2.Искусство трансавангарда
Трансаванга́рд — течение в европейском искусстве. Термин был введен в 1979 году итальянским критиком Акилле Бонито Олива и буквально означал «после авангарда». Понятием трансавангарда впервые было определено творчество итальянских художников, работавших в неоэкспрессионистической манере. Но идея быстро получила мировое признание. В работе “Интернациональный трансавангард”, написанной в начале 1980-х гг. в соавторстве с европейскими и американскими художественными критиками, А. Бонито Олива объединил под этим названием немецкий неоэкспрессионизм, аргентинскую новую образность, французскую свободную фигуративность. А. Бонито Олива говорит, что трансавангард – это “культурная атмосфера, в которой существует искусство последнего художественного поколения” ; “трансавангард – это единственно возможный ныне авангард”. Эстетическое кредо трансавангарда заключается в утверждении новой живописности, экспрессивности, фигуративности, телесности, сильно выраженного личностного начала. Свободное сочетание любых художественных стилей прошлого и свобода историко-культурных ассоциаций е препятствуют в его эстетике стремлению к подлинности. В отличие от постмодернистов современные трансавангардисты ставят серьезную задачу постижения бытия. Трансавангард – это хронологически поставангард, но это такой «пост», который: - существует в ситуации неистребимого художественного плюрализма (и плюрализма средств выражения, средств существования); - поэтому вполне органично апеллирует к самым разным традициям и вдохновляется разными проектами, включая отнюдь не авангардистского характера традиции большого размера (реализм, романтизм и др.); - в принципе не отказывается ни от каких средств традиционного авангарда (включая, например, сюрреализм, дада и пр.); - отталкивается прежде всего от непосредственно предшествовавшей ему парадигмы концептуализма, в рамках которой искусство потеряло связь с человеческой жизнью и свелось к игре мыслительными мнимостями.
Сандро Киа «Человек с черепом»
Билет №4
1.Выставки русских авангардистов «Ослинный хвост» «Мишень»
Ослиный хвост — художественное объединение, организованное М.Ф. Ларионовым и Н.С. Гончаровой в 1912 году.
Объединение существовало в начале 1910-х годов. Название своё получило благодаря выставлявшейся в 1910 г. на выставке в Париже картине, нарисованной хвостом осла. К 1913 г. объединение «Ослиный хвост» фактически распалось. На своих выставках «Ослиные хвосты» показывали не только собственные работы, но и произведения детей, «творчество» московских маляров, замечательные вывески тифлисского примитивного живописца Нико Пиросманишвили, которого они открыли для художественной общественности. Художники, участвовавшие в выставке «Ослиный хвост», стремились соединить живописные приёмы европейской школы с достижениями русской вышивки, лубка, иконописи. Скрытый протест против западного влияния содержался и в самом названии объединения. Это был намёк на скандальную ситуацию, возникшую в парижском «Салоне независимых» 1910 г. Противники новых форм в живописи попытались выдать за шедевр авангардного искусства холст, размалёванный хвостом осла.
Участникам выставок не удалось создать цельного направления, и каждый пошёл своим путём, но для большинства исследователей название «Ослиный хвост» прочно связано с понятием «примитивизм», и прежде всего с творчеством его лидеров.
"МИШЕ́НЬ" — выставка группы русских художников-авангардистов, проведенная в Москве в марте — апреле 1913 г. Лидер группы М. Ф. Ларионов (см. лучизм) рассматривал ее как декларацию собственного направления после скандальных выставок "Бубновый валет" и "Ослиный хвост" в 1910—1912 гг. В экспозиции участвовали А. И. Абрамов, В. С. Барт, Н. С. Гончарова, К. М. Зданевич, М. В. Ле-Дантю, К. С. Малевич, М. З. Шагал, А. В. Шевченко и другие. Там же показывали детские рисунки, работы самодеятельных художников, уличные вывески и картины
2. Оп-арт или новая тенденция
Еще перед Второй мировой войной, многие художники абстракционисты, поиски которых основывались исключительно на оптических явлениях, используемых ими не в нарративных целях, но лишь для научной строгости, стремились создать новый тип окружающего мира, способный изменить человеческое поведение или, по крайней мере, приукрасить его.Нельзя провести определенной границы между оп-артом и кинетическим искусством, потому что обе эти фор мы искусства имеют не только общее наследие, но, фактически, и одинаковые цели. Оп-артисты отрицали своих <знаменитых предков>, таких ,однако они высоко оценили вклад в создание оп-арта группы художников во главе с Вазарели. Чтобы достичь внешних оптических эффектов, оп-артисты используют материалы, не относящиеся к живописи (металл, стекло, пластик), но имеющие отражающую поверхность. Эта же цель навела художников на мысль использовать выразительные возможности ткани и прозрачных материалов излюбленный прием рекламы и печати, шокирующий и достигающий немедленного результата. Оптическое искусство — искусство зрительных иллюзий. Художникиоп–арта создают свои произведения, обращаясь не к эстетической стороне восприятия, а к разуму человека.
Ведь изображение существует не только на холсте или бумаге, но прежде всего, формируется в голове зрителя. Иллюзии зрения возникающие, при восприятии рисунка выполненного в определенной технике, позволяют превратить обычные плоские изображения в движущиеся, объемные композиции. Игра с чередованием линий, кругов, сфер, граней, отрезков и даже цветов трансформирует простой рисунок в загадочную головоломку, смысл которой хочется отгадать. Задача оп-арта – обмануть глаз, спровоцировав его на ложную реакцию, что вызывает "несуществующий" в действительности образ. Сторонники оп-арта создают свой особый мир, уникальные произведения, которые не имеют ничего общего с окружающей действительностью, но отличаются гипнотической притягательностью, которая влечет зрителя.
Оп–арт открывает перед человеком красоту и выразительность геометрического рисунка, который, не смотря на свою внешнюю четкость и неизменность, позволяет по новому взглянуть на возможности обычных форм и фигур, способных перевернуть окружающее пространство.
Билет № 5