40. Не готов Эрик Владимирович Булатов (родился 5 сентября 1933 года в Свердловске) — советский и российский художник, один из основателей соц-арта.

Родился в 1933 году в Свердловске (ныне Екатеринбург). Отец — Владимир Борисович, родом из Саратова, был партийным работником (вступил в партию в 1918 году), в 1944 году погиб на фронте, мать — из города Белосток (Польша), нелегально эмигрировала в Россию в возрасте 15 лет; уже через три года устроилась на работу стенографисткой — несмотря на то, что по приезду не знала русский язык (владела только польским и идишем)[1].

По словам Эрика Булатова, его отец почему-то очень верил в то, что он будет художником[1].

В 1958 году окончил Художественный институт имени В. И. Сурикова. С 1959 года работал в детском издательстве «Детгиз» вместе с Кабаковым и Васильевым. Выставочную деятельность в Москве начал с 1957, а с 1973 года уже за границей.

Характерным и узнаваемым творческим методом Булатова является столкновение плакатного текста, выхваченного из контекста советской действительности, с фигуративной (чаще всего пейзажной, заимствованной из массовой печати) составляющей. В результате художнику удаётся предельно доступным образом проиллюстрировать абсурдность действительности, перенасыщенной символикой советской пропаганды.

Помимо работ соц-артовской тематики, ещё в своих ранних работах Булатов разработал теорию взаимодействия картины и пространства. В этих его произведениях заметно влияние Фалька. Сильный, своеобразный этап его творчества, неоцененный по достоинству в контексте истории искусства.

Работы Булатова постоянно выставляются на аукционные торги современного искусства. Так, на аукционе «Филипс» работа «Советский космос» ушла примерно за 1,6 млн долларов, ещё два полотна на советскую тематику, в том числе «Революция — перестройка», были проданы по миллиону долларов за каждое, что сделало Булатова одним из самых дорогих современных русских художников.

41. Апт-арт — «квартирное искусство», название происходит от английских слов «apartment» (квартира) и «art» (искусство). Апт-арт — термин, изобретенный художником Никитой Алексеевым для домашней выставки, которая оформляется в начале 80-х годов в качестве особого экспозиционного жанра, ставшего ярким художественным явлением и оригинальным, чисто российским вкладом в развитие современного искусства. Апт-арт — искусство созданное именно с расчетом на такой способ демонстрации.

Апт-арт принял форму устройства выставочных показов в частных квартирах и начался в 1982 году экспозицией группы «Мухоморы» в квартире Никиты Алексеева. Участники не занимались чистой живописью. Они собирали городской хлам и старые плакаты, создавали намерено китчевые ассамбляжи, пародирующие грубое нутро позднесоветской жизни, убогих публичных пространств и тесного тусклого квартирного быта. Апт-арт занимался чем-то вроде любительских самоделок по борьбе с загрязнением окружающей среды. Саркастические и красочные, эти битком набитые инсталляции парадоксальным образом подрывали различие между искусством и жизнью. В отличие от «Коллективных действий», апт-арт не был ни камланием, ни шаманством. Напротив, объектом его внимания были скорее сферы общественного и политического.

Граффити́зм (англ. graffiti art) — течение в современном искусстве 1970—80-х годов, возникшее в Америке. Характеризуется переносом приёмов и образов граффити в станковую живопись и графику.

42. Анри́ Мати́сс (фр. Henri Matisse; 31 декабря 1869, Ле-Като-Камбрези, Нор, Франция (Вторая французская империя) — 3 ноября 1954, Ницца, Франция) — французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму.

В этом зале экспонируются работы Анри Матисса (1869-1954), одного из крупнейших художников XX в. В Государственном Эрмитаже хранится 37 картин мастера. "Красная комната", "Танец"и "Музыка" написаны по заказу коллекционера С.И. Щукина специально для его московского особняка. "Испанский натюрморт" и "Севильский натюрморт" (оба - 1910-1911) изображают гостиничную комнату, где Матисс жил во время поездки в Испанию. Интересно полотно "Фрукты, цветы и панно "Танец" (1909), в композицию которого включен первый вариант эрмитажного "Танца", находящийся в Нью-Йорке.

«Танец» (фр. La Danse) — созданная в 1910 году картина французского художника Анри Матисса. Существует в двух версиях: первая находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, вторая и наиболее известная — в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Сюжет картины Матиссу навеяли увиденные им в Коллиуре народные пляски. Другая версия — «Танец» — написана под впечатлением от греческой вазовой живописи и русских сезонов Сергея Дягилева.

Основное выразительное средство полотна — сочетание лаконичности живописных средств с его огромным размером. «Танец» написан всего тремя красками[источник не указан 558 дней]. Синим цветом передано небо, розовым — тела танцоров, а зеленым цветом изображен холм. На картине изображен танец, хоровод пяти обнаженных людей на вершине холма.

«Музыка» Написанное как парное к «Танцу», панно «Музыка» имеет ряд сходств и отличий в сравнении с ним. Полотна объединяет схожесть цветовых гамм и количество изображённых фигур. Но, если на «Танце» изображены женские персонажи, то на «Музыке» — мужские. Герои «Танца» динамичны, они стремятся вырваться за пределы полотна, в то время как фигуры в «Музыке» — статичны, спокойны и практически изолированы друг от друга, полностью погружены в музыку[1]. «Танцем» правит дионисийское начало, «Музыкой» — аполлоническое.

Работая над мужскими фигурами при написании картины, Матисс стремился свести их к элементарным формам[1]. Он осознанно лишал героев индивидуальности, наделяя их почти идентичными чертами лица и телосложением, чтобы изображённое воспринималось зрителем как единое целое. Своей главной задачей художник считал достижение цветовой гармонии полотна с опорой на контраст.

Коллекция работ Пабло Пикассо в Эрмитаже, Санкт-Петербург - это часть коллекции существовавшего до 1948 года Государственного музея нового западного искусства (ГМНЗИ). После его упразднения, коллекция была поделена между Эрмитажем и Музеем им. Пушкина, Москва. В свою очередь, в ГМНЗИ, работавший с 1918 до 1948 года, эти картины попали из национализированных собраний знаменитых русских коллекционеров Щукина и Морозова. В свое время они проявили необычайное художествнное чутье и стали чуть ли не первыми коллекционерами, которые начали покупать работы у начинающего испанского художника. Причем, это касалось не только картин голубого и розового периодов творчества Пикассо, необычных, но ещё вполне фигуративных, но и работ периода кубизма. Существует легенда, что увидев Авиньонских девиц Пикассо, Щукин воскликнул "Какая потеря для искусства!", однако пережив первый шок, русские коллекционеры всё-таки сумели оценить его художественные поиски, благодаря чему Россия сегодня владеет большим количеством работ Пикассо всех трех периодов кубизма - африканского, аналитического и синтетического.

Во французском искусстве начала XX в. интерес к «порочным» персонажам был велик, у Пикассо много предшественников, особенно надо отметить влияние Тулуз-Лотрека. Во многих произведениях живописи звучит тема абсента, напитка, ставшего своего рода фетишем Парижа рубежа веков. Этой крепкой полынной настойке, «зеленой фее», приписывались особые качества: якобы приохотившиеся к ней люди страдают не от простого алкоголизма, а от особой «возвышенной» его формы, и погружаются в мир галлюцинаций и фантазий. Так что тематически Пикассо пока движется в рамках «мейнстрима» эпохи. Однако в образах, созданных молодым художником, есть обостренный драматизм. Так, в этом полотне особенно бросается в глаза гипертрофированная кисть правой руки, которой погруженная в свои мысли женщина словно пытается обхватить и защитить себя.

«Любительница абсента», хранящаяся в Эрмитаже, написана позже, осенью 1901 г. Картина имеет и другое название – «Аперитив». Источником нынешнего ее наименования стала запись в архиве Канвейлера, где полотно обозначено как «Женщина с бокалом абсента» (La femme au verre d`abssinthe). Именно у Канвейлера купил эту работу наш соотечественник – Сергей Иванович Щукин. Он познакомился с Пикассо еще в 1905 или 1906 г., но принял его творчество не сразу. Впервые он купил картину художника в 1909 г., а уже к 1914 г. в его коллекции было 51 произведение мастера. Собрать столько работ ни удалось, пожалуй, больше ни одному частному коллекционеру. После революции С. И. Щукин эмигрировал, а его собрание, национализированное в 1918 г., разделили между собой Эрмитаж и ГМИИ.