Istoria_iskusstva_19_vek

Вопросы:

1. Общая характеристика искусства XIX века. Периодизация.

2. Основные проблемы архитектуры XIX века.

3. Общая характеристика развития скульптуры в XIX веке.

4. Графика в XIX веке.

5. Классицизм и ампир в искусстве Франции.

6. Искусство Испании конца XVIII – начала XIX века.

7. Романтизм в искусстве Франции.

8. Романтизм в искусстве Англии.

9. Бидермайер в Германии, Австрии и Дании.

10. Искусство объединения «назарейцев».

11. Реализм в искусстве Франции.

12. Реализм в искусстве Германии середине – второй половине XIX века.

13. Искусство «Братства прерафаэлитов».

14. Искусство Франции рубежа XIX-XX веков.

15. Символизм в искусстве Германии.

16. Искусство Италии середины XIX – начала XX века.

17. Импрессионизм.

18. Эволюция искусства в США в XIX веке.

19. Новые тенденции в искусстве конца XIX века.

20. Архитектура конца XIX века – начала XX века.

1. Жак-Луи Давид «Смерть Марата»

2. Теодор Жерико «Плот «Медузы»

3. Эжен Делукруа «28 июня 1830. Свобода, ведущая народ»

4. Джон Констебль «Повозка с сеном»

5. Доменик Энгр «Портрет мадемуазель Ривьер»

6. Франсиско Гойя «Капричос»

7. Шарль Гарнье «Гран опера»

8. Людвиг Рихтер «Переправа через Эльбу у Шрекенштейна»

9. Джозеф Пакстон «Хрустальный дворец»

10. Гюстав Курбе «Похороны в Орнане»

11. Камилл Коро «Замок Пьерфон»

12. Эдуард Мане «Завтрак на траве»

13. Адольф Менцель «Железоделательный цех»

14. Огюст Роден «Граждане города Кале»

15. Моррис, Уэбб «Красный дом»

16. Огюст Ренуар «Зонтики»

17. Поль Сезанн «Большие купальщицы»

18. Джейм Уистлер «Симфония в белом» №1, №2, №3

19. Джейм Эйнсор «Въезд Христа в Брюссель»

20. Арнольд Бёклин «Автопортрет со смертью»

Ответы:

1. Общая характеристика искусства XIX века. Периодизация. Историю 19 в. открывает не календарный 1801 г., а 1789-й. Великая Французская революция (1789-1799 гг.), уничтожившая монархию и установившая республику, надолго определила пути развития европейской культуры. Рухнул старый порядок, и казалось, должно возникнуть новое общество свободы, равенства и братства. Однако не прошло и пяти лет, как свобода обернулась деспотизмом, идея равенства привела к массовым казням, а во имя братства всех людей были развязаны захватнические войны. И все же главным открытием века стало осознание неповторимой ценности человеческой личности. Именно в 19 веке мастер, который со времен Возрождения работал главным образом по частным заказам, оказался лицом к лицу с тысячами посетителей художественных выставок, со зрительской массой. А она состояла в основном из малообразованных людей, видевших в искусстве лишь праздную забаву или примитивное средство пропаганды. Впервые художник пытался выделиться из окружающей его среды даже внешне, например носил необычную «артистическую» одежду. В то же время он остро чувствовал разлад между собственной душой и остальным миром. Не случайно в 19 веке расцвели наиболее лиричные, интимные виды искусства, в которых зритель как бы остается наедине с автором, - живопись, музыка и художественная литература; а искусства, адресованные многим, например архитектура, переживали кризис. 19 столетие можно назвать «эпохой великих археологических открытий»: велись успешные раскопки в Египте, Месопотамии, Греции. Европейцы начали осознавать единство человечества, равноправие разных народов и культур. Наряду с античностью они открыли для себя средние Века – своё национальное прошлое – и мусульманский мир. Широкой публике стали доступны многочисленные музеи, они служили великолепной школой для будущих художников.

В искусстве первой половины 19 в. соперничали два направления неоклассицизм и романтизм. Расцвет неоклассицизма пришелся на годы Великой Французской революции и период правления Наполеона I. Этот стиль господствовал в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве на протяжении трёх первых десятилетий 19 в. Для людей того времени жизнь древних греков и римлян была не только идеалом красоты, но и моделью мира, который они пытались построить. Новое направление в европейской культуре – романтизм – выражало взгляды молодого поколения рубежа 18-19 вв., испытывавшего разочарование в прописных истинах Просвещения. Мир романтиков таинственен, противоречив и безграничен, художник должен был воплотить его многообразие в своём творчестве. Основное в романтическом произведении – чувства и фантазия автора. Для художника-романтика не было и не могло быть законов в искусстве: ведь всё, что он создавал, рождалось в глубине его души. Единственное правило, которое он чтил, - это верность себе и искренность художественного языка. Нередко творчество романтиков шокировало общество полным неприятием господствующих вкусов, небрежностью, незавершенностью.

2. Основные проблемы архитектуры XIX века. В первой половине 19 столетия в Европе развернулось невиданное по размаху градостроительство. Большинство европейских столиц – Париж, Санкт Петербург, Берлин – обрели свой характерный облик; в их архитектурных ансамблях усилилась роль общественных зданий.

Неоклассицизм в первой половине 19 в. пережил поздний рассвет. К середине столетия проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитектуры прошлого – так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму – механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым.

3. Общая характеристика развития скульптуры в XIX веке. Европейская скульптура в начале 19 в. пережила краткий период расцвета. Но уже в 20-х гг. он сменился упадком и застоем. Господствующем и более плодотворным стилем оставался неоклассицизм. Интерес к искусству Древней Греции и Древнего Рима был повсеместным, обладание прославленными античными шедеврами стало важным вопросом международной политики того времени. В то же время молодые художники устремились из европейских столиц в страны Средиземноморья в поисках впечатлений и открытий. Рим сделался средоточием художественной жизни Европы; привлекала путешественников и Греция, в 1829-1830 гг. освободившаяся из-под власти Османской империи.

Романтизм привнёс в скульптуру интерес к личности; о его влиянии свидетельствуют многочисленные памятники великим людям прошлого, воздвигнутые в различных европейских городах в 20-30-е гг. 19 в.

В целом же скульптура с её обобщенным художественным языком не могла вместить всего многообразия впечатлений от жизни, которая менялась буквально на глазах. Главным искусством 19 столетия стала живопись, а скульптуре предстояло ещё долго идти по пути мелочного и унылого натурализма, до тех пока в 80-е гг. французский мастер Огюст Роден не вернул её высокое предназначение.

4. Графика в XIX веке.

5. Классицизм и ампир в искусстве Франции. В искусстве наполеоновской Франции господствующая роль осталась за неоклассицизмом (который в своё время был объявлен офицальным стилем революции). При этом архитектурные формы приобрели особую пышность и торжественность, а масштабы строительства – грандиозный размах. Неоклассицизм времён Наполеона I получил название ампир (в переводе с франц. империя). Он должен был символизировать величие и могущество державы, созданной генералом Бонапартом. Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала реконструкция Парижа.

В первой половине 19 в. французская школа живописи упрочила своё первенство в искусстве Западной Европы. Два первооткрывателя новой живописной культуры – англичанин Джон Констебль и испанец Франсиско Гойя, - не получив признания на родине, нашли учеников и последователей именно во Франции. Теодор Жерико и Эжен Делакруа творчески восприняли их свободную манеру и колорит, подготовив рождение импрессионизма и тем самым всей современной живописи. Франция опередила другие европейские страны и в демократизации художественной жизни. Любые авторы, независимо от их членства в академиях, имели право участия в выставках Луврского салона. Залы Луврского музея открылись для широкой публики. Постепенно государственное академическое образование вытеснилось подготовкой в частных мастерских. Власти прибегали к более гибким методам художественной политики: распределение крупных заказов на украшение общественных зданий приобрело особенный размах.

К началу 19 века общепризнанным лидером среди французских художников был Жак Луи Давид – самый последовательный представитель неоклассицизма в живописи и чуткий летописец своего бурного времени. По государственным заказам, призванным оживлять добродетели и патриотические чувства, он выполнил картины с сюжетами из ранней римской истории – «Клятва Горациев» и «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей». Эти картины принесли художнику понимание и признание у восставших парижан. Когда к власти пришел Наполеон Бонапарт, Давид, как и многие бывшие революционеры, радостно приветствовал это событие картиной «Переход Бонопарта через перевал Сентбернар». Провозглашенный императором Наполеон назначил Давида «первым живописцем». Он безошибочно выбрал талантливого мастера своего времени и одного из лучших в истории художников-пропагандистов.

Жан Антуан Гро, сын парижского миниатюриста, занимался в мастерской Давида, не разделяя, однако, революционных убеждений своего учителя. Гро с самого начала отказался от классических сюжетов – его больше привлекала современная история. Работа «Наполеон на Аркольском мосту» принесла художнику успех. Другим вкладом Гро в «наполеоновскую легенду» стали картины «Бонапарт, посещающий зачумлённых в Яффе» и «Наполеон на поле битвы при Эйлау». Возглавив мастерскую Давида, Гро подчинил своё творчество взглядам учителя и стал насаждать классицизм.

Жан Огюст Доминик Энгр был приверженцем классических идеалов – и при этом художником глубоко самобытным, чуждым всякой фальши, скуки и рутины. Творческая биография Энгра занимает всю первую половину 19 в.: он учился у Жака Луи Давида и пережил Эжена Делакруа. Мастер неприязненно относился к романтикам, взбунтовавшимся против академических традиций; поборники неоклассицизма считали его вождём. Однако в своих произведениях Энгр воплотил собственное, глубоко личное представление о красоте. Этим он оказался внутренне близок мастерам второй половины 19-20 столетий. («Большая купальщица», «Одалиска и рабыня», «Источник»)

6. Искусство Испании конца XVIII – начала XIX века. После расцвета в 17 столетии испанская живопись переживала упадок. Её художники работали под влиянием итальянской и французской традиций, а их полотна были слабыми и подражательными.

Во второй половине 18 в. в Испании произошли перемены. Король Карл III из французской династии Бурбонов придерживался прогрессивных для своего времени взглядов. Его советники, пытаясь преобразовать страну, проводили реформы, ограничивающие власть Церкви.

В это время сформировался талант Франсиско Гойи, одного из самых выдающихся художников в истории не только испанского, но и мирового искусства. В его работах как в зеркале отразились события, происходившие в стране более чем пятидесяти лет, - правление безвольного короля Карла IV, вторжение войск Наполеона, национально-освободительная война, первая испанская революция.

Гойя родился в семье ремесленника. С 14 до 20 лет он обучался живописи в мастерской художника Мартинеса в городе не далеко от селения, где родился. Потом поселился в Мадриде и получив заказ от Королевской шпалерной мануфактуры создавал картоны, на которых изображал сцены из испанской жизни. «Зонтик», «Мадридский рынок», «Продавец посуды» и другие работы тех лет показывают пронизанный солнцем красочный мир, счастливый и естественный. Одновременно художник написал множество портретов, в которых ему удавалось создать яркий образ, передать самые характерные черты модели. Однако блестящая карьера длилась недолго и, из-за болезни, весёлый и жизнерадостный живописец стал страдающим, замкнувшимся в себе, но в то же время зорко видящим чужое горе мастером. В графической серии «Капричос» (фантазия с исп.) из 80-ти офортов, Гойя, используя образы испанских народных пословиц, басен, поговорок, высмеивал людские суеверия и пороки – трусость, лицемерие, притворство, жестокость и т.д. В сущности, он разоблачал весь традиционный порядок и уклад жизни старой Испании. В его офортах реальное сплетается с фантастическим, гротеск переходит в карикатуру. Они моралистичны, что было свойственоо эпохе Просвещения, но в них уже проступаю черты реализма 19 столетия. Жизнерадостность и трагизм, реалистичность и фантастика, гротеск, слившиеся в одно целое в работах испанского живописца, предвосхитили искусство второй половины 19 столетия.

7. Романтизм в искусстве Франции. Впервые романтизм во французской живописи был замечен в творчестве Теодора Жерико. О нём заговорили в 1812 г., когда двадцатилетнмй ученик художественной мастерской отважился выставить в Салоне картину «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку». Лихой всадник на полотне не позирует, а сражается: стремительная диагональ композиции уносит его вглубь картины, в сизо-багровое пекло боя; даже зрители чувствуют себя солдатами, которых ведут в бой. В живописной серии «Бег свободных лошадей» кисти Жерико доступна и выразительная точность репортажа, и сдержанная героика в неоклассическом духе. В этих произведениях окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света. А каков его «Плот «Медузы», то отчаяние, то надежда наполняет души пассажиров плота. В этой картине художник добивался максимального правдоподобия события взволновавшего всю Францию. Под влиянием работ Констебля Жерико написал «Скачки в Эпсоме». Картина пронизана движением: кони несутся едва касаясь земли, их фигуры слились в одну стремительную линию. Все контуры в пейзаже размыты, краски смазаны. Жерико, бывалый наездник, показал мир таким, каким его видит жокей на мчащемся галопом коне.

20-е гг. 19 в. были для Франции временем становления романтического искусства. Молодые художники объявили своим учителям настоящую войну. Историки назвали их выступление «романтической битвой», а её героем стал Эжен Делакруа. В первой картине Делакруа «Данте и Вергилий» люди играют подчиненную роль: Данте не герой, а свидетель; он полон ужаса, однако пытается сохранить достоинство. он не даёт гневу и отчаянию овладеть собой, в отличие от пленников Ада – грешников, барахтающихся в волнах загробной реки. Откликом художника на события революции В Греции стала картина «Хиосская резня». По силе воздействия на зрителя эта картина могла сравниться только с «Плотом «Медузы». Но образный язык Делакруа иной, чем у Жерико: это не сухой и точный стиль репортёра, а возвышенная речь автора классической традиции. Следующим откликом на события современности стала картина «Свобода, ведущая народ». Простому эпизоду уличных боёв Делакруа придал вневременное, эпическое звучание. Картиной «Алжирские женщины в своих покоях» Эжен Делакруа не пытался поразить зрителей броской экзотикой. Под его кистью запретная для посторонних женская половина арабского дома с красочными коврами и дверями красного дерева выглядит уютно и приветливо. Делакруа открыл художественные приемы, которые оценили по достоинству только импрессионисты: основой его живописи служат красочные пятна, составляющие гармоничное единство, каждое пятно помимо своего цвета включает оттенки соседних. Краски были смыслом живописи Делакруа. Эжен Делакруа – самый независимый живописец во Франции первой половины 19 в. Его находки в области колорита наметили путь развития французской живописи вплоть до конца столетия.

8. Романтизм в искусстве Англии. В английской живописи академическая школа сохраняла главенствующее положение в течении всей первой половины 19 в. Однако наиболее заметным явлением в те годы оказался пейзаж, который в академической среде воспринимался как второстепенный, незначительный жанр. С одной стороны, стремление к реальному отражению мира, утверждение самоценности простых сельских ландшафтов, а с другой – природа как мир страстей и бурных переживаний – всё это нашло яркое выражение в творчестве английских художников. Искусство Англии вступило в эпоху романтизма.

Поэт и художник Уильям Блэйк стоит особняком в истории английского искусства. Он был гениальным самоучкой – великим фантазёром и философом. Блэйк изобрёл новую технику – выпуклую гравюру на меди, при которой краска наносилась не в процарапанные углубления, а на выпуклые участки. Благодаря своему изобретению художник добился пластичной, упругой и изысканной линии рисунка, созвучной музыкальному ритму его стихов. С помощью этой техники он сделал первый свой сборник стихов с иллюстрациями. Блэйк никогда не работал маслом, несмотря на популярность этой техники в 19 в., предпочитая темперу и акварель. Он писал картины на сюжеты из Библии («Сон Иакова») из сочинений английских поэтов Уильяма Шекспира и Джона Мильтона, выбирая нетрадиционные для изображения эпизоды и образы. Художник не признавал работу с натуры, предпочитая ей безграничные возможности фантазии и творческого воображения. Стиль Блэйка для европейского искусства 19 в. уникален. Он сочитает архаичные черты, свидетельствующие об отсутствии у художника специального образования, с творческой фантазией, композиционной изобретательностью и явным стремлением к обобщённым символическим образам.

Джон Констебл был первым художником 19 в., в творчестве которого этюд не менее важен, чем законченная в мастерской картина. Он писал маслом аленькие этюды, на которых показывал знакомые ему с детства места. В таких работах, как «Мельничный поток», «Плотина и мельница в Дедхеме», Констебл предстаёт смелым и независимым мастером. Накладывая краски густыми мазками, он отказался от тщательно выписанных деталей и эффектного освещения, впервые использовал чистые зелёные цвета разных оттенков. Написанный с натуры этюд «Телега для сена» несёт ощущение свежести и непосредственности восприятия. Он выполнен свободно, краски положены густо и неровно, в нём много неба, воздуха, воды. Кажется, что можно услышать шум реки и шелест листьев. Творчество Джона Констебла до 20 столетия оставалось незамеченным на родине, но оказало огромное влияние на развитие французской живописи. Французские мастера 19 века собирали его полотна, изучали их, восторгались живописной техникой и полностью разделяли преклонение английского живописца перед Природой.

Пейзажи Тернера иначе как романтическими не назовешь, он оставался романтиком на протяжении всей своей деятельности.

9. Бидермайер в Германии, Австрии и Дании.

10. Искусство объединения «назарейцев».

В первом десятилетии 19 в. выступает группа романтиков, так называемые назарейцы. В Вене в 1809 году Овербек и Пфорр основали «Союз святого Луки», в 1810 г. они переселяются в Рим. Их переезд в Рим и совместные выступления были своего рода демонстрацией протеста против французских завоевателей, оказавшейся на деле совершенно бесплодной. К «Союзу св. Луки» присоединяются и другие художники: Корнелиус, Ю. Шнорр фон Карольсфельд, Вильгельм Шадов. В творчестве этих художников с очевидностью проявляются реакционные тенденции немецкого романтизма. Стремясь уйти от ненавистной им действительности, назарейцы поставили свое целью возрождение религиозного монументального искусства в духе средневековья и ещё близких средневековью мастеров раннего Возрождения. Подражательность кватрочентстам видна в росписях назарейцев, выполненных в доме прусского консула в Риме, посвященных библейским легендам об Иосефе.

Самым последовательным среди назарейцев в проведении своих принципов в искусстве был Овербек. Он считал, что истинным искусством является лишь то, которое вытекает из религии, заимствует из неё содержание и облекается в соответствующее содержанию идеальные формы. Почти все картины Овербека написаны на религиозные сюжеты.

Хотя назарейцы претендовали на выражение в своём искусстве душевных состояний и на создание больших новых, их холодная живопись была, по существу, тесно связана с академическими традициями, против которых они сначала выступали. В силу своей реакционной сущности назарейцы были вскоре признаны официальными кругами, наперебой приглашавшими ведущих мастеров «Союза св. Луки» для работы по преподаванию и руководству в академиях, для росписей церквей, королевских резиденций и музеев.

11. Реализм в искусстве Франции. Во второй половине 19 в. многие французские мастера стремились достичь наибольшей достоверности в изображении природы и человека, искали новый художественный язык, способный правдиво отразить действительность. Ведущим принципом в искусстве этого периода стал реализм. Камиль Коро создал более двух тысяч произведений, главная тема которых – природа. На его полотнах изображены разные уголки Италии, Франции – дороги, леса, реки, деревушки, города… Отношение к творчеству художника было неоднозначным: одни критиковали работы за небрежность исполнения, другие восхищались непосредственностью живописной манеры.

Барбизонская школа. Барбизон, маленькая деревушка близ Парижа, ничем особенным не примечателен. Однако именно там в 30-60-х гг. 19 в. предпочитала работать группа живописцев, получившая название барбизонской школы. Изображение обыкновенной природы лишенной драматических эффектов, стало своеобразным манифестом этих художников, для которых жесткие, консервативные и далёкие от жизни требования академии были неприемлемы и мешали творческому развитию. «Вид в окрестностях» кисти Теодора Руссо выглядел словно окно в живую природу. Однако картина этого же художника «Спуск коров с высокогорных пастбищ Юры» оскорбила жюри Салона своим простым сюжетом и в течении 13 лет картины Руссо не принимали на выставки. После провала в Салоне Руссо приобрёл немало друзей, среди которых были художники-пейзажисты Жюль Дюпре и Нарсис Пенья. Это знакомство положило начало барбизонской школе. После того как жюри упразднили и двери Салонов стали открыты для всех желающих Руссо опять стал выставлять свои пейзажи. В последние годы жизни художник занялся поиском простых сюжетов и нового стиля, но его живопись стала слишком натуралистичной и скучной. Тем не менее Руссо был первым среди современников, кто перестал следовать академическим правилам и развивал реалистическое направление в пейзаже. В 50-х Барбизон стал местом постоянной работы французских художников-пейзажистов. Реалистический пейзаж приобрёл в то время новых поклонников и мастеров. Живописцы барбизонской школы оказали заметное влияние на развитие реалистического

12. Реализм в искусстве Германии середине – второй половине XIX века.

13. Искусство «Братства прерафаэлитов».

14. Искусство Франции рубежа XIX-XX веков.

15. Символизм в искусстве Германии.

16. Искусство Италии середины XIX – начала XX века.

17. Импрессионизм.

18. Эволюция искусства в США в XIX веке.

19. Новые тенденции в искусстве конца XIX века.

20. Архитектура конца XIX века – начала XX века.