Російське образотворче мистецтво XVIII-XIX ст.

Європеїзація всіх областей російської життя, пов'язана з діяльністю Петра I, породила в російській мистецтві паралельне існування кількох стильових напрямків. Тільки з середини століття починається вже більш відповідне загальноєвропейській художній культурі розвиток таких стильових напрямів, як бароко, рококо, а потім класицизм.

Російське бароко

Цар Петро почав запрошувати в Росію майстрів барокової архітектури і посилати своїх перспективних молодих художників і архітекторів на навчання за кордон. Перший етап розвитку цього стилю в Росії отримав назву"петровське бароко". У числі знаменитих архітектурних будівель - московський Петровський шляховий палац Меншикова вежа на Сухаревський площі, храм Покрова Богородиці в Філях. Особливе місце займає церква Знамення Пресвятої Богородиці, побудована в підмосковному селі Дубровиці на замовлення князя Голіцина на рубежі XVII-XVIII ст. До центрального четверику примикають напівкруглі обсяги. У центрі височіє восьмигранна вежа, завершена формою, уподобленной царській короні. Восьмикутні вікна, скульптура, величезна кількість криволінійного декору, сходи навіть з боку вівтаря - все це абсолютно нові прийоми і деталі для російської архітектури того часу.

Весь вишуканий наряд храму виконала з подільського вапняку велика артіль російських каменерізів. Зберігся іконостас і галерея-балкон виконані в складній дерев'яному різьбленні з розфарбуванням і позолотою. Церква включена в "Список всесвітньої спадщини" ЮНЕСКО. Оцінили красу і високий символізм будівлі творці останньої міжнародної екранізації роману "Війна і мир", розмістивши зображення цієї церкви на заставці до всіх серіях фільму.

До російського бароко відноситься собор Успіння Богоматері в Смоленську. Його будівництво було розпочато в 1677 р. під керівництвом московського майстра Олексія Королькова, собор будувався в кілька етапів, останні роботи велися вже в наші дні. Після перебудови у 1772 р. архітектором П. І. Обуховим собор набув рис європейської барокової будівлі. Зведений на високій частині міста і має вражаючі розміри, він став своєрідним символом західного російського міста, де цілком природним був процес зіткнення московської і західноєвропейської культур. В інтер'єрі собору багато ікон і вишивок, з яких сама примітна - плащаниця з майстерні Ефросиньи Старицької.

Але головні досягнення російського бароко пов'язані з більш пізнім періодом історії. Росія - одна з країн, де бароко буде існувати довго.

Самі блискучі архітектурні досягнення цього стилю пов'язані з отцем і сином Растреллі. Батько, Бартоломео Карло Растреллі, не заживши слави в рідній Флоренції, довго працював у Франції, отримав там від Людовіка XIV графський титул. Після смерті короля був запрошений у Росію царем Петром в 1716 р. і приїхав вже з сім'єю, учнями, помічниками. Найкращі скульптурні роботи Бартоломео Карло Растреллі створив саме в Росії. Це портрети царя Петра - бюст і кінна статуя, яка сьогодні стоїть перед Михайлівським замком у Санкт-Петербурзі. Растреллі-батькові належать багато портрети соратників Петра. Але, мабуть, найкраща його робота - бронзова скульптурна група "Імператриця Анна Іоанівна з арапчонком".

Однак головним внеском родини Растреллі в російську культури стала творчість сина скульптора, Франческо Бартоломео Растреллі. Між батьком і сином не було повної ясності в творчому відношенні. У ранній період творчості батько виступає як автор будь-яких робіт, вироблених ними обома, пізніше ролі міняються. З 1730 по 1763 р. граф Ф. Б. Растреллі є придворним архітектором. В цей період за його проектами і з його участю створено шедеври російської архітектури, визнані у всьому світі.

Растреллі-молодший із захопленням вивчав палацові та храмові російські споруди допетровського періоду, в подальшому це виразиться в плануванні його будівель, в поєднанні західних барокових мотивів із російськими традиціями. До того ж в його архітектурних ансамблях відчувається єлизаветинська епоха з її демонстративної розкішшю, набагато перевершує сьогоднішні уявлення про почуття міри. Картинний зал в Катерининському палаці оформлений пишно, по моді того часу: шпалерна розвіска живописних полотен по всій площі стін, великі віконні прорізи, заквітчаний стелю, різьблені двері, візерунчастий паркет, - однак це достаток декору органічно і відзначено високим смаком. Підсилює враження анфіладне перспектива, за якої кімнати переходять з однієї в іншу і пишність однієї очевидно доповнюється пишністю цілого.

Палац і парковий комплекс зі знаменитими фонтанами в Петергофі, Зимовий палац, Великий Катерининський літній палац у Царському Селі, Андріївська церква в Києві, Смольний монастир, палаци в Мітаві і Руентале (нині територія Литви), Строгановский палац, включаючи їх інтер'єри - ось неповний список праць Ф. Б. Растреллі. Всі будівлі носить емоційно насичений характер. Яскрава поліхромія, багатство скульптурної обробки, позолота - все це в поєднанні з точним баченням будівлі на місцевості з урахуванням архітектурного контексту робить будь-який з цих комплексів незабутнім.

Поряд з Растреллі працювали архітектори Д. В. Ухтомський, М. Р. Земцов, СІ. Чевакінскій і безліч інших соратників і помічників. У Росії мистецтво бароко відобразило зростання і зміцнення дворянської абсолютистської монархії. При загальній для бароко станової природі російське бароко було вільно від екзальтації і містицизму, властивих цьому стилю в католицьких країнах. Характерною національною рисою російського бароко в архітектурі став величний розмах ансамблів, їх урочиста ясність і цілісність композиції. В образотворчих мистецтвах саме в цю епоху починається звільнення від церковних сюжетів і перехід до світських жанрів: портретів, пейзажів, жанрових сцен.

Російське бароко закінчується разом з царюванням імператриці Єлизавети Петрівни (1709-1761). Зійшла на престол Катерина Друга була прихильницею класицизму і з перших же днів свого правління почала привертати до двору архітекторів, які відповідали її запитам.

XVIII ст. - час розквіту портретного живопису. Мистецька лінія російського портрета зберегла свою самобутність, але одночасно вбирала західні традиції. Найбільш відомі художники петровського часу - A. M. Матвєєв та І. Н. Нікітін - основоположники російської світської живопису. Мальовничому майстерності вони навчалися за кордоном. Портрети Андрія Матвійовича Матвєєва (1701 - 1739) відзначені невимушеністю поз і правдивістю характеристик. Йому належить перший в російській мистецтві "Автопортрет з дружиною" (1729). Іван Микитович Нікітін (ок. 1690-1742) домагався у своїх портретах передачі характерних індивідуальних рис моделі, виразності зображуваних предметів. В портретах "Напольний гетьман" (1720-ті) і "Петро I на смертному ложі" (1725) художник набагато випередив своїх сучасників по глибині і форм художнього вираження.

Особлива сторінка російського класицизму - портретний жанр. Поява портрета в Петровську епоху було, за словами академіка В. Е. Грабаря, "одним з головних факторів, що вирішили долю російської живопису". До кінця 1720-х рр. намітився поворот до "придворному" напрямку в живопису. Кращі портретисти XVIII ст. - В. Я. Вишняков, А. П. Антропов, Ф. С. Рокотов, Д. Т. Левицький, В. Л. Боровиковський, скульптор Ф. В. Шубін. Це був час інтенсивного розвитку особистості, що знайшло відображення в портретних зображеннях їхніх сучасників.

Портрети Олексія Петровича Антропова (1716-1795) ще зберегли зв'язок з парсуни. В той же час їх відзначає правдивість характеристики людської особистості. Такий портрет Петра III (1762).

У XVIII ст. з'явилася мода на сімейні портретні галереї. Великий шанувальник мистецтва граф П. Б. Шереметєв звернув увагу на самородний талант свого кріпака, послав його вчитися в іноземних художників, і з молодого живописця виріс чудовий портретист Іван Петрович Аргунов (1729-1802). Художник був відзначений прихильністю і Єлизавети Петрівни і Катерини Другої, яка, побачивши свій портрет, написаний художником "напам'ять", зауважила, що "в роботі та ідея хороша, також і в особі схожість є", а потім навіть побажала позувати кріпосного живописцю. Сімейні портрети Шереметєвих, князя і княгині Лобановых-Ростовських, подружжя К. О. і Г. М. Хрипуновых та інші створюють новий для Росії тип інтимного (камерного) портрета. У 1767 р. Аргунов написав портрет улюблениці Ст. А. Шереметевой - дівчинки-килимчики Аннушки. Це полотно вважається однією з перлин його творчості.

Федір Степанович Рокотов (1735-1808) одним з перших у Росії освоїв мистецтво парадного портрета (портрети Катерини Другої, Голенищева-Кутузова). У Москві він засновує своєрідну школу московського портретного мистецтва. Він знайшов у цьому місті коло освічених людей, опозиційний петербурзького вищого світу з його показним блиском. Художник залишив нам чудові портрети найосвіченіших людей свого часу, перших московських красунь та інтелектуалок. У цих камерних портретах немає зовнішніх ефектів, але є щирість, натхненність. Єдиний ряд утворюють портрети в. І. Майкова, А. В. Воронцова, А. П. Струйской. Останній з названих портретів, славимо поетами трьох століть, по складності передачі натури, по психологизму і проникливості стоїть серед кращих жіночих портретних зображень всіх часів.

Тонкі по живопису та глибоко поетичні портрети Ф. Рокотова пройняті усвідомленням духовної та фізичної краси людини - "Невідома в рожевій сукні" (1770), портрет Ст. Е. Новосильцевой (1780), портрет Струйской та ін.

Емоційний вплив картин Рокотова пояснюється артистичною грою світлотіні на його полотнах. Обличчя немов виступають з глибокого мороку, потік неяскравого, але інтенсивного світла як би стоншує фігури, при цьому часто не висвітлюючи всю модель в цілому, але лише вихоплюючи її фрагменти: одну щоку, висунуте вперед плече, шию. Легкі мазки рідкими білилами або рожевою фарбою створюють мерехтливу фактуру мережив, стрічок та коштовностей.

В останній період своєї творчості Рокотов особливо наближається до канонів європейського класицизму. Його палітра ніби світлішає, обсяги робляться більш рельєфними, в картинах з'являється більше ясності та визначеності. Ошатність і імпозантність портретів поєднується зі значущістю зображуваних осіб - їхні обличчя сповнені благородного гідності і деякого зарозумілості (портрети Ст. Е. Новосильцевой, подружжя Суровцевых, Е. В. Санті).

Найбільшим портретистом того часу був Дмитро Григорович Левицький(1735-1822). Він створив чудову серію парадних портретів - від портрета Катерини Другої (1783) до портретів московських купців. В його творах урочистість поєднується з барвистим багатством. Життєвістю наповнені його жіночі портрети, особливо "смолянок" - учениць Смольного інституту.

Творчість Володимира Лукича Боровиковського (1757-1825) відрізняє поєднання декоративної тонкощі і витонченості з вірною передачею характеру. Він малює портрет на тлі м'якого пейзажу. Чудовий його ліричний портрет чарівної молодої жінки М. І. Лопухіної (1797).

Образотворче мистецтво XVIII ст. зробило значний крок вперед у розвитку світського спрямування. Розвитку російського мистецтва сприяло заснування у 1757 р. Академії мистецтв. Протягом багатьох десятиліть XVIII ст. Академія була єдиним в Росії вищим мистецьким закладом, провідним напрямком якого стає класицизм. Його високі ідеали, громадянські та патріотичні ідеї служіння Вітчизні, захоплення красою людини були б неможливі без філософії просвітителів XVIII ст. У тісному зв'язку з класицизмом розвивався і сентименталізм.

У другій половині XVIII ст. починається розквіт російської скульптури, представленої іменами Ф. В. Шубіна, Ф. Р. Гордєєва, М. І. Козловського, В. П. Мартоса.

Відомий скульптор Федір Іванович Шубін (1740-1805), земляк М. в. Ломоносова, холмогорский селянин. У дев'ятнадцять років талановитий юнак відправився у Петербург. Спочатку він був грубником, а потім учнем Академії мистецтв (за класом Н. Жилле), удосконалював свою майстерність за кордоном. Він створив галерею психологічно виразних скульптурних портретів - бюсти A. M. Голіцина (1775), М. Р. Паніної (1770-ті), В. Р. Орлова (1778), П. В. Завадовського, М. в. Ломоносова (1790-е).

Ф. Шубін працював не тільки як портретист, але і як декоратор. Він виконав 58 овальних мармурових історичних портретів для Чесменського палацу (знаходяться в Оружейній палаті), скульптури для Мармурового палацу і для Петергофа, статую Катерини II - законодавиці (1789-1790).

Разом з вітчизняними майстрами в Росії з 1766 по 1778 р. працював французький скульптор Етьєн-Моріс

Фальконе (1716-1791). В пам'ятнику Петру I на Сенатській площі він висловив своє розуміння особистості Петра, її масштабу і ролі в долі Росії. Фальконе писав у листі до Д. Дідро, що прагнув втілити образ творця, перетворювача, законодавця. Цей пам'ятник, винесений на одну з найкрасивіших площ Петербурга, став пластичним чином цілої епохи.

В останній чверті XVIII ст. виділився як самостійний пейзажний жанр. Витоками пейзажного жанру послужили ведута петровського часу (у гравюрі) і фантастичні пейзажні фони в декоративних панно середини XVIII ст. Видатні пейзажисти XVIII ст. - С. Ф. Щедрін, М. М. Іванов, Ф. Я. Алексєєв, Ф. М. Матвєєв.

У XVIII ст. в Росії створюється одна з найбагатших художніх колекцій світу, початок якої покладено приватними зборами картин західноєвропейських майстрів, придбаними Катериною Другою. Музею, датою заснування якого вважається 1764 р., в Зимовому палаці були спочатку відведені зали Малого Ермітажу (від фр. ermitage - місце усамітнення). Колекція творів мистецтва поповнювалася, у 1852 р. був добудований Новий Ермітаж, і шедеври стали доступні для огляду публіки. В Ермітажі також влаштовувалися театральні вистави та музичні вечори.

Російський класицизм перетворився в панівний стиль в останній третині XVIII - першій третині XIX ст. Процес формування нації, піднесення державності і небувалий для Росії розквіт світської культури були тим грунтом, яка мала патріотичний пафос російського класицизму. Твори раннього класицизму ще несуть на собі сліди впливу бароко (1760-1770-і рр.: А. Ф. Кокорін, Ж.-Б. Валлен-Деламот, Ю. М. Фельтен, К. І. Бланк, Антоніо Рінальді). Майстра зрілого класицизму (1770-1790-ті рр.) - в. І. Баженов, В. О. Старов, М. Ф. Козаків - створюють будови з пластичної диференціацією фасадів, беруть активну участь в організації просторово-планувальної структури міста. Розвивається новий тип камерного палацу (Чарльз Камерон, Джакомо Кваренгі), виникає російський варіант палладіанства (Н.А. Львів). У Петербурзі вперше була поставлена і вирішена проблема поєднання регулярних почав симетрично-осьовою планування з вільним простором річки. Розробляються регулярні плани більш ніж чотирьохсот міст, "зразкові проекти" майже всіх типів міських споруд. Формуються ансамблі центрів Полтави, Твері, Ярославля та ін. Величні ансамблі та окремі завдання (переважно в Петербурзі) створюють А. Д. Захаров, Ж.-Ф. Тома де Томон, К. І. Россі, В. П. Стасов. У Москві будівництво ведуть Д. І. Жилярді, О. В. Вові, А. Р. Григор'єв. Особливо характерним для Москви стає тип невеликого особняка з портиком на фасаді, з затишним інтер'єром. Багато з цих особняків згоріли у пожежі 1812 р.

Тонким своєрідністю і поетичністю відрізняються міські особняки і сільські садиби російського класицизму, в яких форми і декор знаходять органічне втілення в дереві.

Василь Іванович Баженов (1737-1799). Учень Чевакинского і Ухтомського, багато років навчався та стажувався у Франції та Італії. Один з його перших великих проектів - Смольний інститут благородних дівиць. Сучасники захоплювалися проектом, але далі дифірамбів справа не пішла. Реальне будівля Смольного зведено Кваренгі.

Перший здійснений проект Баженова знаходиться на Василівському острові, це палац для майбутнього імператора Павла. З тих пір він неодноразово перебудовувався, але, за свідченням сучасників, у первісному вигляді був дуже красивий.

Баженов переїжджає до Москви і тут осмілюється запропонувати проект перебудови Кремля. За задумом Баженова, слід упорядкувати притаманну московському Кремлю хаотичність забудови, звести новий палац, реконструювати весь архітектурний ансамбль і Червону площу так, щоб Кремль перетворився на грандіозний громадський форум, до якого стікалися б вулиці міста. Проект так і не був втілений - почасти в цьому була винна епідемія чуми 1717 р., але головне - Катерина II опиралася звеличення Москви. Баженов важко і болісно переживав припинення будівництва.

Тим часом Баженов на Ходинському полі будував химерні дерев'яні павільйони для святкування перемоги над турками. Імператриці Катерині сподобалися павільйони, і вона замовила Баженову побудувати для неї в Москві резиденцію в такому ж вигадливому дусі. На схилі пагорба, що спускається до великого ставка, Баженов розташував безліч порівняно невеликих будівель з червоної цегли. Цегла був ефектно відтінений вставками з різьбленого білого каменю. Десять років будував Баженов Царицино. Нарешті, імператриця відвідала будівництво і залишилася незадоволена. Приміщення здалися їй маленькими і тісними. Палац для Павла був рівний її палацу - в цьому Катерина побачила натяк на те, що їй пора йти з престолу. Імператриця усуває Баженова і передає переробку палацу Казакову. Палац споруди Баженова був знесений, почали зводити новий, за проектом Казакова, але і він не був завершений. Реконструйований палац в середині 2000-х рр.

Баженов, як вважають фахівці, побудував і прикраса Москви - знаменитий будинок Пашкова на Ваганьковському пагорбі. Великий знавець російської архітектури В. Грабар писав: "Важко знайти більш досконале взаимосоотношение частин, ніж тут". Сьогодні будівля входить в комплекс Російської державної бібліотеки. Воно, на думку багатьох, - найкрасивіший і вдало розташований будинок у Москві.

Після цього Баженов будував в Кронштадті казарми, сухарний завод, склади. Тут було не до архітектурних шедеврів. Після смерті Катерини перед майстром відкриваються великі перспективи, його обдаровують чинами і посадами, ведуть мову про нових великих замовленнях, але пізно. Баженов захворює і незабаром йде з життя.

Чарльз Камерон (1743-1811) - російський архітектор, англієць за національністю.

До моменту приїзду в Росію Камерон був відомий як автор книги "Терми римлян". Його запросили як фахівця для будівництва в Царському Селі "терм". Він повинен був звести будинок, де в одній особі можна було б зустріти Цезаря, Цицерона та Мецената". Вперше отримавши можливість втілити свої принципи, Камерон гарячково працює над залами Царськосельського палацу і Агатовыми кімнатами. Він стає і архітектором Павловська. Пізніше він був призначений архітектором при Адміралтействі, але ця робота не була творчою. Пізніше Камерону і А. Захарову доручили грандіозний проект Андріївського собору в Кронштадті і в 1817 р. храм був побудований. До наших днів він не зберігся - був зруйнований у 1932 р.

Джакомо Кваренгі (1744-1817), італійський архітектор, з молодих років був популярний у замовників. Він працював для Риму, Бергамо, за його проектами будували в Англії, Швеції. У 1780 р. він з родиною приїжджає до Москви. Він будує церкви, перебудовує Катерининський палац у Москві. Будівля Академії наук у Петербурзі є однією з найбільш вражаючих будівель класицизму в Росії - будівля з восьмиколонним портиком іонічного ордера і фронтоном, який у проекті був прикрашений статуями. Потім йому доручають перебудувати Ермітажний театр, що він і зробить з блиском.

Кваренгі виграє конкурс на спорудження для графа Шереметьєва садиби Останкіно - перлини російського класицизму. Майстер будує в цьому палаці театр. Потім він зводить Олександрівський палац у Царському Селі - архітектурну антитезу Літнього палацу Растреллі. Олександрівський палац - окремо стояча відкрите будівля з типовою для класицизму колонадою - чудово вписується в парк. На жаль, палац сильно постраждав від німців у Велику Вітчизняну війну і тільки в наші дні майже повністю відреставрований.

Пізніше він будує два навчальних заклади: Катерининський інститут і широко відому будівлю Смольного інституту шляхетних дівчат. Воно входить в чарівний контраст з поруч розташованим Смольним собором і Смольним монастирем, побудованими Растреллі. Цей ансамбль є одним з найкрасивіших в Санкт-Петербурзі.

Останньою роботою архітектора стали Нарвські Тріумфальні ворота, встановлені на честь перемоги над Наполеоном. Помер Кваренгі в Росії, вважаючи її до цього часу своєю справжньою батьківщиною.

Карл Іванович Россі (1775-1849) народився в Росії, вчився у В. Ф. Тлінна, був у творчому відрядженні в Італії. Після повернення працював у Москві, а також у Твері. Там він створив ряд проектів як для центру Твері, так і для повітових міст: Торжка, Бежецка, Кашина і ін Багато хто з цих будівель збереглися.

Потім архітектор повертається у Петербург та отримує завдання облаштувати острова на Неві, тоді ще малозаселені. Кращий твір цього часу у Россі - забудова Єлагіна острова. На "стрілкою", що виходить у море, побудований головний палац. Россі планував не одну будівлю в окремо, його архітектура організовувала навколишній простір: так, на Єлагіному острові він розмістив і пристань, і мости, і парк, і оранжерею, і навіть кухні та стайні. Для того часу це один з найбільш продуманих і гармонійних ансамблів.

Россі доручають кілька великих споруд у Петербурзі. Він працює над проектом Михайлівського палацу, в якому в наші дні розташований Державний Російський музей. Портик з коринфськими колонами, фронтон, багато прикрашений скульптурою. Будівля чудово по пропорціях і дуже урочисто. Сьогодні воно є окрасою площі Мистецтв.

Разом з Бренна Россі будував також Михайлівський замок. Ця будівля виглядає більш присадкуватим і важким. Події там вбивство імператора Павла надає будівлі додаткову похмурість. Історія Михайлівського замку так вражає, що їй присвячені численні літературні твори, у тому числі роман Ольги Форш, де головним героєм є зодчий Россі. Пізніше у замку розмістили військово-технічний навчальний заклад, він став називатися Інженерним замком. Сьогодні воно віддано музеям під виставковий комплекс.

Потім Россі було запропоновано завершити ансамбль Двірцевій площі. Він проектує просте, дивно красива будівля Головного штабу. Воно півколом охоплює площу. Простота будівлі доповнюється красивими групами коринфських колон на рівні другого поверху. На вулиці Мільйонній, точніше, над проїздом на неї, Россі ставить дві арки, одна обличчям до площі, інша - до вулиці. Це оригінальне рішення організує велике міське простір. Арки прикрашають ліпні зображення летять геніїв Слави і скульптурна композиція - колісниця Слави з фігурами воїнів і крилатої богині Перемоги - Ніки. Над цими скульптурними групами працювали відомі майстри С. с. Пименов і в. І. Демут-Малиновський. Справжня арка згоріла, на її місці встановлено копію.

Грандіозні роботи велися Россі при будівництві Олександрійського театру. Він не тільки збудував одну з найкрасивіших театральних будівель світу, але і перетворив навколишні квартали. Головний фасад театру звернений до Невського. Перед театром розбитий не надто густий сквер, щоб зелень не приховувала красу будівлі, вона повинна радувати око йдуть по тротуару Невського проспекту, а задній фасад виходить в бік Мийки. Простір від театру до річки організовано в симетричну вулицю, яка сьогодні носить назву вулиця Зодчого Россі. На ній всього два однакових будинки, прикрашених по першому поверху аркадами, а з другого - здвоєними доричними колонами. Вулиця виглядає як урочистий концертний зал, та й використовується саме так під час фестивалю "Білі ночі": біля театру споруджується сцена, а сама вулиця служить партером.

В одному з цих будинків розташовувалося хореографічне училище, сьогодні - Академія танцю ім. А. Я. Ваганової. Сама велика викладачка класичного танцю застерігала керівництво театру, що ніколи нікуди переносити училища з цієї вулиці не треба: найдосконаліші в світі лінії петербурзького балету залежать від краси вулиці Зодчого Россі: учні щодня отримують уроки класичної краси, просто проходячи по ній.

Россі брав участь у конкурсі на створення нового для фасаду будівлі Сенату. Він знову запропонував комплексне рішення, в якому передбачалася організація не тільки сенатського фасаду, але і перетворення площі Петра Першого з пам'ятником роботи Фальконе. Проект Россі був прийнятий. Він зробив фасад Сенату і Синоду з сильно виступаючими пілонами, особливо по боках арки і на заокругленій кутку по набережній. Всі будівля набула урочистий і строгий вигляд, що відповідає призначенню державної установи. Россі був дружний з імператором Миколою I і не отримав гідної винагороди за свою працю. Але багато в чому саме його стараннями Петербург став одним з найкрасивіших міст світу.

Класицизм в області живопису в Росії представлений широко і різноманітно. Видатними живописцями цього напряму були А. П. Лосенко, Р. В. Угрюмов, А. В. Іванов, A. A. Іванов. До найбільш яскравим досягненням російського класицизму відноситься рання творчість Карла Павловича Брюллова (1799-1852). Він багато разів їздив на південь Європа, природа якого тоді розглядалася як зразково прекрасна. Освіта художник отримав у дусі класицизму вже в Росії, але до цього його підготувало знайомство з італійським і західноєвропейським мистецтвом. Вже перші виставлені їм картини показують, що молодий художник володіє яскравою індивідуальністю, темпераментом, не дуже підходить до канонів класицизму, проте в цих роботах переважає класична школа ("Італійський полудень", "Вірсавія").

Брюллов домагається враження безпосередності, жвавості в побутових замальовках, в портретах. У 1830 - 1833 рр. художник працює над самою знаменитою своєю картиною, що прославила його і в Росії, і в Європі: "Загибель Помпеї". Відомий історичний епізод - загибель античного міста через виверження Везувію - трактується Брюлловим як висока трагедія. Прекрасні, благородні люди безсилі перед природною стихією, але їх стійкість волає не стільки жалю, скільки до гордості за цих героїв. Багато чого в картині свідчить про виховання художника в дусі класицизму: умовне побудова груп, виразність фігур, драматизм переживань, читається на обличчях помпеян, складний пейзажний фон. Однак успіх картини пояснюється не тільки бурхливим драматизм сцени, блиском і яскравістю фарб, композиційним розмахом, скульптурної чіткістю і виразністю форм. Автор переконливо показав, що ніякі самі нещадні й невідворотні сили не в змозі знищити людину в людині. Навіть у мить неминучої загибелі кожен із зображених не стільки шукає власного порятунку, скільки прагне насамперед врятувати близьких і дорогих для неї людей.

Тріумф, пережитий творінням Брюллова, знали деякі художні твори. Коли автор прибув в Одесу, то вже там почалися вшанування, а особливо захоплено його зустрічали в Москві - поетичними строфами Е. А. Баратинським:

Приніс ти мирні трофеї

З собою в батьківську сень,

І став "Останній день Помпеї"

Для російської кисті перший день!

На творі Брюллова лежить чіткий відбиток впливу романтизму. Він позначається і у виборі теми, і її трактування, і в тривожному вогняному колориті. Але, з іншого боку, не можна не бачити, що художник прагне розкрити красу людини перш за все в гармонії і досконалості, що характерно для академізму. Художника не випадково називали "генієм компромісу" між ідеалами класицизму і нововведеннями романтизму.

У наступні роки Брюллов стає майстром парадного портрета, створюючи справжні шедеври. Така "Вершниця", портрет Джованнины Пачіно; портрети Ст. А. Перовського, Ю. П. Самойлової з Амалією Пачіно. Більш строгі і стримані портрети Брюллова належать до великих досягнень російського реалістичного портрета (автопортрет, портрети Н.В. Лялькаря, В. А. Крилова, А. Н. Струговщикова). У цій живопису видно прагнення до психологизму, до розкриття складного характеру і внутрішнього світу зображуваних осіб.

Група учнів і послідовників Карла Брюллова організувала так звану брюлловской школу. На жаль, вони засвоїли тільки зовнішні прийоми художника, ідилічні риси його пошуків. Вони залишилися в рамках салонного сентименталізму і красивості. До найбільш відомим художникам цієї школи належать Ф. Я. Капков, A. M. Максимов, П. Н. Орлов та ін Багато хто дослідники відносять сюди і Тараса Шевченка. Він дійсно відчув у молодості сильний вплив Брюллова і як особистості, і як художника. Але пізніше він знайшов власний шлях.

Початок XIX ст. ознаменувалося в мистецтві розквітом романтизму.Представником романтичного напрямку в живопису був російський художник і художник Орест Кіпренський (1782-1836). Він ріс у сім'ї дворового людини, але, як вважають, був незаконнонародженим сином господаря садиби, який визначив його в Академію мистецтв, дарував вільну. Дуже скоро після закінчення Академії Кіпренський отримує широку популярність як портретист. Серед його героїв - багато видатні люди того часу. Одне з кращих його творів - портрет гусара Євграфа Васильовича Давидова, двоюрідного брата героя війни 1812 р. Дениса Давидова. У портреті перш за все передається пристрасність характеру героя. Вона відчувається у всьому його зовнішності - в кілька картинної позі, в гарячому погляді темних очей, в непокірних завитках волосся. Давидов зображений на тлі пейзажу з грозовими хмарами, предвещающими очисну грозу. Давидов у Кіпренського - типізований образ романтичного героїчного сучасника, майбутнього учасника війни 1812 р.

Інший відомий портрет - прижиттєвий портрет Олександра Сергійовича Пушкіна. У посланні до художника A. C. Пушкін писав про портреті: "Себе, як у дзеркалі, я бачу, але це дзеркало мені лестить". Після смерті ліцейського друга А. Дельвига Пушкін викупив портрет у його вдови. І портрет завжди висів у робочому кабінеті петербурзької квартири поета. Полотно виконане в гамі чорно-коричневих тонів, стриманість яких підкреслюється картатій підкладкою плаща, перекинутого через плече. Руки, схрещені на грудях, надають фігурі стійкість. Твір показує неколебимость духу поета в роки тяжких випробувань, що випали на частку передових людей Росії після поразки повстання декабристів. Кіпренський перший з російських живописців завоював всеевропейское визнання, або, як сказав інший знаменитий художник - A. A. Іванов, "перший вніс ім'я руське в популярність в Європі". У портретах Кіпренського знаходять втілення тонка духовність, складна внутрішня життя людини, його творча індивідуальність.

Романтизм мав істотний вплив на формування російського пейзажу(роботи С. Ф. Щедріна (1791 -1830), М. Н. Воробйова (1787-1855). До романтикам відносять зазвичай і відомого художника-мариніста В. К. Айвазовського (1817-1900).

Традиції романтизму відчувалися в російській художній культурі протягом усього XIX ст. Поряд з цим вже в 1830-х рр. починає складатися потужне напрямок реалістичного мистецтва. Досить згадати творчість А. Р. Венеціанова (1780-1847), одного з основоположників побутового жанру ("На ріллі", "Захарка", "На жнивах" і т. д.), роботи в батальном жанрі Ст. Ст. Верещагіна (1842-1904), художника, який особисто брав участь у бойових діях і показав жахи війни в її непарадних проявах: кров, рани, важка повсякденна праця простих солдатів, трагізм смерті, що стала повсякденністю ("Апофеоз війни", 1871, "Балканська серія", 1877-1881).

Основоположником критичного реалізму в російській живопису прийнято вважати П. А. Федотова (1815-1852). Виріс в небагатій родині в патріархальному Замоскворіччя, володіючи спостережливістю, він точно передав у картинах дух і звичаї купецтва ("Розбірлива наречена", "Сватання майора"). Гумором і навіть іронією пройняті сюжети картин "Свіжий кавалер", "Сніданок аристократа" ("Ранок чиновника, який отримав перший хрестик"), "Левиця" ("Дружина-модниця"), сумом віє на глядача від милого обличчя молодої вдови ("Вдова"). Федотов - визнаний майстер деталі, кожен предмет на його "сюжетних" картинах не тільки надає зображенню достовірність, але і несе в собі додаткове смислове навантаження, що дозволяє глибше зрозуміти характер зображуваних персонажів.

Кроком на шляху до реалізму, зробленому історичної живописом, стала картина "Явлення Христа народу" Олександра Андрійовича Іванова (1806-1858). A. A. Іванов був сином професора, вчився в Академії мистецтв і при випуску був відзначений Великою золотою медаллю. Це дало йому право на поїздку в Італію, де він присвятив всі наступні роки пошуків сюжету для великої картини з глибоким морально-філософським змістом, а потім здійснення задуму.

У картині "Явлення Христа народу" (1837-1857) Іванов показав юдеїв, що приймають хрещення на річці Йордан. У цей момент відбувається диво - до народу є той, чий прихід повинен був здійснити докорінний переворот у житті людства. Картина створювалася більше двадцяти років. За цей час змінилися історичні умови, що викликало еволюцію образів картини. Найменш виразним вийшов образ Христа, а на перший план висунулася народна маса, в якій найглибше враження справляє образ раба.

Він написаний поряд з фігурою свого власника, що сидить спиною до глядача і одевающегося після хрещення. Прийнявши нову віру, господар вирішив не звертати на неї раба, так як вважав, що догмат християнства "всі люди - брати" може поширюватися після хрещення тільки на вільних людей. Однак раб вірить, що Христос несе нові життєві заповіді для всіх - і для вільних, і для рабів. Допомагаючи господареві одягнутися, він повернув голову в бік Івана Хрестителя, що звіщає про появу Христа, і посмішка надії освітив його хворобливе, зоране зморшками обличчя. Образ раба сприймається як узагальнений образ усього пригнобленого і страждаючого народу. У цьому образі художник передав і друк багаторічних принижень, і благородну красу людського духу, і віру в прийдешнє звільнення. Сила емоційного впливу картини полягає в тому, що художник намагався передати релігійний сюжет як реальна подія. Він зробив безліч етюдів, писав з натури пейзаж, вивчав геологічну будову русла річки Йордан, щоб домогтися найбільшої правдоподібності.

Яскравим представником нового критичного напряму в живопису бувВасиль Григорович Перов (1834-1882). Художник з викривальним пафосом показує різні сторони простий буденного життя: непривабливий вигляд деяких священнослужителів ("Сільський хресний хід на Великодня", "Чаювання в Митищах"), безпросвітну життя російських селян ("Проводи небіжчика", "Останній шинок у застави"), побут міської бідноти ("Трійка") та інтелігенції ("Приїзд гувернантки в купецький дім"). Картина В. Р. Перова "Трійка" (1866) справила глибоке враження. Підлітки-робітники і дівчинка впряглися в сани і з нелюдським зусиллям втягують на гору величезну обледенілу бочку з водою. Колорит картини навмисне затемнений, щоб підкреслити тяжкість положення простої людини. У картині строго продумані як важливий елемент впливу на глядача сіра пляма монастирської стіни, яка служить фоном сцени, загальна сувора тональність зимового пейзажу.

На рубежі 1860-1870-х рр. Ст. Перов пише портрети Ф. М. Достоєвського, А. Н. Островського, Тургенєва І. З.. У пізніх роботах Ст. Перова сатира змінюється гумором ("Мисливці на привалі", "Птахолов").

Народження спочатку Артілі незалежних художників з її запереченням умовності і одноманітності класичних сюжетів і композицій, прагненням до широті і різнобічному охопленням в живопису (1865), а пізніше - Товариства пересувних художніх виставок (1870), прагне донести здобутки російської реалістичної живопису до широких глядацьких мас в різних містах Росії, було зумовлене всім ходом розвитку образотворчого мистецтва в Росії.

Ідейними вождями і натхненниками передвижників були І. Н. Крамськой(1837-1887) і критик Ст. Ст. Стасов (1824 - 1906), біля витоків руху також стояли Р. Р. М'ясоїдів, H. H. Ге і В. Р. Петров. До Товариства увійшли талановиті художники обох столиць: А. К. Саврасов, В. М. Прянишников, К. А. Савицький, В. М. Касаткін, М. П. Клодт, А. В. Корзухін, В. М. Максимов, Ф. А. Васильєв, В. о. Дубовський, В. О. Маковський, І. в. Шишкін, в. І. Якобі та інші видатні митці. Пізніше в Товариство вступили В. Е. Рєпін, в. І. Суріков, І. в. Левітан, брати A. M. і В. М. Васнецови, В. Д. Полєнов, С. А. Коровін, А. Е. Архипов, в 1900 р. В. А. Сєров. Передвижники щорічно влаштовували нові огляди своїх робіт, учасниками виставок Товариства були такі відомі майстри, як М. В. Нестеров, А. П. Рябушкін, В. П. Трутнєв, скульптор М. М. Антокольський.

Картини передвижників стали основою колекції Російського музею і майбутньої Третьяковської галереї. (Її засновник, П. М. Третьяков, підтримував художників, купуючи у них картини для свого приватного зібрання, яке потім подарував державі.)

Порвавши з академізмом, передвижники звернулися до правдивого зображення історії та життя народу, рідної природи. Кожен з майстрів цього напряму заслуговує окремого розбору їх творчої спадщини, оскільки кожному була властива художницька індивідуальність - неповторні неголосні пейзажі рано пішов Васильєва, прозорі ліричні пейзажі Левітана відрізняються від живопису "царя російського лісу" Шишкіна, від чарівних пейзажів Куїнджі. Витончена русская старина живопису Нестерова контрастує з яскравістю картин Рябушкина і яскравими полотнами братів Васнецових, художників істинно російських по духу. Полонять внутрішнім світлом картини Ярошенка про знедолених людей нижчого стану, яких намагалися не помічати в суспільстві, повагою і любов'ю до трудівникам і годувальникам землі руської сповнені твори Прянишникова і Мясоєдова.

Вершиною демократичного реалізму в російській живопису другої половини XIX ст. справедливо вважається творчість В. Е. Рєпіна (1844-1930) і в. І. Сурикова (1848-1916). Перше полотно, прославило в. І. Сурікова, - "Ранок стрілецької страти" (1881). Потім пішли "Меншиков в Березові" (1883), "Бояриня Морозова" (1887). У цих роботах живописець з вражаючою глибиною проникнення в історичне минуле художніх образів розповів про потужних душевних переживаннях не тільки народу, але і непересічних особистостей.

На стику століть розвивається творчість К. А. Коровіна та Н.До. Реріха - митців, які стали гордістю Росії. Коровіна притаманна експресивна манера письма, контрастні за кольоровим рішенням його холодні північні і повні сонячного світла південні морські пейзажі. Коровін - видатний портретист, справжнім шедевром вважається його портрет Ф. В. Шаляпіна, що перевершує по глибині проникнення в образ і мальовничого рішенням численні портрети співака кисті не менш талановитих художників Ст. Сєрова, А. Головіна, Б. Кустодієва, В. Рєпіна та інших.

Яскраві, життєрадісні картини художника, мислителя, добровільного бранця Гімалаїв Миколи Реріха відтворюють романтизований образ Давньої Русі, її славної історії. Декорації художника до опери А. П. Бородіна "Князь Ігор" відрізняє бездоганна стилізація. Гімалайські цикли Реріха, що занурюють глядача в безмовну космічну атмосферу величних гір, повні таємного філософського сенсу.

Багатством відрізняється і російська скульптура цього періоду - це реалістичні твори СМ. Волнухина (і серед них пам'ятник першодрукареві Івану Федорову), імпресіоністські, виразні скульптурні портрети П. П. (Паоло) Трубецького, сповнені прихованої внутрішньої сили роботи М. М. Антокольського. Гуманістичним пафосом, а часом і глибоким драматизмом відзначено творчість A. C. Голубкіної і СТ. Коненкова.

Образотворче мистецтво Росії XIX ст. різноманітно за стильовими напрямками і школам. Але ще більшу різноманітність течій, об'єднань, угруповань, смакових уподобань ми знаходимо в кінці XIX - на початку XX ст. Багато художники "in de siècle" відчули потребу в оновленні художньої мови. На зміну реалізму в Росію приходить зародився на заході стиль модерн, він на два десятиліття стає одним з провідних в російській мистецтві. Яскравими його представниками стали художники знаменитого об'єднання "Світ мистецтва".

Одним з головних культурних центрів Росії XIX - XX ст., що зіграв важливу роль у становленні російського мистецтва, було Абрамцево - садиба в Сергієво-Посадському районі Московської області. У 1843 р. Абрамцево придбав СТ. Аксаков, до якого приїздили письменники Н.В. Гоголь, Тургенєв І. З, поет Ф. В. Тютчев та ін В 1870 р. після смерті Аксакова садиба перейшла до СІ. Мамонтову. З цього часу Абрамцево стає одним з центрів художнього життя Росії. Тут працювали В. М. Васнецов, В. Д. і Д. Е. Поленовы, М. В. Нестеров, К. А. Коровін і багато інші художники, вони активно цікавилися російською історією та культурою, збирали і вивчали твори селянського мистецтва, прагнучи відродити народні художні ремесла. У садибі відкрилася школа для селянських дітей та столярно-резчицкая майстерня, керамічна майстерня М. А. Врубеля. Тут за участю Ф. В. Шаляпіна, К. С. Станіславського регулярно влаштовували аматорські вистави.

Естетика модерну виявилася близька для абрамцевских художників, найбільш значним і самобутнім виразником тенденцій символізму та модерну в російській живопису і активним учасником "Світу мистецтва" бувМ. А. Врубель (1856-1910), творчість якого відноситься до рубежу XIX - XX ст. Він розписував храми, писав панно для інтер'єрів будівель, оформляв вистави, створював архітектурні проекти. Сюжети багатьох картин Врубеля відверто фантастичні. "Міфологічність" Врубеля, рішучість вигадки були рисами нового мистецтва. Він створював світ, побудований за внутрішніми законами мистецтва. Як справжній романтик, він відчував минуле справжнім живим. За спогадами однокласників, Врубель був "чужинцем" у класах петербурзькій Академії мистецтв і по-справжньому навчався в улюблених майстрів Візантії, іконописців італо-критської школи і мозаїчистів собору Сан-Марко у Венеції. У творчості Врубеля з'єднуються експресія, фантастика, магія форми, естетизм, любов до казкових сюжетів. Свою дружину, співачку Н.І. Забелу, художник зобразив в образі царівни Волхова з опери М. Римського-Корсакова "Садко". Казкова живопис перлинних і райдужних, опалових фарб, за словами художника, виникла під впливом музики, в якій він "чув море" і "бачив фантастичні тони" ("Царівна-лебідь", "Перлина", "Морська царівна"). Своєрідність врубелевской живописної манери полягає в нескінченному дробленні форми на межі, як би пофарбовані зсередини світлом і кольором, зразок кристалів або фантастичних кам'яних квітів.

Свого "Демона сидячого" Художник зобразив саме серед таких фантастичних рослин-кристалів на гірській вершині. Переважання холодних тонів в кольоровій гамі, де збільшене барвисте пляма кобальтового кольору покривала Демона знаходить колористичний повтор у загальній тональності лілово-синій сутінок, що спускається на планету, відразу ж відганяє всяку думку про торжество зла, що суперечить міфотворчого поданням про Демона як образі титанічної руйнівної енергії. Погляд врубелевского героя повний безнадійної туги, плечі поникли, м'язисті руки зчеплені і безвольно опущені на коліна - прекрасний юнак занурений у глибокий болісний роздум. Врубелю була співзвучна лермонтовська трактування образу Демона - молодого "занепалого ангела", який підняв бунт проти деспотизму Бога і поваленого на землю небесним воїнством. Вічна тема боротьби добра зі злом - тема Демона - одна з головних у творчості Врубеля: майолике "Голова Демона" (1888), на мальовничих полотнах "Демон сидячий" (1890), "Демон летить" (1899) і "Демон повержений" (1901 -1902), в акварелях-ілюстраціях до поеми "Демон (ювілейне видання творів М. Ю. Лермонтова, 1891) постає і "приходько туманний і німий, сяючи красою неземною", і "сумний Демон, дух изгнанья", і Демон-бунтар з палаючими очима, і повержений, але гордовитий Демон - "злий дух", в пронизливому погляді якого "старовинної ненависті отрута".

Закономірно звернення М. Врубеля, як і багатьох інших майстрів модерну, до кераміки. Композицію "Принцеса Греза" художнику вдалося реалізувати в майоліковому панно на фасаді одного з кращих будівель московського модерну - готелі "Метрополь" (проект архітектора Ст. Валькота, 1898-1903).

Про своїй картині "Бузок" (1900) художник сказав, що не хотів би бачити її в музеї, тому що "музей - це покойницкая", а волів би бачити її "вправленої в стіну в житловому будинку, щоб вона цілком злилася зі стіною". Схоластичны суперечки про те, чи слід вважати Врубеля художником модерну і символистом. Цей майстер працював у період модерну і не міг залишитися поза умов часу, але його творчість виходило за межі будь-якого художнього напряму, течії і стилю, як у кожної талановитої людини. "Його мистецтво - одне з кращих виразів тієї закоханості в дивне, яка охопила людей в кінці XIX століття".

Сильний вплив Врубеля випробували майже всі великі російські художники XX ст. Його манера писати "різнокольоровими кубиками" (за словами Ф. В. Шаляпіна) інший раз трактувалася як напередодні кубізму. Фахівці вважають, що Він стоїть біля витоків практично всіх авангардних пошуків російського мистецтва XX ст.

Поряд з Врубелем родоначальником російської живопису XX ст. визнають також В. А. Сєрова (1865-1911). Прославили його картини "Дівчинка з персиками" і "Дівчина, освітлена сонцем" з'явилися в кінці 1880-х рр.., коли художнику ледь виповнилося 20 років. У них фахівці виявляють перше і найбільш сильний для національної традиції вираження принципів імпресіонізму. На рубежі століть Сєров стає кращим російським портретистом. Особливий світ являють твори "сільського Сєрова" - етюди і картини з сільськими пейзажами і жанровими сценками. Вплив Сєрова на російське мистецтво було дуже значним.

Видатним архітектором російської, московського модерну був Федір Осипович Шехтель (1859-1926). Художник-ерудит, поет і романтик, Шехтель використовував прийоми стилізації. Його перший архітектурний шедевр - особняк З. Р. Морозової в Москві (1893-1896). "Готичний зал" особняка вражає відчуттям дійсності Середньовіччя. Панно в "готичному залі" створені за малюнками М. А. Врубеля. Інші інтер'єри оформлені в стилі ампір і "четвертого рококо". Наступна робота Ф. Шехтеля - особняк СП. Рябушинського у Москві (1900-1902) - демонструє нову пластику, подібну французькому ар нуво. "Застигла хвиля" сходи особняка Рябушинського нагадує скульптуру, її форма викликає в уяві фантастичне чудовисько, вона изобразительна і абстрактна в один і той же час. Неможливо сказати, де закінчується конструкція і починається декор, де площину стіни переходить в рельєф, а рельєф - скульптуру, вітраж - у віконний палітурка, а світильник - перила сходів. Орнаментально трактованная конструкція плавно перетікає в конструктивно потрактований орнамент; площина - обсяг, а обсяг - у простір. Це класика модерну. Наступні роботи Ф. Шехтеля в Москві демонструють вплив віденської школи О. Вагнера. Такий стиль Московського Художнього театру - розроблений Шехтелем проект будівлі, його інтер'єрів, малюнок завіси, включаючи "чеховську чайку", світильники, геометричний орнамент, що нагадує античний меандр. Серед характерних московських будівель в стилі модерн можна виділити видавництво І. Д. Ситіна на Тверській (архітектор А. Е. Еріх-сон, 1904-1906), будинки Міндовського на Кухарській і Ісакова на Пречистенці (Л. Н. Кекушев, початок 1900-х рр..). У рамках модерну, але як особлива його різновид, розвивався неорусский стиль - національно-романтичну течію, перерабатывавшее форми давньоруського і народного зодчества: церква Марфо-Маріїнської обителі на Великій Ординці, будівля Казанського вокзалу (архітектор A. B. Щусєв) та ін.

Діапазон мистецтва модерну широкий. У багатьох будинках петербурзьких "класичного модерну" стиль не проявляється в "чистому вигляді". Наприклад, в будівлі Вітебського вокзалу класична колонада доричного ордера поєднується з рослинним орнаментом у стилі ар нуво і відкритими залізними конструкціями. То ж змішання елементів різних стилів можна бачити в будівлях Торгового дому братів Єлісєєвих в Москві та Петербурзі. Однак подібні з'єднання різнорідних елементів не створюють еклектичного враження: навпаки, вони викликають відчуття цілісності, оскільки пронизані єдиним динамічним формотворчим початком.

Найяскравішим вираженням прагнення до синтезу різних видів мистецтва та подолання меж окремих методів, жанрів, стилів є творчість художників об'єднання "Світ мистецтва" і знамениті "Дягилевские сезони" в Парижі. Національно-романтичний рух знову проявилося в Росії в діяльності майстрів абрамцевского гуртка і садиби Талашкіно. Причому в роботах майстрів неоросійського стилю національні теми, сюжети і форми з'єднувалися з прийомами стилізації, виробленими в мистецтві західноєвропейського модерну. Характерно нове звернення художників модерну до "єгипетського стилю". Як і в мистецтві французького ампіру початку XIX ст. (пор. шинуазрі у мистецтві рококо), мотиви Давнього Єгипту просто і природно входили в архітектуру модерну, піддаючись легкої стилізації під смаку часу. Інша течія національно-романтичного напряму представляє "північний модерн". Раціоналістичні тенденції і неокласицизм породили оригінальну "модернізовану класику". У ці ж роки створювали свої найкращі творіння прихильники "чистої класики", стилизаторы І. А. Фомін, А. В. Таманян, В. В. Жолтовський, В. А. Щуко, А. В. Щусєв. Зароджувалосяконструктивистское протягом. Останнє, на думку багатьох дослідників, свідчить про те, що мистецтво модерну до початку XX ст. завершило не тільки власний цикл розвитку, але і взагалі класичну епоху європейського мистецтва. Модерн вже в той час називали "останньою фазою мистецтва минулого століття... зітханням вмираючого століття". В історії мистецтва модерн так і залишився "перехідним періодом". Модерн прагнув протиставити характерним для XIX ст. еклектичним запозиченням з мистецької спадщини минулого цілісне естетичне світовідчуття (створюване за допомогою синтезу мистецтв і широкого застосування нових матеріалів і конструкцій). Однак відмова від ідей мистецького перетворення життя привів у подальшому до відмови від художності взагалі і появи авангардистських течій конструктивізму, функціоналізму, абстрактивизма, футуризму.