописи. Род. в Дрездене в Германии. С 1948 по 1951 год обучался в художественной школе в Циттау, затем в 1952 - 1956 гг. в высшей школе изобразительного искусства в Дрездене. В 1961 эмигрировал в Зап. Германию, где продолжил учебу в академии художеств в Дюссельдорфе. Перебравшись в Зап. Германию он начал работать с Польке и Фишер-Лойгом, манипулируя в духе поп-арта с рекламными объявлениями и дорожными знаками. Следующие пятнадцать лет Рихтер работал на стыке живописи и фотографии. Первая выставка Герхарда Рихтера состоялась в 1963 г. В 70-х Рихтер написал серию картин в духе минимализма, озаглавленных «Серое». Первая персональная выставка его работ в Соединенных Штатах прошла в 1973 г. В кон. 70-х и начале 80-х гг. Рихтер продолжал писать абстрактные полотна, порой цветные, порой только серые, используя печатную продукцию, любительскую и профессиональную фотографию. В творчестве Рихтера сочетаются традиции реализма с патетикой поп-арта, с поздними феноменами неформальной живописи, с модными течениями абстрактного экспрессионизма и фотореализма. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. Арт-брют в ИЗО. Арт-брют - термин, введенный французским художником Дюбюффе для описания собранной им коллекции картин, рисунков и скульптуры, созданных непрофессиональными мастерами, которые как с общественной, так и с психической точки зрения являются маргиналами (душевнобольные, инвалиды, заключенные, чудаки — одиночки, медиумы). Их работы несут в высшей степени спонтанный характер и практически не зависят от культурных шаблонов. В частности, Арт-брют не считается с конвенциями правдоподобия, живописной перспективы и условных масштабов, не признает разграничения реального и фантастического, иерархии материалов. Большое влияние на концепцию Арт-брют оказали две монографии — немецкого психиатра Принцхорна «Художественное творчество душевнобольных» и швейцарского психотерапевта Моргенталера «Душевнобольной как художник». Авангардное искусство ХХ в. (дадаизм, сюрреализм, футуризм и др.) активно обращается к опыту Арт-брют. Лишь очень тонкие ценители искусства способны находить прекрасное в арт-брют, подкупающем простотой непосредственного выражения и глубиной личного восприятия авторов, для которых это часто единственная возможность общения с внешним миром. Арт-брют — это искусство одаренных аутсайдеров, работающих произвольно, но с высокой степенью аутентичности, не заинтересованных в потенциальном зрителе и не ориентированных на рынок, обычно не имеющих спецобразования и не знакомых с законами живописи. Произведения арт-брют автономны и самодостаточны. Бесполезно задавать вопросы о том, что хотел сказать художник, что он имел в виду, на чем основывается его теория. Мастера арт-брют часто занимаются мифотворчеством и искренне верят в вымышленные истории. Они редко способны к рефлексии по поводу своего искусства и обычно даже не считают себя художниками, рисуют картины, фотографируют и изготавливают художественные объекты исключительно из внутренней необходимости. Среди наиболее известных авторов Арт-брют — Санторо, Шеваль, Вельфли, Лесаж, Сутер, Гилл, Трипье, Рамирес, Скотт, Лонне. Творчество А. Волфли. Адольф Вёльфли - швейцарский художник-примитивист, один из наиболее ярких представителей Арт-брют. Работал батраком на фермах. Был арестован полицией за оскорбление общественной нравственности, после рецидива обследован врачами, у него диагностирована шизофрения. С1895 до конца жизни жил в известной психиатрической клинике Вальдау. Здесь он в возрасте тридцати пяти лет начал рисовать, писать стихи, сочинять музыку. Оставил гигантское наследие из десятков тысяч рисунков и коллажей, а также ряд музыкальных и литературных сочинений (стихов и прозы). После четырёх лет, проведённых в больнице Вальдау, Вёльфли начал рисовать. Самые ранние из сохранившихся работ, датированы 1904 г.: это нервные орнаментальные рисунки, выполненные карандашом на газетной бумаге. Объединяя зрительные образы, слова и нотные знаки, его ранние работы предвосхитили основные мотивы его последующей работы. В 1908 г., когда в Вальдау пришёл доктор Моргенталер, Вёльфли был погружён в эпический автобиографический проект, который поглотил оставшиеся двадцать два года его жизни. Текст фантастической автобиографии, перемежающейся с поэтическими строфами, нотами, и сопровождающийся 3 000 иллюстраций, включает более 25 000 страниц. Начиная с 1910 г. Вёльфли непрерывно работает над своим проектом: по его просьбе ему была предоставлена отдельная палата, которая вскоре была украшена его рисунками с пола до потолка. В этой палате художник провёл почти двадцать лет. Переплетённые вручную самим Вёльфли, сорок пять томов его сочинений в конце концов достигли высоты более шести футов. Автобиография Вёльфли, причудливая смесь действительности и вымысла, начинается как рискованная географическая мировая экспедиция, героем которой является Дуфи (детское имя автора), и разворачивается в грандиозное повествование о космической войне, в ходе которой Дуфи преображается в св.Адольфа II. Многочисленные иллюстрации в тексте повествования напоминают причудливые лабиринты или мистические мандалы, смысл которых до сих пор не разгадан. За несколько дней до своей кончины Вёльфли сожалел о невозможности завершить последнюю часть своей Творчество Ю. Любимова (Таганка) (2). вернулся в Театр им. Вахтангова и был зачислен в его труппу. На сцене этого театра с 1946 по 1964 г. он сыграл свыше 30 ролей в спектаклях. Параллельно с работой в театре Любимов много снимается в кино. Первый режиссерский опыт относится к 1959 г. В 1963 г. за шесть месяцев работы со студентами третьего курса он поставил спектакль «Добрый человек из Сезуана». В результате Любимову было предложено возглавить Театр драмы и комедии. Через год, спектаклем «Добрый человек из Сезуана» в Москве открылся новый театр — Театр на Таганке. С этого момента начинается стремительный и мощный режиссерский взлет Любимова. На сегодняшний день Любимов поставил в Театре на Таганке более 50 спектаклей. В марте 1984 г. Любимова освобождают от должности художественного руководителя созданного им Театра на Таганке и отнимают гражданство. После возвращения Мастера в страну на Таганке им были поставлены спектакли: «Пир во время чумы», «Самоубийца», «Электра», «Живаго, «Медея», «Подросток». За свои постановки Любимов был удостоен высших наград и премий.  Разработавший собственную систему воспитания актеров, Любимов проводит мастер-классы и за рубежом. Во время спектаклей режиссёр часто сидит в зале и, манипулируя включённым трёхцветным фонариком в руках, делает подсказки актёрам и поддерживает динамику их игры. Сегодня на сцене Театра на Таганке играет три поколения московских учеников Любимова. Советский театр 60-80-хгг. Театр 60-х г. мы смело можем назвать «золотым фондом» русской культуры XX в. Для русского театра 60-е были прекрасной эпохой. Это была пора истинных свершений и побед. В развитии сценического искусства этот период удивительным образом сумел соединить в себе традиции прошлых лет и рождение новых театральных идей, отзвук которых мы слышим и в сегодняшней театральной жизни. Сложившиеся тогда театральные течения определяют эстетический процесс второй половины века в жизни нашего театра. Становление и «взросление» большей части сегодняшних художественных руководителей московских театров, пришлось именно на эти годы (Любимов, Табаков, Волчек, Фоменко, Андреев, Соломин, Ширвиндт, Захаров, Хомский). 60-е г. несут на себе особую печать, характерные черты. 60-е — это огромное количество разных, казалось бы, исключающих друг друга событий, явлений, ощущений, настроений в жизни и искусстве. Начало эпохи «оттепели» — возвращение к нормальному существованию — порождало разнообразие и богатство культурной жизни, в которой театр занял принципиально важное место. Театр сумел настроить новые, принципиально важные взаимосвязи со зрителем, найдя в его лице подлинного единомышленника и сотворца. Из оптимистической социальной драмы театр перерождается в лирическую исповедь антигероя. Театр 60-х по-новому, по-своему читает и интерпретирует русскую классическую пьесу, открывая на этом пути эстетический метод, язык современного режиссерского театра, а во-вторых, одна из характерных и определяющих особенностей русской сценической культуры заключается в том, что читая классику, театр всегда говорит о современности. В Москве формирование новой театральной эстетики происходило более бурно и наглядно. Здесь прежде всего следует назвать имя Эфроса, не становившегося знаменем какой бы то ни было театральной революции, хотя, каждый его спектакль вызывал огромный интерес критики и зрителей Здесь во многом формировалась художественная программа, приведшая к открытию театра «Современник». Это ознаменовало наступление новой эпохи российской сцены. В 70-х успех сопутствовал дебютам режиссеров Васильева и Морозова. Но, пожалуй, самым громким российским театром 70–80-х был Московский театр на Таганке и его режиссер Любимов. За это время в Москве сформировалось несколько поколений замечательных актеров, принадлежащих к разным школам, обладающих высоким профессионализмом и яркой индивидуальностью. Правда, в течение ряда лет печальным было положение в труппе МХАТа – легендарные «мхатовские старики» продолжали блистать на сцене, но обновление труппы начало происходить с 70, когда театр возглавил Ефремов. Сюда пришли известные актеры, сформировавшиеся в разных театрах, но сумевшие создать новый великолепный ансамбль: Евстигнеев, Калягин, Смоктуновский, Васильева, Вертинская, Мягков, Бурков, Богатырев, Табаков. В Малом театре рядом Царевым, Бабочкиным, Гоголевой появилось новое поколение актеров: Быстрицкая, Нифонтова. С одной стороны, театральные успехи российских театров 60–80-х завоевывались нелегко. Нередко лучшие спектакли выходили на зрителя с большим трудом, а то и запрещались из-за идеологических соображений, а награды и премии получали спектакли средние, но идеологически выдержанные. С другой стороны, полуофициальный статус театра-«оппозиционера» практически всегда придавал его спектаклям дополнительный «зрительский капитал»: они изначально получали больший шанс прокатного успеха и причисления к творческим победам. Об этом свидетельствует история Театра на Таганке. На российской сцене того времени царило иносказание, намек, аллюзии с современной действительностью – это было залогом зрительского успеха. При этом не стоит забывать, что в общественной ситуации государственных театров все театральные эксперименты (в т.ч. и политические) финансировались государством. К началу 80-х для полуопальной Таганки было построено новое театральное здание с современным техническим оснащением. Зачастую политические и социальные критерии в оценке спектаклей часто перевешивали художественные – как в официальной, так и в неформальной оценке. Взвешенное, адекватное отношение к спектаклям того времени было практически невозможным. Тогда это понимали очень немногие. Театр пантомимы. Пантоми́ма — вид сценического искусства, в котором основным средством создания художественного образа является пластика человеческого тела, без использования слов. Как вид театрального искусства пантомима существует с древнейших времён. Наиболее известными фигурами в Европейской классической пантомиме были Дебюро, Марсо, Декру, Барро, Дариус, Амарантов, Енгибаров, Елизаров. Этьен Декру род. в Париже. Отец познакомил молодого Этьена с театром варьете, концертами классической музыки, с изобразительным искусством скульптуры, читал поэзию. В 1923 г., скопив достаточно денег чтобы прожить год не работая, Декру поступает в  школу «Старой голубятни» Копо. По окончанию первого года учёбы были представлены работы учеников, в одним из  них не было сказано ни единое слово, только мимика и звуки. Это представление очень сильно повлияло и окончательно изменило жизнь молодого Декру. Театр в ервые открылся перед его глазами по новому: актёры без грима и роскошных костюмов, сцена без Театр художника. Театр художника, особый вид сценического творчества, отличающийся по своей поэтике от других уже известных, исторически сложившихся видов сценического творчества: театра драматурга, театра актера и театра режиссера. Театр художника – театр, где основным действующим лицом является сценография. Сформировавшись на протяжении 20 столетия, в его вторую половину театр художника стал заметным явлением мировой культуры. У его истоков стояли сценические проекты и эксперименты русского авангарда 10-х гг., итальянских футуристов и мастеров немецкого Баухауза 20-х гг.. Однако как реальное явление культурной жизни Театр Художника заявил о себе во вторую половину 20 в. и его наиболее последовательными и яркими представителями стали Кантор, Шайна, Шуман, Фрайер, Уилсон, Мондзик. При достаточно существенных различиях индивидуальных методов, этих мастеров объединяет то, что их постановки представляют собой пластическое творчество, развернутое в сценическом пространстве и времени. Иначе говоря, эти режиссеры-художники при создании своих спектаклей мыслят прежде всего в категориях пластического творчества и строят драматический сюжет по законам визуального искусства. Театр Художника – явление закономерное. Его возникновение обусловлено двумя объективными обстоятельствами. С одной стороны – природа действия направлена на визуальный ряд. С другой стороны – театр как внелитературное явление. Именно эта общая тенденция движения от сценографии и от «пластического авангарда» к Театру Художника так или иначе характеризует и индивидуальный творческий путь каждого из его мастеров. Как особый вид сценического творчества Театр Художника – явление сугубо индивидуального характера. Очевидно одно – этот вид сценического творчества, возникнув, уже не может исчезнуть, тем более, что его влияние на визуальную культуру традиционных драматических и музыкальных сцен проявляется все сильнее и сильнее. Тадеуш Кантор - польский театральный режиссер, живописец, график, сценограф. В 1939 закончил Краковскую художественную академию. В 1942—1944, в условиях оккупации, организовал подпольный Независимый театр, где ставил пьесы Словацкого и Выспяньского. В 1955 с группой единомышленников создал в Кракове экспериментальный театр-мастерскую «Крико-2», на сцене которого были осуществлены его главные, прославленные по всему миру постановки: «Умерший класс», «Велёполе, Велёполе», «Пусть сгинут артисты», «Я сюда уже никогда не вернусь», «Сегодня мой день рождения». В 1980 создал творческий архив-музей «Крикотека», который по нынешний день собирает, издает и распространяет материалы, связанные с жизнью и творчеством режиссёра, деятельностью его театра. Кроме собственных работ и коллективных акций труппы, Кантор ставил Шекспира, гротескные драмы Виткевича, использовал прозу Шульца, драмы Гомбровича, произведения мирового изобразительного искусства. «Внеформальный», «нулевой» театр Кантора, его «театр смерти», где наряду с актёрами выступают предметы и куклы, а границ между жизнью, сновидением и небытием, как и между театральными жанрами, не существует, направлен на подрыв обыденных условностей и мифов, включая национальные стереотипы, усилием индивидуальной памяти и средствами безудержной импровизационной игры, близкой хеппенингу. Сценические поиски Кантора повлияли на театральные эксперименты Шайны, Гротовского. Созданный Кантором первый в 20 в. Театр Художника прекратил свое существование вместе с уходом из жизни своего творца. От него остались только видеозаписи. Юзеф Шайна - польский художник, сценограф. Определяющее значение для творчества Шайны оказало его пребывание в фашистском концлагере, где он, узник № 18729, целых четыре года находился в ежедневном ожидании своего смертного часа. Судьба миловала, но все пережитое и увиденное в этой адовой преисподней стало монотемой всего искусства мастера – и спектаклей его Театра художника, и его визуального творчества: живописи, объектов, инсталляций, перформансов. Уже в первых своих работах он проявил стремление создавать на сцене полные экспрессии визуальные образы, которые, становились самостоятельно значимыми персонажами спектакля и активно участвовали в сценическом действии актеров, все более определяя его характер и стилистику. Придавая сценографии столь активную роль, Шайна приближался к тому, чтобы самому заняться режиссурой и стать единоличным автором спектакля. Такая возможность ему представилась в 1963, когда он был назначен руководителем Людови театра в Новой Гуте. Сев за режиссерский пульт, он начал создавать визуальные композиции не только из сценографических элементов и объектов, но и из фигур актеров. Среди первых постановок Шайны – Ревизор, Мистерия-Буфф, Баня, Замок, Они, Новое освобождение. Открывал же список режиссерских работ Шайны спектакль Акрополь. Именно здесь Шайна впервые заявил со сцены свою монотему – концлагерь. Спустя три года тема концлагеря получила продолжение в постановке Шайны Пустое поле. Затем, в 1969 – в спектакле Ноябрьское происшествие. В 1982 Шайна передал руководство Студио молодому коллеге Гржегожевскому, а сам сосредоточился на работе в мастерской, как над станковыми живописными полотнами, так и над новыми инсталляциями и энвайронментами ту же тему. Она же лежит в основе осуществленных уже в 90-е произведений его Театра художника: Следы и Остатки, а также перформансы Земля и Дебаллаж. Лешек Мондзик — польский художник, сценограф, режиссёр. Создал в 1969 г. авторский театр художника «Пластическая сцена». Уникальность этого Театра Художника определяют четыре основные черты, остававшиеся практически неизменными во всех постановках (их было всего шестнадцать): 1. Особая монотема Мондзика; 2. Особый способ ее представления; 3. Особые средства выразительности; 4. Особое состояние зрителя во время спектаклей театра. Темой Мондзика являются вечные проблемы человеческого бытия: путь от Рождения к Смерти, испытание любовью, верой, страхом, страданиями и предстояние перед Всевышним. Уникальность средств выразительности Театра художника Мондзика заключается в том, что из них изъято слово. Композиции Мондзика полностью строятся на пластике, свете и музыке. Его Пластическая Сцена – единственный театр в мире, где нет постоянной труппы, исполнители очередной композиции каждый раз отбираются заново. Одновременно с созданием спектаклей Пластической сцены, Мондзик продолжал заниматься сценографией, оформляя постановки других режиссеров в других польских театрах, и живописью, а также устраивал перформансы и выставки своих фотографий.

Творчество Э. Денисова. Эдисон Денисов - российский композитор, музыковед (работы главным образом посвящены музыке XX в.). Род. в Томске. Музыкой стал заниматься с 12 лет. В 1946 г. поступил на радиофизический факультет Томского государственного университета и в музыкальное училище в класс известных томских педагогов  Котляревской и  Корчинского. В 1950 г. победил в студенческом композиторском конкурсе и послал свои сочинения  Шостаковичу, который ответил, что ему нужно серьёзно заняться музыкой. В 1951 г. Денисов поступил в Московскую консерваторию; окончив её в 1956 г., остался в ней преподавателем, его произведения становятся известными широкой публике. В России его музыка как «авангардная» не получала признания, а за рубежом Денисова называли «Моцартом XX века». Пишет свои 1-е теоретические работы (статья «Новая техника – это не мода»), а также автор статей о творчестве Шостаковича, Бартока, Стравинского, Веберна, Прокофьева. После окончания аспирантуры в 1959 г. преподавал в Московской консерватории оркестровку, а затем композицию. С 60-х против Денисова была развернута политика преследования, произведения не издавались, композитор был невыезным. Начиная с 60-х он установил прочные связи с представителями "авангарда" в других странах, способствуя тем самым как знакомству Запада с деятельностью музыкантов, живших в СССР, так и распространению в стране знаний о тенденциях западной музыки; с этого же времени сочинения Денисова часто исполнялись за рубежом и публиковались в западных издательствах. С 80-х Денисов приобретает признание на Родине. Вел музыкально-общественную деятельность. В 1989 г. выступил инициатором создания Ассоциации современной музыки, являлся ее президентом. Создал свою школу. Феномен «денисовской волны» нач. с 90-2000. Творческая судьба Денисова складывалась непросто: его взгляд на музыку и видение перспектив ее развития во многом не соответствовали официальной идеологии, он прослыл "диссидентом" и долгие годы был известен больше за рубежом, чем в собственной стране. Творческое наследие Денисова очень многообразно в жанровом отношении. Помимо вокально-инструментальных сочинений (среди них одним из наиболее значительных является "Реквием" для солистов, хора и оркестра на слова Танцера и литургические тексты), камерно-инструментальных и вокальных сочинений, им написаны три оперы ("Солдат Иван"; "Пена дней" по роману Виана, считающаяся центральным сочинением композитора; и одноактная опера "Четыре девушки"), балет "Исповедь", две симфонии для большого оркестра, две камерные симфонии, многочисленные концерты для различных солирующих инструментов. Денисову принадлежит также музыка к спектаклям и фильмам. Он автор ряда музыковедческих работ, первых в России музыкально-теоретических исследований, посвященных современным принципам композиции.  В отличие от большинства советских «авангардистов», Денисов творчески был с самого начала сориентирован на французскую культуру, наиболее крупным авторитетом среди современников для него являлся Булез. Для его зрелой техники характерно свободное совмещение техник сериализма, алеаторики, сонористики. Ключевой категорией своей эстетики сам композитор считал понятие «пластики». Творчество А. Шнитке. Альфре́д Шни́тке - советский и российский композитор, теоретик музыки и педагог (автор статей о русских и советских композиторах), один из наиболее значительных музыкальных деятелей второй половины XX в. Среди произведений Шнитке - оперы, балеты, симфонии, камерная и хоровая музыка. Композитор много работал в театре, и особенно в кино, создав музыку к нескольким десяткам игровых, документальных и мультипликационных фильмов известных режиссеров. Род. в городе Энгельс. Музыкальное образование для Шнитке началось в 1946 г. в Вене.  В 1958 г. окончил Московскую государственную консерваторию им. Чайковского, в 1960-м был принят в Союз композиторов, в 1961-м окончил аспирантуру при консерватории по классу композиции и занялся преподавательской деятельностью (инструментовка, чтение партитур, полифония, композиция). В последующие несколько лет зарабатывал себе на жизнь в основном сочинением музыки к фильмам. В середине 60-х сложился индивидуальный стиль Шнитке в музыке. Шнитке - главная фигура "советского музыкального авангарда" Для его стиля начиная со второй половины 70-х гг. характерно совмещение разнообразных современных композиторских техник на основе выдвинутой им самим концепции «полистилистики» (выдающийся музыкальный аналитик, Шнитке неоднократно публиковал свои теоретические очерки, в частности посвященные Шостаковичу и Стравинскому). Кроме того, в произведениях композитора часто ощутимо «театральное» начало, возможно, идущее от его работы в прикладных жанрах и сообщающее музыке характер «звукового дизайна» – как бы комментария к некоему событию. Безусловно высокое мастерство музыканта в драматургическом построении его композиций.  В 1985 г. в крайне сжатый срок Шнитке написал два крупных и значительнейших своих сочинения - хоровой Концерт на стихи армянского мыслителя и поэта десятого века Нарекаци и альтовый Концерт.  Есть у Шнитке и произведения, предназначенные для сцены. В 1985 г. он написал балет "Эскизы". В 87-м появился третий его балет - "Пер Гюнт", а первым был "Лабиринты", сочиненный еще в 1971 г. В 1990 Шнитке переезжает жить в Германию. Здесь он написал оперу "Жизнь с идиотом". Здесь композитор и умер в 1998 г. Каталог произведений Шнитке включает 70 названий, не считая ранних сочинений и прикладной музыки. Среди произведений композитора: оперы - "Одиннадцатая заповедь" и "Жизнь с идиотом", балет "Лабиринты", оратория "Нагасаки", прелюдия памяти Шостаковича, кантата "История доктора Иоганна Фауста". Шнитке очень много и плодотворно работает в кино. Он написал музыку к нескольким десяткам фильмов, в том числе-"Ты и я", "Восхождение", "Комиссар", "Экипаж", "Сказка странствий", "Осень", "И все-таки я верю", "Агония", "Спорт, спорт, спорт".  Одним из самых впечатляющих сочинений Шнитке стала его кантата "История доктора Иоганна Фауста". Творчество Шнитке характеризуется концептуальностью замыслов, масштабностью, экспрессией, типичны сложно дифференцированная оркестровая и ансамблевая фактура, полистилистика, системы цитат. Заметно преобладание инструментальных жанров. Этапы творчества: 1)50-е становление стиля (пробует писать сочинения разных жанров); 2)60-е авангардный (экспериментальный) период; 3)70-е период полистилистики; 4) 80-е период новой простоты (обращение к романтической музыке); 5)90-е поздний период (для произведений характерна строгость и лаконизм письма, символическое содержание). Творчество А. Волфли (2). автобиографии – грандиозный финал, включающий почти 3 000 песен, который он назвал «Похоронный марш». В 1972 г. уникальный труд Вёльфли был показан в Европе и США. В 1975, спустя 45 лет после кончины художника, его творческое наследие, включающее автобиографию и иллюстрации к ней, а также около восьмисот отдельных рисунков, было передано психиатрической клиникой Вальдау Музею изобразительных искусств в Берне. Сюрреалисты высоко ценили творчество Вёльфли, усматривая в нём черты спонтанности, близкие автоматизму. Широкой публике творчество Вёльфли представил крупный швейцарский психиатр и психотерапевт Моргенталер в посвященной ему монографии «Душевнобольной как художник». Она привлекла внимание сюрреалистов её оценил Бретон и заметил Дюбюффе, который включил рисунки Вёльфли в парижскую экспозицию арт-брют в 1948.Вёльфли стал одним из прототипов заглавного героя романа Сандрара. В 1972 работы художника фигурировали на пятой Кассельской  выставке «Документа». C 1975  рисунки и коллажи Вёльфли включены в экспозицию Бернского художественного музея. На стихи Вёльфли написал вокальный цикл немецкий композитор Рим, камерная опера Адольф Вёльфли принадлежит австрийскому композитору Хаасу. На основе текстов Вёльфли датский композитор Нергорд создал оперу «Божественный сад Тиволи». Кантату на стихи Вёльфли написал Апергис. Современное белорусское искусство. Современному искусству присуще многообразие визуальных экспериментов. Графика, живопись, фотография, другие виды изобразительного искусства развиваются в русле современных визуальных тенденций. Наблюдается смешение и взаимодействие стилей, присущее европейскому искусству. Значительно активизировалась выставочная деятельность, проводятся международные пленэры, фестивали и выставочные проекты, художники активно ищут свой путь в русле интернациональных тенденций. Сформировалось новое поколение белорусских художников, способных к непредвзятому восприятию самых разнообразных течений в мировом искусстве. Развитие белорусской художественной фотографии последних 20 лет характеризуется многогранностью жанровых форм, творческих методов, концептуальных подходов, техническим разнообразием. Типичными элементами работ становятся подпись автора, нумерация отпечатка, использование дополнительной обработки негатива и отпечатка, нанесение авторского текста, стремление подчеркнуть графические особенности снимка. Современные фотохудожники выделяются выразительным эстетическим направлением, отсутствием штампов в композиционном и образном мышлении. Среди авторов старшего и среднего поколений следует назвать Борозну, Казюлю, Клещука, Лобко, Карчевского, Качана, Савченко, Лихтаровича, молодое поколение представляют Лежанская, Певнев, Вафик, Торбик. В середине 90-х – начале 2000-х г. в белорусскую графику пришли молодые авторы – выпускники Белорусской государственной академии искусств Татарников, Алисевич, Сустов, Яковенко, Басалыга. Активно работают представители старшего поколения Козлов, Слаук, Вишневский, Алимов. Значительно расширяется жанрово-видовой и технический спектр белорусской станковой и книжной графики. Станковая живопись Беларуси последних десятилетий отличается возрождением интереса к живописи подчеркнуто колористического качества. Практически исчезают большеформатные сюжетно-тематические картины. Интерес вызывает оригинальность пластического языка, полнота эстетического воздействия. Для белорусской скульптуры характерно как сохранение традиций академического мастерства, так и эксперименты с новыми материалами и технологиями. Современное искусство пытается стать средством интеграции общественных интересов и общественного пространства. Создаются новые скульптуры, витражи, мозаики, граффити. Происходит процесс взаимодействия художественного и социального пространств. У художников появляется интерес к выходу из музейно-галерейного в публичное пространство. Советское искусство 70-80-хгг. В художественной жизни 60-80-х г. моло­дежные выставки стали одним из главных моментов притяжения зрительского интереса. Эти выставки увлекали и вызывали негодование. Порой они казались открытием новых путей в искусстве, а многим они виделись чуть не концом искусства. 60—70-е г. — это время наиболее плодотворной творче­ской работы тех художников, которых сегодня относят к старшему поколению. В своей широкой экспрессивной манере Моисеенко создает овеянные революционной романтикой полотна о гражданской и Великой Отечественной войнах (цикл «Годы боевые»; «Красные пришли»). Угаров пишет картину о блокадном городе на Неве—«Ленинградка. В сорок первом». Идут поиски новых выразительных средств в каждом из видов изобразительного искусства, поиски динамичности, лаконизма, простоты фабулы, обобщенности при яркой эмоцио­нальности и остроте самого характерного. В молодом искусстве 70-х г. больше неожиданного. 60-е г. стремятся к един­ству стиля, современного стиля, 70-е увлечены художественным наследием да к тому же не отличаются единодушием в стилевых предпочтениях. Конкретная задача их авторов — воссоздать «мой» мир и мир моего героя. Те понятия о смысле искусства, о красоте, ко­торые «нас» сближают. И такая нацеленность порождает в искус­стве «семидесятников» удивительное, неведомое прежде богат­ство суждений. Тихая идиллическая гармония в автопортрете Бородай. Ошеломляющий театр природы в композиции Вла­дыкина. Неповторимая стихия фольклорного празднества у Бичюнаса и мерная череда символических видений, аллегорий истории культуры у Анманиса. К 70-м г. в искусстве нарастает потребность само­определения индивидуальной позиции через глубокий анализ ситуации «личность и мир». В начале 80-х г., когда в атмосфере выставок стали ощущаться некие сдвиги, можно было услышать: в творческую жизнь включается поколение «благополучных детей». Идет моло­дежь, не знавшая не только войны, но и лишений послевоенных лет, а потому вовсе не склонная к активному самоутверждению. Ей не за что было бороться. Поэтому она заражена конформиз­мом и потребительством. Выявление собственных установок поколения 80-х г. происходит в полемике с предшествующими им тенден­циями. 70-е – начало 80-х г. - перемена общественного климата: усиление стагнации во всех сферах жизни советского общества.. Вытеснение части художников в подполье, волна эмиграции. Обновление неоакадемизма. Творчество Филатычева, Нижарадзе, Ханджяна. Развитие декоративно-монументального искусства - мозаика, фреска, монументальный текстиль. Образ эпохи в творчестве Шаховского, Митлянского, Пологова, Нестеровой, Петрова - «сказовая» интонация, обращение к традициям крестьянского и городского фольклора. Театр пантомимы(2). сценографии и бутафории, освещение без специальных эффектов. Основывавшись на этом Декру пришёл к выводу, что все действии актёра на сцене должны быть точно изучены и анализированы, основаны и истинны. 1924 г. Жуве из учеников «Старой голубятни» образовывает труппу, в которую попадает Декру. С 1925 г. Декру работает и учиться у Дюллена в театре «Ателье». В тоже время Декру снимается в кино, гастролирует и работает в театре, имеет успех в отдельных спектаклях. В 1930 и 1931 г. Декру представляет свои первые работы основывавшись  на его созданной техникой «Драматическая мимика телесной мускулатуры». В том же году была опубликована его первая статья об театре – «Мое определение театра». И в 1942 г. школа «Драматической мимики телесной мускулатуры -Этьена Декру» было официально открыто. Без забот школы, Декру с его труппой ездит  с выступлениями играет в театре, снимается в кино, работает на радио. Посредством лекции демонстрации Декру знакомит любознателей с техникой. По приглашению «Актёрской студии» Нью-Йорка с 1957 до 1962 г. с небольшим перерывом Декру представляет  лекции-демонстрации, работает и гастролирует в США. В 1963 г. издана книга Декру - «Слова посвящённые мимике». Декру работает и совершенствовает технику «Драматической мимики телесной мускулатуры» до сер.1986 г. в своей школе, помещения которой он  предназначил цокольный этаж своего дома. Его знатное имя, и его труд высоко оценивается в мире искусства. Для широкой публики его труд показан и представлен в одной или другой театральной форме: в работах его учеников и последователей, в открытой школе мимики, на занятиях или студии по мимике, в одиночных представлениях или в спектаклях. Жан-Луи Барро - выдающийся французский актёр и режиссёр. Закончил престижный столичный лицей Шапталя. Учился у Дюллена, играл у него в труппе, позже ставил в его театре Лафорга, Фолкнера, Гамсуна. Увлекался мимическим искусством. В 1940—1946 — в «Комеди Франсез», поставил Федру, Атласный башмачок. В 1945 с огромным успехом сыграл мима Батиста Дебюро в фильме Карне «Дети райка». В 1946 г. основал вместе с женой театральную компанию Рено-Барро. В 1959 по предложению министра культуры  возглавил столичный театр «Одеон». На сцене театра шли пьесы классического репертуара и современные произведения — драмы Беккета, Жене, Маргерит Дюрас. В мае 1968 г. Барро открыл театр для бунтовавших студентов, которые размещались в нём на протяжении месяца. Из-за этого был вынужден покинуть пост директора и вместе с труппой оставить Одеон. Создал собственный театр Д’Орсэ, где ставил оригинальные композиции на основе текстов Рабле, Вольтера, Ницше, Жарри. Он опробовал различные системы актерской игры, ставил спектакли и разрабатывал основы новейшей режиссуры, а в зрелые годы много писал — о своей жизни и жизни коллег, об элементах актерского творчества и об устройстве классических пьес, образцовые исследования, теоретические и практические в одно и то же время. Добился он многого, но идеально преуспел именно в сфере актерской техники: по существу он был единственным на французской сцене подлинным эрудитом и подлинным виртуозом. Марсе́ль Марсо́ – французский актер-мим, создатель парижской школы мимов. Интерес к актёрскому искусству пробудился у Марсо после знакомства с фильмами Чаплина. Посещал Школу декоративных искусств в Лиможе, затем учился у актёра Декру (именно Декру обучил Марсо мимическому искусству). В 1947 г. Марсо создал сценический образ клоуна Бипа — белолицего клоуна в полосатом свитере и потрёпанной шляпе, что принесло ему всемирную известность. Тогда же организовал труппу «Содружество мимов», которая просуществовала до 1960 г. В течение десятилетий выступал сольно. Неоднократно приезжал с гастролями в СССР. В 1978 г. Марсо создал Парижскую школу пантомимы. В 1996 основал фонд для поддержки искусства пантомимы в США. Марсо возродил старинную французскую пантомиму. Теат­ральная критика назвала его «обновителем современного театра во всем мире». Работы артиста: ансамблевые пантомимы «Лом-бард», «Париж плачет, Париж смеется», индивидуальная пантомима Марсо «Ваятель» и, наконец, возобновление в 1959 г. «Шинели» — говорят о том, что творчество Марсо развивается в реалистическом направлении. Пантомимы: «Шинель»; «Париж плачет, Париж смеется»; «Юность, зрелость, старость, смерть»; «В мастерской масок»; «Давид и Голиаф». Драматургия США XXв. Американская драматургия копировала английский и европейский театр до самого начала XX в. В XIX в. была популярна мелодрама с ее примерными демократическими персонажами и четким разделением между добром и злом. Пьесы на социальные темы, такие как рабство, тоже собирали большое количество зрителей. Только в XX в. была предпринята попытка эстетического новаторства в жанре серьезной драматургии. Величайшей фигурой в американском театре был О'Нил. В его многочисленных пьесах огромная техническая оригинальность сочетается со свежестью взгляда и эмоциональной глубиной. Ранние пьесы драматурга касаются тем рабочего класса и бедных; более поздние произведения исследуют область субъективного: в своей пьесе "Любовь под вязами", О'Нил прослеживает страсти, сокрытые внутри одной семьи; в пьесе "Великий бог Браун" вскрывается бессознательное в личности состоятельного бизнесмена, а "Странная интерлюдия" анализирует запутанные увлечения одной женщины. Среди его поздних пьес такие признанные шедевры, как "Разносчик льда грядет" -жесткое размышление на тему смерти, и "Долгий день уходит в ночь" - мощная, развернутая автобиография в форме пьесы, в центре которой его собственная семья, ухудшение физического и психологического состояния ее членов, прослеженное в течение одной ночи. О'Нил произвел пересмотр театра, отказавшись от традиционного деления на акты и сцены, вводя маски наподобие тех, что встречаются в азиатском и древнегреческом театрах, шекспировские монологи, греческий хор и спецэффекты с помощью освещения и звука. По всеобщему признанию, О'Нил - выдающийся драматург Америки. Уайлдер известен своими пьесами "Наш городок" и "На волосок от гибели" и романом "Мост короля Людовика Святого".  В "Нашем городке" изложены положительные американские ценности. Здесь присутствуют все элементы сентиментальности и ностальгии - архетип традиционного городка в сельской местности, добродушные родители и озорные дети, молодые любовники. Уильямс - американский писатель-фантаст. После окончания школы Уильямс решает заняться зарабатыванием денег на жизнь. Во-первых, потому что его семья никогда не была состоятельной, а во-вторых потому что ему самому это казалось более интересным. Он пел в рок-группе, продавал обувь, разносил почту, работал в театре, на телевидении и радио, а также — в фирме по производству мультимедийных приложений. Это далеко не полный список занятий, которые он перепробовал. Однако в Творчество Е. Гротовского. Ежи Гротовски - режиссер-реформатор, теоретик современного театра, педагог, создатель теории бедного театра. Закончил актерское (1955) и режиссерское (1960) отделения Высшего Государственного Театрального Училища в Кракове. В 1958-59 годах Гротовский был педагогом Государственной высшей театральной школы (ГВТШ) в Кракове. Затем стал руководителем маленького студийного театра с названием «Театр 13 рядов», находящимся в Ополе. В 1965 году Гротовский организовал «Театр-Лабораторию №13» и начал работу в нем вместе с небольшой группой актеров, развивая и воплощая в нем свою концепцию «Бедного театра». В этом же году выход программной статьи «На пути к бедному театру». Театр-Лаборатория, о чем говорит и его название - это необычный театр. В его спектаклях, действительно, всегда присутствовало нечто такое, что свидетельствовало о современных исследованиях в области актерского искусства. Именно в этот период создана своя система воспитания актера, которую Гротовский называл тренинг. Гротовский свой театр называл "бедным театром". В нем действительно не было никаких театральных "украшений", как не было в привычном смысле сцены и кулис, декораций и реквизита. Даже количество предметов на сцене у него было всегда ограничено. Каждый предмет не сам по себе был некоей ценностью, но тоже играл в пьесе, входил в ее динамику. Каждый предмет использовался в спектаклях в многообразных качествах. Три самых известных спектакля Гротовского: «Стойкий принц», «Акрополь» и «Apocalypsis cum figuris» принесли ему всемирную известность. Режиссер сформировал собственный подход к реализации сценария; он отверг институт зрительного зала: в ходе его постановок зрители и актеры составляли два неразрывно связанных элемента, вместе участвующих в действии, даже декорации в традиционном смысле Гротовски считал пережитком, заменив их своеобразным реквизитом и костюмами. Создатель теории и практики "бедного театра", он вошел в историю театра, прежде всего, потому что последовательно разрушал все привычные и традиционные его атрибуты. В 1981 году, после введения военного положения в Польше, Гротовски навсегда покинул родину, сначала обосновавшись в США, а затем в Италии. Отказавшись от постановки спектаклей, он основал центр, где изучал физические и психические пределы возможностей человека в области сценического творчества. Театр Польши XXв. Появляются национальные театры. Самым значительным событием является появление польского театра. Польский театр в начале XXв. становится режиссерским. Закладывают 2 основные традиции – Шиллер и Остерва. Ключевой спектакль Шиллера «Дзяды» - сцена была разделена на 3 яруса (рай, земля, ад). Была важна сценография, свет, звук. Остерва очень тщательно работал с актерами; работу ввел в направлении психологического театра. Он отец актерской школы польского театра. Виткевич – отрицает как психологический так и монументальный театр и призывает к театру «чистой» формы. Материал спектакля должен быть лишен логики (идея абсурдистского театра): «Маленькая усадьба», «Мать», «Мокрая курочка». Пытается создать свой театр, но ничего из этого не получилось. С 50-х 3 направления: 1)актерский-литературный театр (Аксер, Яроцки); 2)режиссерский театр (Деймен, Ханушкевич, Свинарский); 3)авангардный театр (Кантор, Шайна, Мондик, Гратовский). Белорусское советское искусство 70-80-хгг. В 70-е г. общий фон для развития искусства был неблагоприятным вследствие тотальной регрессивности эстетики «застоя». Деятели искусства обращаются к историческому прошлому Беларуси. Происходит переосмысление опыта предыдущего десятилетия. Проходит эйфория 60-х. Вместе с тем, 70-е – фундаментальный этап формирования пространства белорусского андеграунда. В 80-е г. проявился широкий интерес художников к наследию искусства 20-х г. Решительный поворот от тематики к проблеме колоризма, которую решал в начале ХХ в. Филиппович, совершила своими выставками 80-х г. группа минских художников «Немига’17». Открытая презентация белорусского концептуального искусства состоялась в 1984 г. на выставке «1+1+1+1+1+1+1» в Минске. Влияние концептуализма просматривается в творчестве художников Цеслера, Войченко. Значительную роль в представлении концептуального искусства сыграла минская галерея современного независимого искусства «6-я линия» и выставка искусства актуальной позиции «in-formation» в Витебске. Чернобыльская катастрофа изменила общественное место человека, обусловила поиск новой концепции личности в искусстве. События 1986 г. оказали значительное влияние на содержание общекультурных процессов, обусловили их невозвратность к идеологическим догмам. Сосредоточенность художника на проблемах внутреннего, а не социального мира становится своеобразной чертой последних десятилетий. Это качество стало отражением массового сознания населения. В конце 80-х г. стал меняться сам характер выставок. Новые художественные достижения четче отразили отношение зрителей к происшедшему, изменили оценку предшествующего времени крупнейшими деятелями искусства. Человек после Чернобыля не желает быть подобным сверхчеловеку — создателю машин и покорителю неизведанного. Постсоветское искусство. Еще в 80-е в СССР сложилась концепция неоэкспрессионизма (живопись ленинской группы, «Новые художники» - Новиков, Котельников, Юфид, Сотников, Гурьянов, Бугаев, Савченко). «Новые художники» воспринимают мир безгранично. 90-е – мода на апроприацию. 1992-1993 – московская галерея на Трехпутном переулке. Соц.реализм к середине 90-х занимает область осмысления искусства. Новиков – серия тактильных панно «Горизонты», Терагеньян – «Энди Уорхол и суп Кэмбол». Была важна также революция. Звездочетов повторил картину Делакруа «Свобода на баррикадах», которая называлась «Знай наших». 90-е: Хлобыстин предложил новую версию государственного флага (белые горохи на красном фоне). 91-95-е – политическая акция «Искусство принадлежит народу». В это время продолжает работать Кабаков. Политические концепции. 60-е связаны с революционными движениями: анархизм (хипптанский скопизм и политический активизм левых).Бойс стремился объединить эти 2 крыла. Было открыто актуальное искусство масс. Рихтор – использовал актуальное искусство, писал свои картины с фотографии. В его творчестве заложена меланхолия рефлексии. Очень многие художники идеализировали свой взгляд в искусстве. Хоаке – «Куб с гипперконденсацией». Его цель: создание простого произведения искусства. Возникает Ассоциация работников искусства (Хоаке, Лимфорт). Середина 60-х – искусство несущее идею феминизма. (Экспорт, Оно, Убота). В 1971 статья «Почему нет великих художников-женщин?». В 1972 – Бульдозерная выставка.Московский соц-арт и концептуализм