1. «Золотой век» испанской живописи. (Эль Греко, д.Веласкес).

С 80-х годов 16 века по 80-е годы 17 века – Испания переживала активный политический, экономический и культурный подъем. Этот период был назван «золотым веком» испанской культуры. Идет возвышение католической церкви в ходе испанской Реконкисты. Что сильно отражается на идеалах общества 17 века. Церковь и аристократы – главные заказчики в мире искусства.

Эль Греко (настоящее имя Диего Теотокоппули) – знаменитый испанский художник, мастер, сумевший точно почувствовать и наиболее полно выразить идеалы испанского общества. Молодость художника прошла на Крите (он там родился), работал иконописцем, что очень сильно отразилось на его творчестве; путешествовал по Италии, изучал творчество Тициана, Микеланджело.

Для его картин характерно

• Вертикальная композиция.

• Эффект лишения персонажа твердой основы.

• Причудливая деформация фигур и планов, словно в зеркале с кривой поверхностью.

• Изображение разнообразных событий и подчеркнуто вневременная одежда.

• Иконописная проработка лиц.

Э.Греко постоянно находился в поиске светового решения своих картин: это и эффект искусственного освещения и бьющий неоткуда, не имеющий реального источника свет. В лицах героев прослеживается постоянно сила духа и мысли. Для портретов характерна точная психологическая характеристика.

Другим ярким представителем «золотого века» был Диего Веласкес. Своим творчеством словно остановил жизнь Испании 17 века. Начинал Веласкес с простых картин, изображающих сцены из народной жизни , так называемые «бодеонес». Свое развитие Веласкес получил под влияние творчества Тициана, встреч с Рубенсом и посещением Италии. Для его картин свойственна психологическая достоверность передачи характеров в портретах королевской семьи, придворных, шутов и карликов короля. Активное использование цвета для уточнения психологической характеристики. В некоторых картинах ( «Менины», «Венера перед зеркалом», «Пряхи») он использует так называемый эффект зеркала (изображение не видимого, стоящего за спиной зрителя).

Творчество обоих художников является как бы двумя полюсами испанской культуры.

8 Билет экзамен . Жанр натюрморта в живописи. Система аллегорий в живописи.

Nature morte – «мертвая природа» (итальянский). Если вспомнить, что послужило возникновению натюрморта, то можно смело заявить, что толчком для его появления послужил еще обыкновенный обычай средневековых рыцарей избирать себе для турнира короткие девизы, наносившиеся на оружие, одежду и предметы быта. Кроме девизов информация зашифровывалась и в рисунках, в них выражалось личные принципы рыцаря. Появляются простые рисунки, которые сопровождаю девиз. Таким образом появлятся эмблема. Разгадывание эмблем становится традиционным времяпровождением светского общества «галантного века». Сборники эмблем служили так же словарями, откуда черпали аллегории авторы живописных аллегорических полотен и натюрмортов.

Натюрморт изначально появляется как часть картины, ее фон, деталь, украшение интерьера. Окончательную самостоятельность он получил в 17 веке в живописи голландцев, фламандцев и нидерландцев. Особое место натюрморты занимали в живописи Нидерландов. Там в 17 веке создаются целые центры натюрмортов. Например:

картины «завтраки» были популярны в буржуазном городе Харлеме;

• аристократический Утрехт, славился цветоводством, поэтому там были распространены «Цветочные букеты»;

• для портового города были характерны «рыбные композиции;

• «ученые натюрморты» распространены в университетском городке Лейден.

Смысл натюрморта всегда был зашифрован с помощью предметов, извлеченных из привычного человеческого быта. Из них составлялись новый, глубоко символичный мир натюрморта. Натюрморт стал своеобразной « игрой со зрителем», которому предлагается разгадать символический смысл композиции. Натюрморт появился именно в 17 веке, потому что само время располагало к этому. Времена «галантного века» были раскованы, игривы, загадочны и таинственны. Загадка была во всем, даже в повседневности. Обычное общение кавалеров и дам предполагало разгадки всевозможных тайн, аллегорий и символов. Все вокруг люди стремились зашифровать в символы. Поэтому натюрморт – это дитя «галантного века».

Наиболее части в натюрморте появляются символы:

• розы, полевых цветов. Насекомых – говорящих о краткости человеческого существования;

• бабочки и стрекозы – спасение души4

• песочные часы, дымящаяся трубка, мыльные пузыри, карточные домики – быстротечность жизни;

• старые книги – ушедшее время;

• музыкальные инструменты – «звук их так прекрасен и мимолетен»;

• цветы. Колосья, фрукты, лимоны – символы времен года;

Композиции цветочных натюрморты были более сложные, они делились на следующие типы:

• радиальная композиция – где главный цветок тот, который был на скрещении стеблей;

• ковровая композиция – где иерархия цветов выстраивается сверху вниз;

• треугольная композиция – центром служит осевой цветок, а остальные группируются по обе стороны от него;

Отсюда, исходя из заданных композиций, и формируется и смысловые зоны цветочного натюрморта:

• низ – знаки бремени (сломанные или увядшие листья цветы лепестки, пустые раковины, гусеницы, мухи);

• середина – символы скромности и чистоты (ландыши, фиалки, незабудки, цикламены);

• верх – венец добродетели (крупный одиночный цветок);

В середине 17 века распространяются натюрморты с пресмыкающимися, земноводными и другими животными. Традиционно были символичны следующие:

• змеи, мыши, лягушки, ежи – дьявольские животные;

• гусеница, куколка, бабочка – человек живет на земле, умирает, дальнейшая жизнь;

• белка – труд;

• попугай – красноречие;

• обезьяна – человеческие пороки;

• кошка и мышь – темные силы, дьявол и человеческая душа;

• собака – охрана разума от темных сил.

Таким образом делая вывод из всего вышесказанного, можно увидеть, что натюрморт = это композиция, постоянно напоминающая обывателю о быстротечности жизни, бренности существования и смысле бытия.

№23.