2. Искусство свободной фигурации

Свободная фигурация (Figuration libre), Граффити (Graffiti). Движение возникло во Франции начале 80-х гг., в разгар успеха минимализма и концептуализма. Это свободная фигуративная живопись, ее сюжет – общество с проблемами секса, насилия, страдания, которые его характеризуют. В Германии аналогом этого движения является Нео-экспрессионизм и Нео-фовизм, в Италии- Транс-авангард, в США – Плохая живопись.

Франция:

Реми Бланшар – см. Нео-экспрессионизм

Франсуа Буарон – см. Нео-экспрессионизм

Робер Комбас – см. Нео-экспрессионизм

Эрве ди Роза – см. Нео-экспрессионизм

Ришар ди Роза (Richard Di Rosa) 1963

США:

Жан-Мишель Баския – см. Нео-экспрессионизм

Кенни Шарф – см. Нео-китч

Ронда Цвиллингер – см. Нео-китч

Кит Харинг – см. Плохая живопись

Ли Кинонес (Lee Quinones) 1960

Билет № 2

1.Начало русского авангарда – обьединение “Бубновый Валет”

(Кончаловский и Машкова)

«Бубновый валет» — первоначально такое название получила выставка художников (декабрь 1910 — январь 1911), впоследствии вошедших в одноимённое творческое объединение, с 1911 — Общество художников «Бубновый валет». На первых порах объединение включало преимущественно московских живописцев — впоследствии в него входили петербургские художники и представители других городов, в выставках участвовали многие художники из Западной Европы (французы и немцы). Существовало до декабря 1917 года. В марте 1927 года в Третьяковской галерее состоялась ретроспективная выставка произведений художников группы «Бубновый валет».

Происхождением своим название выставки и объединения обязано двум ассоциациям, и построено на недвусмысленной игре слов: до 1917 года «бубновыми валетами» называли каторжников (в том числе, с определённого времени, немалой частью — политических) — тюремное одеяние их представляло собой длинную серую посконную робу-балахон, на спину которой нашивался чёрный ромб — что, как и всегда, должно было делать обладателя такого наряда «клеймлённым» и приметным; второй, также «семиотический» намёк, подразумевал толкование, источником имевшее старинный французский карточный жаргон, в соответствии с которым вальтовый (фр. valet — слуга, лакей) номинал в сочетании с бубновой мастью (фр. Carreau — квадратики) считался и звался — «мошенником», «плутом». Всё это и должно было вызывать у добропорядочных обывателей определённую реакцию: у кого — юмористическую, у других — невольного содрогания, у третьих — раздражение и ханжеское возмущение.

Кончаловский Петр Петрович (1876 г. - 1988 г.) - русский, советский художник, мастер театральной декорации.

На Украине прошли ранние годы Петра. Однако вскоре его отец, выходец из литовских дворян, Петр Петрович Кончаловский старший за участие в революционном движении оказался в ссылке. Семья на время была вынуждена перебраться в Харьков. Здесь подросток получил первые художественные навыки в рисовальной школе М. Д. Раевской-Ивановой.

В первопрестольной Петр Петрович старший становится крупным книгоиздателем, благодаря чему его сын знакомится с рядом известных мастеров, таких как В. И. Суриков (будущий тесть художника), И. Е. Репин, М. А. Врубель, В. А. Серов, К. А. Коровин. Живопись последнего оказала значительное влияние на творческое развитие Кончаловского. По совету Коровина начинающий художник отправляется учиться в парижскую академию Р. Жюлиана (1896). Завершающим этапом художественного образования Петра Кончаловского стала петербургская Академия художеств

После окончания Академии Кончаловский предпринимает поездки во Францию и Германию (1907-1909). За границей он испытывает влияние живописи постимпрессионистов: творчество Гогена, Ван Гога, Сезанна производят на него неизгладимое впечатление.

Петр Кончаловский принимает участие в московской выставке молодых художников "Бубновый валет", затем (1911) становится одним из учредителей одноименного общества, которое стало значительным явлением в русском искусстве. Известный художник и критик А. Н. Бенуа назвал представителей "Бубнового валета" "русскими сезаннистами". Однако творчество членов объединения не ограничивалось постимпрессионизмом. В их работах прослеживался также дух кубизма и фовизма, наблюдались нотки русского лубка.

дети в парке

семейный портрет

Илья Иванович Машков родился 17 июля 1881

Еще когда Илья учился в трехклассной приходской школе, у него проявился интерес к "изобретательству" разных механических приспособлений и к рисованию. Но уже в одиннадцать лет его отдали "в люди". Сначала он был "мальчиком" у торговца фруктами и бакалейными товарами, а затем служил у купца, владельца магазинов и заводов Юрьева в городе Борисоглебске Тамбовской губернии. Позже Илья Машков вспоминал: "Изо дня в день с 7 утра до 9 вечера надо было стоять на ногах. 14 часов! Я все это ненавидел". Единственной радостью было для него копировать иконы, репродукции с картин, лубки и делать "торговые плакаты". По газетному объявлению он выписал себе ящик масляных красок. Но когда учитель рисования Борисоглебской мужской гимназии Н. Евсеев поинтересовался у него, хочет ли учиться рисованию, он в ответ спросил: "А разве этому учатся?" И. Машков в 1904 году ушел из училища и открыл частную студию живописи и рисунка, в которой преподавали А. Михайловский, Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Кончаловский. Студия существовала до 1917 года, и через нее прошло более трех тысяч человек. В студии в разное время занимались такие известные в будущем художники, как Фальк, Татлин, Осмеркин, Мухина, Соколов-Скаля.

Илья Иванович Машков – знаменитый русский художник начала двадцатого века. В своих работах автор отдавал предпочтение натюрмортам, изображая красоту ягод, цветов, фарфоровых фигурок и других предметов домашней утвари. Наиболее известным натюрмортом мастера кисти была картина «Клубника и белый кувшин», написанная в 1943 году. В ее создании использованы типичные для Машкова яркие, сочные краски и крупные мазки. На картине изображены спелые, сочные ягоды - прекрасное дарование русской земли.

На переднем плане картины искусно красуются спелые крупные ягоды клубники. Каждая из них как будто расположена таким образом, чтобы показать себя с наилучшей стороны. Две самых спелых и больших клубнички изображены слева, их спелость еще более выразительна в подсветке солнечными лучами, которые падают слева на стол. Остальные ягоды клубники расположены правее на столе, они уже не настолько яркие, но тоже спелые. Хотя есть справа две некрупных ягодки и чуть-чуть недозревших. На заднем плане картины тоже есть клубника, она горкой уложена на серебряном блюде.В центре картины расположена мисочка с синей каемочкой, наполненная ягодами черной и белой смородины. В центре слева смородина очень хорошо подсвечивается солнечными лучами. И от этого блеска ягоды черной смородины выглядят как драгоценные черные жемчужины, а ягоды белой смородины создают впечатление рассыпанных бриллиантов. В центре картины стоит прозрачная ваза с веточками черной и белой смородины. И завершает композицию на темном фоне заднего плана большой пузатый глиняный кувшин. Он выполнен в белом цвете и тем самым уравновешивает цветовую композицию всей картины. Интересно, что в этом кувшине? Возможно свежее парное молочко. Картина как будто излучает тепло прекрасного летнего солнечного дня. Как чудесно летом! Как прекрасны дары природы

художник влюбленный в цвет

девушка на табачной плантации

портрет художника мильмана