16. Особенности развития изобразительного искусства Фланрии и Галиции в 18 в.

В XVII в. нидерландское искусство разделилось на две школы — фламандскую и голландскую — в связи с разделением самих Нидерландов в результате революции на две части; на Голландию, как стали называть семь северных провинций, освободившихся от власти Испании, и на южную часть, оставшуюся под владычеством Испании,— Фландрию (современная Бельгия). Историческое раз¬витие их пошло разными путями, равно как и культурное. Во Фландрии феодальное дворянство и высшее бюргерство, а также католическая церковь играли главную роль в жизни страны и являлись основными заказчиками искусства. Сложилось фламандское искусство барокко, по-национальному жизнерадост¬ное, эмоционально-приподнятое, материально-чувственное, пыш¬ное в своих изобильных формах. Фламандское барокко мало про¬явило себя в архитектуре, зато ярко и выразительно — в декоратив¬ном искусстве (в резьбе по дереву, чеканке металла), искусстве гравюры, но особенно — в живописи. Центральной фигурой фламандского искусства XVII в. был Питер Пауль Рубенс (1577—1640). Универсальность таланта Рубенса, его поразительная творческая продуктивность роднят его с мастерами Возрождения. Родившийся в Германии, где недолго жили его родители, Рубенс получил образование на родине, в Антверпене. В 1598 г. Рубенс был внесен в списки свободных мастеров гильдии св. Луки, и эту дату можно считать началом творческой самостоятельности художника. В 1608 г. Рубенс возвратился на родину, женился на девушке из богатого бюргерского семейства Изабелле Брандт и прочно обос¬новался в Антверпене. С этих пор ему неизменно сопутствовал успех как художнику. 20-е и 30-е годы — период наиболее напряженной творческой деятельности Рубенса. Он получает заказы от церкви, двора, бюргерства, ему заказывают произведения иностранные дворы. Первой большой работой на родине были алтарные образа для знаменитого Антверпенского собора: «Воздвижение креста» (1610—1611) и «Снятие с креста» (1611—1614), в которых Рубенс создал классический тип алтарного образа XVII в. В нем сочетаются монументальность (ибо это живопись, которая должна выражать настроения большого числа людей, какие-то очень важные идеи, им понятные) и декоративность (ибо подобная картина является красочным пятном в ансамбле интерьера).Искусство Рубенса — типичное выражение стиля барокко, об¬ретающего в его произведениях свои национальные особенности. Дом Рубенса становится центром художественной жизни Флан¬дрии, туда стекается цвет художественной и ученой интеллигенции Европы, внимания художника ищут самые привилегированные лица. Атмосферу семейной жизни Рубенс прекрасно передал в «Автопортрете с Изабеллой Брандт» (1609—1610), изобразив себя и жену под сенью цветущей жимолости, в нарядных, даже торже¬ственных костюмах, лишенными всякой позы и нарочитости, из¬лучающими молодое счастье.В 1623—1625 гг. Рубенс получает заказ на цикл из 21 картины от французской королевы Марии Медичи, вдовы Генриха IV, для украшения Люксембургского дворца. Умер в расцвете сил.

Наиболее знаменитым из всех учеников Рубенса, учившимся у него недолго, но ставшим вскоре первым помощником в его мастерской, был Антонис ван Дейк (1599—1641). Ван Дейк рано сложился как художник. Сын богатого антверпенского коммерсан¬та, он всю жизнь стремился приобщиться к родовой аристократии, и в его портретах и автопортретах всегда подчеркнуты аристокра¬тизм модели, ее хрупкость и изысканность. Именно таким изящным баловнем судьбы видим мы его на эрмитажном автопортрете: усталое выражение нарочито придано этому розовощекому лицу фламандца, в натуре подчеркнуты черты женственности. Тщательно выписаны красивые холеные руки, аристократически небрежен костюм, романтически развились кудри. Он пишет себя то Риналь¬до, то Парисом, то. св. Себастьяном. Портретируя антверпенских богатых бюргеров, сам вышедший из этой среды, ван Дейк всячески старается аристократизировать модели, сообщая им нервную экс¬прессию и утонченность форм.В его творчестве большое место занимают сюжеты мифологи¬ческие и христианские, которые он трактует с присущим ему лиризмом или грустно-элегически («Сусанна и старцы», 1618—1620; «Св. Иероним», 1620; «Мадон¬на с куропатками».

Особым жанром во фламандском искусстве XVII в. был натюр¬морт, знаменитым мастером которого являлся Франс Снейдерс (1579—1657). В его картинах грудами лежат на столах прекрасно написанные дары земли и воды: рыба, мясо, фрукты, битая дичь. Как правило, такие натюрморты служили декоративным украше¬нием больших богатых интерьеров, поэтому фламандский натюр¬морт обычно велик по размеру в отличие от голландского (например, знаменитые «Лавки» Снейдерса, 1618—1621: «Рыбная лавка», «Фруктовая лавка», исполненные для епископского дворца).

№11. Икона – это станковая живопись. Образцы – рисунки – прописи - контурные кальки (не давали художнику сбиться или отклониться). Писали на досках – на Руси – на липовых, сосновых в Византии – тяжелые кипарисовые (не коробятся от атмосферных явлений, в них не заводился жучок-точильщик). На Беларуси – ольха, липа – мягкий материал. Покрывали доску левкасом (меловой грунт с клеем, грунт наносили лопаткой + рукой) – поволока – а-ля марля (лен, пенька), около 10 слоёв левкаса – наносили контуры – писали красками. Краски растирали на яичном желтке (прочные, яркие становились краски). Сверху икону покрывали олифой (вещество на основе растительного масла, образующего пленку), которая защищала икону от влаги и повреждений. Вместо лака, они не знали, что через 80 – 100 лет олифа темнеет, краски тускнеют. Такие иконы называли «непригодными»: их пускали в половодье по реке ликом вверх или выносили на перекресток и после молебна сжигали, иногда «записывали» новой живописью – несколько слоев.

Киево-Печерский патерик (сборник жизнеописаний монахов) сохранил имя знаменитого русского иконописца 11 – 12 вв Печерского монаха Алимпия, который учился у греческих мастеров, но большинство произведений этого периода до нас не дошло. Иконографический канон – система написания иконы. По преданию, древнейшие иконы появились либо чудесным образом «спас нерукотворный», либо написаны с натуры (изображение Богоматери евангелистом Лукой, изображение первых христианских святых художниками, которые лично знали и помнили их облик). Поэтому православная церковь никогда не допускала писания икон с живых людей или по воображению художника и требовала четкого соблюдения канона, который закреплял те особенности иконописных изображений, которые отделяли мир «горний» - божественный от мира «дольнего» - земного.

Условность письма должна была подчеркнуть в облике изображаемых на иконе лиц неземную сущность, духовность. Для этого фигуры писались плоскими и неподвижными, использовалась особая система изображения пространства (обратная перспектива) и временных отношений (вневременное изображение). Условный золотой фон иконы символизировал божественный свет. Все изображение на иконе пронизано этим светом и фигуры не отбрасывают теней, ибо в Царствии Божьем нет теней.

Чтобы неукоснительно следовать канону, иконописцы пользовались в виде образцов либо древними иконами, либо иконописными подлинниками: толковыми, которые содержали словесное описание каждого иконописного сюжета.

12- 13 век: в условиях феодального дробления в живописи, как и в зодчестве, заметнее стали проявляться региональные особенности, началось формирование местных художественных школ. Возрастало влияние церкви, которая в борьбе с языческими пережитками ужесточила контроль за соблюдением канонических требований. В результате образы святых становились более суровыми и аскетичными, усиливалась линейность и плоскостность изображения. В искусство местных школ, далеких от митрополичьей кафедры, активнее проникали элеметы народной культуры.

Самая ранняя из известных владимирских икон – «Боголюбская Богоматерь» сер 12 в. – стилистически близка знаменитой византийской иконе «Владимирской Богоматери», попавшей в Киев из Константинополя в начале 12 века и вывезенной в 1155 г. Андреем Боголюбским во Владимир (отсюда и название). Икона стала одной из самых прославленных на Руси и почиталась чудотворной, позже с нее были выполнены два списка (копии). Тап изображения «Умиление» стал традиционным и излюбленным на Руси.

Новгородская школа станковой живописи представлена своеобразными произведениями, написанными в различной художественной манере. В иконах 12 – нач 13 вв сохранились византийско-киевские традиции – «Спас Нерукотворный». На русских воинских хоругвях (знак, знамя, вертикально расположенное полотнище с изображением Христа или святых, укрепленное на длинном древке, носимое при крестных ходах; в прошлом использовалось в качестве полкового знамени) изображали именно этот образ Христа-триумфатора.

2-я половина 13 – 15 века: естественное продолжение искусства домонгольской Руси. Новгородская иконопись развивается медленно. Бурно развивается Московская живопись. Когда сюда из Новгорода приехал Феофан Грек, здесь уже сложилась своя самобытная художественная традиция. Именно это позволило московским живописцам избежать простого подражания великому мастеру, ставшего главной фигурой в художественной жизни Москвы. Иконостас Благовещенского собора – древнейший из дошедших до нас тн русских высоких иконостасов. В 14 веке в композицию иконостаса вошли деревянная резьба, богато украшенные оклады (ризы) для икон.

Новый иконостас редставлял собой высокую стенку из нескольких рядов икон («чинов»), стал включать 5 основных рядов:

- местный – с иконами, особо почитаемыми в данной местности, в том числе и храмовой (2-я справа от Царских Врат).

- деисусный, праздничный – включает иконы, посвященные главным образом двунадесятым праздникам, те 12 основным праздникам, установленным церковью в воспоминание о событиях из жизни Христа. (Деисус, деисусный чин (от греч моление) – икона или ряд иконостаса, имеющие в центре изображения Христа Вседержителя (Пантократора), а слева и справа от него соответственно – Богоматери и Иоанна Крестителя в позе молитвенного заступничества. Может включать аналогичные изображения архангелов, апостолов, святых отцов и пр.)

- пророческий – в центре Богоматерь с младенцем

- праотеческий – в центре Троица Новозаветная

- венчает иконостас Распятие.

- в 6-м дополнительном ряду могут изображаться Страсти Христовы, Собор всех святых и пр.

МОСКВА: творчество А. Рублева, Дионисия 14 - 15 вв.

С закатом Киевской державы отошло в прошлое искусство «мерцающей живописи», она была слишком дорогой для удельных князей.

Рублев: расписывал важнейшие храмы Московской Руси, монах. (прибл 1360 – прибл 1430). Ввел новые яркие цвета, внутреннее спокойствие: «Спас», «Троица».

Дионисий: (прибл 1440 – прибл 1505 гг) последователь Рублева, из мирян потомственный иконописец. В Москве имел мастерскую, краски сам готовил + привозные, не смешивал, а наносил друг на друга. До нас дошли только фрески церкви Рождества Богородицы в Ферапонтовом монастыре под Вологдой. Работал вместе с сыновьями (двумя), за 34 дня. Отход от Византии: плавность, яркость, радость. У него парадность, пышность, групповуха, удлиненные пропорции роста, самый богатый колорит.

№17. Основным жанром русской живописи в 16 веке остается иконопись. 16 век русской живописи открыл нам замечательного иконописца Дионисия. Дионисий был гениальным художником, он продолжал лучшие традиции Андрея Рублева, но и не забывал о собственной индивидуальности. Дионисий создал свой собственный художественный метод, которой во многом остается загадкой для наших современников – исследователей. Иконы Дионисия отличаются особой праздничностью. С середины 16 века усиливается контроль над русской церковной живописью. Вместе с этим в русскую церковную живопись 16 века проникает мотивы прославления государства. В русской иконописи 16 века, зарождается новая, Строгановская школа, отличающая в себе миниатюрность, тонкость рисунка и изящество. В русской живописи 16 века усиливается декоративность, и усложняется композиция рисунка. Наиболее известными мастерами русской живописи 16 века стали Прокопий Чирин и Истома Савин. Свою нишу в русской живописи 16 века занимает и светская живопись, явление относительно новое. Роспись золотой палаты в Кремле является памятником русской светской живописи 16 века.

Русская живопись 17 века пронизана противоречиями. Противоречия в русской живописи 17 века видны как в иконописи, так и в монументальной живописи. Противоречие заключается в верности традициям, интересу к многосложным рисункам - с одной стороны. С другой – стремление художников к «жиству», любовь к мелочам и деталям в иконе и фреске. 17 век нельзя считать расцветом русской живописи, так же нельзя и сказать, что русская живопись 17 века была в большом упадке. Икона 17 века, конечно, проигрывает в духовности иконам эпохи Андрея Рублева и Феофана Грека, то в гораздо меньшей степени это относиться к фреске. В 17 веке создаются монументальные росписи в Ростовском и Московском Кремле, храмах Ярославля, Вологды, и других русских городов. Несмотря на развитую специализацию, 17 век русской живописи стал веком искусства, а не ремесленной подделки. Выдающиеся иконописцы проживали в Москве. Числились они в ведомстве Иконной Палаты Иконного приказа. В конце 17 века стали работать мастерами Иконного цеха Оружейной палаты. В начале 17 века больших успехов добился Прокопий Чирин. Чирин был уроженцем Новгорода. Его иконы выполнены в неярких красках, фигуры по контуру очерчены золотой каймой, пробелены тончайшим ассистом. Еще одним замечательным русским живописцем 17 века был Назарий Савин. Савин предпочитал фигуры удлиненных пропорций, узкоплечие и длиннобородые. В 30 годы 17 века Савин возглавил группы иконописцев, написавших деисусный праздничный и пророческий чины для иконостаса церкви Положения Ризы Богородицы и в Московском Кремле. В середине 17 века, проводятся большие работы по возобновлению древних стенописей. Новая стенопись Успенского Собора в Москве, сохранила схему предшествующей, была выполнена в кратчайшие сроки. Руководил работами Иван Панссеин. Художники под его руководством написали 249 сложных композиций, и 2066 лиц. В 17 веке русской живописи выделятся особое стремление художников, стремление реалистичного изображения человека. В России начинает получать распространение такое явление как светская живопись. Светские живописцы 17 века изображали царей, полководцев, бояр. В 17 веке, в культуре Росси, в том числе и в живописи происходит процесс «обмирщения». Все больше и больше в жизнь русского общества проникают светские мотивы. Россия встала на новый путь, на порог новой эпохи своей истории. На новом пути было многое обретено, но и немало утрачено.

В русской живописи 18 века продолжался процесс обмирщения, который начался еще в предыдущем веке. Свидетельством данного явления стало развитие портретной живописи. 18 век русской живописи, подарил нам несколько замечательных художников, прославившихся именно в написании портретов. Речь идет о Никитине, Матвееве, Адольском и Зубове. Эти художники утверждали новый, светский принцип русской живописи 18 века. Рисуя портреты, художник обращался к человеку, пытаясь понять темперамент и особенности индивида, стремясь точно отобразить свои наблюдения на холсте. Кроме портретного жанра, русская живопись 18 века, развивает такие направления как пейзажи, батальную живопись и батальную гравюру. В построении произведения входят перспектива, глубина и объемность изображения на плоскости, направление света. Искусство начинает становиться более реалистичным. Во второй половине 18 века русская живопись становится более сложной в жанровом составляющем. Формируется целая система жанров живописи: портретная, историческая, пейзажная, монументальная. Большое значение Академия художеств, придавала исторической живописи. Обращаясь к героям русской истории, живописцы стремились разбудить в русском народе патриотические чувства. Больших успехов в жанре исторической живописи добился художник Лосенко, не отставал от него и его коллега Угрюмов. В русской живописи 18 века, пейзаж становиться самостоятельным жанром. Признанными мастерами написания пейзажей стали: Щедрин и Алексеев. Тонкие акварели запечатлели различные живописные уголки русских городов и деревень. Культурным центром русской живописи 18 века становится Эрмитаж. В 1764 году было положено начало формирования новой коллекции художественных достояний… Русская живопись 18 века очень оригинальна и интересна. 18 век подарил нам много замечательных художников и их великих произведений.