Глава 2. Уникальность взаимосвязи поп-арта и рекламы

2.1. Реклама в поп-арте.

Начиная говорить о том, как повлияла реклама на поп-арт, нужно понять, что здесь является первичным, а что вторичным. Появилась ли сначала реклама и оказала воздействие на поп-арт. Либо сначала возникает художественное направление и лишь используется в рекламе. Так что появилось раньше: реклама или поп-арт?

Ответ на него прост, сперва появляется товар, потом потребность его продать, рекламная отрасль, массовое общество, общество потребления и лишь затем приходит поп-арт.

Как было сказано в предыдущей главе, поп-арт – это ответ искусства на «массовое общество» и «общество потребления». Непременным атрибутом и того и другого является реклама. Она лежит в основе общества потребления, так как только с ее помощью можно постоянно повышать продажи, предвосхищая и создавая новые потребности у населения.

Поп-арт в своей стилистике использует броские, яркие образы предметов, которые чаще всего не являются отдельными и безликими, а имеют принадлежность к определенной марке, к бренду.

Не возможно представить, чтобы Энди Уорхол написал не банку супа «Campbell’s», а банку супа без названия, не имеющую под собой уже готовой идеи бренда.

Как было указано ранее, поп-арт вторичен, он предлагает потребителю уже потребленный продукт. В картинах поп-арта всегда присутствуют уже заранее известно распознаваемые знаки. Когда поп-арт художники писали разнообразные картины, с использованием образа Мэрилин Монро они говорили о уже созданном мифе, поддерживая его.

Кроме того, первичность рекламы к поп-арту очевидна уже в том, что первое программное произведение поп-арта - «Что делает наши современные дома такими особенными, такими привлекательными?» Ричарда Гамильтона, полностью состоит из вырезок рекламных сообщений.

Поп-арт не мог бы появиться в обществе, где не было рекламы. Его ироничная рефлексия на те методы и приемы, которыми «среднего человека» вовлекают в потребление, должна на чем-то основываться. Можно смело утверждать, что без рекламы невозможно общество потребления, невозможны крупные бренды, невозможно индустриальное общество.

Удивительность и неповторимость связи между рекламой и поп-артом заключается именно в том, что впервые реклама создала направление в искусстве, а не лишь применяла его элементы в дизайне. Кардинальное отличие состоит именно в происхождении поп-арта, в его восприимчивости к рекламному миру и его иконографии, в его неразрывности с ней, в отличии от других стилей, которые лишь давали дизайнерам рекламы новые художественные приемы и идеи для их применения.

Прежде все стили, которые были использованы в рекламе возникали вне ее, возникали в высоком мире искусства, зачастую никак не связанными ни с потреблением, ни с рекламой. Их элементы лишь использовались, чтобы передать тот или иной смысл в рекламе, вызвать некое ощущение и сделать рекламу, отвечающей современным тенденциям культуры.

Важным для понимания того, как использовался тот или иной стиль в рекламе является развитие технических средств. Развитие технологий печати, позволило печатать объявления и плакаты сначала в двухцветном, а затем и в многоцветном вариантах; изобретение радио, а затем телевидения дали рекламе новые каналы передачи информации, изменив ее структуру.

Для того, чтобы сделать рекламу более действенной, более привлекательной, зачастую использовались элементы стилей, которые господствовали в искусстве. Это делало рекламу более привлекательной, заметной.

Примером можно привести рекламу в таких стилях, как модерн и арт-деко, кубизм, сюрреализм, абстракционизм, гиперреализм и т. д.

Зачастую, реклама, которая умело пользовалась данными стилями и сама почти становилась искусством. В ней появлялась новая эстетика, которая не просто доносила информацию до людей, но и давала им эстетическое удовольствие, удивляла их, смешила, демонстрировала им свое мастерство. Рассматривая рекламу определенной эпохи можно понять тот дух времени, который она передает. Стиль рекламы передает особенности материалов, которые использовались для ее создания, особенности техники изображения, характерные образы конкретной эпохи, композиционные принципы, цветовые сочетания.

Так как история рекламы уходит глубоко в древность, к моменту появления товарного производства и денежного оборота. Поэтому, можно сделать вывод, что по ней можно судить, что было более популярным, что было интересно людям и в особенности, что привлекало их внимание.

Для примера можно взять те стили, которые в наибольшей степени использовались в рекламе и влияли на ее суть.

Некоторые рекламные плакаты, созданные художниками стали настоящими произведениями искусства . Примером такого превращения являются плакаты Тулуза-Лотрека, сделанные для знаменитого кабаре Мулин-Руж и танцевавшей в нем Жанны Авриль. Эти изображения являются афишами, но выполнены в столь необычной, свободной художественной авторской манере, что вошли в историю искусства, как шедевры своего времени, а не лишь как рекламные плакаты. На творчество художника оказал большое влияние импрессионизм, он изображал жизнь ночного Парижа, таким как он его видел, его обитателей и бесконечную веселость кабаре. Тулуз-Лотрек прежде всего был художником, несмотря на то, что известность ему принесли рекламные плакаты, они лишь отразили его стиль, а не создали его.

(Рисунок 17 ) Анри де Тулуз-Лотрек. «Обучение танцу в Мулен Руж». 1889-1890 гг.

(Рисунок 18 ) Анри де Тулуз-Лотрек. Афиша «Жанна Авриль».1893 год.

В начале 20 века одним из господствующих стилей был модерн.

Это название окончательно утвердилось после того, как в 1900 году в Париже прошла выставка “le style moderne”, которая возвела модерн на пик моды. Это стало кардинальным обновлением художественных идеалов и ценностей, художественных форм. Этот стиль также был распространен и в других странах мира, где получил сходные по смыслу названия: art nouveau, secessia, jugendstil, что означает новейший, современный¹².

Модерн стал прежде всего дизайнерским стилем. Он был направлен на то, чтобы внести искусство в частную жизнь человека, украшал действительность, делал ее более эстетичной. Нет того, что не могло бы быть выполненным в стиле модерн, от простых предметов быта до прекрасной архитектуры начала 20 столетия. Форма в модерне важнее содержания. Модерну свойственны изысканность, женственность. В палитре модерна преобладают мягкие, приглушенные цвета, его линии сложны и плавны. Модерн женственен и изящен.

В стиле модерн было создано не столько живописных полотен, сколько утонченных предметов. Его наследие содержит больше графики и предметов искусства. В стиле модерн работало мало всемирно известных живописцев, одним из них был Густав Климт.

Главное место в художественном наследии модерна заняла рекламная графика. Самым ярким примером которой являются работы Альфонса Мухи, прославившегося благодаря афишам к спектаклям с участием Сары Бернар. Позже, он создавал плакаты, которые рекламировали товары и услуги, например, детское питание «Нестле», кока-колу, железнодорожную компанию и многое другое. Он создал первый рекламный календарь, рисовал меню, пригласительные билеты, открытки. В его рекламе главным был имидж, а не продаваемый продукт, который заранее представлялся как современный и престижный. Чаще всего в своих работах он передавал идею через женский образ, вне зависимости от того, что рекламировалось.

(Рисунок 19 ) Альфонс Муха. Рекламный плакат «Сара Бернар». 1896 год.

(Рисунок 20) Альфонс Муха. Рекламный плакат. «Монако. Монте-Карло». 1897 год.

Так, если реклама в стиле модерн – тоже искусство, то почему именно поп-арт стал отражением идеи рекламы, идеи общества потребления?

Дело в том, что не смотря на то, что модерн дал миру уникальные произведения искусства рекламы и коммерческой графики, его корни лежат глубже. Модерн появился раньше, чем реклама в стиле модерн и не имел цели стать непосредственное рекламным стилем. Он не черпал идей из рекламы он лишь давал ей возможность использовать свое изящество. Есть множество художников, дизайнеров и архитекторов модерна, которые никогда не были связаны с рекламной деятельностью, в то время как подавляющее большинство художников поп-арта создавали рекламу, причем многие из них приходили в искусство, изначально быв рекламными художниками.

Основателем модерна считается Аксель Галлен-Каллела, финский художник, впервые применивший эстетику модерна к оформлению финского эпоса «Калевала». С живописью модерна связаны Поль Гоген, Морис Дени, Эдвард Мунк, Александр Бенуа, Михаил Врубель и многие другие известнейшие художники. Конечно, не всегда эта связь прямая и во многом творчество художников было лишь тем, что послужило толчком для модерна. В то же время это говорит о том, что модерн зарождается куда раньше, чем его использование в рекламе, не смотря на весь ее успех.

Модерн не является единственным стилем, в котором создавалась реклама, которая впоследствии граничила с искусством. С появлением новых стилей, которые в большей степени соответствовали духу эпохи, отражали реалии появлялось желание использовать их в рекламе.

Еще одним стилем, который широко использовался в первой трети 20 века. Это стиль арт-деко. Он появляется и воспевает новые технологии, новую жизнь, новую динамику жизни. Одной из главных тем арт-деко становится комфорт частной жизни, наслаждение новыми возможностями времени, новой свободой, показывая людям примеры гедонистической жизни, полной удовольствий. Целевой аудиторией арт-деко, появившегося в межвоенный период, стала денежная элита, постепенно приходившая на смену аристократии. Стиль арт-деко сменяет утонченность модерна на более прямые линии. Центром внимания становится стиль жизни, роскошный и элегантный.

В стиле арт-деко создавались предметы роскоши, мебель, живопись, архитектура и графика. Как и модерн, арт-деко подарил миру целый ряд рекламных плакатов, которые вошли в историю не только рекламы, но и искусства. Важным является то, что вместе с арт-деко приходят дизайнеры, которые изначально специализируются только на коммерческих изображениях, а не являются художниками, для которых это лишь еще одна сфера воплощения их таланта. Появляется так называемая «коммерческая графика».

Одним из наиболее ярких представителей арт-деко стал Адольф Жан-Мари Кассандр, который не просто создавал рекламные постеры, но и открыл в 1926 году в Париже свое рекламное агентство. Он также был создателем шрифтов и разработал знаменитые логотип и эмблему модного дома Yves Saint Laurent. Кассандр стал автором множества рекламных плакатов в стиле арт деко, которые отличаются своей выразительностью, приковывая взгляд.

Тем не менее, арт деко черпал свое вдохновение в прогрессе, в ускорении движения мира. Большое влияние на стиль оказало послевоенное стремление к роскоши. Создавая рекламу “коммерческие графики” делали ее современной и необычной. Арт деко не возник, как непосредственно коммерческий стиль, но использовался в коммерческих целях в силу своей выразительности. Его предназначением было воспевание красивой новой жизни как таковой. Этот стиль искал пути, как сделать жизнь искусством.

Чаще всего в стиле арт-деко производилась реклама товаров, которые относитлись к тому, что еще недавно было роскошью, недоступной большинству, например автомобиль. Арт-деко сходен с поп-артом тем, что показывает стиль жизни, именно в 20е годы возникает конвейерное производство и начинается идустриализация, которая позже приведет к “обществу потребления”. Но тогда, в эпоху арт-деко, это еще не носило столь массовый характер, было изящным и новым.

С появлением сюрреализма появляется реклама в этом стиле, кроме того Сальвадора Дали приглашали создавать рекламные образы и даже сниматься в рекламе. Например, в 1969 году он создал знаменитый логотип «Chupa Chups», а также снялся в рекламе шоколада «Lanving» и препарата «Alka-Seltzer», где в сюрреалистической манере показывал как он действует. Реклама с использованием приемов сюрреализма есть и сегодня, она весьма успешно показывает те или иные особенности товара или выражает идеи. Примером может служить реклама языкового центра FYNE Languaje School, использовавшая сюрреалистические образы для того, чтобы продемонстрировать, что означает «свободно говорить на иностранном языке». Здесь мы видим изображение идеи в буквальном ее смысле: англичанин, китаянка или француз, стоящий на языке помогает вам свободно говорить на английском, китайском или французском языках. Креативную составляющую данной рекламы создало агентство Lola Мадрид.

Но относительно сюрреализма также нельзя говорить о влиянии рекламы на само искусство, на его иконографию и стилистику.

(Рисунок 21) Сальвадор Дали. Логотип Chupa Chups. 1969 год.

(Рисунок 22 ) Агентство Lola Мадрид.

Реклама языкового центра FYNE Languaje School. 2012 год.

Реклама может пользоваться практически любыми стилями для передачи необходимого смысла или идеи. Чтобы донести свое сообщение до потребителя создатели рекламы стилизуют ее под то или иное направление в искусстве. Например, в 2008 году вышел рекламный календарь немецкой кондитерской фабрики Lambertz, использовавший образы стиля барокко. Этим компания, основанная еще в 1668 году, хотела подчеркнуть, что уже многие столетия дарит женщинам удовольствие. Календарь должен был отражать традиции и историю бренда.

(Рисунок 23) Фотограф Том Клим. Рекламный календарь фабрики Lambertz. 2008 год.

Также можно сказать, что в свое время в рекламе получили такие направления в искусстве: футуризм, кубизм, конструктивизм, гиперреализм, стиль военного плаката, пинап и другие, возникавшие и отражавшие настрое эпохи.

Из всего сказанного выше, на мой взгляд, можно сделать вывод, что реклама всегда лишь пользовалась стилистикой того или иного направления в искусстве. Она никогда не предшествовала появлению новых стилей. Никогда до поп-арта искусство не черпало вдохновение и идеи в рекламе. Всегда было наоборот. Появляется новый стиль – он входит в моду, становится популярным – его начинают использовать в коммерческих целях. Во многом художественные приемы в дизайне рекламы применялись именно для того, чтобы подчеркнуть современность и придать эмоциональности тому сообщению, которое доносилось до потребителя. Кроме того, то общество, которое становится массовым, благополучным, стабильным, «общество домохозяек и супермаркетов» такое, каким мы его сейчас себе представляем, еще не успело сформироваться до начала 1950-х годов. До середины 20 века взаимосвязи людей были иными, нежели с наступлением времени массового потребления.

Каждый стиль отвечал своей эпохе, отражал ее проблемы, стремления и идеи. Но до 1960-х, никогда потребление и материальное благо не ставились в центр мира взаимоотношений людей. Продукт не становился субъектом. Мир не настолько сходит с ума по постоянной необходимости что-то приобретать и, поэтому, совсем другие идеи господствуют в искусстве.

Позже реакцией на изменения в обществе стал абстрактный экспрессионизм, который уходил в беспредметность и не обращал внимания на реалии, его окружавшие. На смену ему и, отчасти, в пику, приходит поп-арт. Многие ждали от искусства нового гуманизма, но время не давало этой идее шансов. Вся эпоха конца 50-х - начала 60-х годов 20 века символизируется возвращением к реальности. Если появилось общество потребления, искусство ответило на этот вызов. Впервые, за всю историю, искусство использует стилистику, композиционные решения и идеи рекламы.

Большие рекламные тиражи популяризировали марку, превращая ее в бренд. Поэтому, работы поп-художников либо прямо стилизовались под рекламу, либо строились на ее принципах.

Происходил не привычный процесс, в котором новый стиль становился популярен и начинал использоваться в целях коммерции, а уже реклама и сам продукт влияют на искусство, давая ему новые принципы изображения и видения мира.

Живя в коммерческом мире, поп-артисты решили применить его философию, эстетику и технику, для создания картин, скульптур, хэппенингов, кино - всего того, что создавалось в стиле поп-арт. Конечно, не только реклама, как таковая влияла на то, как художники выбирали предмет своего творчества. Поп-арт вдохновлялся многими вещами, которые составляли массовую культуру. Это могли быть комиксы, как у Роя Лихтенштейна, которые, по его словам, имели контраст чрезвычайно эмоционального содержания с невозмутимостью изображения. Клишированный женский образ, заимствованный художником из комиксов художник использует для того, чтобы проводить грань и оперировать между индивидуальным сознанием и миром. Применяя базовые цвета, контрастные сочетания и четкие линии обобщенного рисунка, он обогащает простые формы, давно понятного языка комиксов воздействием техники живописи. Эстетически Лихтенштейн улучшал вульгарные образы комиксов.

На его работе «Эм-мэйби» красуется привлекательная блондинка с задумчивым взглядом, который одновременно направлен на зрителя с картины, а с другой стороны, смотрит внутрь себя – в пустоту. Она подпирает голову левой рукой в белой перчатке, что являлось стандартным приемом комиксов, для выражения меланхолии. Ее явно обманул какой-то мужчина, это вызывает сочувствие у зрителя. Но через некоторое время, зритель чувствует, что его первоначальные эмоции, по отношению к героине исчезают и обращаются в какую-то особенную форму лицемерия.

В технике использован диапроектор, с помощью которого исходное изображение проецировалось на холст, создавая аналогию с машинным производством. Потом лицо покрывалось множеством точек, что было переработкой точек печатного оригинала, которые получались при печати растровым способом. Такой способ нанесения изображения придавал ему определенную эстетику.

Внимательно рассмотрев данное изображение можно понять, что если добавить к нему слоган, оно может стать удачной и яркой рекламой почти любого товара. Это ощущение складывается из-за того, что художник, работающий в стиле поп-арт изначально использует рекламный принцип. Он тиражирует свои работы, повторяет одни и те же мотивы, использует те же яркие цвета, тем самым создавая бренд самого себя. Более того, он фактически говорит своему зрителю, чтобы тот посмотрел и вспомнил реальную жизнь. Возможно, не совсем такую, как он привык ее видеть. Одинаковость людей заставляет искусство говорить с ними на их языке, используя схожие образы и при этом разнообразие смыслов, которые можно придать одной и той же работе.

Одним из известных художников поп-арта, который пришел в искусство из рекламы, является Джеймс Розенквист. Он применял технику рекламного изображения в своих работах, выполненных на станке. Соединяя предметы массового потребления и неодушевленные технические фигуры он создавал мир тел, странный и пугающе агрессивный. Его картины соединяют яркость и монументальность. Образы, взятые из рекламной деятельности применялись в живописи, но давали совершенно другой эффект. Поп-арт не просто показывает то, что есть, а иронизирует над созданным миром.

В картине Джеймса Розенквиста «Давай покатаемся!» изображен фрагмент женского лица с белоснежной улыбкой, загорелой кожей и красной помадой, оно прячется за зеленой бутылкой, по которой стекает капля. Мы не видим глаз девушки, создается ощущение, что это не реальный человек, а стандартизованный образ красоты, завлекающий, но в то же время опасный.

(Рисунок 24) Джеймс Розенквист. «Давай покатаемся!». 1961 год.

Этот образ, как и другие, к примеру, роскошных автомобилей, гамбургеров, сигарет и сигар и многие, многие другие пришли в поп-арт из рекламы. Поп-арт коллекционировал все грани массового общества: от привлекательной белоснежной улыбки, до сводок об авариях.

На мой взгляд, самым ярким примером того, как реклама влияла на поп-арт и фактически формировала его стало творчество Энди Уорхола. Самая яркая звезда поп-арта в прошлом был рекламным художником.

Энди Уорхол, художник, скульптор, режиссер, издатель журнала Interview, писатель и продюсер является, пожалуй, самый ярким и последовательным представителем поп-арта.

Настоящее имя легенды шестидесятых - Андрей Вагола (Andrej Varhola, англ. Andrew Warhola). Он был выходцем из семьи эмигрантов, Юлии и Андрея Вархола, происходивших из деревни Микова, находившейся на северо-востоке бывшей Чехословакии. Уорхол родился в США, в городе Питсбург, штат Пенсильвания. Точная дата рождения Энди Уорхола неизвестна, так как по различным источникам дата колеблется от 1927, 1928 до 1930, точный день рождения художника так же разнится – 6 августа либо 28 сенятбря. Сам Уорхол отмечал свой день рождения 6 августа.

Энди Уорхол получил образование в Технологическом институте Карнеги, закончив факультет графического дизайна в 1949году. В том же году он переезжает в Нью-Йорк, где работает художником-иллюстратором в различных журналах, оформляет витрины магазинов, рисует открытки и делает плакаты. Одним из главных направлений его деятельности было создание рекламных образов, в чем он добился невероятного успеха.

Известность в рекламном бизнесе Уорхол получил, работая над графическим оформлением коммерческой рекламы, выполняя рисунки женской обуви для модных журналов («Vogue”, “Harper’s Bazaar”, “Glamour”), а также приложения “The New York Times”.

Именно с рекламной деятельностью связано само имя «Энди Уорхол». История псевдонима такова: однажды какой-то из журналов сделали опечатку в подписи под его рисунком, и Анрей Варгола решил так и остаться Энди Уорхолом.

(Рисунок 25) Энди Уорхол. Журнал «Glamour». Август 1949 года.

Первое появление в печати рисунка Андрея Вархолы, которое было подписано измененным именем.

Уорхол воплотил в себе образ эпохи возрождения - «homo universale» от массовой культуры. Как никто другой, он умел играть по правилам общества потребления и при этом обыгрывать его в его же игре, нарушая их.

В скором времени, его работы становятся все более популярны и Уорхол становится одним из самых известных рекламистов Нью-Йорка. В 1950 году к нему приходит успех, после удачной кампании для марки обуви «И.Миллер». Карьера Уорхола развивалась стремительно, уже в 1952 году его работы были представлены на Нью-Йоркской выставке. В 1956 году Энди Уорхол получает почетный приз от «Клуба художественных редакторов». На этот момент успех будущего короля поп-арта, как рекламного художника был невероятен. К середине 1950-х он уже зарабатывал примерно 100 тысяч долларов в год. Тем не менее, он не хотел ограничивать свою деятельность лишь созданием изображений для продвижения товаров, Уорхол хотел создавать произведения искусства.

(Рисунок 27) Энди Уорхол. «Туфли». 1980 год.

(Рисунок 26) Энди Уорхол. «Моя обувь – твоя обувь». 1955 год.

Для обувной компании И.Миллера.

Так начинается поп-арт Энди Уорхола: успешный рекламный художник решает писать картины, а не иллюстрации.

В 1960 году Энди Уорхол пишет свое легендарное произведение «Coca-Cola”. Картина изображает классическую форму бутылки знаменитого бренда, рядом подписан логотип. Это графическое изображение, так как очертания выполнены лишь в черном цвете и оставлено белое пространство полотна. Казалось бы, разве это не реклама? Но все же компания не заказывала Уорхолу этого изображения, он лишь отразил действительность. Его интересовали звезды и продукты, которые известны по всему миру. Он показывал в свои работах образы, которые заполонили мысли людей, телевизионный эфир и прилавки магазинов.

(Рисунок 28) Энди Уорхол. «Coca-Cola». 1960 год.

Рисуя предметы потребления, аварии и звезд, Уорхол показывал одиночество общества. Как мне кажется, этот мотив является крайне важным в поп-арте. Он во многом отличает его от рекламы, ведь смотря на нее человек ни в коем случае не должен чувствовать себя одиноким в мире вещей, они должны быть желанными. В поп-арте желанность может оставаться, но оттенок отчужденности присутствует всегда.

В своей книге, «Философия Энди Уорхола: от А к Б и обратно», когда Уорхол описывает свое детство или начало в жизни в Нью-Йорке, он много говорит об одиночестве и отчужденности. На своем личном примере он раскрывает то, что в массовом обществе человек остает»ся один на один с собой. О своем совместном проживании со знакомыми он пишет: «Я постоянно вместе с кем-то из знакомых снимал квартиру, надеясь, что мы подружимся и будем делиться проблемами, однако всегда обнаруживал, что они интересуются другим человеком лишь с целью переложить на него часть своей квартирной оплаты… Я тогда очень много работал, так что, наверное, у меня и не было бы времени слушать про их проблемы, даже если бы они мне что-то и рассказали, но я все равно чувствовал себя отвергнутым и обиженным»¹³.

Описывая свое одиночество он говорит, что как только ему перестало хотеться слышать чужие проблемы, они начали сыпаться на него. Психиатр, к которому он обратился за помощью даже не перезвонил. Тогда Уорхол купил свой первый телевизор, заменивший ему общение и психологическую поддержку.

Про шестидесятые, про свою «Фабрику» и знакомых звезд Уорхол говорит, что в то время «все интересовались всеми». Следуя его книге, именно его знакомая Ингрид, добавив себе фамилию «Суперстар» и ввела это понятие, а точнее они ввели его вместе. В 1970-х Уорхол продолжает работать и весьма успешно, но тем не менее он говорит, что именно в то время «все начали всех бросать». Еще во время работы в рекламе, до появления термина «поп-арт», до суперзвезд, Уорхол влюбился в телевидение и не изменял ему до появления магнитофона. Читая его книгу, можно понять какие психологические проблемы заложенные в поп-арте. Они напрямую связанны с рекламой. Желание сбежать от проблемы, просто поменяв кассету в магнитофоне, заменившем Уорхолу, как он пишет жену, сходно с желанием найти товар, который решит ваши проблемы и вы будете спокойны. Если говорить огрубляя, то как раз это транслировала реклама в мир.

Уничтожить проблемы. Не иметь лишних эмоций. В таком контексте бутылка «освежающей» колы на картине весьма уместна.

Искусство Уорхол воспринимает как работу, подобно тому, как он создавал рекламу и иллюстрации на заказ.

Энди Уорхол замечал красоту в том, в чем обычно ее не видели. Красота могла находиться в банке супа. Он говорил, что никогда не видел не красивых людей. При этом не мог четко сформулировать понятия красоты.

В философии Уорхола, что передается его картинам, «делать» стоит выше чем «являться». На мой взгляд, это еще одна параллель с рекламой. Искусство рекламы всегда деятельно, оно преследует определенную цель, в то время как «чистое искусство» или «искусство ради искусства» как таковой цели не имеет. С другой стороны, художники поп-арта, в том числе и Уорхол, говорили, что они рисуют без того, чтобы показать какие-то глубокие смыслы. Тем не менее, их картины всегда оказывают какой-то эффект, они что-то производят, что-то делают.

Уорхол спокойно, с пониманием и даже с некоторым восхищением, относился к человеческим прихотям и желанием. Сам Уорхол имел свои нервозы и желания, поэтому, на его картинах люди теряют человечность, становятся вещами. В его понимании ухоженность может заменить красоту, а исходя из этого красоту можно создать искусственно.

Реклама предлагает купить красоту, поп-арт демонстрирует ее уже купленной. Любимый имидж Уорхола – положительный и обыкновенный человек. Красота в обыкновенности. Реклама предлагала массам образы красоты, массы их воспринимали и примеряли, становясь «обыкновенными». Поп-арт показывал миру «обыкновенную красоту», не претендуя на нечто большее.

“Когда люди и цивилизации вырождаются и становятся меркантильными, они всегда подчеркивают свою внешнюю красоту и богатство и говорят, что если бы их дела шли плохо, им бы не было так хорошо — им, таким богатым и красивым”¹⁴. Уорхол пишет такие слова в своей книге, а значит в поп-арте и его работах есть ирония над тем, что происходит в мире, который жаждет потребления. Более того, это значит, что реклама, которая говорит людям, что так и нужно, что нужно больше, лучше и ярче имеет свое влияние на поп-арт.

В своей книге Уорхол пишет о том, что люди больше всего нуждаются в звездах, кумирах. Это и есть отражение “общества потребления”. Людям нужны кумиры – Уорхол им их даст, подобно тому как реклама дает понимание того, что звезда рекомендует этот товар, значит это хорошо.

В поп-арте постоянно идет речь о деньгах, а это близко рекламному бизнесу. Зачем создавать картину, которую никто не купит? Нельзя быть лишь собой и представлять собой ценность, нужно понимать сколько у тебя заказов, как их выполнить и сколько их будет в последствии. Реклама дала поп-арту идею искусства не только ради славы и самореализации, но и ради денег.

Однако, талантливый коммуникатор, Уорхол делает и себя суперзвездой, ореол его славы огромен, он вызывает восхищение. В семидесятые годы, становится важным не столько то, что написал Энди Уорхол, а то, что это сделал именно он. Художник, как бренд. Художник, как продукт.

Художник Уорхол – это бизнесмен Уорхол. Он беззастенчивости говорит: «бизнес» – это лучшее искусство».

«Бизнес — это следующая ступень после Искусства. Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. После того, как я занимался тем, что называется «искусством», я подался в бизнес-искусство. Я хочу быть Бизнесменом Искусства или Бизнес-Художником. Успех в бизнесе — самый притягательный вид искусства. В эпоху хиппи все принижали идею бизнеса, говорили: «Деньги — это плохо» или «Работать — плохо», но зарабатывание денег — это искусство и работа — это искусство, а хороший бизнес — лучшее искусство»¹⁵.

На мой взгляд, это одна из главных идей поп-арта. Кроме того, высказанная идея теснее всего связывает с рекламой. Искусство ради заработка. Умение красиво зарабатывать, красиво повышать продажи, красиво доставлять массам новые образы на потребление.

Энди Уорхол практически говорит о полезности искусства, причем не только с привычной просветительской точки зрения или с точки зрения тонкого эстетского вкуса, но экономической. Сюда можно отнести и стремление создавать серийные работы и желание использовать товары и идеи, которые уже потреблены, переработаны и превратились в отходы.

Деньги – это еще одна идея или наоборот ее отсутствие. Уорхол пишет о наличных деньгах, что если их у него нет, то он страдает, а как только они появляются, ему срочно необходимо их потратить, на что угодно, на «дурацкие вещи», сохраняя товарные чеки. Таким образом, можно сказать, что Энди Уорхол сам вел себя подобно человеку массы. Но делал это намеренно и осознавая. Он смотрел телевизор, имел свои фетиши и любил звезд. С другой стороны, личность Уорхола далеко не так проста. Его работы ставят вещь на пьедестал и сами ее с него сбрасывают, показывая, что это ничто и ем и прекрасно.

В начале 1960-х Уорхол начинает писать первые карандашные изображения долларовых банкнот. Почти в это же время, в его творчестве появляются изображения банок супа Campbell’s. Тут соединяется то, что продается и то за что продают. Деньги универсальны, они одинаковы, они мифологизированы. Суп в банках популярен, он массовый, он есть везде, он дешевый, в нем простые сочетания цветов. Он стоит на полках стройными рядами, чтобы сотни схожих людей взяли одинаковые банки.

(Рисунок 29) Энди Уорхол. «200 однодолларовых купюр». 1962 год.

Если говорить о том, что поп-арт это в большей мере не просто западное, но именно американское искусство, то это очень важно, что именно в США появляется Меддисон авеню с ее легендарными рекламными агентствами. Возможно ли представить, Америку без рекламы? А возможно ли представить поп-арт без Америки? На мой взгляд нет, конечно это еще раз доказывает тесную связь поп-арта с рекламой. Вдохновляясь Америкой, ее свободой, ее стилем жизни, ее «американской мечтой», поп-арт воспринимает и то, на чем это основано. Америка – это крупнейший бизнес-центр, а следовательно самая развитая индустрия рекламы и потребления.

В 1962 году выставка Уорхола в галерее Стабл стала сенсацией. Его работы никогда не воспринимались однозначно, многие видели в них китч, другие отмечали способность художника ставить акценты на том, что раскрывало пустоту и безликость массового потребления.

В этом же году он начинает использовать в своих работах технику шелкографии. Она давала возможность делать тысячи экземпляров одних и тех же образов. Повторение одинаковых изображений, изменяя цвета или просто копируя их, становится фирменным знаком Уорхола. Его работы – это бесчисленные ряды банок и бутылок Coca-Cola, портреты погибшей Мэрилин или попавшей в клинику для лечения от алкоголизма Элизабет Тейлор. Он находил демократичность в том, что все люди пьют Coca-Cola и звезды кино, миллионеры, и простые люди, не сильно выделяющиеся из толпы. Поэтому, считал, что это очень важно и стоит это запечатлеть.

В 1963 году он открывает свою легендарную «Фабрику» - студию на Манхэттене, в которой ставит свои произведения на поток. Зачастую лишь давая указания другим, Уорхол начинает создавать свое искусство. «Фабрика» стала крайне необычным местом, где он снимал андеграундное кино, где собирались самые разные люди, куда захаживали знаменитости и, где постоянно кипела какая-то жизнь, полная свободы и вседозволенности.

В каждой из работ художника можно найти корни его творчества – рекламную деятельность. Умение подметить выделяющую предмет или личность деталь и тиражировать ее до бесконечности.

Таким образом, из всего выше сказанного можно сказать, что поп-арт стал первым и единственным стилем, который пользовался языком рекламы для создания искусства. Он впитал ее идеи вместе с предметностью общества потребления, которое сделало его возможным. Сама идея выведения предмета потребления или человека, ставшего им в ранг художественной ценности говорит о влиянии развития рекламы на это художественное направление. Смешивая высокое и низкое, элитарное и массовое поп-арт изменил современное искусство навсегда, поменяв его принципы.

Искусство создало лишь новое понимание, создало новое видение того, что уже присутствовало в обществе. На мой взгляд, можно сказать, что уникальность взаимосвязи стиля поп-арт и рекламы состоит именно в том, что реклама здесь не вторична, а точнее она не вторична по отношению к искусству. Не она черпает из нового художественного направления принципы композиции, выразительности и даже цветовые сочетания, а наоборот оно из нее. Таким образом, по моему мнению, между художественным стиле поп-арт и рекламой есть неразрывная связь, несмотря на то, что в картинах поп-артистов нет цели продать продукт, как в рекламе, однако идея продукта, материального блага, как центра мироздания распространялась именно в рекламе. Пусть поп-художники могли иронизировать по поводу рекламных образов, видоизменять их и даже делать пугающими и отталкивающими, но тем не менее именно они лежат в основе техники и идеологии поп-арта.

2.2 Поп-арт в рекламе.

Расцвет поп-арта приходится на шестидесятые годы 20 века. Направление развивалось и имело своих сторонников и в семидесятых, но все же уже было не настолько новым и шокирующим.

Поп-арт стал одним из популярнейших стилей современного искусства, навсегда внеся в него след. Естественным стало желание использовать его в рекламе. Таким образом стиль, который был сформирован на принципах рекламного изображения, концентрировался на предметах потребления и иронизировал над массовым обществом, опять возвращается к своим корням. Уже известным и успешным художникам, которые начинали свою карьеру в рекламном и коммерческом изображениях стали опять заказывать дизайн крупнейшие бренды.

Но это лишь одна сторона, с другой стороны, с момента расцвета поп-арта и до сегодняшнего дня появляется масса рекламных сообщений, стилизованных под поп-арт. Их начинают создавать уже не художники поп-арта, а обычные дизайнеры в рекламных агентствах.

Почему это происходит? Во-первых, традиционное желание воспользоваться популярностью того или иного стиля для достижения большего эффекта. Во-вторых, поп-арт начинает ассоциироваться с серединой 20 века, а значит, что у бренда есть история. В-третьих, поп-арт – это искусство, взявшее за основу массовую культуру и массовые образы, это современное искусство, так почему не подчеркнуть, лояльность бренда к современным тенденциям? Его способность понять искусство?

Художники поп-арта становятся своего рода классиками, которые впервые обратили внимание искусства на массовое общество и общество потребления. Их работы сейчас хранятся в лучших музеях мира и частных коллекциях. Работы Энди Уорхола стали олицетворением коммерческого успеха художников поп-арта. Его легендарная работа «Большая Coca-Cola» была продана в ноябре 2010 года за 35 млн. 362,5 тыс. долларов. Эта работа является одной их самых концептуальных работ не только самого поп-художника, но и всего художественного направления поп-арт. В 2007 году шелкография Уорхола «Авария зеленой машины» была продана с аукциона за 71,7 миллион долларов. Работы Энди Уорхола таким образом входят в число самых дорогих произведений искусства, а такой коммерческий успех всегда делает стиль, создавший его притягательным для использования.

Поп-арт сегодня один из самых популярных стилей для использования в рекламных кампаниях. Он дает возможность сконцентрировать внимание зрителя на продукте, подчеркнуть его принадлежность к определенной эпохе, дает яркие сочетания цветов, придающие рекламе броскости.

Кроме того, для рекламы, поп-арт, становится почти «классическим стилем», ведь именно во время его появления, формировался имидж крупнейших компаний и разрабатывались идеи некоторых брендов, которые до сих пор считаются одними из самых удачных. Поэтому применение этого стиля дает возможность «прикоснуться» к успеху.

Еще одной причиной того, что стиль поп-арт стал в большой мере влиять на рекламу второй половины двадцатого века стало то, что именно тогда, когда Энди Уорхол создает свои серийные работы, рекламный рынок сильно развивается. Появляются и функционируют крупнейшие рекламные агентства, управляемые легендами рекламного бизнеса, такими как Дэвид Огилви, Россер Ривз, Лео Бернет, Раймонд Рубикам, Уильям Бернбах.

В рекламе происходит своего рода революция, с необходимостью обслуживать массовое общество и приходом сильнейшей рыночной конкуренции за покупателя. В 1950-60х годах разрабатываются новые стратегии того, как сделать рекламную кампанию эффективнее. В рекламу приходит творческий подход, увеличивается ее креативность. Увеличение конкуренции на рынке заставляет создателей рекламы придумывать все более изощренные способы, как поднять продажи и сделать так, чтобы потребитель выбрал именно их.

Те бренды, с которыми работал Уорхол были крайне успешны. Так представитель «Coca-Cola», Питер Шелстэт, на вопрос о взаимоотношениях знаменитого бренда с известнейшим художником поп-арта ответил, что Энди Уорхол был одним из лучших «директоров» по брэнду.

Поп-арт дал рекламе очень многое, а самым главным, на мой взгляд, является то, что он дал миру новое ощущение бренда, марки. Он задает тон того, что именно имя и торговая марка в продукте ценны и возможно даже важнее, чем само качество продукта. Именно марку, лейбл, нужно делать распознаваемыми и популярными, эта идея сквозит в поп-арте, так как большая часть продуктов массового потребления, которые используются в его картинах не безлики, а принадлежат к продукции конкретной компании.

Для того, чтобы показать обратный процесс, который начал происходить после восхождения звезды поп-арта в шестидесятых, приведу несколько примеров рекламных кампаний использовавших данный стиль.

Во-первых, одним из наиболее известных примеров является пример водки «Аbsolut». В 1985 году руководство компании предложило Энди Уорхолу как-то обыграть образ их продукта и форму бутылки. Художник согласился и создал «Absolut Warhol», что положило начало одной из самой удачных рекламных кампаний, которая длится уже около 30 лет. Продукт компании стал позиционироваться, как что-то связанное с искусством. Многие знаменитые художники и дизайнеры продолжили идею Уорхола и теперь коллекция изображений бутылки «Absolut» достигла невероятных размеров.

(Рисунок 30) Энди Уорхол. «Absolut Warhol». 1985 год.

(Рисунок 31) Реклама водки Absolut, на которой рекламные сообщения на Таймс Сквер заменены на картины художников, которые создавали дизайн бутылок данного продукта. 2010 год.

Сейчас, стиль поп-арт используется для рекламы уже не художниками, которые его изобрели. Он дал современной рекламе возможность использовать яркие цвета и те образы, которые уже были созданы в середине двадцатого века. Часто стиль поп-арт используют для того, чтобы подчеркнуть, что у компании есть традиции или, что бренд связан с искусством, либо просто показать те красивые клишированные образы, которые действуют до сих пор.

Многие крупнейшие бренды так или иначе соприкасались с поп-артом. Так эмблему компании Apple в 1985 году нарисовал Энди Уорхол и хотя он не был ее автором, но одно то что король поп-арта был этим заинтересован повышает статус бренда. Впервые Уорхол познакомился с первым в мире компьютером Macintosh на вечеринке в честь дня рождения одного из звездных детей, которому Стив Джобс подарил свое творение. Уорхол был впечатлен тем, что машина может иметь графические редакторы.

(Рисунок 32) Энди Уорхол. «Macintosh». 1985 год.

Примером того, как стиль поп-арт сегодня используется в рекламе можно взять календарь, созданный для кофейного бренда Lavazza в 2010 году. Здесь мы видим изображения девушек, которые пьют кофе. На одной из фотографий календаря модель в ярком неоново-голубом купальнике стоит в бассейне, под большим желтым зонтом с надписью «O Sole Mio». В том же бассейне плавает огромная надувная чашка с названием бренда, кроме того яркие предметы вокруг, цветовые сочетания и формы напоминают о том женском образе, который был использован в поп-арте. На другой фотографии мы видим лицо лежащей белокурой модели, которая держит чашку кофе. Ее взгляд с одной стороны смотрящий на зрителя, а с другой уходящий в себя напоминает девушек с работ Роя Лихтенштейна и портреты Мэрилин Монро. У нее ярко красным накрашены губы, наклеены ресницы и она одета в духе тех женщин, чьи образы из рекламы 1950-х копировал поп-арт. На третьей фотографии изображена модель, чья внешность, одежда и даже поза отсылают нас к портрету Мэрилин, созданному Энди Уорхолом. Совпадение есть в цветовой гамме, в том как цвета на фотографии переходят друг в друга.

(Рисунки 33, 34, 35) рекламный календарь кофе Lavazza. 2010 год

Использование стиля поп-арт здесь показывает, что уже на протяжении определенного периода времени Lavazza дарит вам наслаждение отличным кофе, когда вы его пьете вы как-бы погружаетесь в красивую жизнь середины 20 века. Основной идеей Lavazza стало то, что это не просто кофе, но наслаждение, яркое и изысканное.

Компания McDonald’s также постоянно использует стилистические приемы поп-арта в своей рекламе, например, реклама бесплатного wi-fi во всех ресторанах быстрого питания. Здесь знак беспроводной сети обозначен картофелем фри, на ярко красном фоне. От поп-арта здесь заимствовано яркое цветовое решение, минимализм и использование продукта, как средства, чтобы выложить определенный знак. Авторами данной работы являются австралийское агентство DDB Sydney. Таким образом они обыграли слова «fry» и «free».

(Рисунок 36) DDB Sydney. Реклама бесплатного wi-fi в сети ресторанов быстрого питания McDonald’s. 2011 год.

Еще одной успешной кампанией использовавшей стилистику поп-арта стало использование техники, схожей работам Роя Лихтенштейна для рекламы лимитированной линии духов «Be Delicious Pop Art Limited Edition» от DKNY. Здесь девушка, смотрит на зрителя, надкусывая яблоко, на переднем плане располагаются флаконы духов, в форме яблока. Кроме того, с картинами Лихтенштейна изображение роднит еще и небольшой текст, который как бы произносит героиня «Take a bit out of life!». Также были выпущены комиксы, которые рассказывали историю о настоящей жительнице Нью-Йорка, умело пользующейся благами мегаполиса и духами от DKNY.

Мне кажется, что это очень удачный пример того, как используется стиль поп-арт в рекламе в современном мире. Так как бренд Donna Karan New York изначально ассоциирует себя с духом Нью-Йорка, что видно из названия. Здесь это подчеркнуто сразу двумя символами: первое – это яблоко, символ города Нью-Йорк, второе – это поп-арт, который получил свое развитие именно в Нью-Йорке и также стал одним из его символов.

Реклама и комиксы были нарисованы Брэдом Хамманом, известным нью-йоркским создателем комиксов и продолжателем традиций поп-арта.

(Рисунок 37) Брэд Хамман. Реклама аромата «Be Delicious Pop Art Limited Edition» от DKNY. 2009 год.

На мой взгляд, на сегодняшний день можно выделить 2 основных вида использования стиля поп-арт в рекламе.

Первое – это прямое заимствование произведений поп-художников для использования их в рекламе. Примером может служить принты Orbit начала 2008 года, разработанные агентством Mark BBDO. На них изображены известные произведения искусства, изображающих еду, на которых кто-то откусил какую-то часть. Слоган был следующим : «After any meal – «После любого приема пищи», а сверху расположено изображение жевательной резинки. Кроме знаменитого «Банана» Энди Уорхола кампания использовала Картину Джузеппе Арчимбольдо «Осень».

(Рисунки 38, 39) Mark BBDO. Реклама Orbit. 2008 год.

Второе – стилизация под поп-арт, когда используются лишь элементы стиля, а не готовые произведения. Сюда же можно отнести использование авторских приемов известных

Второе- это использование отдельных приемов и элементов художественного стиля поп-арт или стилизация «под поп-арт».

Этот способ является более распространенным, так как дает больше возможностей для применения стилистики поп-арта.

Например, рекламная кампания для автомобилей Mazda 2005 года, которую создало агентство Primary Saatchi&Saatchi, в которой использовался фирменный стиль Энди Уорхола. Автомобиль Mazda был выполнен в той же цветовой гамме, что и в «Мэрилин Монро» Энди Уорхола1967.

(Рисунок ) Primary Saatchi&Saatchi. Реклама автомобилей Mazda. 2005 год.

Еще одним примером того, как используется поп-арт в рекламе является реклама выставочных залов, музеев, образовательных учреждений. В этом сегменте поп-арт является популярной темой для использования в рекламе.

Например, в рекламе Музея Современного искусства Рио-де-Жанейро, изображены посетители музея, которые похожи на образы с картин. В том числе использовался и обобщенный образ девушки с картин Роя Лихтенштейна. Девушка в веснушках, в красном шарфе и синей одежде в горошек, с короткой стрижкой. На изображении мелким шрифтом подписано: «Life has a little bit of Lichtenshtein».

(Рисунок ) QUE COMUNICACAO. Реклама Музея современного искусства Рио-де-Жанейро. 2004 год.

Кроме всех предыдущих способов использования поп-арта в рекламе, есть еще один – использовать имена и образы самих художников. Так как Энди Уорхол стал самой яркой звездой поп-арта и самым влиятельным художником второй половины 20 века, то именно его образ является популярным.

В 1978 году отец поп-арта снялся в рекламе марки Pioneer, производившей магнитофоны. Именно имя Энди Уорхола и его звездный статус должны были привлечь внимание покупателей.

(Рисунок ) Реклама магнитофонов Pioneer с участием Энди Уорхола. 1978 год.

В 2008 году агентство Yes I AM, Rome разработало для продвижения школы искусств Civita Art School печатную рекламу, состоящую из двух изображений. На них изображены маленькие мальчики в образах двух ярких художников 20 века: Сальвадора Дали и Энди Уорхола. Слоган кампании звучал «Artists born here», что значит художники рождаются здесь. Эта претензия на то, что в школе смогут сделать из детей выдающихся художников, должна была привлечь внимание людей, понимающих значение вклада каждого из художников в культуру 20 века.

(Рисунок ) Yes I Am, Rome. Реклама школы искусств Civita Art School. 2011 год.

Подводя итог, нужно сказать, что такие простые примеры использования поп-арта в рекламе не могут охватить всей значимости его влияния на нее и на всю современную культуру.

Часто в рекламе использованы лишь отдельные элементы стиля поп-арт, например цвета, как в рекламе теней Lancome Color Design. Здесь также присутствует отсылка к моде 1960-х, с ее необычными формами и прямыми линиями.

(Рисунок ) Реклама теней Lancome Color Design.

С другой стороны, реклама может наоборот копировать не цвет, а идею повторяемости и знаковости из поп-арта. По истории рекламы духов Chanel № 5 можно проследить развитие отношений рекламы и искусства на протяжении всего 20 века, с момента их создания. Главный аромат столетия вдохновил Энди Уорхола на создание ряда работ, посвященных Chanel № 5. В 1982 году его работы стали основой для лимитированной серии аромата в новой упаковке. В 1996 году компания несколько меняет упаковку духов. Создавая новую форму флакона в Chanel пользовались работами Уорхола.

(Рисунок ) Реклама духов Chanel № 5. 1996 год.

(Рисунок ) Энди Уорхол. «Chanel № 5».

Кроме того, что реклама постоянно использует поп-арт в своих целях, этот художественный стиль повлиял на нее еще и потому, что большая часть известных брендов так или иначе использовала поп-арт в своей рекламе.

Поэтому, чтобы не нарушать айдентику и сохранять философию бренда логотипы и фирменные знаки, созданные в стиле поп-арт продолжают использоваться.

Показательны отношения рекламы бренда Ray-Ban и поп-арта.

Как мне кажется, на этом примере можно описать все взаимодействие рекламы с поп-артом.

В 1929 году появляется легендарная модель очки-капли, которые были заказаны руководством США компании Baush&Lomb, для защиты глаз пилотов от слепящего солнца и ультрафиолета. Очки должны были не только успешно справляться с этой задачей, но и давать высокую четкость изображения. Так появились легендарные Ray Ban Aviator.

В 1932 году Амелия Эрхарт, женщина, которая впервые совершила в одиночку перелет из США в Европу, стала лицом компании для модели Aviator. На плакатах, решенных в красно-бело-черной цветовой гамме, которую потом не раз буде копировать поп-арт было написано «Чемпионы и лидеры» носят Ray Ban».

В 1937 году запустили серийное производство очков Aviator и появилось само название марки Ray-Ban, что означает «не пропускающие лучи». Это название подчеркивало инновационность товара. Впервые очки несли в себе функцию не коррекции зрения, а защиты глаз от интенсивного света и вредоносных солнечных лучей.

В 1952 году создается другая легендарная модель очков бренда. «Ray-Ban Wayfarer». Эта модель была выполнена не в традиционной металлической оправе, а в твердом пластике. Теперь, когда в США царят свинг и рок-н-ролл, а поп-арт только начинает зарождаться, нужны не только очки должны быть не только надежными, но главное стильными.

Ray-Ban Wayfarer стали той моделью, которая отвечала всем требованиям времени. Она молниеносно адаптировалась и стала классикой.

(Рисунок ) Реклама очков Ray-Ban Wayfarer в 1950-х.

В шестидесятые, солнцезащитные очки от Ray-Ban носили все начиная от рок-звезд и хипстеров до законодательниц моды и президентов.

В 1961 году выходит легендарный фильм «Завтрак у Тиффани» с Одри Хэпберн.

На мой взгляд, это можно назвать одним из самых удачных примеров продакт-плейсмента за всю историю. Холли Голайтли – культовый персонаж, чей стиль обрел огромное количество подражательниц копируется в моде до сих пор, практически жила в очках Wayfarer.

Эта модель очков имеет прямое отношение к поп-арту, так как именно ее постоянно носил Энди Уорхол. Можно сказать, что эта модель стала символом 1960-х. Ray Ban Wayfarer были знаком стиля и их выбирали все: Боб Дилан, Энди Уорхол, Мэрилин Монро, Джон Леннон, Джеймс Дин, Рой Орбинсон, Йоко Оно, Джордж Харрисон, это лишь краткий список тех звезд, которые выбирали Ray Ban. О том, какой успех имела данная модель среди тинейджеров всего западного мира даже сложно говорить.

В 2007 году Ray-Ban возвращается к своим «корням», создавая рекламную кампанию в духе 1960-х «Never Hide». Здесь ставится акцент на свободу, используя эстетику рок-музыки. В 2008 году агентство Cutwater создает черно-белую печатную рекламу, которая показывает, что очки Ray-Ban можно обнаружить во многих предметах. В 2009 году начинается кампания «Colorise», продвигающая классические модели очков различных цветов. Здесь агентство Cutwater использует стиль поп-арт и его цветовую гамму. Многие изображения схожи по цветам с работами Энди Уорхола, кроме того, фотографии на печатной рекламе выполнены так, что их техника напоминает шелкографию.

(Рисунок ) Cutwater. «Never hide». Реклама очков Ray-Ban. 2007 год.

(Рисунок ) Cutwater. «Never hide: Colorize». Реклама очков Ray-Ban. 2009 год.

В 2010 году разрабатывается новая кампания, в рамках Never Hide, теперь это «Rare prints», для продвижения серии эксклюзивных солнечных очков. Здесь используется стиль поп-арт, чтобы подчеркнуть яркость необычность, при этом не выходя за рамки классических моделей.

(Рисунок ) Cutwater. «never hide: Rare prints». Реклама очков Ray-Ban. 2010 год.

(Рисунок ) Энди Уорхол. Автопортрет. 1963-1964 гг.

Таким образом реклама Ray-Ban фактически совершает полный круг. Появляется товар, появляется реклама, использующая образы, которые потом будут использоваться в поп-арте. Товар становится культовым, с огромным количеством поклонников по всему миру. Очки Ray-Ban носят все, в том числе художники поп-арта. Очки попадают на работы поп-арта, преимущественно в автопортретах Энди Уорхола. В 2009 году бренд возвращается к своей истории и использует поп-арт уже для того, чтобы подчеркнуть свою легендарность и яркость.

Заключение

Подводя итог, можно сделать вывод, что поп-арт стал отражением своей эпохи. Развитие средств массовой информации, индустриализация, массовость – все это отразилось в работах поп-художников. Реклама, являясь неотъемлемой частью общества потребления, оказала огромное влияние на поп-арт, фактически сформировав его эстетику. Образы рекламы постоянно транслировались в картинах поп-арта. Многие поп-артисты, в том числе «отец поп-арта» - Энди Уорхол, в начале своей карьеры были именно рекламными художниками.

Поп-арт делает повседневность искусством, мифологизирует предметы потребления и превращает личность человека в бренд или вещь. Сложно представить, как развивалось бы современное искусство и реклама, без влияния поп-арта. Он дал не только свободу выбора объекта искусства, но и стилистические приемы, используемые в современной рекламе.

Находясь в постоянной связи с предметами потребления и рекламной деятельностью, поп-арт, по задумке Уорхола, стал бизнес-искусством. Это направление в искусстве изменило само понимание искусства, изменило образ художника, изменило отношение людей к тому, что может быть предметом искусства.

Взаимосвязь поп-арта и рекламы уникальна. Принципы рекламного изображения никогда ранее не ложились в основу цветовых и композиционных решений ни одного из предшествующих поп-арту художественных стилей. На протяжении всей истории рекламной деятельности, она лишь использовала элементы и стилистику, чтобы сделать свое сообщение более понятным, придать ему тот или иной оттенок, ассоциировать свой продукт с чем-то приятным. Поп-арт, в отличие от любых других художественных стилей, берет рекламное изображение за основу. Поэтому произведения поп-арта, в большинстве своем, или прямо стилизованы под рекламу или построены на ее принципах.

Естественным является и обратный процесс, который происходит тогда, когда появляется реклама «под поп-арт». Поп-арт стал своего рода классическим стилем в рекламе. Стилистика поп-арта, используемая в рекламных сообщениях может транслировать близость бренда к искусству, наличие истории бренда, уходящей в середину 20 века и ранее, урбанистический характер бренда, современность и яркость. Поп-арт, на

1 Цит. по: Хоннеф К. Поп-арт. – Кельн., 2008. – С. 6.

2 Морозова О. Поп-арт // Онлайн-энциклопедия «Кругосвет» URL: www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/izobrazitelnoe_iskusstvo/POP-ART

3 Хоннеф К. Поп-арт. – Кельн., 2008. – С. 40.

4 Обухова А., Орлова М. Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму. 1960–1970-е. История живописи. ХХ век. М.,2001. – С. 8.

5 Гринберг К. Авангард и китч // Электронный журнал «Художественный журнал» URL:

http://xz.gif.ru/numbers/60/avangard-i-kitch/

6 Osterwold T. Pop Art. – Cop.,1999. - P.5.

7 Ортега-и-Гассет Х. Восстание масс. – М., 2008. – С. 42.

8 Ортега-и-Гассет Х. Восстание масс. – М., 2008. – С. 52.

9 Бодрийяр Ж. Общество потребления. Его мифы и структуры. – М., 2006. – С. 6.

10 Бодрийяр Ж. Общество потребления. Его мифы и структуры. – М., 2006. – С. 152.

11 Карьерро К. Потребление и поп-арт. – М., 2010. – С.99.

12 Савельева О.О. Коммерция в стиле модерн. // Иллюстрированный научно-популярный журнал «Человек» (электронная версия) URL:http://vivovoco.rsl.ru/VV/PAPERS/MEN/PUBL/PUBL.HTM

13 Уорхол Э. Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот). – М.,2002. - С.26.

14 Уорхол Э. Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот). – М.,2002. - С.66.

15 Уорхол Э. Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот). – М.,2002. - С. 85.

83