Глава 1. Поп-арт и его значение в культуре 20 века.

1. Что такое поп арт? История поп-арта.

Для того чтобы рассматривать взаимосвязь между поп-артом и рекламой, необходимо сперва сказать о том, чем является поп-арт, каковы его особенности . Только так можно понять, почему именно это направление в наибольшей степени связано с рекламой. Поп-арт – что это? Лишь одно из направлений в искусстве середины 20 века или феномен, который изменил культурную парадигму?

Когда мы произносим слово «поп», что мы вкладываем в это понятие? То, что нравится многим, то что относится к массовой культуре и массовому потреблению? Какие смыслы несет это слово? Какое отношение к нему превалирует? Что есть поп? Как он появился и почему отношение к нему столь неоднозначно?

Чем является поп-арт сегодня, и чем он был в момент своего появления и развития? Как повлияло это направление на искусство и общество? Превращало ли оно искусство в прибыльную индустрию или же лишь предложило новое видение индустриального общества? Стало ли искусство под влиянием поп-арта более демократичным и как это проявлялось? Кроме того, возникает вопрос, о реакции общества на использование искусством атрибутов повседневности. Эти вопросы требуют рассмотрения общественных, исторических и культурных условий, в которых возникло это направление и, которыми оно было вызвано.

Рассматривая взаимосвязь между поп-артом и рекламой нужно проследить как появился термин поп-арт, как он развивался, что вкладывали в него в разные эпохи и как это отразилось в массовой культуре. Это необходимо уже для того, чтобы понять, когда данная связь начинает обнаруживаться, как она развивается по мере изменения, как рекламы, так и поп-арта. Что делает их близкими? Почему одно зависит от другого и наоборот?

Первым определение поп-арту дал Лоуренс Эллоуэй, английский художественный критик, позже переехавший в Нью- Йорк. По мнению Клауса Хоннефа, Эллоуэй преуменьшает свою заслугу в создании этого термина. Он использовал этот термин в своем эссе «Искусство и СМИ», что было первым появлением термина «поп-арт» в прессе. Позже в 1966 году он напишет: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня . Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации , а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В широкое употребление понятие вошло примерно между зимой 1954/1955 годов и 1957 годом». ¹

Хоннеф пишет, что Эллоуэй написал это «оправдание» своего первенства во введении термина в жизнь в 1966 году, когда поп-арт уже вышел на орбиту современного искусства и перерос маленькие выставки в художественных вузах и маленьких частных галереях .

Так что же такое поп-арт?

Поп-арт – это направление в искусстве, преимущественно изобразительном, а также в его русле создавались и произведения других форм, таких как кино, скульптура, хэппенинги, иногда к нему причисляют и популярную музыку. Тем не менее в большей степени развитие в данном направлении получили именно живопись, графика и скульптура.

В этом параграфе будет приведена краткая история поп-арта. Это важно, чтобы понять откуда он черпал вдохновение, какими идеями руководствовался и в какой обстановке художники поп-арта создавали свои произведения.

История поп-арта начинается в середине 20 века. Начало этому направлению в искусстве положило лондонское объединение интеллектуалов, среди которых были молодые архитекторы, писатели и художники. Они называли себя «The Independent Group”. Независимая группа была основана в Лондонском Институте современного искусства. В нее входили Эдуардо Паолоцци, Уильям Тернбалл, Ричард Гамильтон, Лоуренс Оллоуэй, Сэнди Уилсон и другие.

Предметом их интереса была современная культура, культура масс. Они обсуждали вопросы философии, кибернетики , масс-медиа, появлявшихся новых каналов СМИ. Их интересовали популярная музыка, кино, дизайн, теория информации, формировавшееся общество потребления. Основным их интересом была массовая культура. Они рассматривали все, что было с ней связано особенно пристально. Это могла быть мода, научная фантастика, комиксы, иллюстрированные журналы, газеты, знаменитости, кино различных жанров.

Независимая группа впервые показала, что коммерческая культура может быть интересной искусству. Они не испытывали столь часто выражавшегося отвращения к массовой, потребительской культуре, которое было присуще интеллектуалам раньше. Участники Независимой группы рассматривали ее как предмет изучения. Воспринимая массовую культуру как факт, они потребляли ее с энтузиазмом. Внимание к тому, что зачастую называли китчем или дурным тоном, слишком простым и не заслуживающим внимания, отличало это объединение. Участники Независимой группы обладали умением смотреть на обыденность, как на предмет изучения, в котором отражается дух времени и состояние общества, породившего ее.

The Independent Group появилась в 1952 году, она изучала современные технологии и городскую культуру среднего класса. 1950-е годы стали временем подъема экономики. После войны, людям вновь хотелось праздника и ярких красок. Массовое производство недорогих товаров, создание крупных компаний и, как следствие, крупных брендов привело к изменению сознания. Наступило время нового понимания вещи. Формировавшийся и в большой степени сформированный средний класс нес знамя достатка и спокойствия, проводя эту идею через все сферы общественной жизни. Реклама, новые бренды, новые товары, сам стиль потребления и отношение к нему поменялось.

Зачастую «люди искусства» не хотели замечать процессов происходивших в обществе. Их могла раздражать жизнерадостная пошлость обладания вещью. Однако красотки, подмигивавшие с рекламных плакатов, огромные конвейерные производства, супермаркеты, в которых на полках стоят армии банок и других товаров массового потребления все же перевернули и мир искусства.

Независимая группа изучала не только массовую культуру непосредственно. Это объединение критиков, художников и архитекторов интересовалось современными технологиями и городской жизнью, народной культурой. Эдуард Паолоцци и Ричард Гамильтон, художники входившие в ее состав, стали заниматься изучением «имиджей», то есть обликов массового искусства. Пока оно создавалось естественным путем, к нему относили рекламные образы, логотипы, дизайн упаковок, уличную моду, журналы, газеты, комиксы и книги для популярного чтения. ²

«Независимые» применяли различные методы исследования для изучения «массовой культуры» от лингвистического - семиотики до психологического, например теории игр. Большая часть подобных исследований проводилась на основе американской культуры. Члены группы испытывали к ней смешанные чувства, с одной стороны, восхищаясь ей, а с дугой, иронизируя. Кроме того, именно они впервые продемонстрировали интерес к броскому словарю средств массовой информации.

Первыми произведениями поп-арта можно назвать коллажи участников группы: работу Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими особенными, такими привлекательными?», созданный в 1956 году и коллаж Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача», созданный в 1947 году.

На мой взгляд, первое изображение заслуживает особого внимания, так как именно его чаще всего называют первым произведением поп-арта. С первого взгляда на картину в глаза бросается разнообразие вещей и деталей. Хоннеф пишет, что для многих коллаж из фрагментов фотографий явился первым средством выражения поп-арта.³ Двусмысленный коллаж Гамильтона содержит в себе все основные составляющие популярной массовой культуры: спортсмен на первом плане и обнаженная девушка в абажуре, вместо шляпы, их выразительные накачанные синтетикой формы тел, современные средства передачи изображений и звука чистоту современного дома и средства для его уборки, которые совершенствуются и совершенствуются, а также безликая мебель простых геометрических форм.

На коллаже есть почти все современные виды рекламных иллюстраций: плакат, логотип, наружная реклама первого в мире звукового фильма «Певец джаза», телевизор котором виден кадр из фильма, а возможно и рекламного ролика, где стандартизованный образ молодой привлекательной девушки откинув голову назад берет трубку телефона. Все пространство изображенной комнаты усеяно образами. Нет ни одной детали, которая бы молчала, они все говорят и все, как будто, стремятся продаться зрителю, даже если не буквально, то в любом случае продать ему некий образ жизни современного дома, который кишит символами стабильности и достатка, навязанными рекламой из американских журналов, откуда Гамильтон и брал элементы для своего коллажа.

(Рисунок 1) Ричард Гамильтон:

«Так что же делает наши сегодняшние

дома такими особенными,

такими привлекательными?» 1956 год.

Эта работа стала программным произведением для поп-арта. Коллаж соединяет критический пафос и иронию по отношению к ценностям общества потребления с искренним восхищением. На изображении нет ни единой детали, которая бы не говорила о проделанной Гамильтоном научной работе – каждый предмет, вплоть до фотографии луны на потолке означает определенную область массовой культуры. От астронавтики, покорения космоса, важность которого «знает каждый добропорядочный американец» до телевидения, журналистики, моды, спорта, вкусовых предпочтений и появлявшихся тогда полуфабрикатов. ⁴ Позже, коллаж становится одним из главных приемов поп-арта, причем не столько как определенная техника создания изображения, сколько, как целая образная система, которая берет знаки и символы из мира потребления и массовости.

Таким образом, к середине 1950-х формируется понимание массовой культуры не только как дешевого развлечения, способа бегства от жизни в упрощенные формы, действовавшие на массы, но и как к естественному объекту искусствоведческого анализа в отношении композиции, содержания, символики и эстетики. Такое изменение в восприятии массовой культуры произошло под непосредственным влиянием Независимой группы, которая уловила те настроения в обществе, которые назрели к этому периоду.

В 1955 году, Ричард Гамильтон организует выставку «Человек – машина и движение», которая произвела большой эффект на публику. На этом мероприятии зародилась идея упомянутого выше легендарного коллажа «Что же делает наши современные дома такими особенными, такими привлекательными?». Он был представлен через год на выставке, организованной членами The Independent group, которая называлась «This is Tomorrow» и проходила в лондонской галерее Уайтчеппел. Сперва этот коллаж был задуман для каталога выставки, но в последствии он стал самостоятельным произведением искусства.

«This is tomorrow» дала сильный стимул развитию поп-арта. Она не стала демонстрацией произведений поп-арта на заре его появления, но показала саму возможность его существования в культурном пространстве. Данная экспозиция состояла из двенадцати отдельных выставок, размещенных в замкнутых помещениях, в которых участники, в большинстве своем архитекторы- урбанисты дали волю своей фантазии. Главной задачей выставки стало стремление обратить внимание на визуальные характеристики техногенной среды. Ричард Гамильтон тогда так отзывался о ней: « Что из этого вышло оказалось удивительным: ряд представленных проектов протянулся от строго архитектурных павильонов к витринам универсальных магазинов и невообразимому, чрезвычайно эффектному ярмарочному сооружению». Это мероприятие на самом деле показало людям перспективу искусства завтрашнего дня. Другим фактом стало то, что интерес к экспозиции показал, насколько возросло значение выставок в публичном обороте искусства. Именно выставки стали выступать в роли основных разграничителей между различными стилями и объединяли отдельные художественные инициативы в очевидные тенденции.

Гамильтон говорил, что их интересовал не столько вопрос художественных форм, сколько вопрос проверки ценностей. Они противостояли тем, кто стремился к созданию нового стиля. По мнению Гамильтона и его единомышленников, «завтрашний день» - это не обязательно новые решения по форме. Гамильтон говорил о том, что «завтрашний день» может лишь увеличить значимость того зрительного опыта, который есть сегодня. Необходимо развитие потенциала, а не определение глубокомысленного произведения искусства. Это нужно для того, чтобы суметь принять и применить постоянно расширяющийся визуальный материал. Картины, созданные в тот период демонстрировали попытку использовать эти преимущества эклектическим и всеобъемлющим способом.

Художник не предлагает идей о главенстве искусства и его столкновении с вызывающими образами массовой культуры, городской среды. Скорее он предлагает использовать то богатый материал, фонд, который ранее не был востребован, на который либо не обращали внимания, либо чурались его как чумы, чтобы «не загрязнять» искусство пошлостью обыденности. Это прежде всего изобразительные формулы рекламы, телевидения, фильмов, комиксов, глянцевых журналов и прочих порождений индустриального общества потребления. Они должны были дать «высокому искусству», энергия которого, по мнению художников поп-арта утихала, новую живительную силу.

Такое понимание искусства стало вызовом тем, кто предпочитал старую школу. Был затронут вопрос о границах художественного воздействия, которые ранее были прописаны одним из самых крупных теоретиков американского неоавангарда 1930-60-х годов, Клементом Гринбергом в его эссе «Авангард и китч».

Под китчем Гринберг понимал: «Китч – продукт индустриальной революции, урбанизировавшей массы Западной Европы и Америки и создавшей то, что называют всеобщей грамотностью”⁵. Естественно, что поп-арт, воспитанный урбанистической культурой попадал под данное определение. Не смотря на то, что это эссе вышло в свет еще в 1939 году, мнение Гринберга все еще имело большую значимость. В нем Гринберг давал формулировки связей и взаимоотношений авангарда с авторитарными режимами, а также с капиталом.

Поп-арт был авангардным направлением в искусстве, так как вбирал в себя новые, смелые веяния. Никто из художников поп-арта не отказывался от принадлежности к авангардной культуре. Однако Гринберг не считал, что поп-арт вообще может считаться полноценным искусством, ведь то, что создавали художники поп-арта, так вписывается в его понимание китча. Гринберг осуждал использование готовых образов, заигрывания с рекламными сообщениями, журнальными картинками и голливудскими образами, считая все это дурным вкусом. Поп-арт изначально имел связь с коммерцией, Энди Уорхол хотел быть бизнес-художником, поп-арт воспевает вещь, он не мог возникнуть вне развитого индустриального общества, с его бесконечным количеством товаров и информационных потоков. Гринберг же относит все, что соприкасалось с массовым и коммерческим искусством и литературой, комиксами, иллюстрацией, чтивом, рекламой и т. п. к китчу, арьергарду культуры, за который держится мелкий буржуа.

Для Гринберга – содержание должно быть растворенным в форме, в поп-арте же форма становится содержанием. Работа художника, по Гринбергу, не должна сводиться, даже в отдельных ее составных частях или фрагментах к чему-то, что было бы самой сущностью произведения искусства. Что же мы имеем в поп-арте, который не просто не соответствует этому правилу, но и сознательно отходит от него.

Гринберг говорит, что авангард – это искусство ради искусства, поэзия для поэтов, это искусство для образованных и богатых, элиты общества, в которой нуждаются художники, так как привязаны к ней необходимостью продавать свои произведения. Кроме того, он пишет, что не стоит радоваться локальным успехам отдельных художников, ведь по сути авангард не может рассчитывать на хорошую окупаемость и оплату, так как все меньше становится людей, которые готовы воспринимать искусство ради искусства в новых, свободных формах и при этом в состоянии заплатить за него. Тут же он напоминает, что везде, где присутствует авангард есть и арьергард, то есть то, что идет позади, не внося ничего нового. Именно сюда он относит массовое искусство, называя его китчем. Он говорит, что с появлением авангарда на индустриальном Западе возникает и другой культурный феномен – китч. Сюда он относит «рассчитанные на массы коммерческие искусство и литература, с присущими им колористкой, журнальными обложками, иллюстрациями, рекламой, чтивом, комиксами, поп-музыкой, танцами под звукозапись, голливудскими фильмами и т.д. и т. п.”. Таким образом, не сложно понять его отношение к поп-арту.

Тем не менее, используя те же символы, ту же знаковую систему, а зачастую копируя и переосмысляя целые образы массовой культуры и ее атрибутов, мог ли поп-арт называться китчем? Являлся ли он массовым искусством или лишь примерял его маску? Здесь, как мне кажется, стоит отметить, что в свое время, как это ни странно, отклик на свои картины художники поп-арта получили скорее от элитарных слоев населения, нежели от масс. Люди, которые привыкли воспринимать искусство, как нечто возвышенное и считать его, путем вырваться из обыденности не увидели этого в поп-арте. Они не могли воспринять изображение того, что окружало их каждый день, как искусство, поэтому сложно говорить о демократизации.

Существовало мнение, что вещи, которые претендуют на то, чтобы называться искусством, не становятся им пока не пройдут проверку вкусом, если же художник избегает этого суждения, то его искусство становится второсортным. Художники-авангардисты, работавшие над своими произведениями в 1960х-1970х годах, стремились уйти от вкуса, заранее создавая объекты не способные пройти это суждение.

Гринберг говорит о том, что потребность в китче возникала в ответ на запрос тех, кто, оставаясь безразличным к ценностям подлинной культуры, так или иначе испытывал какой-то духовный голод и хотел отвлечения, которое могла дать ему культура в виде китча. Сюда он относит, например, крестьян, которые переселялись в города, становились пролетариями и мелкими буржуа. Они научились читать и писать, стали грамотными, но тем не менее не соотносились с традиционной городской культурой.

Можно ли приравнять эту часть населения к той, которая интересовалась поп-артом? На мой взгляд, все же нет. Учащиеся арт-колледжей и владельцы маленьких галерей – отнюдь не малообразованны. Поп-арт лишь использовал символы и знаки, создавая миф. Делая искусство более демократичным в выборе объекта изображения, он при этом далеко не становился настолько же понятным. Поп-арт – это реакция на массовую культуру индустриального общества, если брать ее за китч, то это реакция на него, а не китч непосредственно.

Не смотря на то, что поп-арт зародился на туманном Альбионе и получил развитие в Европе, ареной наиболее успешных выступлений поп-арта стали США. Нью-Йорк сменил Париж, и теперь именно здесь находилась самая передовая в мире площадка искусства. Манхэттен – это то место, где творилась история современного искусства. Молодые американские художники почти в одно и то же время с британцами, не зная об их новом опыте, начали экспериментировать, вводя в обиход искусства броские выражения уличного жаргона. В этот период появляются такие имена, как Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Джейм Розенквист, Том Вессельман и, конечно, Энди Уорхол. Теперь они постоянно на слуху у посвященных. В это же время Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс и Ларри Риверс уже интересовали солидных частных коллекционеров.

Их картины и скульптуры вносили дух вульгарности и вседозволенности на элитную художественную сцену финансовой метрополии Америки. Создавая свои работы, и обращались к городу, языку его культуры, зачастую незамысловатому. Они черпали вдохновение, идеи, брали готовые образы, мифологизируя образы из рекламы, комиксов, дизайна, упаковок, современных интерьеров, товаров повседневной необходимости, даже из самих способов производства товаров для безликих и одновременно броских масс американцев.

Поп-арт сменил «столицу современного передового искусства». Если раньше Париж задавал тон всему мировому художественному процессу, то теперь пальма первенства перешла к Нью-Йорку, городу живущему совершенно по-другому и на других скоростях. Теперь именно в галереях Манхеттена принимались ответственные решения о том насколько то или иное произведение представляет ценность.

Тем не менее, большую роль в движении поп-арта сыграла и Европа. С восточного побережья Атлантики дул свежий и необычный ветер, который был воспринят. Особенное признание направление получило в западной части разделенной Германии. Там приобреталась масса работ, которые скупались либо целыми коллекциями, либо отдельные работы из которых состоятельные граждане ФРГ составляли собственные собрания. Ими руководило стремление успеть выставить работы в авторитетных музеях до того, как новое художественное направление было бы представлено в галереях их странны. До сих пор коллекции германских коллекционеров остаются одними из наиболее известных и крупных в мире.

В 1968 прошла выставка «Documenta 4», которая принесла признание картинам поп-арта, основанным на плоском цвете и простых формах, скульптуре из недорогих материалов. Она проходила в небольшом Северогессенском городе Кассель, находившемся недалеко от демаркационной линии между восточной и западной Германиями. Тогда этот небольшой город превзошел венецианское биеналле. Кассель стал наиболее престижной международной платформой самых ярких, многообещающих произведений современного искусства.

Таким образом, на мировой арене искусства появляется новое направление, пришедшее на смену и противопоставлявшее себя, абстрактному экспрессионизму. Это был поп-арт. Если сравнить эти два направления в искусстве, то становится понятно, что на смену уходу от материального, от формы, приходит полярное ему. Поп-арт берет готовый образ и работает с ним. Часто критики называли это заигрыванием с потребителями, «низким» искусством.

Коммерческий успех поп-арта постоянно напоминал о каиновой печати «продажности» популярного искусства. Художники поп-арта не старались оставить в работах свою индивидуальность, их работы часто были выполнены в технике литографии, шелкографии или же коллажа. Объектами могли становиться уже готовые предметы интерьера, мебель, постельное белье - все, что их окружало. Примером может служить работа Класа Ольденбурга «Гигантские окурки», которая была создана в 1967 году и представляет собой огромные, сделанные из полиуретановой пены окурки с фильтрами, разложенные на скошенном многогранном основании.

Стоит отметить различие того, как развивался поп-арт в Европе и в США. Во-первых, так или иначе поп-арт прежде всего был порождением американской культуры и европейские художники так или иначе пользовались ее иконографией. Кроме того можно отметить тесную связь британского поп-арта с рок-н-роллом. Многие популярные музыканты учились в арт-колледжах и сохраняли связь с художественным миром. С появлением группы The Beatles, которые навсегда изменили мир популярной музыки. Обложка знаменитого альбома The Beatles «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band», вышедшего в 1967 году была создана Питером Блейком, автором идеи которой был Роберт Фрейзер, друг Пола Маккартни и один из лидеров искусства в Британии. Обложку для «Белого альбома» 1968 года группы создавал Ричард Гамильтон.

(Рисунок 3) Ричард Гамильтон. Обложка «Белого альбома» The Beatles, 1968 год.

(Рисунок 2) Питер Блейк. Обложка альбома The Beatles «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». 1967 год.

Художники из интеллектуалов –исследователей, в английском поп-арте, становились распространителями массовой культуры. Пропагандируя новую эстетику, они популяризировали и новый образ жизни, основывавшийся на отрицании общественной морали, анархических идеалах свободы. Например, в работе «Свингующий Лондон» Гамильтон использовал фотографии из газет, запечатлевшие арест Мика Джаггера за хранение наркотиков.

(Рисунок 4) Ричард Гамильтон. «Свингующий Лондон». 1968-1969 гг.

Тем не менее, английские поп-художники никогда полностью не разрывали связи с традиционной живописью, и использование тиражированных образов было лишь одним из направлений их творческой деятельности.

На смену индивидуальности, выраженной в абстракции приходит образ, лишенный уникальности и авторства. Для примера, Энди Уорхол говорил, что он стремится, чтобы его картины были неотличимы, поэтому он использовал технику шелкографии, которая позволяла производить тысячи одинаковых изображений. Другой вопрос в том, как используются эти готовые образы. Несмотря на стремление отказаться от индивидуальности, работы поп-художников все же отличались манерой.

С момента появления первых работ мастеров поп-арта на небольших выставках, они были встречены восторженно. Эти произведения популярны и сегодня, как и сам стиль, хотя он уже успел стать своего рода классикой, а те условия, в которых они появились ушли в прошлое. Если говорить о популярности и о том, как поп-арт изменил образ художника, то стоит рассмотреть пример Энди Уорхола. Он стал самым последовательным и самым известным представителем поп-арта. Его популярность была сравнима с популярностью рок-звезд, появлявшихся в то время и практически недостижима не только для других художников поп-арта, но и для большинства художников вообще.

Одними из первых художников, работавших в стиле поп-арт были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. Их творчество еще соединяло в себе, как зачатки поп-арта, так и приемы и идеи абстрактного экспрессионизма.

Джаспер Джонс, в своих работах использовал такие символы и объекты, как флаги, карты, пивные бутылки. В своих работах он придавал предметам несколько смысловых уровней при помощи текстуры, особого нанесения слоев и чисел. Джаспер Джонс вырос в Южной Каролине, где по его словам не было ни художников, ни искусства и поэтому он точно не знал, что это значит. В 1949 году он переезжает в Нью-Йорк, где поступает в школу дизайна. В это время он встречается с Робертом Раушенбергом. В студии Раушенберга, его работы заметит знаменитый галерист и коллекционер- Лео Кастелли, который был одним из самых влиятельных людей в мире современного искусства.

Джонс стал звеном, которое соединяло абстрактный экспрессионизм с поп-артом. Он изменил восприятие символа, в его картинах оставалась многозначность экспрессионизма и абстракции, но также присутствовали образность и иконография поп-арта, который зарождается в его работах. Он изучал сложности значений различных символов и знаков повседневности.

(Рисунок 5 ) Джаспер Джонс. «Флаг».

1954-1955 гг.

Одной из наиболее известных работ Джонса является «Флаг», написанный в 1954-1955 годах. Для создания этого произведения он использовал смешение техник – восковые краски, которые отмечают каждый мазок художника и являясь полупрозрачными дают возможность проследить то, как создавалась картина, масло, коллаж на ткани, натянутой на фанеру. Возникает вопрос, что перед нами: флаг или картина, его изображающая? По логике автора ответ в том, что это представляет собой и то и другое.

Прозрачность красок позволяет просмотреть, что лежит в основе работы – газетные вырезки, которые являются базой для каждой из полос. Эта многослойная конструкция как бы является посредником между реальностью и искусством, не занимая однозначной позиции. Фактически, эта работа являет собой символ тождественности национального и общественного, особенно в США. На написание работы оказали свое влияние и такие факторы, как холодная война и соответственно - противостояние Запада и Востока. Поэтому, эта картина воспринималась не только, как одна из вех на пути к поп-арту, но и как удар по патриотическим чувствам.

Раушенберг также причисляется к пионерам поп-арта. Многое в его творчестве имеет отношение к тому, что подробно прорабатывалось художниками этого направления. Одним из таких примеров является выделение зависимости между средствами связи и буквами. Тем не менее, несмотря на всю свою близость к поп-арту, Раушенберг не ставил перед собой его целей. Художника интересовало уже использованное и отбракованное. В центре его работ стоит вещь, уже утратившая свой блеск. Это значительно отличает работы Роберта Раушенберга от направления поп-арт, ведь оно прославляло пленительные стороны городской цивилизации, как под маской пряча все, что уже хоть в чем-то утратило свою привлекательность.

В работах этого художника обыденность наделялась особой патетикой, они имели множество значений, часто создавались как экспрессия. Эта особенность его творчество дает возможность сказать, что не смотря на его близость к поп-арту, на его шаги в данном направлении, которые вдохновили его последователей, Раушенберг в большей мере имел отношение к абстрактному экспрессионизму. В большой степени на творчество Раушенберга повлияли традиции и идеи, шедшие из кубизма и творчества Марселя Дюшана. Основная часть работ художника выполнена в техниках коллажа и редимейда.

С другой стороны Раушенберг в своем раннем творчестве, пытался продемонстрировать отказ от высоких целей традиционного искусства, в 1950-х годах в его творчестве начало возрастать количество реальных предметов, будь то газетные фотографии, фрагменты рекламы, куски дерева, консервные банки, предметы обихода. Он смешивал все это на холсте до той степени, пока это не превращалось в нечто, что могло стать окном в другую реальность, странную и искаженную.

Можно выделить две его ключевые работы, которые представляли собой реальные предметы – это созданные во второй половине 1950-х годов коллажи «Кровать» и «Монограмма». Первая работа представляет собой реальную кровать, которая была поставлена вертикально, подобно картине и забрызгана красками. Коллаж «Монограмма» содержал в себе чучело ангорской козы. Его творчество прошло несколько этапов, родом из Техаса он учился в Художественном институте Канзас-Сити, позже в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине.

(Рисунок 7) Роберт Раушенберг. «Кровать». 1955 год.

(Рисунок 6) Роберт Раушенберг. «Монограмма». 1955-1959 гг.

С 1949 года художник жил в Нью-Йорке. Его первая персональная выставка состоялась в галерее Кастелли в 1958 году, благодаря ей он стал известен. Расцвет славы Роберта Раушенберга пришелся на более поздний период, когда в 1977 году он совершил турне по Америке с ретроспективной выставкой, которое началось с ее открытия в Вашингтоне, в Музее Изящных искусств. Логичным завершением цикла его творчества стали опубликованные в 1980-е годы альбомы фотографических материалов.

Работы Раушенберга показывают зрителю тот темп развития и энергию технократической, массовой, урбанизированной культуры, где на смену проработке изображения классической школы приходит информация, потоки которой отражаются в фотографиях, компьютерных технологиях и средствах массовой информации.

Еще одним художником поп-арта, который был связан с абстрактным экспрессионизмом стал Ларри Риверс. Родом из Нью-Йорка он занимался искусством в училищах своего родного города и Провинстауна. В частности он был учеником известного мастера абстракционизма Х.Хофмана.

Начав свою творческую деятельность в конце 40х годов, Риверс пишет беспредметные работы, в стиле Джексона Поллока и де Кунинга. Позже он создал ряд работ, посвященных классике. В его переходе от абстрактного экспрессионизма к поп-арту, Риверс начинает использовать широкий, размашистый мазок, совмещая это с отстранением, имеющем характер пародии. Он широко использовал приемы монтажа, наиболее масштабным его произведением в этой технике стал полиптих, состоящих из 30 частей «История русской революции от Маркса до Маяковского», созданный в 1965 году.

В своей книге «Поп-арт», Тильман Остервуд пишет, что поп-арт представлял собой связь между эйфорией, ориентацией на прогресс и, в то же время, пессимизм и ощущение катастрофы эпохи шестидесятых. Он отразил в себе растущую коммерциализация, которая изменила социальные реалии и размыла границы понятий «хорошее, прекрасное и правдивое». Поп-арт весело, критично и быстро реагировал на лозунги средств массовой информации, чья эстетика формировала образ эпохи, а клише и задаваемые «модели» во многом определяли поведение людей ⁶.

Так как охватить всех художников поп-арта в одной работе невозможно, я хочу сконцентрировать внимание на тех его представителях, которые мне кажутся наиболее яркими, чьи произведения будут рассматриваться далее. В данной работе будут прежде всего рассматриваться работы Джеймса Розенквиста, Роберта Индианы, Класса Ольденбурга, Роя Лихтенштейна, Эдварда Руша и, конечно, Энди Уорхола.

1.2. Поп-арт и общество потребления.

Как уже было сказано ранее поп-арт – это ответ искусства на «общество потребления» и «массовое общество». Развитие этого художественного направления было обусловлено теми изменениями, которые произошли в мире. Поп-арт, стал не только ответом, но и отражением того общества, в котором он возник. Он наглядно показывает, что середина 20 века явилась переломным моментом во всей истории человечества. Весь окружающий мир стал другим, начиная от производства товаров потребления до общения и связи людей между собой. Изменилась мировая карта и политическое устройство большей части планеты.

Если проследить на временной шкале те события, которые происходили в мире в тот период, когда появился поп-арт и достиг своего расцвета, то станет, почему этот стиль столь отличался от всех предыдущих.

Клаус Хоннеф, в своей книге «Поп-арт» дает такую хронологию, где приводит события влиявшие на творчество художников поп-арта, в период его становления и расцвета.

1955	Подписание Варшавского Договора. Вступление Федеративной Республики Германия в НАТО. В Касселе впервые прошла выставка современного искусства «Documenta». Билли Уайлдер снимает фильм «Зуд седьмого года» с Мерилин Монро. Умер Альберт Эйнштейн.
1956	От несчастного случая погиб Джексон Поллок.
1957	В Советском Союзе запущены первые искусственные спутники Земли («Спутник – 1» и «Спутник – 2»). Федеральные войска США защищают право чернокожих детей ходить в государственную школу.
1958	Принятие новой конституции Республики Франция. «EXPO – 58» в Брюсселе. Миc ван дер Роэ строит в Ньй-Йорке Сигрэм-Билдинг.
1959	Продолжительность перелета из Парижа в Нью-Йорк на сверхзвуковом самолете «Боинг – 707» сокращается до 8 часов. Гюнтер Грасс пишет роман «Жестяной Барабан». Жан-Люк Годар, французский кинорежиссер Новой Волны, снимает фильм «На последнем дыхании».
1960	На конференции 10 держав по разоружению в Женеве восточные и западные державы отклоняют взаимные предложения. Немецкий архитектор Ханс Шароу строит здание филармонии в Берлине. Оскар Нимейер начинает застройку бразильской столицы – Бразилиа. Альфред Хичкок снимает фильм «Психо». Во Франции появляется новый реализм.
1961	Самоубийство Эрнеста Хемингуэя. Президентом США становится Джон Ф. Кеннеди. 13 августа в ГДР начинается сооружение стены между Восточным и Западным Берлином. Группа «Битлз» гостит в гамбургском «Star Club». Первый пилотируемый космический полет в СССР: 12 апреля Юрий Гагарин облетает Землю.
1962	Кризис на Кубе. Смерть Мэрилин Монро. Первый пилотируемый космический полет в США. Первый телевизионный спутник-транслятор «Телстар».
1963	Появление движения «Флюкус» в Германии. Убийство Джона Ф. Кеннеи в Далласе, штат Техас. Расовые беспорядки в США. Ингмар Бергман снимает фильм «Молчание». Появление на рынке первых камер быстрой съемки типа «Кодак Инстаматик».
1964	В Великобритании к власти приходят лейбористы. Начало войны во Вьетнаме. Жан-Поль Сартр отказывается от Нобелевской премии.
1965	Усиление военного вмешательства США во Вьетнаме. Смерть Ле Корбюзье. Развитие языка программирования Бэйсик.
1966	Немецкие (студенческие) организации объединяются во Внепарламентскую оппозицию (АРО). Микеланджело Антониони снимает фильм «Блоу-ап». «Культурная революция» в Китае. В галереях появляются произведения минимализма. Хепенинги становятся формой художественного выражения.
1967	Убит Че Гевара. В США появляется лэнд-арт. В Италии возникает «арте-повера» («бедное искусство»). В Западном Берлине во время демонстрации против приезда шаха Ирана убит студент Бено Озенрог. Южноафриканский хирург Кристиан Барнард проводит первую пересадку сердца человеку.
1968	Убийство Мартина Лютера Кинга в Мемфисе, штат Теннесси. Поражение «Пражской весны». Студенческие беспорядки в Германии, Бельгии, Японии, Мексике, Югославии, Польше и во Франции; в Берлине совершено покушение на Руд и Дучке. Стэнли Кубрик снимает фильм «Космическая одиссея 2001 года». Смерть Марселя Дюшана.
1969	Сэмюел Бекетт получает Нобелевскую премию. Рок-фестиваль в Вудстоке. Сверхзвуковой реактивный пассажирский самолет франко-английского производства «Конкорд» совершает первые пробные полеты. 21 июля американский астронавт Нил Армстронг становится первым человеком, ступившим на поверхность Луны.

Даты, которые были выделены автором я соединила в таблицу. Из них видно, как сильно менялся мир, во время появления поп-арта, причем во всех сферах: изменились технологии, общественная жизнь и политика.

Если сопоставить даты, то в год смерти Мэрилин Монро Уорхол начинает писать ее многочисленные портреты, серийные изображения, создавать иконографию ее образов. В тот же год он пишет доллары. Джеймс Розенквист, также со смертью актрисы создал ряд работ, в которых ее лицо разделено на части.

Если проводить параллели, то свобода шестидесятых и при этом тиражирование чувств, вдохновляют художников. Примером может служить то, что в 1964 году, в год начала войны во Вьетнаме, появляется легендарная «LOVE» Роберта Индианы. Впервые она увидела свет в виде рождественской открытки Нью-Йоркского Музея Современного Искусства. В 1965 году изображение сделали знаменитой скульптурой, которая сейчас находится в Индианополисском музее, копии которой позже были поставлены в Нью-Йорке и многих других крупных мировых центрах. В 1966 году знак был впервые реализован, как живопись, а в 1973 году напечатан на восьмицентовой почтовой марке Почтовой службы США.

(Рисунок 8) Роберт Индиана. «LOVE». 1966 год.

(Рисунок 9) Роберт Индиана. Скульптура «LOVE» в Нью-Йорке.

Так что такое «общество потребления»? Чем оно отличается от «массового общества»? И почему именно с этими двумя понятиями неразрывно связан поп-арт?

Массовым является то общество, для которого характерна прежде всего высокая урбанизация, развитые и развивающиеся СМИ. Непременными элементами массового общества являются всеобщее образование и демократизация политики. Тем не менее, в данной модели, не предполагается высокой степени образованности большинства населения, речь скорее идет о грамотности, базовых знаниях и среднем образовании. Демократичность данного общества так же спорна, так как массовое общество может возникнуть и в авторитарных и тоталитарных режимах. Идея массового общества начала развиваться в 1920-х годов и развивалась вплоть до 1960-х, когда и получил свое развитие поп-арт. Можно с точностью утверждать, что начиная с 1950-х годов в западном мире общество было массовым, так как отвечало всем указанным параметрам и, кроме того, отражало идею массовости в культуре, в ее широком понимании.

Одной из особенностей массового общества является то, что социальные связи сокращаются и рвутся. Отдельный индивид становится обособленным и при этом безликим, устойчивые, а общезначимые ранее нравственные ценности перестают оказывать на него влияние.

Для индустриального общества характерна сильная вертикальная и горизонтальная социальные мобильности, что дает большое движение масс. По этой причине все сложнее говорить о том, что социальный и личностный статус человека формируется на уровне определенной социальной группы.

В массовом обществе разрушаются институты общения среди соседей, коллег, религиозного общения, общения в некоем «своем круге». Главным уровнем на котором общается индивид становится семья и некоторые близкие друзья, на этом круг замыкается. Человек воспринимает окружающих его людей не как общество, частью которого он является, а скорее как разрозненных индивидов, в равной степени не похожих на него. Тем не менее, именно в массовом обществе, как ни в одной другой модели, индивид обезличивается. Индустриализация стирает различия между продуктами производства. Люди покупают одинаковы товары, произведенные одними и теми же крупными компаниями, они одеваются в одних и тех же магазинах, смотрят те же передачи по телевидению, ездят в тех же поездах и машинах, пролистывая те же газеты, журналы.

Становясь одиноким, не имея возможности идентифицировать себя с той или иной социальной общностью. В результате чего, потребность в самоутверждении переносится на государственный, национальный уровень того общества, в котором живет этот человек. Поэтому политика становится важной для человека. Миллионы людей начинают особо остро относиться, как к любому конфликту внутри государства, так и в международном масштабе. Такое восприятие дает возможность манипуляции сознанием индивида, с помощью средств массовой информации.

То, как строится и как функционирует массовое общество описал Хосе Ортега-и-Гассет в своей книге «Восстание масс». Автор пишет о том, что в общество изменилось. Произошло то, что он назвал «восстанием масс»: «Этот феномен – полный захват массами общественной власти. Поскольку масса, по определению, не должна и не способна управлять собой, а тем более обществом, речь идет о серьезном кризисе европейских народов и культур, самом серьезном из возможных»⁷.

Хосе Ортега-и-Гассет говорит о том, что людей не стало больше, но стало больше тех, кто хочет быть в центре событий и это массы. Он утверждает, что масса – это «средний человек». Количественное определение множества переходит в качественное. Такое качество не имеет хозяина, оно ничейно и отчуждаемо. Это человек лишь настолько, насколько он повторяет общий тип массового человека, не отличается от остальных. Автор объясняет восстание масс тем , что «средний человек» больше не считает, что он должен тесниться в стороне, пока остальные делают политику и создают искусство, как это было раньше, понимая, что он недостаточно осведомлен в этих проблемах. Ортега-и-Гассет, пишет, что с приходом «гипердемократии» массы начинают считать, что они вполне компетентны, чтобы управлять общественной жизнью.

У человека массы появляется все то, что ранее было доступно лишь элите, у него есть свободное время и он жаждет развлечений. Приоритет человека из правового идеала становится мироощущением.⁸ Общество должно давать массам все то, чего они от него требуют. Мир богат и теперь нет разницы кто богаче. Сфера услуг, потребления, продукция, новые технологии сделали жизнь «среднего человека» зачастую удобнее и комфортнее, нежели жизни некоторых правителей предыдущих эпох. Идея постоянного накопления материальных блага становится культом. Уверенность в том, что в будущем товары будут дешевле и лучше, а доходы выше и более просты в приобретении в массовом обществе несомненна.

У человека массы есть две основные черты: постоянный и беспрепятственный рост того, чего он хочет получать от жизни и неблагодарность и отсутствие интереса к тому, что облегчило его жизнь.

Именно здесь «массовое общество» начинает быть связанным с «обществом потребления», а зачастую и полностью включать его в себя.

«Общество потребления» возникает тогда, когда общественные отношения начинают строиться на принципе индивидуального потребления. Общество потребления ставит в основу прежде всего материальное благо, без которого его существование невозможно. Это создает соответствующую систему ценностей и идейных установок, которые сконцентрированы на постоянном потреблении товаров и услуг, не для того, чтобы удовлетворить потребность в них, а ради самого потребления и процесса потребления. С ростом благосостояния общества, с образованием массового общества, количество человек, разделявших эти принципы постоянно росло.

Общество потребления – это порождение капитализма. В других условиях оно не имеет смысла и не может возникнуть. Поп-арт также является чисто капиталистическим явлением и уже одно это говорит об их связи.

Технический прогресс 20 века сделал общество потребления возможным. Сытым обществом управлять проще, дайте массам то чего они хотят, создайте иллюзию их влияния, и они пойдут за вами. Структура потребления к середине 20 века кардинально изменилась, что обусловлено возрастанием доходов населения и общим экономическим подъемом 1950-х годов, особенно в США.

Снижение продолжительности рабочего дня, дало массам увеличение количества свободного времени, которое они могли потратить на потребление товаров и услуг, на покупки и развлечения, которые ранее были недоступны. Потребление индивидуализировалось, каждый человек в отдельности подбирает себе потребительскую корзину, но что лежит в ней? Классовая структура на момент середины 20 века размывается. И элита и низшие прослойки среднего класса потребляют продукцию одних и тех же марок, делая их культовыми.

Отсюда и появляются серийные работы Энди Уорхола, который до того, как пришел в мир искусства, работал рекламным художником и создавал образы, которые успешно притягивали «среднего человека» к товарам.

Символом времени становится бутылка Coca-Cola, которую потребляют и «любят» все. Наряду с газированным напитком стоят серийные портреты Мэрилин Монро, скончавшейся и моментально ставшей символом поп-арта. Образ притягательной блондинки тиражируется не в меньшей степени, чем сладкий напиток. Мэрилин потребляют все. Поп-арт часто использовал образы того, что уже отработано или стало обыденностью, потеряв свой блеск. Причем это не обязательно товары, в случае с Мэрилин или Элвисом Пресли – это личность и образ человека. Другой легендарной работой Энди Уорхола стала банка супа «Сampbell’s», которая также являлась массовым товаром.

(Рисунок 10) Энди Уорхол. «Мэрилил Монро». 1963 год.

(Рисунок 11) Энди Уорхол. «100 банок супа «Кемпбелл». 1962 год.

Впервые термин «общество потребления» ввел Эрих Фромм еще в 1920-х годах. Он последовательно показывает образ человека, который живет и соответствует этому обществу в своих книгах «Бегство от свободы», «Иметь или быть» и «Здоровое общество».

В «Бегстве от свободы» Фромм показывает, что человек не хочет брать ответственность за свою жизнь, он боится ее, имея внешнюю возможность свободы он не имеет внутренней.

В «Иметь или быть» он выводит формулу, которая фактически является идеологией общества потребления: «Я есть то что я потребляю и я есть то, чем я обладаю». Человек замещает себя, свою личность, вещами, которые он выбирает. Кроме того, Фромм пишет о том, что возможно наивысшим удовольствием для человека в индустриальном обществе является не только обладание материальными благами, но обладание живыми существами, в первую очередь другими людьми.

В «Здоровом обществе» Фромм говорит о том, что люди живут в экономической системе, где слишком высокий урожай зачастую оказывается экономическим бедствием. Продуктивность сельского хозяйства ограничивается в целях «стабилизации рынка», несмотря на то, что есть миллионы людей, нуждающихся в тех самых продуктах, производство которых ограничивается. Он также отмечает, что 90 процентов абсолютное большинство населения является грамотным, телевидение, радио и печатные СМИ доступны всем, но они не знакомят человека с лучшими произведениями, а лишь вместе с рекламой транслируют ему «низкопробный вздор», сообщения, которые далеки от реальности, изобилующие садистскими фантазиями, которыми не стал бы заполнять свой досуг культурный человек.

Неотъемлемыми предметами общества потребления являются кредитные карты, бонусные акции, индустрия красоты, крупные бренды, скидки постоянным покупателям, супермаркеты и т. д. В «обществе потребления» культура потребления тесно переплетается с экономикой. Важнейшую роль в «обществе потребления» играет реклама, она дает бизнесу возможность постоянно повышать продажи, увеличивать обороты, получать сверхприбыль.

Подробно проблемы и устройство «общества потребления», которое сложилось в развитых индустриальных странах к 1970-м описывает Жан Бодрийяр, французский философ-постмодернист, писатель, социолог, культуролог и публицист, являющийся одной из самых крупных фигур современной гуманитарной науки. Его работа вышла в 1970 году и в ней отразилось влияние общества потребления на искусство и феномен поп-арта, как их соединения.

В предисловии к работе он говорит, что французы должны дождаться 1968 года, чтобы узнать о том, что они живут в обществе потребления, в то время, как Америка узнала об этом уже на 12 лет раньше. Бодрийяр дает краткое, но емкое определение обществу потребления: «Обществом потребления является то, где не только есть предметы и товары, которые желают купить, но где само потребление потреблено в форме мифа»⁹.

Бодрийяр пишет о том, что в обществе потребления массовая культура не дает людям культуры, как таковой, а предлагает культурную переподготовку. Она представляет собой необходимость постоянно «быть посвященным», знать, что происходит в мире, но не предполагает наследственного достояния трудов, мыслей, традиций, а также непрерывной практики критического размышления. Бодрийяр пишет, что в связи с тем, что образ больше не представляет собой сущность объекта, то можно ли говорить, что логика потребления исключает высокий традиционный статус художественного изображения? Поп-арт стремится соответствовать серийному, индустриальному производству, что значит искусственному и сфабрикованному характеру окружения. Автор задается вопросами, является ли поп-арт искусством несвященного, искусством чистой манипуляции? Или же несвященным искусством, не творцом, а лишь производителем объектов?

Поп-арт, по мнению Бодрийяра, явился концом перспективы, творческого жеста, воспоминания, свидетельства и, что важнее, «ниспровержения мира и проклятия искусства». Поп-арт интегрируется в новый мир, мир потребления. Отсюда вывод, что поп-художники поступали очень логично. Если общество растворяется в своей мифологии, в нем нет критической перспективы самого себя, то оно может иметь только искусство, идущее с ним на компромисс. Поэтому, художники поп-арта рисуют объекты, так как они видят их в своем окружении, так как именно в этом виде они функционируют мифологически. В этом искусстве есть очевидное признание обществ потребления, признание того, что истиной предметов является их марка.

В поп-арте примиряются объект живописи и живопись-объект. Расположенный к объектам и понимающий силу коммерческого успеха, поп-арт первым открывает свое положение искусства-объекта, уже «обозначенного» и потребленного. Здесь есть двусмысленность и непоследовательность.

Желая быть искусством банального, поп-арт сталкивается с проблемой, что предмет банален только до тех пор, пока не становится значащим, как это происходит в обществе, которое является массовым и сконцентрировано на потреблении. Желание поп-художников сделать свою практику искусства не сакральной невыполнимо, потому что чем больше они предпринимают к этому попыток, тем более общество воспринимает это как обратное.

Поп-арт спокоен, он не требует ни глубокого понимания, ни сильного эмоционального вовлечения. Его отличительной чертой становится наивная очарованность, нечто схожее с детским любопытством.

Бодрийяр также отмечает, что зачастую у людей смотрящих на работы в стиле поп-арт возникает улыбка или даже смех. Но чем она вызвана? Автор считает, что той невозможно отличить эту улыбку от той, которая вызвана юмором или коммерческим соучастием. Поп-арт как бы подмигивает зрителю. Такая улыбка заключает в себе всю его двусмысленность: «это не улыбка критической дистанции, это улыбка сделки»¹⁰.

Таким образом появляясь в конце 1950 -1960х, во время экономического подъема в странах Западной Европы и США , поп-арт вливается в этот мир, черпая вдохновение из супермаркетов, огромных тиражей газет, самого ощущения массовости и принципа потребления. По сути, поп-арт отражает в себе реалии своего времени. Он ставит предмет в центр, как ставит его в центр мироздания общество потребления и тиражирует его, бесконечно копируя, пока не сотрется его индивидуальность, подобно тому, как массовое общество усредняет людей. Человек превращается в массовый бренд, такой же как банка готового супа или бутылка Coca-Cola.

Предметы повседневности, которые изображает поп-арт часто бываю иронично переосмыслены художниками. Поэтому, на многих картинах поп-арта показаны предметы в гиперболизированной, измененной форме. Таковы работы Класа Ольденбурга. К примеру, «Сладости 1» стали важным документом в истории поп-арта. Художник выполнил 9 фигур из гипса, имитировавших сладости в витрине магазина, среди них: черничный пирог, несколько шариков мороженного, банановый сплит, засахаренное яблоко, пирожное и торт. С первого взгляда на картину видно, что эти предметы несъедобны и представляют собой некую пародию. Здесь есть насмешка над экспрессионистской скульптурой. В то же время, в работе есть явная отсылка к традиции голландского натюрморта, в котором отражались искусность художников, жизнерадостность заказчиков, воспевалась красота предметов потребления – еды и посуды, но присутствовал и намек о бренности всего этого, намек на смерть.

(Рисунок 12) Клас Ольденбург. «Сладости 1».

1961-1962 гг.

Люди, их проблемы и жизни, во многом построенные на привычных моделях взаимоотношений тоже становятся товаром, который им продает масс-медиа. Стандартные случаи из их жизни, подобно тому, как даются советы в женских глянцевых журналов, показал в своем творчестве Рой Лихтенштейн. В работах этого американского художника, который вдохновлялся комиксами, показаны сцены из жизни их персонажей. В большей части работ фигурируют понятные с первого взгляда типы персонажей, будь то наивная блондинка, знойная брюнетка, влюбленная пара, сильный мужчина, военные и т. д. Такими же являются и эмоции, которые выражены стандартными для комиксов приемами и фразами- облаками. Однако, картины поп-художника не были просто повторением комиксов. Лихтенштейн вырывал картинки и фразы из контекста, в чем и заключалось отстранение поп-арта. Те смыслы, которыми были нагружены изображения в оригинале исчезали, при этом становились фрагменты комиксов непонятными и часто смешными.

(Рисунок 14) Рой Лихтенштейн. «Тра-та-та». 1962 год.

(Рисунок 13 ) Рой Лихтенштейн. «Плачущая девушка». 1964 год.

Время расцвета поп-арта совпадает с появлением первых рок-звезд, битломанией, холодной войной, массовостью, развитием рекламы и СМИ. Поэтому, он отдает дань окружающему его миру и становится схожим с ним.

В своей книге «Поп-арт и потребление», Каролина Карьерро пишет о том, что поп-арт представляет мир как сгусток нарастающей предметности. Этот стиль, по мнению автора, лишь обманывает нас своим простым оптимизмом, создавая и поддерживая миф потребления. Он возникает в недрах потребительской культуры, которая оказывается самой благоприятной средой для рассмотрения «мифа» благосостояния от момента его создания до наступления упадка.

Колористическое разнообразие предъявляемых объектов, пластика, ярко выраженный характер каждого из них, по мнению Карьерро, приобретает апокалипсический смысл «кризиса приватности» - то есть потери человеком самого себя в мире вещей, его «выпадение» из истории. Поп-арт не демократизирует искусство, он не говорит открыто , он стремится во что бы то ни стало удержаться в этом потребительском мире, затерявшись в растущей массе товаров, испытывая определенный риск выпадения из современной культурной трансцендентности. По утверждению автора, дешифровка знаков поп-культуры предполагает разрушение иллюзии первозданности ее объектов, которая с самого начала внушалась простотой их восприятия.

Человек в массовом обществе и обществе потребления стал находиться в системе, где его окружает огромное количество субъектов - предметов. Они имеют ужасающую скорость обращения. В таком обществе чаще возникают невротические патологии, так как исчезает надежда на счастье. Его иллюзия растиражирована, она продается и рекламируется. Человек, замкнутый в мире товаров и услуг, одинокий, с ограниченным кругом общения, привыкший выполнять лишь привычные действия привязан к расслабляющему, умиротворяющему и интимному пространству дома. Однако в своем маленьком домашнем мире он продолжает потреблять, до него доносятся потоки рекламных сообщений, телепередач, мыльных опер, новостей посредством появившихся каналов связи, таких как телевидение и уже привычное радио.

Поп-арт отражает и эту сторону индустриального мира. На картинах поп-арта человек присутствует лишь опосредованно, либо как знак и по сути тот же товар (Мэрилин Монрое, не только у Энди Уорхола, но и у других поп-художников, например, «Моя Мэрилин» Ричарда Гамильтона) или же, как наивное отражение американской мечты (Рой Лихтенштейн: «Девушка с лентой»).

(Рисунок 15 ) Ричард Гамильтон. «Моя Мэрилин». 1965 год.

(Рисунок 16 ) Рой Лихтенштейн. «Девушка с лентой в волосах». 1965 год.

Как пишет Каролина Карьерро: « Можно сказать, что поп-арт вступает на сцену, когда итог уже подведен, он предлагает такое эстетическое потребление реальности, которое ничего ей прибавляет и нисколько ее не обедняет».¹¹