Ми́нимал арт (англ. Minimal art), также Минимали́зм (англ. Minimalism), Иску́сство ABC (англ. ABC Art) — художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах. В теории искусства обычно рассматривается как реакция на художественные формы абстрактного экспрессионизма, а также на связанные с ним дискурс, институции и идеологии[1]. Искусство минимал-арта обычно включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.
К художникам минимал-арта относятся Карл Андре, Дэн Флавин, Сол Ле Витт, Дональд Джадд, Роберт Моррис , а также иногда причисляемый к ним Фрэнк Стелла.
Карл Андре (Carl Andre, 16 сентября 1935, Куинси, Массачусетс) - американский художник, представитель минимализма. Характерные черты скульптуры Андре - использование промышленных материалов, модульных единиц, артикуляция трехмерности посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства. Андре стремился свести словарь скульптуры к базовым фонемам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В исследовании формы структуры и пространства, Андре делал акцент на отношения места и зрителя. Его композиции лежат где-то между бытием идей и тестированием границ физического присутствия.
[править] Биография и творчество
Андре родился 16 сентября 1935 в Куинси, Массачусетс. Он изучал искусство в Академии Филипса в Андовере (Массачусетс) с 1951 по 1953. Во время учебы в академии он подружился с Холлисом Фрэмптоном, который позднее повлиял на радикальные подходы Андре к скульптуре.
Андре служил в армии США в Северной Каролине в 1955-1956, переехал в Нью-Йорк в 1956. В Нью-Йорке Фрэмптон представил Андре Константину Бранкузи, благодаря которому Андре в 1958 вновь свел знакомство с бывшим сокурсником по Академии Филипса, Фрэнком Стеллой. Андре делил студию со Стеллой с 1958 по 1960.
В ранних скульптурах Андре из дерева можно увидеть влияние Бранкузи, но разговоры со Стеллой о пространстве и форме привели его к поискам в другом направлении. В период, когда Андре делил студию со Стеллой, он создал серию деревянных скульптур, таких как Radial Arm Saw (1959) и Maple Spindle Exercise (1959).
С 1960 по 1964 Андре работал кондуктором в Нью Джерси. Опыт "синего воротничка" повлиял на творческую индивидуальность Андре. Впоследствии для него не было необычным одеваться в комбинезон и синюю рубашку даже на самые официальные мероприятия.
В этот период Андре сфокусировался преимущественно на написании текстов (только в 1980 была опубликована книга "12 диалогов"). Конкретная поэзия Андре выставлялась в США и Европе, полное собрание находится в коллекции Музея Stedelijk в Амстердаме.
В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал "Элементы". Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36" (30.2 x 30.2 x 90.7 см), простые конфигурации, но из-за недостатка средств не смог купить древесину. Важность "Элементов" даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ.
В 1965 он впервые публично выставил свои скульптуры на выставке "Shape and Structure" (куратор Henry Geldzahler) в Галерее Tibor de Nagy. Противоречивая работа Андре "Lever" была в 1966 включена в выставку "Primary Structures" в Еврейском музее в Нью-Йорке. В 1970 прошла персональная выставка Андре в Музее Гуггенхайма.
В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как "37 Pieces of Work", впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли ощутить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами ее границ.
В 1969 Андре помог в организации Коалиции работников искусства (Art Workers Coalition).
В 1970-х художник готовит ряд масштабных инсталляций, таких как "Blocks and Stones" в 1973 для Портлендского центра визуального искусства, Орегон, а также работы для публичных пространств, как "Stone Field Sculpture" в 1977 в Хартфорде.
В 1972 Галерея Тейт купила работу Андре "Equivalent VIII", композицию из кирпичей. Она выставлялась несколько раз без происшествий, но стала центром скандала в 1976 после публикации в The Sunday Times. "Кирпичная полемика" стала одним из самых известных дебатов в Британии о современном искусстве.
В 1979 Андре впервые встретил Анну Мендьету (Ana Mendieta) благодаря дружбе с художниками Леоном Голубом и Нэнси Сперо (Nancy Spero) в Галерее AIR в Нью-Йорке. Андре и Мендьета поженились 1985, но отношения закончились трагедией. Мендьета упала и разбилась из окна квартиры Андре в 1985 после ссоры с ним. Андре был обвинен в убийстве второй степени, в 1988 он был оправдан.
-
Carl Andre, 10 x 10 Altstadt Copper Square, 1967, Düsseldorf
-
Carl Andre, Fall, 1968, New York
-
Carl Andre, Trabum (Element Series), conceived in 1960; made in 1977
Фотореализм — направление в живописи, возникшее в США в конце 1960-х, а затем, распространившееся в 1970-х годах в Европе. Термин, тем не менее, преимущественно применяется по отношению к работам американских фотореалистов конца 1960-х — начала 1970-х годов.
|
Содержание [убрать]
|
[Править] Стиль и история
Слово «фотореализм» было придумано Луи Мейзелем (Louis K. Meisel) в 1968 году, а впервые опубликовано — в 1970 году в каталоге Музея Уитни для выставки «Двадцать два реалиста»[1] Луи Мейзель, двумя годами позже составил определение фотореализма из пяти пунктов по просьбе Стюарта М. Спейсера (Stuart M. Speiser), который владел большой коллекцией работ фотореалистов, которая позже демонстрировались на передвижной выставке «Фотореализм 1973: коллекция Стюарта М. Спейсера» («Photo-Realism 1973: The Stuart M. Speiser Collection.») [1] Определение было следующим:
1. Фотореалист использует камеру и фотографию для сбора информации 2. Фотореалист использует механические и электромеханические средства для переноса информации на холст 3. Фотореалист должен иметь техническую возможность сделать финальный результат выглядящим фотографически 4. Художник должен иметь выставленную работу как фотореалист от 1972 года для того, чтобы считаться значительным фотореалистом 5. Художник должен посвятить как минимум пять лет созданию и показу работ в стиле фотореализма[2]
Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение должно быть заморожено во времени, которое скрупулёзно должно было быть представлено художником.[2] Фотореалисты собирали свои образы и информацию при помощи камеры и фотографий. Обычно снимки делались на слайд, а затем переносились на холст. Это делалось при помощи проецирования слайда или с использованием сетки.[3] Результат был копией фотографии, но обычно гораздо больше оригинала.
[Править] Художники
Первое поколение американских фотореалистов включало таких художников как Ричард Эстес (Richard Estes), Ральф Гоингз (Ralph Goings), Чак Клоуз (Chuck Close), Чарлз Белл (Charles Bell), Джон Баедер (John Baeder), Одри Флэк (Audrey Flack), Дон Эдди (Don Eddy), Роберт Бештле (Robert Bechtle), Том Блэквэлл (Tom Blackwell), и Ричард МакЛин(Richard McLean). Дуэйн Хансон (Duane Hanson) и Джон ДеАндреа (John DeAndrea) были скульпторами, чье творчество связывают с фотореализмом, благодаря раскрашенной очень натуралистичной скульптуре, изображающей обычных людей.
[Править] Фотореализм на рубеже тысячелетий
Подъем фотореализма был в середине 1970-х, но в начале 1990-х интерес к жанру возродился. Это возобновленный интерес связан как с художниками «первого поколения» фотореалистов, так и с более молодыми. С новыми технологиями возможности художников расширились. Многие известные молодые фотореалисты европейцы: Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) — англичанка, живущая в Италии, Бертран Мениель (Bertrand Meniel) во Франции, Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) и Чиара Албертони (Chiara Albertoni) в Италии, Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) в Испании, Тони Брунелли (Tony Brunelli) в Нью-Йорке и Клайв Хэд (Clive Head) в Великобритании. Среди азиатских фотореалистов известен иранец Иман Малеки.
[Править] Художники
|
|
|
|
Па́блик-арт — искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством. Термин паблик-арт относится к произведениям искусства, которые были созданы специально для расположения и демонстрации в общественном месте, чаще всего под открытым небом. Памятники, мемориалы и скульптуры возможно являются старейшими примерами официально санкционированного паблик-арта. Паблик-арт не ограничен физическими объектами — танцы, процессии, уличный театр и даже поэзия используются для создания паблик-арта.
Некоторые художники, работающие в этой области, пользуясь преимуществами открытого пространства, создают масштабные произведения. Среди работ, созданных за последние 30 лет и встретивших восхищение критики и публики, работы Роберт Смитсон, Христо, NONDA и Энтони Гормли, в которых произведение искусства вступало во взаимодействие или инкорпорировалось в окружающую среду. В 1960, греческий художник NONDA создал интерактивную выставку под мостом, посвященную поэту Франсуа Виллону. Паблик-арт обычно создается с разрешения и во взаимодействии с правительством или компанией, которая владеет или управляет местом. Некоторые правительства поощряют создание паблик-арта, например, с помощью финансовых механизмов.
[править] Художники
-
Энтони Гормли
Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления.
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:
-
изменяются масштаб и материал;
-
обнажается приём или технический метод;
-
выявляются информационные помехи и др.
|
Содержание [убрать]
|
[править] История
Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990).
Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)
Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации.
Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (situation art)[источник не указан 86 дней].
[править] Поп-арт в США
Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол.
[править] Поп-арт в интерьере
В XX в. поп-арт сначала захватил Америку, а со временем и Европу.
В мебели поп-арт используются обтекаемые формы и "кислотные" цвета. Кричащая расцветка, абстрактный рисунок, глянцевые поверхности и, конечно же, пластик, изобретенный в годы этого стиля, - неотъемлемые признаки данного направления в дизайне.
Второй смысл слова английского слова "pop" это междометие ("хлоп" или "бух") из комиксов где сейчас используется поп-арт. Интерьер, выполненный в этом стиле, неизменно привлекает к себе внимание неожиданными эпатажными приемами.
[править] Представители поп-арта
«Печать» Олденбурга в Кливленде
-
Энди Уорхол
-
Том Вессельман
-
Ричард Гамильтон
-
Джаспер Джонс
-
Роберт Индиана
-
Алекс Кац
-
Рой Лихтенштейн
-
Клас Олденбург
-
Роберт Раушенберг
-
Джеймс Розенквист
-
Эд Руша
-
Кейт Харинг
-
Марисоль Эскобар
[править] Ссылки
-
Картины представителей поп-арта
[править] Литература
-
Жан Бодрийяр. Поп-арт: искусство общества потребления? // Бодрийяр Жан. Общество потребления. Его мифы и структуры. — М.: Культурная революция; Республика, 2006. — С. 150—158.
-
Искусство помогает человечеству в его движении от прошлого к будущему
Короленко Владимир Галактионович[1]
Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg; 28 января 1929, Стокгольм) — американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта.
[править] Биография
Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946—1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.
В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Наиболее характерный приём Олденбурга — скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Изначально носившие провокативный характер, произведения Олденбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж, — поэтому со временем работы Олденбурга активнее задействуются в качестве визуального решения городской среды. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком).
В 1989 г. Олденбургу была присуждена Премия Вольфа в области искусства, в 1995 г. — Премия Рольфа Шока.
[править] Галерея
|
«Печать» Олденбурга в Кливленде |
«Игла» перед вокзалом в Милане |
Ге́нри Спе́нсер Мур (англ. Henry Spencer Moore, 30 июля 1898(18980730), Кастлфорд, Западный Йоркшир — 31 августа 1986, Хартфордшир) — британский художник и скульптор.
|
Содержание [убрать]
|
[править] Биография
Происходил из шахтёрской семьи. В одиннадцатилетнем возрасте решил стать скульптором, услышав о Микеланджело и его достижениях. Участвовал в Первой мировой войне, был отравлен газами в бою под Камбре (1917).
Генри Мур Полулежащая фигура, 1951. Кембридж
Продолжил традицию монументальной фигуративной пластики и обогатил её новыми художественными методами формообразования. В творчестве Мура прослеживается тенденция, направленная на освоение «открытой формы»; его целью была передача взаимодействия пластической массы и пространства, как окружающего скульптуру, так и заключенного внутри неё.
Мур родился 30 июля 1898 в Каслфорде (графство Йоркшир). После Первой мировой войны учился в Художественном колледже в Лидсе и Королевском художественном колледже в Лондоне, где преподавал с 1924 по 1932; он оставил работу в колледже лишь однажды для совершения поездки в Италию. Мур всегда интересовался скульптурой Древней Греции, этрусков и майя. Под влиянием этого увлечения, а также идеи «верности материалам», высказанной критиком Роджером Фраем, он обратился к созданию подчеркнуто материальных форм, символизирующих природное, земное начало. На их основе строятся его скульптуры, среди которых преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Сначала его работы были достаточно близки к реальным объектам, позже приобрели абстрактный характер.
Для церкви Св. Матфея в Нортхемптоне он создал в 1943—1944 статую Мадонны с Младенцем. Персональная выставка Мура в Музее современного искусства в Нью-Йорке принесла ему славу одного из лучших мастеров XX века. В 1948 на венецианской выставке Биеннале он получил международную премию, а в 1953 — такую же премию на Биеннале в Сан-Паулу. Среди его многочисленных произведений — скульптурные композиции для здания редакции журнала «Таймс» в Лондоне, для здания ЮНЕСКО в Париже, банка Ламберт в Брюсселе и Линкольновского центра в Нью-Йорке.
Поразительная художественная цельность его произведений не имеет аналогов в истории скульптуры. Формы плавно и органично перетекают друг в друга, иногда образуя углубления и зияющие пустоты, «дыры». Однако Мур никогда не занимался проблемами чистой формы, его интересовали образы, напоминавшие природные формы: древние камни, обтесанные стихиями за много веков; горные пещеры, вымытые подземными потоками; эмбрионы в материнском чреве; человеческое тело как целостная органическая система.
Художественный образ представлялся мастеру как бы изначально существующим в самом материале и лишь ожидающим, пока его освободит резец ваятеля. Мур создавал свои композиции из дерева, камня, бронзы, железобетона и терракоты, а также выполнил ряд произведений из дерева и свинца, части которых были скреплены туго натянутыми струнами или медной проволокой. В стиле его акварелей и рисунков пером получила воплощение повышенная восприимчивость мастера к реалиям окружающей действительности, но даже в композициях, выполненных в годы Второй мировой войны в лондонском метро во время налетов немецкой авиации, главное место отводится выявлению самых существенных, обобщенных форм человеческого тела, а эмоции и индивидуальность моделей играют второстепенную роль.
В 1984 году в честь 750-летия Берлина Генри Мур создал скульптуру «Бабочка» (отлита в литейной мастерской Германна Ноака), которая в 1987 году была установлена напротив берлинского Дома культуры народов мира, который тогда еще служил Конгресс-центром[1].
Умер Мур в своем доме близ Мач-Хедхем (графство Хартфордшир) 31 августа 1986.
[править] Творчество
После войны учился в Лидсе и Лондоне, познакомился с Б. Хепуорт. Увлёкся первобытной скульптурой, изучал этнографическую коллекцию Британского музея. В 1930-х обратился к модернизму, откликаясь на поиски Пикассо, Арпа, Джакометти, Брынкуши, сюрреалистов. Участвовал в организации выставки сюрреалистов в Лондоне (1936).
Лучник. Берлин
[править] Признание
После Второй мировой войны работы Мура приобрели мировое признание, они представлены в крупнейших музеях разных стран. Он награждён Орденом За заслуги, Орденом Кавалеров Славы. Прах художника покоится в лондонском Соборе Святого Павла.
Жоа́н Миро́ и Ферра́ (под влиянием испанского языка пишется также Хоан и Хуан; кат. Joan Miró i Ferrà, 20 апреля 1893, Барселона — 25 декабря 1983, Пальма (город)) — каталонский (Испания) художник, скульптор и график. Близок к абстрактному искусству. Работы художника похожи на бессвязные детские рисунки и содержат фигуры, отдалённо похожие на реальные предметы.
|
Содержание [убрать]
|
[править] Галерея
|
Жоан Миро. Женщина и птица |
Миро. Мамаша Убю |
[править] См. также
-
Фонд Жоана Миро
[править] Ссылки