2. Проілюструйте, як реалізуються морально-філософські погляди ф. М. Достоєвського в романі «Злочин та кара». Покажіть християнські мотиви у творі.

Преступле́ние и наказа́ние» — роман Фёдора Достоевского, впервые опубликованный в1866 годув журнале «Русский вестник» Сюжет разворачивается вокруг главного героя, Родиона Раскольникова, в голове которого созревает теория преступления. Раскольников сам очень беден, он не может оплатить не только учёбу в университете, но и собственное проживание. Раскольников совершает преднамеренное убийство старухи-процентщицы и вынужденное убийство её сестры, свидетельницы. Но Раскольников не может воспользоваться краденым, он прячет его. С этого времени начинается ужасная жизнь преступника. Тонкийпсихологизм, осмысление поступка красочно переданы Достоевским.  Основой сюжета романа "Преступление и наказание" является убийство, совершенное главным героем.Он был убежден в том, что «люди по закону природы разделяются вообще на два разряда: на низших (обыкновенных)... и собственно на людей, то есть имеющих дар или талант сказать в среде своей новое слово». Своей теорией Раскольников пытался решить вопрос, кто из людей должен жить, а кто умереть.    На протяжении всего повествования не прекращается внутренняя борьба героя с самим собой – в сознании, в подсознании, во сне и наяву. Это борьба проявилась прежде всего в его поступках.   В критический момент жизни судьба свела Раскольникова с Соней Мармеладовой. К моменту их встречи он уже был преступником, совершившим убийство, а она продажной женщиной, зарабатывающей на жизнь «желтым билетиком».Раскольников сразу понял, что судьба не случайно свела его с Соней, но им вдвоем предстоит пройти тяжелый путь. Раскольников рассказал Соне о том, что это он убил старуху-процентщицу и Лизавету. Он надеялся, что Соня его морально поддержит, взяв его тяжкий грех на себя. Но «тихая» девушка, живущая по христианским заповедям, разрушила его теорию простой логикой жизни и помогла Раскольникову вернуться к нормальной жизни.

 Творчество Ф. М. Достоевского считают глубоко психологичным и глубоким. Автора всегда волновало нравственное богатство человека и общества в целом. Но важно заметить, что героев произведений Достоевского невозможно разделить на положительных и отрицательных. Чаще всего персонажи этого писателя наделены различными, иногда противоположными, чертами характера. Внутренняя противоречивость и нестабильность делает их интересными и, в то же время, естественными, правдоподобными.

 Роман «Преступление и наказание» становится произведением, в котором автор обращает свое внимание на самые острые общественные проблемы. Достоевский считает, что среда очень сильно воздействует на человека, на его отношение к себе и окружающим. Достоевский обращается к обратной стороне жизни Петербурга, где под внешней роскошью, богатством и красотой скрыт иной мир – жестокий, грязный и пошлый. Именно такая среда могла привести к тем идеям, которые возникли у Родиона Раскольникова.

 Нельзя говорить, что Раскольников – отрицательный герой, ибо многое он делает для людей, и поступки его не продуманы заранее. Стремление к хорошему заложено в этом герое от природы, а вот стремление увидеть в себе исключительную личность – заслуга общества и окружающей среды.

 Если вспомнить судьбу самого Достоевского, то она сложна и трагична. Писателю пришлось многое осознать и переоценить в своей жизни. Главной ценностью он считал любовь к окружающим, чего так не хватало людям его времени. Достоевский не приемлет достижения цели любыми средствами и путями. Он пытается донести до читателя губительность подобных стремлений не только для окружающих, но и для самого человека, который становится безжизненным и пустым духовно. Герой романа «Преступление и наказание» пришел к убеждению собственной нравственной смерти: «Я себя убил, а не старушонку».

В философском плане решаются такие вопросы, как

• о правах и назначении человека;

• о роли личности в обществе;

• о жалости и сострадании;

• о долге и самопожертвовании;

• о неизменной природе человека и его личной ответственности.

  На мой взгляд, Раскольников – человек, в котором существуют две противоположные идеи: с одной стороны, любовь к людям, с другой – презрение к ним. Следует заметить, что Достоевский не описывает подробно процесс духовного возрождения Раскольникова. Но читатель все же чувствует подобные изменения в герое. Надежду на восстановление любой преступной, падшей личности Достоевский видел в том, что невозможно полностью растоптать совесть и любовь.

Возможность духовного возрождения главного героя романа обуславливается уже тем, что Раскольников умеет чувствовать чужую боль и умеет искренне любить. Такова его любовь к Соне Мармеладовой. Важно помнить о том, что сам Достоевский был глубоко верующим человеком. Поэтому естественно его неприятие идеи о сверхчеловеке. Для писателя жизнь человеческая есть самая важная и главная ценность. По мнению Достоевского, только любовь к окружающим делает людей настоящими людьми. Только это удивительное, данное Богом, чувство способно вытеснить в человеке гордость и эгоизм.

Я считаю, что сам писатель осознал все это, исходя из собственного, очень сложного, жизненного опыта. Автор не принимает стремления «по своей глупой воли пожить». Только следование за Иисусом Христом и жертвенная любовь могут спасти душу человека от зла и душевных мук. На каторге под подушкой Раскольникова «лежало Евангелие», с помощью которого, как считает Достоевский, только и можно преодолеть бесовские силы и душевный эгоизм как порождение зла.

Мотив молитвы. Молитва как важная и неотъемлемая составляющая жизни христианина становится такой же неотъемлемой частью романа. Важную роль играют в рамках произведения еще два святейших символа христианской религии — крест и святое писание. Евангелие, ранее принадлежавшее Лизавете, Раскольникову передает Соня. Читая его, герой возрождается духовно. Крест, также Лизаветин, герой сначала его не принимает так как не готов к раскаянию и осознанию своего греха, но затем он находит в себе силы взять и его, что также свидетельствует о духовном возрождении.

ЕКЗАМЕНАЦІЙНИЙ БІЛЕТ № 12

1. Охарактеризуйте Відродження в Англії. Визначте проблематику трагедій В. Шекспіра. Проаналізуйте художню своєрідність трагедії «Гамлет». Доведіть, що образ Гамлета – «вічний» образ світової літератури.

Возрождение в Англии началось позже, чем в других европейских странах, и связано оно с правлением династии Тюдоров. Вторая половина XVI века в Англии — время расцвета искусств: живописи, музыки и особенно литературы.

Возрождение в Англии, захватив более чем столетний промежуток времени, прошло несколько этапов в своем развитии.

1) Ранний его период совпал с Реформацией, хотя и имевший глубокие народные корни, но свершившейся здесь «сверху», правительственным указом Генриха VIII. Это определило важные особенности английского гуманизма. Прежде всего, вопросы религии и церковной жизни для всех ранних английских гуманистов играли несравнимо большую роль, чем для гуманистов итальянских.

2) Во второй период английского Возрождения положение существенно изменяется. Уничтожая политическое и экономическое могущество церкви, королевская власть тем самым подрывала и ее авторитет, и ее сильное до того времени идейное влияние. Реформация Генриха VIII облегчила последующим поколениям английских гуманистов борьбу за светскую культуру против культуры церковной, за жизнерадостное мировоззрение против средневекового монашеского аскетизма, за освобождение разума от церковной схоластики.

3) Наибольший расцвет идей Возрождения приходится в Англии на период царствования королевы Елизавет, который был вместе с тем порой замечательного подъема колониального и торгового могущества страны.

Английские гуманисты были очевидцами глубоких изменений в социально-экономической жизни. Их главным врагом оказался в конце концов не старый феодальный мир, уже отходивший в Англии в прошлое, а новое общество, построенное на капиталистической собственности и наживе, и они чрезвычайно остро и болезненно реагировали на все порожденные этим уродливые желания жизни. Именно эта черта оказалась особенно устойчивой и характерной для гуманистической культуры в классической стране первоначального накопления. Во всяком случае эта черта явственно проступает у двух крупнейших деятелей английского Возрождения, стоявших один в начале, другой в конце этой эпохи, - у Томаса Мора и у Шекспира.

В эпоху Возрождения в Англии особого расцвета достигла драматическая литература, тесно связанная с развитием в эту пору театральных зрелищ и сценического искусства. Испытав на себе воздействия как античной, так и классицистическо-гуманистической драматургии Европы (в первую очередь итальянской), английская драма тем не менее сохранила свой народный характер, вырастя непосредственно из драматических жанров средневековья – моралите и интерлюдий. В Англии расцвет гуманизма совпал с Реформацией, и поэтому первоначально театр был использован здесь в его традиционной средневековой форме в целях сложной религиозно-общественной борьбы.

Трагедии Шекспира

Шекспир писал трагедии с начала литературной деятельности. Одной из первых его пьес стала римская трагедия «Тит Андроник», спустя несколько лет появилась пьеса «Ромео и Джульетта». Однако наиболее знаменитые трагедии Шекспира написаны в продолжение семилетия 1601—1608 гг. Они отличаются новым (по сравнению с ранними трагедиями Шекспира — «Тит Андроник» и «Ромео и Джульетта», а также по сравнению с ренессансными трагедиями современников Шекспира) пониманием трагического. В этот период были созданы четыре великих трагедии — «Гамлет», «Отелло», «Король Лир» и «Макбет», а также «Антоний и Клеопатра» и менее известные пьесы — «Тимон Афинский» и «Троил и Крессида».

«Ромео и Джульетта» - проблема любви, свободы, судьбы, морали

Король Лир – проблема семейных отношений, политическая и общественная проблематика, проблема человечности.

Макбет - борьба между желанием власти и моралью, Проблема личности правителя, трагедія власти

Худ. своеобразие Гамлета

Особое место в творчестве Шекспира занимает трагедия «Гамлет – принц Датский» - не просто драматическая история мести сына за убийство отца, а трагедия постепенного осознания степени зла, лживости, дисгармонии и несвободы в мире и понимания трудностей взятого на себя бремени. Автор заимствовал сюжет «Гамлета» у Бельфоре «Трагическая история», а тот, в свою очередь у средневекового датского летописца Саксона Грамматика. Шекспир перенес действия трагедии в прошлое. Гамлет у Шекспира – сын своего века, провозгласивший идеи свободы. Он человек нового времени, его сила и слабость в сфере нравственности, его оружие – мысль, и она же источник его несчастий. Гамлет, в произведении предстает одиноким идеалистом, по натуре мечтатель и философ, в сердце – гуманный человек, но по жизненному назначению мститель, одинокий воин, окруженный врагами или равнодушными созерцателями. Трагедия Гамлета состоит в том, что человек прекрасных душевных качеств, надломился, когда увидел ужасные стороны жизни – коварство, измену и убийство и утратил веру в людей, любовь, а жизнь, утратила свою для него ценность. Он обретает мужество для борьбы, но скептически, со скорбью смотрит на жизнь. Причиной душевной гибели Гамлета послужили: его честность, ум, чувствительность, вера в идеалы. Обманывать, притворяться и приспосабливаться к миру зла он не мог, а как бороться и победить его он не знал, что привело к его ранней кончине.

В трагедии Уильяма Шекспира «Гамлет» изображен новый на то время тип героя - герой-гуманист. По ходу произведения Гамлет пытается решить сложные морально-этические проблемы, найти истину. Он совершает свои поступки на основе философских размышлений.

Одним из главных морально-философских вопросов, которые волнуют Гамлета, является проблема мести.

Мастерство автора проявилось в том, что в сравнитель­но небольшом по объему произведении он дал богатейшую картину жизни и изобразил судьбу нескольких людей. «Гамлет» — это сгусток жизни.

Убийца — король Клавдий — и его двор воплощают в себе все пороки, возмущающие честную душу Гамлета: деспотизм, подхалимство, пьянство, лживость и лицеме­рие.

Против этого мира вступает в борьбу Гамлет. Свою задачу он видит не столько в том, чтобы отомстить за отца, сколько в том, чтобы уничтожить зло.

Вечный образ Гамлета

Гамлет —"вечный образ", возникший на исходе Возрождения практически одновременно с другими образами великих индивидуалистов (Дон Кихот, Дон Жуан, Фауст). Все они воплощают ренессансную идею безграничного развития личности, в этих художественных образах, как это свойственно литературе Возрождения, воплощены великие страсти, крайние степени развития какой-то одной стороны личности. Крайность Гамлета — рефлексия, самоанализ, парализующий в человеке способность к действию. Он совершает много поступков на протяжении трагедии: он убивает Полония, Лаэрта, Клавдия, посылает на смерть Розенкранца и Гильденстерна, но так как он медлит со своей главной задачей — местью, создается впечатление его бездеятельности.

С того момента, как он узнает тайну Призрака, для Гамлета рушится прошлая жизнь. Каким он был до начала действия в трагедии, можно судить по Горацио, его приятелю по Виттенбергскому университету, и по сцене встречи с Розенкранцем и Гильденстерном, когда он блещет остроумием — до того момента, пока друзья не признаются, что их вызвал Клавдий. Неприлично скорая свадьба матери, потеря Гамлета-старшего, в котором принц видел не просто отца, но идеал человека, объясняют его мрачное настроение в начале пьесы. А когда Гамлет сталкивается с задачей мести, он начинает понимать, что смерть Клавдия не исправит общего положения дел, ведь все в Дании быстро предали забвению Гамлета-старшего и быстро свыклись с рабством. Эпоха идеальных людей в прошлом, и сквозь всю трагедию проходит мотив Дании-тюрьмы, заданный словами честного офицера Марцелла в первом действии трагедии: "Подгнило что-то в Датском королевстве" (акт I, сцена IV). К принцу приходит осознание враждебности, "вывихнутости" окружающего мира. Гамлет знает, что его долг — наказать зло, но представление о зле у него уже не соответствует прямолинейным законам родовой мести. Зло для него не сводится к преступлению Клавдия, которого он в конечном счете карает; зло разлито в окружающем мире, и Гамлет осознает, что одному человеку не по силам противостояние со всем миром. Этот внутренний конфликт приводит его к мысли о тщете жизни, о самоубийстве.

«Вечный образ» Гамлета с одноименной трагедии В. Шекспира стал определенным знаком культуры и получил новую жизнь в искусстве разных стран и эпох.

Гамлет воплотил человека позднего Возрождения. Человека, который постиг безграничность мира и своих собственных возможностей и растерялся перед этой безграничностью. Это глубоко трагический образ. Гамлет хорошо понимает реальность, трезво оценивает все, что его окружает, твердо стоит на стороне добра. Но его трагедия состоит в том, что он не может перейти к решительным действиям и победить зло.

Его нерешительность не является проявлением трусости: он смелый, откровенный человек. Его сомнения – результат глубоких размышлений о природе зла. Обстоятельства требуют от него лишить жизни убийцу его отца. Он сомневается, так как воспринимает эту месть как проявление зла: убийство всегда остается убийством, даже когда убивают негодяя.

Образ Гамлета – это образ человека, который понимает свою ответственность в решении конфликта добра и зла, которая стоит на стороне добра, но её внутреннее моральные законы не позволяют перейти к решительным действиям.

К образу Гамлета обращается Гете, который трактовал этот образ как своеобразного Фауста, «проклятого поэта», вынужденного искупать грехи цивилизации. Особенное значение приобрёл этот образ у романтиков. Именно они открыли «вечность» и универсальность образа, созданного Шекспиром. Гамлет в их понимании является почти первым романтическим героем, который болезненно переживает несовершенство мира.

Не потерял своей актуальности этот образ в 20 веке – веке социальных потрясений, когда каждый человек решает для себя вечный «гамлетовский» вопрос. Уже в начале 20 века английский писатель Томас Элиот написал поэму «Песня любви Альфреда Пруфрока», которая отображала отчаяние поэта от осознания бессмысленности бытия. Главного героя этой поэмы критики точно назвали падшим Гамлетом 20 века. К образу Гамлета обращались в своём творчестве российские поэты И. Анненский, М. Цветаева, Б. Пастернак.

2. Охарактеризуйте реалізм М.В. Гоголя. Проаналізуйте поему «Мертві душі» (проблематика, прийоми розкриття образів, тема народу в творі).

Для того чтобы понять, в чем заключается своеобразие реализма Н.В. Гоголя, необходимо обратиться непосредственно к объяснению этого литературного понятия и, опираясь на него, найти нестандартные способы реализации этого художественного принципа в поэме "Мертвые души".

По определению Ф. Энгельса, реализмом является изображение типических характеров в типических обстоятельствах при сохранении верности деталям. В реалистических произведениях необходимо взаимодействие характера и среды, которая мотивировала бы его развитие и становление. Но в то же время утверждается возможность динамики характера реалистического героя, которая способствует возникновению сложного, противоречивого образа. Иными словами, реалистическим произведением можно назвать то произведение, где присутствует герой (герои), которого мы могли бы встретить в реальной жизни, где мы видим окружающую его среду и понимаем ход становления его характера, причины, побуждающие его поступать так, а не иначе.

Такими героями, способными к автономной жизни, обладающими богатым внутренним миром, волей, поступающими едва ли не вопреки авторскому замыслу, являются Чацкий, Онегин, Печорин. Но в произведениях Гоголя нет типичных персонажей: ни героя-резонера, ни героя, ведущего любовную интригу. В его сочинениях отсутствует воздействие среды на действующие лица. В поэме "Мертвые души" Гогольхарактеризует каждого помещика через среду, которая его окружает. Писатель показывает идентичность человека и предметно-бытовой среды, в которой он обитает и продолжением которой этот герой является. Образ практически исчерпывается окружающими его вещами. Поэтому в доме у Собакевича даже каждый стул, "казалось, говорил": "И я тоже Собакевич!". Таким образом, стирается грань между живым и мертвым началом. Этой внутренней мертвенностью современный исследователь творчества Гоголя Ю. Манн объясняет присущий помещикам "автоматизм" и "кукольность" и сравнивает их с автоматами, у которых отсутствуетиндивидуальнаяреакция.

Еще одной особенностью реализма Гоголя является наличие гротескных характеров у героев его произведений. Казалось бы, если произведение реалистическое, то гротеску здесь не место, все должно быть "как в жизни", настоящее.

В поэме "Мертвые души" гротеск своеобразен: Гоголь выявляет только одну черту или одно слово, характеризующее человека. Так, чертой, достигшей своего предельного развития у Коробочки, является ее "дубинноголовость", что лишает эту героиню возможности мыслить абстрактно. Для изображения чиновников Гоголь использует оригинальное средство – всего лишь одну деталь, по сути никак их не характеризующую. Так, например, губернатор города N.N. "был большой добряк и даже сам вышивал иногда по тюлю".

Таким образом, можно отметить, что героями гоголевских произведений являются не столько характеры, сколько образы, которым не свойственно наличие внутреннего наполнения, духовного развития, психологизм. Так помещики (Манилов, Ноздрев) из поэмы "Мертвые души" попусту растрачивают свои жизненные силы, лелеют бессмысленные надежды и мечты.

Таким образом, Гоголь часто балансирует между реальным и фантастическим. Грань между настоящим и вымышленным довольно размыта, что придает гоголевской манере письма то неповторимое очарование. Подобная особенность его повествования в совокупности с отсутствием в нем героя с динамичным, развивающимся характером делает вопрос о реализме Гоголя причиной множества дискуссий. Но современный исследователь реализма Маркович высказывает свое мнение о том, что реализм не предполагает жизнеподобия как такового, не предполагает исключительно жизнеподобной поэтики. То есть с помощью миражной интриги Гоголь показывает гротескно преувеличенные отрицательные стороны своих героев. Это позволяет ему изобразить характеры своих персонажей более ярко, приблизиться к наиболее интересным для него сторонам реальности.

Гоголь критикует нравы людей, несовершенство их характеров, но не сами основы существующего тогда порядка и не крепостное право. Можно сказать, что Гоголь утверждал пафос критицизма, что осознанно входило в его творческую программу, так как это было свойственно приверженцам "натуральной школы". Наличие пафоса критицизма в произведениях Гоголя подтверждается размышлениями в них автора о двух типах писателя, о ложном и истинном патриотизме и о кажущемся ему вполне законным праве "припрячь подлеца". Гоголь видел свою цель в исправлении пороков общества, что характеризует его как реалиста. Он был писателем, изображающим действительность "сквозь видный миру смех и сквозь невидимые миру слезы".

По замыслу Н. В. Гоголя темой поэмы должна была стать вся современная ему Россия. Конфликтом первого тома “Мертвых душ” писатель взял два типа противоречий, присущих русскому обществу первой половины XIX века: между мнимой содержательностью и действительной ничтожностью господствующих слоев общества и между духовными силами народа и его закабалителями. «Мертвые души» можно назвать энциклопедическим исследованием всех насущных проблем того времени: состояния помещичьих хозяйств, морального облика помещичьего и чиновничьего дворянства, их взаимоотношений с народом, судеб народа и родины. Прежде всего, построение поэмы отличается ясностью и четкостью: все части связаны между собой сюжетно-образующим героем Чичиковым, путешествующим с целью добыть “миллион”. Это энергичный делец, ищущий выгодных связей, вступающий в многочисленные знакомства, что позволяет писателю изобразить действительность во всех ее гранях, запечатлеть социально-экономические, семейно-бытовые, морально-правовые и культурно-нравственные отношения в крепостнической России. На протяжении всей поэмы утверждение народа как положительного героя сливается с прославлением родины, с выражением автором своих патриотических и гражданских суждений. Эти суждения рассеяны по всему произведению в форме проникновенных лирических отступлений. Так, в 5-й главе Гоголь славит “живой и бойкий русский ум”, его необыкновенную способность к словесной выразительности. В 6-й главе он обращается со страстным призывом к читателю сохранить в себе до конца жизни истинно человеческие чувства. В 7-й главе идет речь о роли писателей, о разных их “уделах”. В 8-й показана разъединенность губернского дворянства и народа. Последняя, 11 глава, завершается восторженным гимном Родине, ее прекрасному будущему. В процессе изображения помещиков и чиновничества перед читателями постепенно развертывается образ главного героя повествования - Чичикова. Лишь в заключительной, одиннадцатой главе Гоголь раскрывает его жизнь во всех деталях и окончательно разоблачает своего героя как ловкого буржуазного хищника, мошенника, цивилизованного подлеца. Такой подход обусловлен стремлением автора полнее изобличить Чичикова как общественно-политический тип, выражающий новое, еще только зреющее, но уже вполне жизнеспособное и достаточно сильное явление - капитал. Именно поэтому его характер показан в развитии, в столкновениях со множеством самых различных препятствий, возникающих на его пути. Замечательно, что все другие персонажи “Мертвых душ” предстают перед читателем психологически уже сложившимися, то есть вне развития и внутренних противоречий (исключение в какой-то мере составляет Плюшкин, которому дана описательная предыстория). Такая статичность характеров подчеркивает застойность быта и всего образа жизни помещиков и способствует концентрации внимания на особенностях их характеров. Через всю поэму Гоголь параллельно сюжетным линиям помещиков, чиновников и Чичикова непрерывно проводит еще одну - связанную с образом народа. Композицией поэмы писатель все время настойчиво напоминает о наличии пропасти отчуждения между простым народом и правящими сословиями.

ЕКЗАМЕНАЦІЙНИЙ БІЛЕТ № 13

1. Охарактеризуйте Відродження в Іспанії. Поясніть, чому «Дон Кіхот» М. Сервантеса вважається пародією на лицарський роман. Проаналізуйте образи Дон Кіхота та Санчо Панси. Традиції М. Сервантеса в світовій літературі.

Условно Возрождение в Испании можно разделить на три периода: ранее Возрождение (до середины 16 в.), высокое Возрождение (до 30-х 17 в.) и так называемый период барокко (до конца 17 в.).

В период раннего Возрождения в стране возрос интерес к науке и культуре, чему немало способствовали университеты.

В 1473–1474 в Испании появляется книгопечатание, развивается публицистика, в которой господствовали идеи, созвучные идеям Реформации и обновления католической церкви по образцу протестантских стран. Значительное влияние на формирование новых представлений оказали идеи Эразма Роттердамского.

Один из первых испанских "вольнодумцев" – Альфонсо де Вадес (ок. 1490–1532), выступавший с критикой церкви.

Реформаторы испанской литературы – Хуан Боскан Альмогавер (конец 15 в.–1542) и Гарсиласо де ла Вега (1501–1536), которые ввели в литературный обиход мотивы и формы, заимствованные у итальянского Возрождения.

На начало 16 в. приходится расцвет рыцарского романа. Образцами для авторов послужили рыцарские романы Англии и Франции, развившиеся на несколько столетий раньше. Романы этого жанра переводились на испанский язык еще в 15 в. Первый и самый знаменитый испанский рыцарский роман – Амадис Гальский опубликован в 1508.

В середине 16 в. формируется один из основных жанров испанской литературы Возрождения – плутовской роман (роман о похождениях плутов и пройдох), появление которого связано с распадом старых патриархальных связей, разложением сословных отношений, развитием торговли и сопутствующих ей плутовства и обмана. Автор одного из наиболее ярких сочинений этого жанра – Трагикомедии о Калисто и Мелибее (1499) – Фернандо де Рохас (около 1465–1541). Трагикомедия больше известна под названием Селестина, по имени самого яркого персонажа – сводни Селестины, которую автор одновременно осуждает и отдает должное ее уму и находчивости. В романе прославление любви сочетается с сатирой на испанское общество и явственно проступают характерные черты жанра – автобиографическая форма повествования, служба героя у разных господ, позволяющая ему подметить недостатки людей разных сословий и профессий.

Новый этап в развитии испанского Возрождения, так называемое высокое Возрождение, относится ко второй половине 16 – началу 17 вв.

Во второй половине 16 в. до 30-х 17 в. преобладает поэзия – лирическая и эпическая. Кроме того, популярностью пользовались пасторальные романы, зарождались реалистические роман и драма.

В испанской лирической поэзии существовали две противоборствующие поэтические школы – севильская и саламанкская.

Благодаря творчеству Мигеля де Сервантеса Сааведры (1547–1616), провившего себя в разных литературных жанрах, испанская литература приобрела всемирную славу. Его бессмертное сочинение – роман Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский, задуманный как пародия на рыцарские романы того времени, стал одним из самых ярких памятников в мировой литературе.

В эту эпоху завершается формирование испанской национальной драмы. Наиболее полно ее характерные черты воплотились в творчестве Лопе Ф. де Вега Карпьо (1562–1635). Мировоззрение Лопе де Вега, новатора в области драматургии, сочетало в себе гуманистические и патриархальные идеи.

«Дон Кіхот» М. Сервантеса - пародія на лицарський роман.

В XVI ст., когда рыцарская литература в Европе приходила в упадок, начался ее развитие в Испании. Испанский рыцарский роман имел специфический характер. Главный его признак - развлекательность. Современники Сервантеса были убеждены, что он написал "Дон Кихота" для того, чтобы высмеять рыцарские романы и навсегда отразить у своих земляков желания их читать. В "Дон Кихоте" читателями рыцарских романов является большинство персонажей романа, почти все, с кем судьба сводит Рыцаря Печального Образа, начиная от погонщиков и заканчивая семьей герцога.

Роман "Дон Кихот", начат как пародия на рыцарские романы, перерастает в трагикомический эпос испанской жизни. Действие перенесено в современную писателю Испанию. Поступки героя вызывают у читателя смех, но смех с горечью: Дон Кихот искренне хочет помогать людям, но его помощь только шкодит им при условиях действительности.

Мигель Сервантес иносказательно-иронически изобразил приключений героя, пародирующего своим обликом, языком и действиями облик, деяния и язык героев рыцарской эпики.

Преследуя цель осмеять и тем самым дискредитировать в глазах читателя рыцарские романы, о чем прямо заявлено в Прологе к первой части, автор «Дон Кихота» создал не литературную пародию как таковую (самое слово «пародия» он нигде не использовал) , а новый тип повествования.

Трансформируя мотив «свихнутости» героя Сервантес представляет «рассудительное сумасшествие» Дон Кихота как особое состояние сознания человека, находящегося в положении читателя созидаемого им в процессе чтения текста.

Воспоминания о былой славе предков смешались в сознании Дон Кихота с впечатлениями, полученными от чтения рыцарских романов, которые создавались и издавались в огромном количестве в Испании и в Португалии на протяжении первой половины XVI века.

Подобно ребенку. Дон Кихот считает, что если какую-нибудь вещь назвать соответствующим именем и пожелать, чтобы она была тем-то и ничем иным, то так оно и будет. Так, он «признает» и «решает» , что его мослатый жеребец, если его назвать звучным именем Росинант, будет вполне добрым конем, а деревенская девица Альдонса Лоренсо, названная Дульсинеей, вполне сгодится на роль дамы его сердца, поскольку странствующий рыцарь обязан иметь таковую.

Претворяя в жизнь свой «неписаный» рыцарский роман, герой Сервантеса постоянно оглядывается на устав мифического ордена странствующих рыцарей, членом которого себя осознает. Поэтому нельзя сказать, что Дон Кихот ведет себя по собственному усмотрению, стараясь ни в чем не походить на других, в чем нередко заключается чудачество героев более позднего времени. Напротив, его поведение «запрограммировано» канонами рыцарского повествования и идеей подражаня. . Но подражание деяниям и любовным страданиям книжных рыцарей помимо воли самого идальго превращается в пародирование - в передразнивание. Слова и дела Дон Кихота попадают не в тот контекст. Накладываются на «низкий» текст обыденной действительности, что иронически обыгрывается автором.

Интерпретация «Дон Кихота» как пародии на рыцарский эпос правомерна по отношению к его отдельным эпизодам, мотивам и образам, к некоторым повествовательным приемам, используемым автором, но не охватывает роман Сервантеса как целое, основанное на совмещении и согласовании множества жанровых традиций.

Дон Кихот, бедный захолустный идальго, сведенный с ума чтением рыцарских романов и решивший восстановить древний институт странствующего рыцарства, подобно героям рыцарских романов, выезжает на подвиги в честь своей воображаемой «дамы» для защиты всех обиженных и угнетенных в этом мире. Но его доспехи — ржавые обломки вооружения его предков, его конь — жалкая кляча, спотыкающаяся на каждом шагу, его оруженосец — хитрый и грубоватый местный крестьянин, соблазнившийся перспективой быстрого обогащения, дама его сердца — скотница Альдонса Лоренсо из соседнего села, переименованная безумным Дон Кихотом в Дульсинею Тобосскую.

Точно так же пародируются в романе все рыцарские обряды и обычаи: церемония посвящения в рыцари, этикет рыцарского поединка, детали «рыцарского служения» даме (например, когда Дон Кихот приказывает «побежденным» его противникам отправиться к Дульсинее Тобосской и предоставить себя в ее распоряжение).

Также пародируются обряды «обожания» ее (самобичевание Дон Кихота в горах Сьерра-Морены, напоминающее эпизод Прекрасного Скорбника в «Амадисе Галльском»).

Разгоряченное воображение Дон Кихота заставляет его во всем видеть блистательные авантюры или волшебство, принимать ветряные мельницы за великанов, постоялый двор — за роскошный замок, таз цирюльника — за чудесный шлем, каторжников — за угнетенных рыцарей, даму, едущую в карете, — за похищенную принцессу.

Все подвиги Дон Кихота, совершаемые им для восстановления справедливости на земле, приводят к совершенно противоположным результатам. Пастушок Андрее, за которого Дон Кихот заступился, после его отъезда подвергается еще более жестоким побоям; каторжники, освобожденные им, разбегаются, чтобы сделаться снова бичом общества. Нелепое нападение на похоронную процессию заканчивается переломом ноги у ни в чем не повинного лиценциата; стремление помочь испанскому рыцарю, окруженному маврами, приводит к разгрому кукольного театра, на сцене которого это изображалось.

Все те, кого Дон Кихот пытается «защитить», молят небо «покарать и уничтожить его милость со всеми рыцарями, родившимися когда-либо на свет». Дон Кихота оскорбляют, бьют, проклинают, над ним издеваются, и, в довершение позора, его топчет стадо свиней.

Наконец, измученный морально и физически, рыцарь Печального образа возвращается к себе домой и там, тяжело заболев, перед смертью прозревает. Он снова становится доном Алонсо Кихана, прозванным за свои поступки Добрым, отрекается от рыцарских бредней и составляет завещание в пользу племянницы, с оговоркой, что она лишится наследства, если выйдет замуж за человека, любящего читать рыцарские романы.

Прежде всего Сервантес предал в своем романе осмеянию не только рыцарские романы как литературный жанр, но и самую идею рыцарства. Осмеивая рыцарские романы, он боролся со старым, феодальным сознанием, которое подкреплялось ими и находило в них свое поэтическое выражение. Он протестовал в своем романе против всего мировоззрения правящей верхушки Испании, пытавшейся возродить на новых основах «рыцарские» идеи, и в первую очередь против феодально-католической реакции, поддерживавшей эти идеи.

Сервантес осуждает не самого Дон Кихота, наделенного им чертами редкого душевного благородства, доброты и рассудительности, а те бредовые рыцарские идеи, которые овладели воображением бедного идальго. Последнее могло случиться лишь оттого, что Дон Кихот весь устремлен в прошлое, оттого, что он, по выражению Белинского, «лишился всякого такта действительности». Это прошлое — мир рыцарства, который Дон Кихот пытается восстановить. Он действует слепо, следуя готовым нормам и правилам, вычитанным им из старых книг и отжившим свой век, он не умеет и не хочет считаться с реальными возможностями, с подлинными нуждами и требованиями людей, с действительным положением вещей.

Несоответствие между стремлениями фантазирующего Дон Кихота и его возможностями порождает грустный комизм его образа. При этом Дон Кихот в положении «рыцаря» не только комичен, но и социально вреден. Отвлеченность его принципов, его отрыв от действительности порождают целый ряд пагубных недоразумений.

В своих авантюрах Дон Кихот не только постоянно терпит неудачи, но и сеет вокруг себя разрушение.

Образи Дон Кіхота та Санчо Панси.

ДОН КИХОТ ЛАМАНЧСКИЙ по прозвищу Добрый, страстный поклонник рыцарских романов, уверенный в том, что все описанное в них правда, решает сделаться странствующим рыцарем, чтобы искоренять зло и неправду, защищать слабых и обездоленных. Бедный дворянин Алонсо Кехано — старый романтик и идеалист. Мы почти ничего не знаем о Доне Кихоте, кроме того, что его имущество состоит из унаследованного давнего щита, копья, худой лошади и охотничьей собаки. Как дворянин он имеет возможность бывать на охоте. Мы узнаем, что герою около пятидесяти лет, но не знаем, откуда он родом, кто его родители, чем занимался до сих пор. Но на наших глазах герой перевоплощается в безрассудного рыцаря. Всю жизнь он прожил, не слишком обращая внимание на реальность, потому что реальными для него были литературные герои, благородные и бескорыстные рыцари, сражающиеся с несправедливостью, защищающие честь своих прекрасных дам. Наконец, состарившись, Алонсо Кехано словно спохватывается и решает сам пройти этот рыцарский путь. Но ему по душе не только рыцарские приключения, а высокая цель борьбы со взлом. И тогда он старается подчинить своей выдумке повседневность.

Нарядившись в рыцарские доспехи и оседлав старую клячу Россинанта, Д.К. вместе со своим верным оруженосцем Санчо Пансой, с которым герой не расстается на протяжении почти всего произведения, выезжает из родной деревни в поисках приключений. Внешний облик героя (худой и бледный господин в старых доспехах на тощем Россинанте), который удивительным образом контрастирует с наружностью толстого балагура Санчо, а также странное поведение и невероятные поступки Д.К. вызывают смех у окружающих и приносят ему славу сумасшедшего. Д.К. считает, что мир заколдовали злые волшебники, «дабы окутывать мраком и обращать в ничто подвиги праведников и освещать и возвеличивать деяния грешников». Призвание героя — сражаться с этими волшебниками. Д.К. видит опасность и врага там, где их на самом деле нет, а выражение «бороться с ветряными мельницами» стало синонимом бессмысленных и нелепых действий. Поступки героя часто приводят к обратному результату. Так, например, рыцарь пытается спасти пастушка Андреса от побоев хозяина, но после того как Д.К. уезжает, разозлившийся хозяин избивает мальчика до полусмерти. В безудержном стремлении к справедливости Д.К. освобождает каторжников, осужденных на галеры, но, получившие свободу, они побивают камнями своего освободителя. Желая совершить доброе дело, Рыцарь Печального Образа только наносит вред, и в этом смысле Д.К. можно назвать отрицательным героем.

Уже само имя, придуманное себе героем (в переводе с испанского «кихот» означает «набедренник») вызывает недоумение и улыбку. Ведь идальго, представители низшего слоя испанского дворянства, не имели права на приставку частицы «дон».

Автор лишь постепенно подводит читателя к тому, что его герой, несмотря на его весьма эксцентрические выходки, прекрасно образован, начитан в античной литературе, может быть трезвым и рассудительным, а в его безумии, говоря словами Шекспира, есть «своя последовательность».

Он верит в человеческую порядочность там, где ее нет. В эпизоде с побитым мальчиком-пастушком Дон Кихот, как и мальчик, выглядит трагическим. Мальчик - от побоев богатея, который не платит ему денег за работу, Дон Кихот - от своей слепой веры в человека. И хотя поединок с львом тоже выглядит комически, герой возникает перед нами человеком очень смелым, тем не менее, он живой в фантастическом выдуманном мире.

Несмотря на свое помешательство на рыцарских романах, Д.К. проявляет необычайную осведомленность и рассудительность во всех остальных вопросах. В рассуждениях о литературе, воспитании, правителях, свободе, войне и мире он выступает как мыслитель-гуманист, альтер эго самого автора. Д.К. становится мудрым наставником для Санчо Пансы, когда оруженосец занимает пост губернатора на воображаемом острове Баратария.

Образ Д.К. меняется на протяжении романа. Во втором томе с героем происходит удивительная метаморфоза: Д.К. прозревает и действительность предстает перед ним такой, какая она есть. В то же время окружающие, заражаясь безумием Д.К. и потакая его чудачествам, пытаются обмануть Рыцаря Печального Образа.

Правда, во 2-й части романа героический энтузиазм Дон Кихота постепенно ослабевает, уступая место разочарованию и примирению с участью простого смертного — уже не странствующего рыцаря Дон Кихота, а бедного идальго Алонсо Кихано. Но это вовсе не означает, что автор ниспровергает идеалы, вдохновлявшие его героя. Сервантес показывает, что человек в своих духовных исканиях должен подражать высочайшим образцам, не боясь показаться смешным, но при этом обязан помнить, что он крепчайшими идеями связан со своим окружением, которое не только держит личность в плену обыденности, но и стимулирует ее потребность в творчестве, в создании образов, которыми будет жить не одно поколение. На протяжении всего романа Сервантес постоянно подвергает образ своего героя самому трудному и жестокому испытанию — испытанию смехом. И Дон Кихот его выдерживает. Трагическое и комическое в нем сливаются воедино, а смех благодаря гению Сервантеса приобретает новое измерение — он не унижает и не развенчивает, но облагораживает и утверждает веру в вечное достоинство смертного человека.

Дон Кихот умирает, но его благородные порывы остаются жить в веках. А еще остается с нами его добрая мудрость:

«Свобода, Санчо, есть одна из наиболее дорогих щедрот, которые небо выливает на людей; с ней не могут сравниваться никакие сокровища... Ради свободы, так же, как и ради чести, можно и нужно рисковать жизнью, и, наоборот, неволя есть наибольшее из несчастий, которые только могут случиться с человеком».

И Дон Кихот, и Санчо Панчес представляют собой авторское понимание человеческой сущности - благородной, прекрасной, внутренне свободной, достойной увлечения. Дон Кихот и Санчо - представители разных общественных слоев. Но оба они свободные от внешних авторитетов и запретов. Дон Кихот смело порывает со своим классом, с обычным образом жизни во имя большой цели служения человечеству. Он смело берется защищать обездоленных, так как понимает, что Бог создал всех людей свободными. Даже служение мысленной Дульсинее, олицетворением которой постоянная вульгарная Альдонса, для героя тоже является частью служения человечеству.

Санчо Панчес является своеобразным дополнением образа Дон Кихота. Во-первых, он представитель народа. Во-вторых, он едет за Дон Кихотом не ради высокой цели. У него есть семья, и если он не получит от своего господина обещанный остров, то, по крайней мере, заработает денег. Общим для обоих персонажей Сервантеса есть чувства собственного достоинства.

Но Санчо Панчес в своем путешествии с Дон Кихотом не забывает и о наживе: прихватывает кое-что из вещей похоронной процессии, забирает седло осла-цирюльника.

Санчо реально смотрит на вещи, понимает дикость своего хозяина и подигрывает ему. А иногда он и сам верит бессмыслице. Так, Санчо верит вранью священника, который Доротея является принцессой, и уговаривает Дон Кихота защитить ее от великана.

Но Санчо - крестьянин, и его все время тянет к земле и к семье. Даже во время утопического правления островом, Санчо обнаруживает себя мудрым и некорыстолюбивым человеком. Законы, которые он выдает, преисполненные человечного отношения к подчиненным.

Он простой крестьянин, земледелец, которого привлекли рассказы Дон Кихота о рыцарской славе и добыче. В начале произведения Санчо Панса - антипод своему господину. Санчо Панса интересует именно богатство и добыча. Он стремится получить легкую наживу от рыцарского похода с Дон Кихотом и навечно обеспечить свою семью - жену и детей. А у ж более всего Санчо любит поспать и поесть.

Санчо Панса, в отличие от Дон Кихота, вовсе не мечтатель. Он трезвый, рассудительный, практичный, даже хитрый. Выгода интересует Санчо Панса всегда и везде.

Образ Санчо Пансы - это воплощение человека из народа, носителя народной мудрости, но одновременно человека простого, наивного.

Со временем Санчо меняется под влиянием бескорыстного Дон Кихота. Он уже служит Дон Кихоту не за деньги, которые тот не в состоянии заплатить ему. Санчо жалеет своего господина и глубоко уважает его. Оруженосец обнаруживает черты, общие для них с Дон Кихотом - доброту, отзывчивость, человечность, чистоту сердца. Когда Санчо Панса выпадает возможность побыть некоторое время губернатором острова, то он проявляет себя милосердным правителем, хочет заботиться о земледельцах и поднимать сельское хозяйство.

Традиції М. Сервантеса в світовій літературі.

Роман Сервантеса потряс читателей и стал не только фактом истории литературы, но и фактором, изменившим ее, создавшим многие сюжеты. Перекличку или спор с Сервантесом уже четыреста лет ведут писатели. Без него не написал бы своего Дон Кихота — князя Мышкина из "Идиота" — Достоевский. Герой романа Замятина "Мы", у которого нет даже имени, только номер, тоже по-донкихотски встает на борьбу против всех. Двойственность образа порождает двойственность восприятия.

3. Дайте характеристику французького постромантизму. Поясніть, у чому полягають естетичні принципи парнасців. Розкрийте своєрідність поезії Ш. Бодлера (Збірка «Квіти зла»).

Парнас - группа французских поэтов в 1850-60-е гг.: Ш.Леконт де Лиль, Ж. М. Эредиа, Ф. А. Сюлли-Прюдом и др. (название утвердилось в 1866, после выхода их сборника ""Современный Парнас""); декларировала ""искусство для искусства"", ""бесстрастную"" поэзию прекрасных форм, изысканность поэтического языка.

Революция прошла по многим странам Европы: Германия, Италия, Франция, Венгрия. Вера в гуманистическое будущее и в прогресс обвалилась с крахом революции. Установился режим буржуазной пошлости, общей стагнации. В тот момент надо было создать видимость процветания и успеха. Так появилось чистое искусство. За ним – декаданс, парнасская группа (Готье, Лиль, Бодлер).

Теория чистого искусства – отрицание всякой полезности искусства. Прославление принципа «искусства для искусства». У искусства одна цель – служение красоте. Искусство теперь – способ ухода от мира, чистое искусство не вмешивается в общественные отношения. Триединство истины, добра, красоты – теория чистого искусства. Теория чистого искусства возникает как форма бегства от ненавистной действительности. Теоретики чистого искусства также стремятся к эпатажу (высказать себя, шокировать).

Возникает пантеизм – многоверие, много героев, мнений, мыслей. История и естествознание становятся музами современной эпохи. Пантеизм у Флобера – современный каскад: томление духа он объяснил состоянием общества. «Мы стоим чего-то только благодаря своим страданиям». Эмма Бовари – символ эпохи, символ пошлой современности.

Эти годы обогатили западно-европейский реалистический роман принципиально новым психологизмом.Реализм в эти годы приходит к своему апогею - к законченности.

Необходимо было утвердить собственно человека и развенчать романтического героя.

Бодлер «Цветы зла». Мотивы. Смысл названия. История создания.

Заглавие сборника отразило противоречия эпохи и противоречия творчества самого поэта; оно вызывало много споров и дало пищу множеству толкований и интерпретаций. Столкновение понятий «зло» и «цветы» — противопоставление уродливого и прекрасного, отчаяния и идеала — проходит через всю книгу. Желая эпатировать читающую публику, Бодлер предполагает назвать свой сборник "Лесбиянки". Название не было связано с содержанием и идеей книги, и поэт решил заменить его другим, как нельзя более соответствующим "Лимбы", которое обращало нас к воспоминаниям о Дантовом "Аде". Это название было похищено у поэта, и в последней редакции сборник получил то название, с которым он и остается в мировой литературе.

Сборник чрезвычайно разнообразен по интонациям и тематике. Он включает ряд мятежных, богоборческих стихов («Отречение святого Петра», «Авель и Каин», «Литании Сатане»). В стихах «Вечерние сумерки», «Утренние сумерки», «Вино тряпичников» создан образ Парижа тружеников, Парижа угнетенных, униженных и обездоленных. Ненависть к буржуазному миру, анархическое бунтарство, тоска по гармонии соединяются в сборнике с эстетизацией уродств и зла жизни, с описанием пороков и язв большого города.

Переворот и революция подорвали в Бодлере многие идеалистические мысли. Жизненная позиция поэта – эпатаж: постоянное неприятие того, что официально. Он не разделял идей о человеческом прогрессе. Много раз в своей поэзии он обращался к запретным темам (тоже своего рода эпатаж)

Основными темами у него были пессимизм, скептицизм, цинизм, распад, гибель, обрушившиеся идеалы.

Тема бунта в этом сборнике очень ярка. Даже есть отдельная часть, называющаяся «бунт» или «мятеж». В нее вошли три стихотворения: «Каин и Авель», «Отречение святого Петра» и «Литании сатане» (О, лучший между сил, царящих в Небесах, обиженный судьбой, и нищий в похвалах). В этом цикле с наибольшей определенностью выявились бунтарские, антицерковные направления поэта. Он славославит Сатану, и святому Петру, который отрекся от Христа и в этом молодец. Очень важен сонет «Каин и Авель»: род Авеля – род угнетенных, род Каина – род угнетающих. И Бодлер поклоняется роду Каина: «Восстань из ада и сбрось всевышнего с небес!»). Он был анархистом по натуре.

Бога описывал, как кровавого тирана, никак не умевшего насытиться муками человечества. У Бодлера бог – смертный человек, который умирает в страшных муках.

Его бунт не только в этом. Бунт скуке – тоже бунт Бодлера. Во всех его стихах атмосфера уныния, неодолимой скуки, которую он назвал сплином. Эту скуку породил мир бесконечной пошлости, Бодлер восстает как раз против него.

Тема любви в его творчестве очень сложна. Она не вкладывается ни в какие рамки, ставившиеся этой теме ранее различными поэтами. Это особая любовь. Скорее, любовь к природе больше чем к женщине. Очень часто звучит мотив любви к бескрайним просторам, к бесконечной дали моря.

В первой и самой длинной главе «Сплин и Идеал» поэта раздирают противоборствующие силы: он возносит молитву Богу (духовное начало) и Сатане (животное начало) в тщетном стремлении обрести внутреннее единство. В эту же главу входят стихотворения об искусстве и три знаменитых «любовных цикла».

Основная тема цикла "Парижские картины" тема большого города. Бодлер называл город "славной и скорбной картиной нашей цивилизации". "Славной", потому что возникновение мировых городов это вершина развития человеческого общества, "скорбной", потому что городгигант является знаком заката культуры.

В цикле "Вино" основной темой становится бегство от действительности. Идеал недостижим, реальность неприемлема. Лирический герой предпринимает попытку преодолеть эту трагическую противоположность в иллюзии.

В цикле стихотворений "Бунт" Бодлер делает носителями авторской симпатии Каина, отрекшегося Петра, наконец, Сатану. Заключительный раздел "Смерть" построен по тому же принципу, что и весь сборник в целом. Он начинается с мечты о смерти как о наслаждении, отдохновении от мук; затем переосмысление этой идеи, распознание ее иллюзорности, и, наконец, в заключительном стихотворении утверждается неискоренимость человеческого стремления к идеалу, к познанию истины, даже если эта истина в смерти.

Впервые Шарль Бодлер познакомился с творчеством американского новеллиста, поэта и критика в 1847 году, прочитав в газете "La Democratie pacifique" (от 27 ноября) перевод новеллы Э. По "Черный кот". Текст никому неизвестного во Франции американца заинтересовал его, хотя до популярности "безумного Эдгара" было еще далеко.

Со времени публикаций первых переводов во Франции имя Бодлера не отделялось от имени Эдгара По, и упоминание об одном почти автоматически влечет мысль о другом. Иногда кажется даже, что идеи американца целиком принадлежат французу.

Поэтому различия между поэтами никто уже и не замечал, а образ Эдгара По стал для него "знамением, оправданием, надеждой, идеалом, иконой" (218), да и просто мифом, позволявшим выживать во враждебной среде. В этом мифе образ Эдгара По сознательно искажался в угоду творимой легенде, поэтому всегда стоит учитывать, что несмотря на ряд проницательных суждений о специфике творчества Э. По, "романтическая критика" Ш. Бодлера страдала вполне определенной односторонностью.

Заслугой же Бодлера надо считать создание подлинного "культа" Эдгара По, причем не только во Франции, но и в Европе, когда символисты, подхватив "демоническое" знамя Бодлера, обратили внимание и на легенду об Эдгаре По. Эта легенда оказалась необходимой для построения новой эстетики - эстетики европейского декаданса, для которой порочный гений и эстетика зла были просто необходимы.

Переводил его сочинения и писал о нем критические статьи в 1852–1865.

ЕКЗАМЕНАЦІЙНИЙ БІЛЕТ № 14

1. Бароко як літературний напрям XVII століття. Охарактеризуйте філософську основу й естетик, систему жанрів. Покажіть риси бароко у драмі П. Кальдерона «Життя є сон».

Барокко — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Писатели и поэты в эпоху барокко воспринимали реальный мир как иллюзию и сон. Под барокко подразумевалось нечто вычурное, даже уродливое. Это название было в насмешку дано эстетами XVIII в. искусству XVI и XVIIв.в. Оно было унаследовано и художественной критикой XIXв. Считалось упадком красоты и хорошего вкуса. Поэтому до сих пор критики часто используют термин барокко, характеризуя завершение или упадок определенного стиля. Но историческое барокко - XVII в. Со временем термин «барокко» утерял негативный подтекст и стал использоваться применительно к скульптуре, живописи, музыке и литературе.

Среди теоретиков можно назвать Джамбаттисто Марино Перегрини, Эммануэле Тезауро. Художественная концепция барокко считает основной созидательной силой остроумие (предвосхищение романтической иронии). Барочное искусство уделяет особое внимание воображению, замыслу, который должен быть остроумным, поражать новизной. Барокко допускает в свою сферу безобразное, гротескное, фантастическое.

Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением. Широко используются символы, метафоры, театральные приёмы, графические изображения (строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами, параллелизмами, градациями, оксюморонами. Бытует бурлескно-сатирическое отношение к действительности. Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах (дух и плоть, мрак и свет, время и вечность). Этика барокко отмечена тягой к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения (Ф. де Кеведо, П. Кальдерон).

Стиль барокко вобрал в себя философские и морально-этические представления о окружающем мире и месте человеческой личности в нем.

Расцвет европейского литературного барокко пришелся на XVII век, объединяло две большие эпохи - Ренессанс и Просвещение. В барочном направлении следует видеть синтез искусств двух эпох - Возрождения и Средневековья (готики), хотя нельзя исключать и наличия в нем целого ряда оригинальных стилистических приемов и поэтических рис.

Характерные черты направления:

• трагическая напряженность мировосприятия;

• пессимизм;

• скепсис, разочарование;

• противопоставление реальности и иллюзий;

• гармоничное сочетание трагического с комическим, возвышенного с вульгарным, ужасного с забавным;

• наклон к усложненной формы;

• взгляд на Бога как на вершину совершенства (но сохранялся и антропоцентризм: человек трактовалась не как противовес Богу, а как совершенное его творение)

• сохранение античного идеала красоты, но попытка сочетания его с христианским идеалом (Венера Милосская и Сикстинская мадонна).

Литература барокко настаивала на свободе выражения в творчестве, ей присущ безудержный полет фантазии. Барокко стремилось к чрезмерности во всем. В силу этого – подчеркнутая, нарочитая усложненность образов и языка, соединенная со стремлением к красивости и аффектации чувств.

Характерной особенностью нового времени стала противоречивость мыслей и чувств. Если главным для эпохи Возрождения был страстный поступок в мире ("Ромео и Джульетта", "Дон Кихот"), то для барочной эпохи - страстные размышления о мире. Литература барокко вела человека в мир невозможного, в мир грез и сновидений.

Для барокко как стиля, рожденного переходными эпохами, характерным является разрушение антропоцентричных представлений эпохи Возрождения, доминирования божественного начала в его художественной системе. В барочном искусстве ощущается мучительное переживание личного одиночества, «покинутости» человека в объединении с постоянным поиском «утраченного рая».

Важное художественное средство в литературе барокко - это метафора, которая является основой для выражения всех явлений мира и оказывает содействие его познанию. В тексте барочного произведения происходит постепенный переход от украшений и деталей к эмблемам, от эмблем к аллегориям, от аллегорий к символам. Этот процесс объединяется с видением мира как метаморфозы: поэт должен проникнуть в тайны беспрерывных изменений жизни. Герой барочных произведений - большей частью яркая личность с развитым волевым и еще более развитым рациональным началом, художественно одаренный и очень часто благородный в своих поступках.

Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали (Оноре д’Юрфе, «Астрея»). В поэзии процветают вычурность, использование сложных метафор. Распространены такие формы, как сонет, рондо, кончетти (небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы.

Развиваются и такие жанры, как галантно-героический роман (Ж. де Скюдери, М. де Скюдери), реально-бытовой и сатирический роман (Фюретьер, Ш. Сорель, П. Скаррон). В рамках стиля барокко рождаются его разновидности, направления: маринизм, гонгоризм (культеранизм), консептизм (Италия, Испания), метафизическая школа и эвфуизм (Англия).

На западе в области романа выдающийся представитель — Г. Гриммельсгаузен (роман «Симплициссимус»), в области драмы — П. Кальдерон (Испания). В поэзии прославились В. Вуатюр (Франция), Д. Марино (Италия), дон Луис де Гонгора-и-Арготе (Испания), Д. Донн (Англия). В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий, Ф. Прокопович. Во Франции в этот период процветала «прециозная литература». В Испании барочное направление в литературе получило название «гонгоризма» по имени виднейшего представителя.

Риси бароко у драмі П. Кальдерона «Життя є сон».

В пьесе «Жизнь есть сон» внедрены ведущие мировоззренческие и художественные принципы и черты барокко. Прежде всего это неограниченная универсальность, космические масштабы, которыми свободно оперирует Кальдерой. Так, изображая ужасное затемнение Солнца (как зловещее увещевание, лихой знак), что было в самый раз в день рождения Сехисмундо, кисть художественного воображения драматурга делает воистину грандиозные мазки, назначая на роль актеров в этом космическом спектакле Солнце, Луну и Землю. И в знаменитых пышных барочных метафорах тоже ощущаются какие-то космические измерения. Интересной есть наличие в произведении другой любимой метафоры барокко - «жизнь - это театр», как говорилось, созвучно надписи на театре Шекспира «Глобус»: «Весь мир лицедеи».

Часто определенное исследователями стремление поразить читателя, подействовать на аудиторию, подчинить ее своему влиянию присущее искусству барокко, ощутимое в драме в том, что обычные слова часто заменяют чрезмерно пышными развернутыми метафорами. Так, в самом начале произведения обращения Росауры к своему коню, которое могло бы уместиться в короткую фразу: «Куда ты спешишь, мой конь?», превращается в пышный, пафосный монолог.

Черты барокко в пьесе Кальдерона заключаются отражении мироощущения барокко: жизнь преходяща, быстротечна, в ней правит случай. Никакие радости не вечны.

Яркой чертой барокко является то, что в итоге главный герой приходит к разумному, взвешенному, аристократичному и благородному решению. Разум и благородство — важные ценности эпохи барокко.

Кальдерон в драме «Жизнь есть сон» затронул ряд философских проблем, характерных не только для его творчества, но для барокко в целом. Это – проблема чести, любви и веры, а также проблема свободы человека и отношений человека с судьбой. В драме, с одной стороны, высказывается мысль о том, что противостоять судьбе невозможно, что жизнь – это театр или сон, в котором события вершатся по чьей-то воле, и люди не могут влиять на судьбу. На примере действий короля Басилио Кальдерон показывает нам, как попытка обмануть судьбу приводит к тому, что темное пророчество свершается по вине самого короля, пытавшегося его предотвратить. Драматург показывает, что судьбу можно победить силой своей воли. Принц Сехизмундо осознает, что человек свободен не потому, что волен бездумно творить что хочет подобно зверю, а потому, что волен сам выбирать свой путь, способен отличать добро и зло и делать выбор между ними. И, осознав это, он побеждает свою судьбу и сводит на нет злое пророчество. Так Кальдерон утверждает непобедимость добра.

Усвоивший католическую веру, Сехисмундо недоволен лишь тем, что за общий "грех рождения" расплачивается он один. Позже принц становится равнодушен к этой "несправедливости", когда осознает, что "жизнь есть сон". Однако, все же главной задачей «Жизнь есть сон» было дать наглядный урок воспитания идеального государя. Сехизмундо побеждает, пройдя через падение. Его победа – это победа над самим собой. И это не просто изображение человека, обуздавшего свои страсти – это именно портрет идеального правителя, способного ради блага подданных и державы поступиться своими собственными желаниями: так, будучи сам влюблен в Росауру, он, тем не менее, устраивает ее судьбу так, чтобы она была счастлива.

Кальдерон еще рассматривает проблему личной свободы. Драматург утверждает, что «звериная», ничем не обузданная свобода очень быстро убивает в человеке все человеческое – что и происходит с Сехизмундо, едва он только осознает, что свободен. Из смиренного узника он превращается в тирана.

Эпизод испытания принца властью позволяет понять меру нравственной ответственности, которую Кальдерон возлагает на идеального правителя. Драматург не устает утверждать, что вечная жизнь строится самим человеком, его поступками, и что добро безусловно остается добром, даже и во сне. Кальдерон показывает, что король, желая избежать зла, сам сотворил его – ведь Сехизмундо озлобила именно тюрьма.

Главной есть тема отношений человека и судьбы. Параллельно разворачивается другая, побочная тема - это тема любви в любовном треугольнику Эстрелы, Росауры и Астольфо

Еще одна из побочных тем произведения - история Клотальдо, который должных сделать выбор между выполнением закона и человеческими чувствами. Именно через него Кальдерон учит, что главнейшим для человека есть примат закона над беззаконием и дает пример такого выбора, показывая, как нелегко идти по этому пути. Кальдерон делает ударение на осознании того, что перед законом все уровни - и властитель, и его раб.

Здесь властвуют высокие чувства, высокий стиль общения, который усиливается афористическими выражениями, эмоциональным напряжением. Здесь есть определенная трагедийность, к которой контрасными есть другие темы драмы. «В драме «Жизнь - это сон» использованные также литературные приемы, характерные для барочных произведений - неожиданные сравнения серьезного с несерьезным, истины с перегруженным сюжетом, сложных ассоциаций. Что является важной составляющей драматического действия, они предоставляют всему произведению ярких, фантастических цветов, где реальное переплетенное из мысленным: человек возникает перед лицом величественной и ужасной вселенной; одинокая башня является домом для королей; герои драм ощущают любовь, гордыню и смирение…

Финал произведения по-барочному оптимистичный. В конце концов, в Полонии есть молодой, мудрый и справедливый правитель, родители и дети находят друг друга, любовные интриги завершаются, как и должны быть, двумя браками.