15. Живопись военных лет (п.Корин, п.Кончаловский, м.Сарьян, и.Грабарь, к.Юон, с.Герасимов, а.Дейнека и т.Д.)

Творчество

Центральным, но так и не оконченным, полотном Павла Корина считается «Реквием» («Русь уходящая»).

Наиболее известные работы: триптих «Александр Невский», портреты Г. К. Жукова и М. Горького. Тематическим картинам и портретам в исполнениии мастера свойственны одухотворённость и волевая собранность образов, монументальная строгость композиции и рисунка. Среди монументальных работ художника — мозаичные плафоны на станции «Комсомольская» кольцевой линии метро, витражи станции «Новослободская», мозаики станции «Смоленская». Обширная коллекция икон, собранных Кориным, является одной из известнейших и наиболее изученных в России.

Творческое наследие замечательного художника и гражданина России П.Д. Корина необычайно многообразно. Происходя из иконописного Палеха и сложившись поначалу как мастер-иконописец, Корин навсегда сохранил интерес к внутреннему миру человека и впоследствии стал одним из выдающихся портретистов современности. Возможно, та же чисто иконописная традиция миниатюрного пейзажа на палехских иконах привела со временем художника к созданию ряда вполне оригинальных пейзажей-панорам. Эти завораживающе-прекрасные живописные «ленты» дарят зрителю ощущение беспредельного пространства и красоты русской природы, а самого художника представляют тончайшим лириком и одновременно глубоким философом.

Кончаловский П.П.

КОНЧАЛОВСКИЙ, ПЁТР ПЕТРОВИЧ (1876, Славянск – 1956, Москва)

Русский советский художник. Живописец, народный художник РСФСР (1946), действительный член АХ СССР (1947).

Учился в академии Жюлиана в Париже (1897 – 1998) и в петербургской Академии Художеств (1898 – 1907). Один из основателей объединения «Бубновый Валет». Преподавал в московских Свободных художественных мастерских (1918 – 1921) и во Вхутеине (1926 – 1929).

В ранних произведениях Кончаловского конструктивность цвета Сезанна, находки Матисса и Ван Гога соединяются со стихийной народной праздничностью красок, формальные поиски – с полнокровным, оптимистическим восприятием мира.

После Октябрьской революции художник перешёл к более реалистической манере, став одним из ведущих мастеров советской живописи, но не утратив при этом упоения чувственной красотой мира, богатством его красок. Отличался необычайной творческой активностью. По воспоминаниям жены (дочери Сурикова), Кончаловский писал некоторые натюрморты «аж за два дня, но обычно управлялся за один сеанс».

Кончаловский был также мастером театральной декорации, оставил большое графическое наследие. Лауреат Государственной премии СССР (1943), кавалер ордена Трудового Красного Знамени, обладатель множества медалей.

Сарьян отличался огромной взыскательностью к самому себе и удивительным чутьём истинного в искусстве. «Мне не нравился мой успех, я боялся стать модным художником, — признавался он. – Я чувствовал настоятельную необходимость обновить моё искусство, не допускать появления в нём штампов и трафаретов».

Художник намеревался продолжить свои путешествия на Восток, мечтал побывать в Китае, Японии, Индии. Но Первая мировая война полностью расстроила его творческие планы художника.

Становление творчества советского художника Мартироса Сергеевича Сарьяна происходит в начале XX века, когда на смену импрессионизму в европейской живописи уже пришли течения, сделавшие из уроков импрессионизма свои выводы. Начатое импрессионизмом «освобождение цвета» довершается художниками Ван Гогом, Гогеном и особенно Матиссом. Избавляя цвет от передачи мгновенных оптических впечатлений, они усиливают его интенсивность, напряженность, активность воздействия. Матисс, более других увлеченный самодовлеющими колористическими задачами, вводит в живопись крупные плоскости локального цвета, обобщает силуэты, опускает второстепенные детали.

ГРАБАРЬ Игорь Эммануилович советский живописец и искусствовед, народный художник СССР (1956), действительный член АН СССР (1943) и АХ СССР (1947).

Учился в петербургской АХ (1894-96) у В. Е. Савинского, Н. А. Бруни и И. Е. Репина, в Мюнхене в школе А. Ажбе (1896-98; после её преобразования в 1898 в школу А. Ажбе и Грабаря преподавал там же). Неоднократно путешествовал по странам Западной Европы, посетил США, Египет и Турцию. Работал в Петербурге (с 1889) и в Москве (с 1903).

Член объединений "Мир искусства" и Союз русских художников. В ранний период испытал влияние югендстиля ("Дама с собакой", 1899, Третьяковская гал.).

В 1901-08 в ходе работы Грабаря над жизнерадостными, пронизанными светом пейзажами, отличающимися необычайно эмоциональным восприятием русской природы, постепенно сформировалась его живописная манера, основанная на творческом освоении принципов импрессионизма ("Сентябрьский снег", 1903, "Белая зима. Грачиные гнёзда", 1904, "Февральская лазурь", 1904, "Мартовский снег", 1904,- все в Третьяковской гал.).

В этот же период Грабарь создаёт ряд картин-натюрмортов; стремясь передать бесконечное разнообразие и изменчивую игру освещения, красоту и поэзию материального мира, окружающего человека, Грабарь пользуется густыми, рельефными мазками, обращается к живописным приёмам, близким к неоимпрессионизму ("Хризантемы", 1905, "Неприбранный стол", 1907, - обе в Третьяковской гал.).

С 1906 в пейзажах Грабаря усиливается декоративное начало (серия этюдов "День инея", 1906, Ярославо-Ростовский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник).

В 1905-06 Грабарь участвовал в издании революционных сатирических журналов "Жупел" и "Адская почта". В 1909-14 по проекту Грабаря была построена больница (ныне санаторий "Захарьино") под Москвой.

В дореволюционный период Грабарь создал ряд монографических исследований о творчестве русских художников. В 1913-25 возглавлял Третьяковскую галерею, где в 1914-15 перестроил экспозицию на научных началах и издал каталог (1917). После Великой Октябрьской социалистической революции Грабарь стал одним из организаторов и руководителей охраны памятников искусства и старины, одним из основоположников советского музееведения и реставрационного дела, инициатором создания Центральных реставрационных мастерских (в 1918-30 директор, с 1944 науч. руководитель). С деятельностью Грабаря - реставратора и учёного - связано открытие и исследование многих произведений древнерусского искусства 11-14 вв. (иконы, монументальные росписи) и заложены основы его научной истории.

В пейзажной живописи Грабаря советского времени непосредственная эмоциональность импрессионистического этюда сменяется стремлением к картине, создающей обобщённый и законченный образ родной природы ("Ясный осенний вечер", 1923, "Зимний солнечный день", 1941,- обе в Третьяковской гал.).

В советское время Грабарь опубликовал ряд монографических исследований и статей о русском искусстве. Грабарь - редактор и один из авторов "Истории русского искусства" (т. 1-13, 1953-69). Директор Института истории искусств АН СССР (с 1944). Преподавал в Московском ун-те (проф. с 1921), Московском художественном ин-те (1937-43, директор), Институте живописи, скульптуры и архитектуры Всероссийской АХ (в 1943-46 директор). Государственная премия СССР (1941). Награждён 2 орденами Ленина, 2 другими орденами, а также медалями.

ЮОН, КОНСТАНТИН ФЁДОРОВИЧ (1875, Москва – 1958, там же)

Русский советский художник, мастер жизнерадостных пленэрных («юоновских») пейзажей и жанрово-пейзажных исторических картин («Штурм Кремля в 1917 году», «Парад на Красной площади в Москве 7 ноября 1941 года» и другие). Сценограф, педагог, искусствовед, публицист. Действительный член Российской Академии художественных наук (1921), заслуженный деятель искусства РСФСР (1926), лауреат Сталинской премии (1943), главный художник Малого театра (1945 – 1947), действительный член АХ СССР (1947). Директор Научно-исследовательского института АХ СССР (1948 – 1950), народный художник СССР (1950), член КПСС с 1951, первый секретарь правления Союза художников СССР (1956 – 1958), кавалер орденов Ленина и Трудового Красного Знамени.

Член объединения «Мир Искусства», один из организаторов Союза Русских Художников, член АХРР (1925).

В 1892 – 1900 учился в МУЖВЗе – сначала на архитектурном, а затем на живописном отделении у К.А. Савицкого, А.Е. Архипова, К.А. Коровина, Н.А. Касаткина, Л.О. Пастернака, В.А. Серова. Уже в студенческие годы добился признания публики и коммерческого успеха. На заработанные деньги путешествовал по России и Европе с целью расширения творческого кругозора. С 1896 неоднократно посещал Париж, где занимался в частных студиях, а в 1910-х оформлял оперные постановки Русских сезонов С.П. Дягилева.

По окончании училища открыл (совместно с И.О. Дудиным) одну из первых частных московских школ «Классы рисования и живописи», среди учеников которой были известные впоследствии художники, архитекторы и скульпторы: В. Мухина, В. Ватагин, В. Фаворский, Р. Фальк и другие.

С 1908 по 1958 работал преимущественно в подмосковном Лигачёве, ставшем для него и источником долголетнего семейного счастья (Юон женился на местной крестьянке), и неизбывным пейзажным мотивом.

Сергей Васильевич Герасимов был уже известным художником, когда началась Великая Отечественная война. До войны Герасимовым были созданы многочисленные пейзажи и картины: «Колхозный сторож», «Праздник в колхозе», «Вся власть Советам» и другие, посещенные людям колхозной деревни. Простота, сердечность, искренность сочетались в образах крестьян с живым умом, сметливостью, решимостью стоять за правду до конца. Такими Герасимов знал и любил русских людей с детства, проведенного на окраине небольшого подмосковного городка Можайска.

Годы советской власти многое изменили в жизни народа: хозяин своей земли — колхозник — по-новому полюбил Родину. Родилось новое чувство советского патриотизма, сплотившее народ в единую семью в грозные годы войны. И в творчество Герасимова пришла тема, раскрывающая героизм рядового советского человека.

Почти семь лет Герасимов работал над картиной «Мать партизана». Он начал ее в 1943 году. В то время враг был уже остановлен. На каждом шагу фашистские орды встречали мужественное сопротивление советских людей. Фронт и тыл объединяли отряды народных мстителей — партизан. Ни угрозы, ни пытки не могли сломить патриотов.

Центральная фигура картины Герасимова «Мать партизана» — советская женщина. Её не могут запугать фашистские изверги. За нею стоит родная земля, опаленная и оскверненная врагами, залитая кровью родных и друзей — земля, священная для патриотов.

Великую силу народного гнева испытали фашистские громилы. Жалким кажется детина-офицер перед русской женщиной — крестьянкой. Всю силу красок и блеск солнца сосредоточил художник на образе матери. Светлая и сильная, стоит она на фоне дымного пожарища. Ее лицо хранит суровую печать великого страдания, но это страдание гордого, сильного человека.

По контрасту с образом матери образ гитлеровца лишен яркой индивидуальной характеристики. Его крупная фигура покачивается на кривых ногах, а повелевающий жест повисает в воздухе. Удачно найденным поворотом художник подчеркнул низкий лоб и тяжелую челюсть фашиста, отчего еще ярче выступает что-то животное, звериное в его облике. Художник сознательно «затушевывает» все, сопутствующее главному в картине. Крупным планом Герасимов дает фигуры матери и фашиста и лишь в самых общих чертах намечает остальные персонажи.

В эпизоде драматического столкновения женщины-патриотки и захватчика Герасимов показал присущие советским людям мужество, стойкость в борьбе, рожденные твердой верою в неизбежность победы света и разума над варварством, тьмой, мракобесием.

Оптимизм — одна из характерных особенностей искусства социалистического реализма — нашел в картине Герасимова яркое и глубоко индивидуальное воплощение: «Мать партизана» — эпическое, монументальное произведение, исполненное большой силы художественного воздействия. В 1958 году картина экспонировалась на Международной выставке в Брюсселе и была награждена Золотой медалью.

Творчество А. Дейнека. Необычайно бурное и интенсивное творческое напряжение этих лет - середины 1930-х годов - будет еще более наглядным, если к перечисленным произведениям добавить два замечательных цикла акварелей и картин, возникших в результате поездок в Севастополь в 1934 году и за границу - во Францию, Италию, США - в 1935 году.

Во время первой поездки за границу, в Америку, художник особенно интересовался примерами современного синтеза архитектуры, скульптуры, монументальной и станковой живописи. Об этом он писал в письмах домой, говорил в докладах о поездке. Это суждения глубокого, тонкого профессионала. Его и тогда, и позже очень интересовали вопросы дизайна и формирования окружающей среды: изящность облика самолетов, практичность рабочей одежды. Интересно, что Дейнека не брал в путешествия фотоаппарат, считая, что рисунок лучше помогает входить в то состояние, которое пережито несколько лет назад.

Пустынная "Площадь Квиринала" или причудливая "Испанская лестница" передают неповторимый "дух местности", атмосферу улочек Рима. И так же подлинно звучат "Набережная Сены" или "Дорога в Маунт-Вернон" в парижских и американских акварелях и этюдах маслом. Нередко поэтические портреты конкретных мест перерастают рамки своего жанра, становясь обобщениями целых пластов времени, целых исторических эпох. Такова акварель "Тюильри" (1935) с изображенной на ней скульптурой стремительно бегущей девушки и с неподвижно застывшей фигурой человека - бродяги или безработного - на садовой скамейке. Таков "Негритянский концерт" (1935), где словно схвачен самый звук музыки и пения, самый образ и стиль американской музыки середины XX века.

Творческий и личностный азарт, желание искать и пробовать – доминирующие, с самого детства, черты характера Александра Дейнеки. Его творчество ассоциируется для нас с такими понятиями, как динамизм и экспрессия. Но для него не менее характерна и лиричность, сказавшаяся в графических работах, портретах, натюрмортах. У него был характер лидера, он обычно верховодил в коллективе, но при этом обладал добрым и мягким сердцем. В соседстве лирики и эпоса неизгладимый отпечаток эпохи, от которой сам Дейнека неотделим. Собственно, именно об этом он и мечтал – отразить в искусстве свое время.