25. Дизайн послевоенной эпохи в Европе (органические дизайн, Ульмская школа и неофункционализм. Стиль «Оливетти»).

Государства – победители, и в первую очередь США, захватили лидерство в экономике и стали с 50-х годов ведущей нацией дизайна. После второй мировой войны из США в Европу реимпортировалось «современное движение» и распространилось американское понимание дизайна , как инструмента торговли.

Американский образ жизни оказал влияние не только на музыку, изобразительное искусство, но и на повседневную жизнь европейцев. Американские фильмы и реклама принесли с собой новые понимания красоты и моду. «Кока-кола» и «Лаки-страйт» стали символами нового жизнеощущения.

Музей современного искусства в Нью–Йорке устроил в 1940г. конкурс под названием «Органический дизайн в домашней фурнитуре». Органические формы, в противовес четким функциональным были восприняты как «свободные», как новое понимание предающие всему свежий вид.

В послевоенной Америке сложились 2 тенденции формообразования в дизайне. Одни из них подчеркивали, что моральный долг дизайнеров – способствовать эстетическому развитию публики. Представители другого направления стремились дать публике то, что она, скорее всего, желала получить и что определялось коммерческим успехом. В 50 в США развился биоморфичный стайлинг ( антирационализм), он внедрялся для то чтобы сделать изделие более привлекательным и ускорить цикличность смены внешнего вида продукта.

В послевоенной Европе на первый план в области дизайна выдвигается Италия, она становиться дизайн нацией. Склонность итальянской художественной культуры к современным и авангардным формам наблюдается уже в начале 20в. в движении футуристов. Переход от ремесленного производства к промышленному произошел во многих отраслях только после войны. Популярными экспортными продуктами вскоре стала итальянская мебель и мода. В Европе и США носили итальянские костюмы, ездили на Веспе, пили эспрессо. Итальянский дизайн был образован благодаря импровизации в рамках старых традиций культуры, искусства и экономики. Абстрактные формы современного искусства стали образцами дизайна кресел и столов. Специального дизайн -образования в до- и послевоенной Италии не было, большинство дизайнеров были по образованию архитекторами. Выдающиеся примеры синтеза искусств являли работы Карло Молино. Со своей экспрессивно волнообразной мебелью из гнутой фанеры он стал экстравагантным представителем органического стиля в Италии.

Особенности Итальянского дизайна:

1. Предметы понимались как индивидуальные личности и могли символизировать определенный статус.

2. Понимание дизайна как области культуры. Идея фирменного стиля получила в Италии широкий размах. Образцовым примером была политика фирмы «Оливетти»

3. «Радость эксперимента» - связанная с появившимся в середине 60-х пластмассами, предлагавшими новые возможности формообразования.

Фирма «Оливетти» особое внимание уделяла формированию ярко выраженного фирменного стиля, она стала одним из немногих представителей в мире с современным имиджем. Тогда же возникло выражение «стиль Оливетти». Его особенность в том что выпускаемый продукт должен быть обязательно красивым и первосортным.

1949г. была основана Максом Биллом Ульмская высшая школа формообразования. С одной стороны она являлась продолжателем идей Баухауза, с другой - образцом по которому строились многие центры дизайнерского образования. В основе образования лежал новый метод обучения – проектирование должно вестись на основе тщательного сбора фактического материала, его анализа с позиции научных, технических и технологических знаний. Более четверти времени студенты тратили на изучение эргономики, социологии, экономики и психологии. Школа включала 2 проектно конструкторских института: институт дизайна промышленных изделий и институт индустриальных методов строительства.

В немецком дизайне 60-х стилевым принципом стал функционализм. В 1921г. Максом Брауном основана фирма «Браун» во Франкфурте-на-Майне для производства научной аппаратуры. Стиль Браун – это отсутствие декора, ярких цветовых пятен, имитации материала. Это скромная колористическая гамма, построенная на тонких оттенках серого цвета. Стиль Брауна это экономичный стиль.

26. Дизайн и поп-культура

В конце 50-х в обстановке процветающего «американского общества потребления» возникло новое течение в искусстве - поп-арт.

Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, возвышая ее самые обыденные, ординарные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновение из так называемого «низменного искусства». Тщательно изучая рекламу, мир средств массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляя в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, Фотографии. Самыми известными представителями поп-арта были Роберт Рашенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс и Джеймс Розенквист. Бесспорным отцом поп-арта остается Энди Уорхол с его знаменитыми шелкографиями, прославляющими как Мерлин Монро. Стиль «поп» был стилем для молодых. К 60-м годам идея производства добротных и долговечных товаров уходит на второй план, уступая место лозунгу «сегодня использовал - завтра выбросил». Это был настоящий прорыв в философии промышленного производства и дизайна.

Среди дизайнеров, работающих в стиле «поп», особой популярностью пользовался пластик. Яркие радужные цвета и необычные и смелые формы стиля «поп». В связи с тем, что поп-дизайн ориентировался, главным образом, на молодежный рынок, товары были дешевыми и, как следствие, часто посредственного качества.

Художники 60-х стремились сократить дистанцию между своими произведениями и зрителем. Для этого художники создавали трехмерные конструкции, которые зритель должен пройти. Иллюзия третьего изменения создавалась так же оптическими и световыми эффектами. Так возникли новые направления в искусстве «оптическое искусство», «кинетическое искусство».

Новым в подходе оп-арта было то, что это искусство являлось строго беспредметным. Оно развилось частично из геометрической абстракции. Значительное место в оп – арте занимают конструкции, воздействие которых зависит от света и движения и не может быть достаточно передано в альбомной репродукции.

Главным теоретиком стиля оп-арт был французский художник Виктор Вазарели. Он разрабатывал концепции кинетизма и двухмерности картинной плоскости. Применив аксонометрическую проекцию, он имитировал движение самого зрителя и тем самым достигал особой динамики.

Поп-дизайн вместе с другими течениями антидизайнерской направленности противостоял «современному движению», заявлявшему «меньше – значит лучше», и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Поп- дизайн сменили возрождающееся ремесла, с одной стороны. Стиль «хай-тек», с другой, тем самым был положен фундамент ля нарождающегося стиля «постмодерн».

«Радикальный дизайн» возник в конце 60-х как своеобразная реакция протеста на господствующий в это время «хороший дизайн». Возникший одновременно и близкий ему по понятию «Антидизайн» отличался несколько большей экспериментальной направленностью и политизацией. Он старался изменить общественное восприятие модернизма посредством утопических предложений и проектов. Историю возникновения и развития движения «антидизайн» обычно тесным образом связывают итальянским дизайном. Здесь в конце 60-х гг. новое поколение архитекторов и дизайнеров было недовольно уровнем образования и условиям работы, а так же ориентированным на потребителя «бел-дизайном» промышленных изделий. Желание проектировать элегантные изделия больше не было, старались думать концептуальнее и глобальнее, по новому смотреть на процесс предметного формообразования. Основными центрами «Радикального дизайна» в Италии были Милан, Флоренция, Турин, где объединенные в группы дизайнеры занимались развитием кардинально нового направления в поисках «человеческого я». Конкретные объекты создавались все реже, а если и создавались, то с политическим, ироничным, провокационным смысловым содержанием, так как философия «радикального дизайна» была полностью антикоммерческой. Формы заимствовались из поп-арта и дизайн утопии, а руководящие принципы – из «хепенинг», «перфоманс» и др.